Strömungen in Kunst und Malerei

ABSTRAKTER EXPRESSIONISMUS

J. Pollock. Moby Dick.1943

Eine Bewegung der abstrakten Kunst, die in den 1940er Jahren in den USA entstand und vor allem durch die Werke der New York School repräsentiert wurde. Der abstrakte Expressionismus setzte die „Befreiung“ der Kunst von jeglicher Kontrolle durch Vernunft und logische Gesetze fort. Sein Ziel war der spontane Ausdruck der inneren Welt des Künstlers, seines Unterbewusstseins in chaotischen, abstrakten Formen. Sein zentrales Gestaltungsprinzip war der spontane, automatische Farbauftrag auf die Leinwand, der ausschließlich unter dem Einfluss mentaler und emotionaler Zustände erfolgte.

F. Klein. Schwarz auf Grün, Rot und Gelb. 1948

In schnellem Rhythmus bedeckten die Künstler die Oberfläche der Leinwand mit großen, energischen Pinselstrichen, wobei sie häufig die Technik des Dripings (Farbspritzen oder Herausdrücken aus einer Tube) verwendeten. Der Entstehungsprozess eines Gemäldes fand oft öffentlich statt: Vor dem Publikum wurde eine ganze Performance aufgeführt, bei der die Gesten und Bewegungen des Künstlers eine ebenso aktive Rolle spielten wie die Farbströme, die über die Leinwand fielen und flossen.

Der Abstrakte Expressionismus dominierte die amerikanische Kultur bis in die frühen 1960er Jahre, wurde zu einer der ersten ernsthaften Bewegungen in der amerikanischen Malerei und beeinflusste die Entwicklung der Weltkunst.

Abstraktionismus

V. Kandinsky. Komposition 8 1913.

Einer der wichtigsten künstlerischen Trends in der Kunst des 20. Jahrhunderts, bei dem die Struktur des Werkes ausschließlich auf formalen Elementen basiert – Linien, Farbflecken, abstrakte Konfiguration. Abstrakte Werke sind von den Lebensformen selbst losgelöst: Nicht-gegenständliche Kompositionen verkörpern die subjektiven Eindrücke und Fantasien des Künstlers, den Fluss seines Bewusstseins, sie erzeugen freie Assoziationen, Gedankenbewegungen und emotionale Empathie.

Es ist unmöglich, den genauen Zeitpunkt der Entstehung des Abstraktionismus oder seinen Begründer zu benennen. Als anerkannte Inspiratoren des Abstraktionismus gelten die Künstler Wassili Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Piet Modrian, František Kupka und Robert Delaunay, die in ihren theoretischen Werken und programmatischen Aussagen die wichtigsten Bestimmungen dieser Bewegung skizzierten.

F. Leger Mädchen mit einer Blume. 1954

Der Abstraktionismus entstand als enger Trend in der bildenden Kunst. Anfang der 1930er Jahre entstanden Vereinigungen abstrakter Künstler („Konkrete Kunst“ – 1930, „Kreis und Quadrat“ – 1930 und andere), die Künstler unterschiedlicher Nationalitäten und Strömungen unter ihrem Banner versammelten. Mitte der 1930er Jahre nahm das Interesse am Abstraktionismus stark ab, und diese Vereinigungen zerfielen. Er erlebte eine Wiedergeburt in den USA, wo Anfang der 1940er Jahre der abstrakte Expressionismus entstand, der mit gegenstandslosen Formen operierte, um die innere Welt des Künstlers spontan zum Ausdruck zu bringen.

Die letzte populäre Form der abstrakten Kunst war die Pop-Art, die in den 1960er Jahren aufkam. Danach geriet die abstrakte Kunst in Vergessenheit.

AVANTGARDISMUS

P. Picasso Drei Musiker 1921

Eine Reihe innovativer, rebellischer Strömungen und Richtungen in der Kunstkultur des 20. Jahrhunderts. In verschiedenen historischen Phasen spielten aufeinanderfolgende Strömungen die Rolle der Avantgarde: Die 1900er und 1910er Jahre waren die Zeit der Entstehung von Fauvismus, Kubismus, Futurismus, Expressionismus, Dadaismus und abstrakter Kunst; in den 1920er und 1930er Jahren trat der Surrealismus in den Vordergrund; in der Nachkriegszeit entstanden neue Strömungen des Abstraktionismus: Abstrakter Expressionismus, Tachismus, informelle Kunst usw.; die 1960er und 1970er Jahre waren die Übergangszeit von der „klassischen“ Avantgarde zur Neo-Avantgarde oder Postmoderne mit ihren Komponenten: Aktionismus, Pop-Art, Konzeptualismus, kinetischer Kunst und anderen Kunstpraktiken.

AKADEMISMUS

A. Cabanel Phaedra. 1880

Eine Strömung in der bildenden Kunst, deren Grundlage die Kunstakademien bilden. Die Geschichte der Entwicklung des Akademismus ist mit der „Akademie derjenigen, die den rechten Weg eingeschlagen haben“ in Bologna (um 1585), der französischen Königlichen Akademie für Malerei und Bildhauerei (1648) und der Russischen Akademie der Drei Edelsten Künste (1757) verbunden. Die Aktivitäten aller Institutionen basierten auf einem streng geregelten Bildungssystem, das sich an den großen Errungenschaften früherer Epochen – der Antike und der italienischen Renaissance – orientierte. Aus diesen wurden bewusst einzelne Qualitäten der klassischen Kunst ausgewählt und als ideal und unübertroffen akzeptiert.

Der Weg des Akademismus in der Kunst war nicht von großen Entdeckungen oder Errungenschaften geprägt. Aufgrund seiner Künstlichkeit („Gemacht“) und seines Eklektizismus ist er kein künstlerischer Stil.

A. Bouguereau Ruhe während der Ernte. 1865

Der Akademismus erlebte im 19. Jahrhundert seine Blütezeit. In Frankreich ist dieser Trend mit dem Werk so berühmter Meister wie Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme und Paul Joseph Jamin verbunden, deren Werke sich durch ihre unübertroffene Meisterschaft in der Ausführung auszeichnen.

Die St. Petersburger Akademie der Künste beherbergte in ihren Mauern auch eine ganze Reihe weltberühmter akademischer Künstler: Karl Brjullow, Alexander Iwanow, Henryk Semiradski und Fjodor Bruni.

A. Alma-Tadema Die Entdeckung des Moses. 1904

In unserer Zeit geht der Begriff „Akademismus“ über den Rahmen einer künstlerischen Bewegung hinaus: Er hat eine zusätzliche Bedeutung erlangt und wird mittlerweile auf die Werke von Künstlern angewendet, die über eine systematische künstlerische Ausbildung und klassische Fähigkeiten zur Schaffung von Werken mit hohem technischen Können verfügen.

AKTIONISMUS

Christo und Han-Claude. Tor Nr. 53 2006

Eine allgemeine Bezeichnung für eine Reihe von Formen, die in den 1960er Jahren in der Avantgarde-Kunst aufkamen.

Der Wunsch, die Grenze zwischen Kunst und Realität aufzuheben, führt Avantgarde-Künstler dazu, nach neuen Wegen des künstlerischen Ausdrucks zu suchen, die sich von traditionellen (d. h. statischen) Formen unterscheiden, dem Werk Dynamik verleihen und es in eine Aktion (Aktion) einbeziehen. Aktion (oder die Kunst der Aktion) wird zu einem allgemeinen Konzept für künstlerische Praktiken, bei denen der Schwerpunkt vom Werk selbst auf den Prozess seiner Entstehung verlagert wird.

K. Oldenburg. Löffelbrücke mit einer Kirsche. 1985

Die Ursprünge des Aktionismus sind in den Darbietungen der Dadaisten und Surrealisten zu suchen, in den Aktivitäten abstrakter Künstler (insbesondere D. Pollock), die sich zum Prinzip des expressiven Schreibens – dem „Action Painting“ – bekannten.

ANACHRONISMUS

K. M. Mariani: Die vom Verstand geführte Hand, 1983

Eine der Strömungen der postmodernen Malerei, die eine künstlerische Interpretation der Kunst der Vergangenheit bietet. Entstanden aus der Ablehnung der Moderne (d. h. der avantgardistischen Kunstrichtung) erklärte die Postmoderne ihr Ziel in der Rückkehr zu den alten Formen, historischen Traditionen und Stilen der vorangegangenen jahrhundertealten Kultur. Auf der Suche nach neuen Formen vermischen postmoderne Künstler künstlerische Stile verschiedener Epochen und Kulturen und schaffen auf dieser Grundlage eine individuelle Mythologie, die mit der persönlichen Erfahrung des Autors korreliert.

Der Anachronismus entstand Ende der 1970er Jahre in Italien und verbreitete sich später nach Frankreich. Seine wichtigste spirituelle Quelle war das Werk Giorgio De Chiricos, der sich nach seiner „metaphysischen Periode“ in den 1920er Jahren der klassischen Kunst zuwandte. Anachronisten oder „Kulturkünstler“, wie sie sich selbst nennen, lassen sich von den Werken der Meister der Renaissance, des Manierismus und des Barock inspirieren, die sie paraphrasieren und parodieren, um die klassische Tradition in den mosaikartigen Kontext der postmodernen Kultur einzufügen.

ANALYTISCHE KUNST

P. Filonow. Bauernfamilie 1914

Analytische Kunst ist eine künstlerische Methode, die Pavel Filonov in seinen theoretischen Werken („Kanon und Recht“, 1912; „Gemachte Bilder“, 1914; „Erklärung der Weltblüte“, 1923) und in seiner eigenen Malerei entwickelte und begründete. Filonov betrachtete den Kubismus als Träger des rationalistischen Prinzips und stellte ihm das Prinzip des organischen Wachstums (wie ein Baum wächst) der künstlerischen Form und die „Gemachtheit“ der Gemälde gegenüber.

P. Salzman Dreifaches Selbstporträt. 1932

Das Prinzip des Geschaffenseins ist die zentrale Position der analytischen Kunst. Der Künstler „baut“ sein Bild, wie die Natur größere Gebilde aus Atomen und Molekülen „erschafft“. Filonow erkannte, „dass es in jedem Objekt nicht zwei Prädikate gibt, Form und Farbe, sondern eine ganze Welt sichtbarer und unsichtbarer Phänomene, deren Emanationen, Reaktionen, Einschlüsse, Entstehung, Sein, bekannte oder geheime Eigenschaften, die wiederum manchmal unzählige Prädikate haben“, und war überzeugt, dass all diese Vielfalt an Eigenschaften in der Malerei plastisch zum Ausdruck gebracht werden kann.

Bei der Schaffung eines Werkes muss sich der Künstler nicht nur auf das Offensichtliche, das Sichtbare („sehendes Auge“) verlassen, sondern auch auf das Unsichtbare („Gas kennen“, verborgene Prozesse erfassen) – die inneren Muster der Struktur und Funktionsweise des abgebildeten Objekts. Der Künstler transformiert seine innere „Vision“ des Objekts oder Phänomens in grafische und bildliche Konstruktionen, die auf dem „Gesetz der organischen Entwicklung der Form“ basieren und der Natur entlehnt sind (um nicht die von ihr geschaffenen Formen nachzuahmen, sondern die Methoden, mit denen sie „handelt“) und im Gegensatz zum „Kanon“ (künstlich konstruierte Formen).

Tatyana Glebova Farbausgabe

Durch das Verständnis dieses Gesetzes ist der Künstler in der Lage, ein bestimmtes Bild zu „machen“, das so organisch ist, dass es das Potenzial zur Selbstentwicklung hat, als ob der Autor selbst an diesem Prozess nicht beteiligt wäre (es wächst und entwickelt sich wie alles Lebendige in der Natur). P. Filonov glaubte, dass die nach seiner Methode geschaffene Kunst die Kunst der Zukunft ist, die zur „Weltblüte“ führen wird, da sie auf dem harmonischen Zusammenspiel von Mensch und Natur basiert, auf einer Reihe wissenschaftlicher Prinzipien, die sich an den Intellekt des Betrachters richten und ihn weiterentwickeln („ein Faktor in der Evolution der Intelligenz sein“). Meister der analytischen Kunst: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

U-BAHN

Oscar Rabin, „Baths (Smell the Moscow Eau de Cologne)“, 1966.

Underground (englisch Underground – Underground, Dungeon) – im engeren Sinne – jede nichtkommerzielle, experimentelle Kunst; im weiteren Sinne – ein Konzept und Phänomen, das Ende der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten entstand und „Untergrundkultur“ als integralen Bestandteil der sogenannten Gegenkultur bezeichnet, die sich den Beschränkungen und Konventionen widersetzte, die die Kulturgesellschaft dominierten. Underground-Kunst ist vom Geist der Dissidenz durchdrungen. Lehnt die in der Gesellschaft akzeptierten politischen, moralischen und ethischen Orientierungen und Verhaltensweisen ab und verletzt sie, wodurch antisoziales Verhalten in den Alltag eingeführt wird. Typische Themen des amerikanischen und europäischen Untergrunds sind die „sexuelle Revolution“ und Drogen.

Lew Kropivnitski

Während der Sowjetzeit erhielt dieses Konzept eine etwas andere Bedeutung und stärker politisierte Formen: Aufgrund der Strenge des Regimes befand sich hier fast jede inoffizielle, d. h. von den Behörden nicht anerkannte Kunst, einschließlich Musik und Literatur, im Untergrund. Von Mitte der 1950er bis Ende der 1980er Jahre. Die „künstlerische Opposition“ wurde durch die Aktivitäten vieler Vereinigungen repräsentiert, unter denen die bekanntesten die Gruppen „Lianozovskaya“ (E. und L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin und andere (von 1956 bis Mitte der 1970er Jahre)), „Sretensky Boulevard“ (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster und andere (von 1960 bis Mitte der 1970er Jahre)), „Kollektive Aktionen“ (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko und andere (seit 1975)), „Fliegenpilze“ (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko und andere (seit 1978)) waren. Die Untergrundbewegung entwickelte die Kreativität von Künstlern, die keiner Vereinigung angehörten (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), sondern Vertreter der Sozialkunst (E. Bulatov, V. Komar und A. Melamid) und anderer Avantgardebewegungen (Gruppe der Avantgarde-Künstler, Champions of the World) waren.

A. Zverev Portrait 1969

Nach dem Zusammenbruch des politischen Systems der Sowjetunion und der damit verbundenen Aufhebung der Beschränkungen und Verbote der künstlerischen Freiheit verschwand der Underground als kulturelles Phänomen. Meister des Undergrounds: Lew Kropiwnizki, Ljubow Masterkowa, Oskar Rabin, Ilja Kabakow, Ernst Neiswestny, Juri Sobolew, Julo Sooster, Kirill Swesdotschetow, Michail Schemjakin, Anatoli Swerew, Wadim Sidur, Witali Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Zeichnung - 4. Serie Berliner Zeichnungen.

Art brut (frz. Art brut – raue, rohe Kunst) ist eine europäische Kunstbewegung der Mitte des 20. Jahrhunderts. Ihr Begründer und Anführer war der französische Künstler Jean Dubuffet, der das Konzept der reinen Kunst entwickelte, einer Kunst, die Schönheit und Harmonie ablehnt. Jeder Mensch ist ein Künstler; für ihn ist Zeichnen so selbstverständlich wie Sprechen oder Gehen. Unbelastet von den Traditionen und dem Wissen einer „erstickenden Kultur“ schafft er instinktiv und direkt.

J. Dubuffet Jazzband, 1955

Art Brut ist laut Dubuffet Kreativität in Reinform: ein spontaner Geistesausbruch aus den Tiefen des Geistes und Bewusstseins, festgehalten auf Papier oder in Material verkörpert. Er wendet sich der Kunst psychisch Kranker zu, von der Gesellschaft isolierter Menschen, die nur sie als wahre Künstler betrachten und jene Subjektivität besitzen, die einem Menschen wahre Individualität verleiht.

Dubuffet kopierte zunächst ihren Stil in seinen Werken und schuf bewusst primitive, „barbarische“ Formen und Bilder, figurativ und abstrakt, die durch unerwartete Farblösungen und eine scheinbar ungeschickte Schreibweise auffielen. Und 1948 gründete er zusammen mit dem surrealistischen Schriftsteller André Breton und dem spanischen Künstler Antoni Tapies in Paris die „Company of Brute Art“, deren Ziel es war, die Kunst der Ausgegrenzten zu bewahren und zu studieren. Die gesammelte Sammlung mit rund 5.000 Zeichnungen, Gemälden, Objekten und Skulpturen bildete die Grundlage des 1976 in Lausanne (Schweiz) gegründeten Museum of Art Brut.

J. Dubuffet Selbstporträt, 1958

In der zeitgenössischen Kunst umfasst der Begriff „Art Brut“ die Arbeit von Menschen, die außerhalb der Gesellschaft existieren – psychisch Kranke, Behinderte, alle Arten von Randgruppen sowie die von diesen Beispielen inspirierten Werke von J. Dubuffet. Art Brut ist Teil einer breiteren Bewegung – der „Outsider Art“, die sich im letzten Jahrzehnt zu einer ernstzunehmenden Bewegung im weltweiten Kunstprozess entwickelt hat. In vielerlei Hinsicht ist dies das Verdienst des radikalen und militanten Intellektuellen Jean Dubuffet, der die Welt mit neuen Augen betrachtete. Meister der Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, Projekt „Petras Hütte“, 1982

Arte Povera (italienisch: Arte povera – arme Kunst) ist eine Avantgarde-Bewegung, die Ende der 1960er- und Anfang der 1970er-Jahre in der italienischen Kunst entstand und sich in anderen europäischen Ländern verbreitete. Sie basierte auf der Schaffung von Installationen aus industriellen und natürlichen Objekten, wobei die einfachsten, „ärmsten“ Materialien (wie Erde, Sand, Kohle, Müll, einfache Haushaltsgegenstände, alte, abgetragene Kleidung und Schuhe usw.) bevorzugt wurden.

Mario Merz ohne Titel

Die Arte Povera-Bewegung entstand als Reaktion auf den gesteigerten Intellektualismus und Rationalismus des Minimalismus und Konzeptualismus mit ihren teuren Materialien und Technologien zur Herstellung von Kunstobjekten. Die Künstler der Arte Povera wandten sich in ihren Werken der „Welt der einfachen Dinge“ zu, die den Menschen momentan umgeben, und versuchten, die besondere Poesie des Alltäglichen zu enthüllen, indem sie mit Kontrasten spielten – Dinge aus ihrem gewohnten Kontext rissen und sie in eine andere Realität versetzten, die Realität luxuriöser Palastsäle und Museumsräume.

L. Fontana Titel

Besonderes Augenmerk wurde auf die Heterogenität der Objekte (Gipsabdrücke von Köpfen antiker Statuen und Säcke mit Kohle- oder Gasbrennern) gelegt, kurzlebige Materialien, die sich unter dem Einfluss der Atmosphäre oder aufgrund ihrer chemischen und physikalischen Eigenschaften verändern (wie Wachs, Schwamm, Gummi usw.). Dies verlieh den Werken der Arte Povera eine gewisse künstlerische Symbolik, die sich nicht eindeutig interpretieren lässt. Kunst, die uns überall umgibt, ist flüchtig und schwer fassbar, wie ein Moment des Lebens. Sie ist vergänglich. Und daher nutzlos, aber das ist ihre Schönheit.

Meister der Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROCK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizien. Florenz. Italien

Barock ist einer der großen Stile, die die Architektur und Kunst der europäischen Länder vom Ende des 16. bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts dominierten.

Der Geburtsort des Barock (italienisch: barocco – bizarr, seltsam) ist Italien, wo die Etablierung des neuen Stils das Ende der Renaissance mit ihrer harmonischen Weltanschauung, ihrem Glauben an die grenzenlosen Möglichkeiten des menschlichen Geistes und der Ordnung der universellen Existenz bedeutete.

Die Hauptmerkmale des Barock waren Größe, Fülle an Dekor, stürmische Dynamik und das Streben nach illusorischen Effekten bei der Organisation des Innenraums – Vergrößerung der Räume mit Hilfe von Spiegeln; die Höhe der Säle dank malerischer Lampenschirme mit einer komplexen Lösung der Perspektive.

All dies entsprach einem neuen Bild des Universums – veränderlich, konfliktreich, wo das Sterbende und das Entstehende in ständiger Konfrontation stehen und der Mensch mit seinen Leidenschaften und seiner verwirrten, komplexen inneren Welt oft irrationalen Kräften ausgeliefert ist.

Simon Vouet, Heilige Cäcilia mit einem Engel. Erste Hälfte des 17. Jahrhunderts. Ungarisches Museum der Schönen Künste. Budapest. Ungarn

Es ist kein Zufall, dass sich der Barock von Klarheit und Einfachheit entfernt und eine elegante Kurve der geometrischen Strenge und einer geraden Linie vorzieht; einen Wirbel einer geordneten Bewegung; schimmernde Goldtöne, die sich unter dem Einfluss von Licht und Schatten verändern, oder helle, festliche, in ihrem siegreichen Klang unerwartet disharmonische Töne dem Lokalkolorit vorzieht.

Der Barock beeindruckt durch seine spektakulären, an Theaterkulissen erinnernden Innenräume, die kontrastierenden Kombinationen von Materialien und Texturen, die für die Dekoration verwendet wurden, und die manchmal schockierende Einbeziehung „echter“ Details in Kunstwerke, wie zum Beispiel echte Zähne und Haare bei weiblichen Statuen.

Der Barockstil schuf ein einzigartiges Ensemble, eine für ihn einzigartige Synthese aus Architektur, Monumental- und Dekorationskunst.

In jedem europäischen Land hat der Barock seine eigenen Besonderheiten, wobei die Hauptmerkmale des Stils erhalten bleiben. So wurde dieser Stil in seiner Heimat Italien am lebendigsten und früher umgesetzt als beispielsweise in Frankreich, wo im 17. Jahrhundert der Klassizismus die führende Rolle spielte.

In Russland entwickelte sich der Barock in der ersten Hälfte und Mitte des 18. Jahrhunderts. Frei von der mystischen Exaltierung, die für diesen Stil in katholischen Ländern charakteristisch ist, verherrlicht die Barockkunst in Russland die erstarkende autokratische Macht.

In der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts entwickelte sich der Barock überall hin zur anmutigen Leichtigkeit des Rokoko-Stils, koexistierte und verflochten mit ihm und wurde ab den 1760er Jahren vom Klassizismus verdrängt.

BAUHAUS

Uralter Klang, Abstrakt auf Schwarz von Paul Klee 1925

Bauhaus (deutsch: Bauhaus – „Haus des Bauens“), Höhere Schule für Bauwesen und künstlerische Gestaltung, 1919 vom deutschen Architekten W. Gropius in Weimar gegründet.

Nach der Idee des Autors war das Bauhaus dazu berufen, die „divergierenden“ Bereiche Kunst, Handwerk und Technologie zu einer „einzigen künstlerischen Produktion“ zu vereinen, sie in Form mittelalterlicher Bauzünfte zu verbinden, jedoch auf einer neuen wissenschaftlichen und technischen Grundlage. Zunächst durchliefen alle Studierenden einen sechsmonatigen Vorkurs, in dem sie Materialeigenschaften und handwerkliche Grundlagen sowie Form- und Zeichentheorie erlernten. Danach durften sie in Kreativ- und Produktionswerkstätten arbeiten, wo der Schwerpunkt auf der Unterrichtspraxis lag. Je nach Neigung der Studierenden wurden sie zu Architekten, Künstler-Designern, Fotografen und Designern ausgebildet.

Paul Klee: Klee-Analyse verschiedener Perversitäten, 1922, Sammlung

Besonderes Augenmerk legte V. Gropius auf die Auswahl von Lehrern, die seine Überzeugungen teilten: In verschiedenen Jahren arbeiteten hier die Künstler V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger sowie die Designer L. Moholy-Nagy und J. Itten.

Die Blütezeit des Bauhauses ist mit der Weimarer Zeit verbunden, die vom Einfluss der Neoromantik geprägt war. 1925 zog das Bauhaus nach Dessau und wurde in einem von V. Gropius entworfenen Gebäude untergebracht, das als eines der Meisterwerke der funktionalistischen Architektur gilt. Die Zeit in Dessau ist geprägt von der Stärkung technisch-utilitaristischer Tendenzen, der Entstehung des Bauhausstils, der sich durch klare Formen, minimalistische Mittel, standardisiertes Design und die Verbesserung industrieller Methoden und Materialien auszeichnet.

Wassily Kandinsky, Der Heilige Georg und der Drache (1914–15).

1928 übernahm der Schweizer Architekt H. Mayer die Leitung. Die von ihm eingeführten Neuerungen (das Studium der Sozialwissenschaften) sorgten jedoch bei Lehrern und Schülern für Unmut, und 1930 wurde das Bauhaus vom deutschen Architekten L. Mies van der Rohe geleitet, der bis zur Schließung dieser Bildungseinrichtung durch die Nazis im Jahr 1933 Direktor blieb.

Wassily Kandinsky. Erstes abstraktes Aquarell ohne Titel. 1910–1913

Die Prinzipien und Lehrmethoden des Bauhauses wurden jedoch auch in anderen Ländern aufgegriffen und seine Ideen hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die Entwicklung der angewandten und bildenden Künste (von der Buchgrafik und Werbung bis hin zu Möbeln und Haushaltsgegenständen).

Bauhaus-Meister: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISM

An der Küste. 1893

Der Verismus (italienisch verismo von vero – wahrhaftig, wahrhaftig) ist eine Strömung der italienischen Kunstkultur des letzten Drittels des 19. Jahrhunderts, die zunächst in der Literatur und Musik entstand und sich dann auf die bildende Kunst ausbreitete.

Die Prinzipien des Verismo entstanden hauptsächlich unter dem Einfluss des französischen Naturalismus. Basierend auf den Werken von E. Zola, G. Flaubert und G. de Maupassant setzten die Veristen die Hauptaufgaben ihrer Arbeit als Objektivität und eine wissenschaftliche Herangehensweise an das Studium von Tatsachen (aus positivistischer Sicht) in der Darstellung der Lebenswirklichkeiten der modernen italienischen Gesellschaft, des Lebens und der Psychologie der einfachen Leute. Die nationale Originalität dieser Bewegung manifestierte sich in tiefer Sympathie für die unterdrückten Werktätigen, deren Leben (hauptsächlich der Bauernschaft und der Armen der Provinzen) der Hauptinhalt der Romane und Kurzgeschichten der Theoretiker des Verismo war – G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, Opern von P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega Italienische Barsaglieri führen österreichische Gefangene, 1861

In der bildenden Kunst waren die unmittelbaren Vorgänger der Veristen die Künstler der Florentiner Schule "Macchiaioli", die sich in ihren Werken den Themen des nationalen Befreiungskampfes des italienischen Volkes, des städtischen und ländlichen Lebens zuwandten. In der Malerei wurde der Verismus hauptsächlich von neapolitanischen Meistern vertreten, die sozialkritische Tendenzen in der Kunst entwickelten (der Kampf der Arbeiterklasse um ihre Rechte, das schwierige Bauernleben) und eine ganze Galerie von Bildern herausragender Persönlichkeiten der italienischen Geschichte und Kultur schufen.

Die Veristen sahen jedoch keine Möglichkeit, soziale Ungerechtigkeit zu beseitigen; ihre Arbeit war geprägt von pessimistischen und düsteren Stimmungen, einer passiv-naturalistischen Wahrnehmung der Realität (in Literatur und Malerei) oder Melodramen, oberflächlicher Illustrativität und übertriebener Emotionalität (in der Musik). Obwohl sich der Verismus in der italienischen bildenden Kunst nicht durchsetzte, spielte er dennoch eine wichtige Rolle bei der Entwicklung realistischer Tendenzen im weltweiten künstlerischen Prozess.

Meister des Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOKUNST

Nam June Paik Roboterfamilie, 1976

Videokunst ist eine Bewegung der bildenden Kunst des letzten Drittels des 20. Jahrhunderts, die die Möglichkeiten der Videotechnologie nutzt. Im Gegensatz zum Fernsehen, das für ein breites Publikum konzipiert ist, nutzt die Videokunst Fernsehgeräte, Videokameras und Monitore für einzigartige Happenings und produziert experimentelle Filme im Geiste der Konzeptkunst, die in speziellen Ausstellungsräumen gezeigt werden. Mithilfe moderner Elektronik zeigt sie sozusagen das „Gehirn in Aktion“ – einen visuellen Weg von einer künstlerischen Idee zu ihrer Umsetzung. Hauptbegründer der Videokunst ist der Amerikaner koreanischer Abstammung Nam June Paik. Kunst, die Fernsehtechnologie nutzt – die Videokunst – entstand aus dem Protest gegen die Dominanz der Massenkultur, deren höchste Verkörperung das Fernsehen darstellt. Die „Väter“ der Videokunst, Nam June Paik und Wolf Vostell, machten sich auf ihre Weise über die bürgerlichen Zuschauer lustig, die sich jeden Abend entspannt vor den Fernseher setzen.

In den 60er Jahren inszenierte Wolf Vostell Happenings, bei denen Fernseher mit Sahnetorten beworfen, mit Stacheldraht verschnürt, feierlich vergraben und sogar mit Maschinengewehren beschossen wurden. Nam Jun Paik, ein ausgebildeter Musiker, agierte subtiler. Nach Experimenten mit „Musikvisualisierung“ ging er dazu über, aus Monitoren unterschiedlicher Größe und entsprechenden Bildern Abbilder von Lebewesen mit Köpfen, Armen und Körpern zu erschaffen, die er „Mama“, „Papa“, „Kind“, „Tante“, „Onkel“ usw. nannte.

Nam June Paik Neue Arbeit, 1983

Videokunst entstand in den 60er Jahren, als es noch keine Videokameras gab, und gilt als junge Kunstform. Wie immer blieb sie zunächst einsamem Enthusiasten vorbehalten, doch Ende der 80er Jahre wurde deutlich, dass Video unzählige Möglichkeiten birgt, die Ausdrucksmittel der Kunst zu bereichern. Die Werke von Bill Viola, der eine Welt erstaunlicher und faszinierender Bilder schuf, in der Realität und Fantasie so eng miteinander verwoben sind, dass daraus eine Art „neue Realität“ entsteht, spielten dabei eine bedeutende Rolle. Heute ist jedem klar, dass die Namen der Videokünstler Viola und Pike für das 20. Jahrhundert ebenso bedeutsam sind wie die Namen Monet und Van Gogh für das 19. Jahrhundert. Gute Kunst hat immer eine starke Wirkung auf einen Menschen – sie weckt in ihm Gefühle, Gedanken, Ideen und Handlungen. Videokunst verfügt über technische Einflussmöglichkeiten, die stärker sind als Malerei, Grafik und Skulptur. Vielleicht kann nur das Leben selbst in seiner Wirkungsintensität mit der Videokunst mithalten. Nicht umsonst wurde diese glaubwürdigste aller Künste von Wolf Vostell als „Flucht in die Wirklichkeit“ bezeichnet.

GEOMETRISCHE ABSTRAKTION

Ljubow-Popowa-Komposition, 1917

Geometrische Abstraktion (andere Namen sind kalte Abstraktion, logischer, intellektueller Abstraktionismus) ist eine Bewegung in der abstrakten Kunst, die auf der Schaffung eines künstlerischen Raums durch die Kombination verschiedener geometrischer Formen, farbiger Ebenen, gerader und unterbrochener Linien basiert.

Die geometrische Abstraktion entstand aus den Forschungen von Paul Cézanne und den Kubisten, die als erste den Weg der Deformation der Natur auf der Suche nach einer „neuen Realität“ beschritten. Sie hatte mehrere Zweige. In Russland war es der Rayonismus von M. Larionow, der als eigentümliche Reaktion auf die neuesten Entdeckungen in der Physik entstand; die „Gegenständlichkeit“ von O. Rosanowa, L. Popowa und W. Tatlin, die später zum Konstruktivismus wurde; der Supermatismus von K. Malewitsch, in dem die Gegenstandslosigkeit als „neuer malerischer Realismus“ betrachtet wurde; in Frankreich teilweise der Orphismus von Robert Delaunay; ihr Hauptvertreter war jedoch die niederländische Gruppe „Stil“ („De Stijl“) unter der Leitung von P. Mondrian und T. Van Doesburg, die das Konzept des Neoplastizismus vorschlug – der Kunst der reinen Plastizität, deren Aufgabe es war, die Natur von illusorischer Vielfalt zu reinigen und das in ihr verborgene primäre Schema freizulegen.

Michail Larionow, Badende, 1909

Die geometrische Abstraktion hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der modernen Architektur, des Designs, der industriellen, dekorativen und angewandten Kunst und blieb bis zum Ende der dominierende Trend in der Kunst

Zweiter Weltkrieg. In den 1950er Jahren traten die „lyrischen Strömungen des Abstraktionismus“ (Tachismus, abstrakter Expressionismus) in den Vordergrund.

Olga Rozanova Komposition mit einem Zug, 1911

In den 1960er Jahren erlebte die geometrische Abstraktion jedoch mit dem Aufkommen des Minimalismus und der Op-Art in der Kunstszene eine zweite Geburt.

Meister der geometrischen Abstraktion: Kasimir Malewitsch, Michail Larionow, Olga Rosanowa, Ljubow Popowa, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALISM

Richard Estes. Straße

Hyperrealismus (andere Namen: Superrealismus, Fotorealismus, Kalter Realismus, Radikaler Realismus) ist eine künstlerische Bewegung in Malerei und Bildhauerei, die in den 1960er Jahren in den USA entstand und sich in den 1970er Jahren in Europa verbreitete.

Als Form der figurativen Kunst basiert der Hyperrealismus auf akribischer Präzision und Detailgenauigkeit bei der Wiedergabe der Realität und imitiert die Besonderheiten der Fotografie. Die Werke der Hyperrealisten sind akribisch kopierte Fotografien, die auf die Größe einer großen Leinwand vergrößert wurden.

Don Eddy. Alte Modellautos

Einige Künstler dieser Richtung verwendeten Fotografien und Farbdias als Grundlage für ihre Werke. Gleichzeitig blieben alle Merkmale des fotografischen Bildes erhalten, wofür die Künstler mechanische Kopiertechniken verwendeten: Diaprojektion, Lasur, Airbrush statt Pinsel, Emulsionsbeschichtung usw. Der Einsatz solcher Technologien war nicht zufällig: Er betonte den mechanischen Charakter und eliminierte die menschliche Präsenz aus dem Schaffensprozess, als wolle er die eigene, persönliche Vision des Künstlers von der Welt verhindern. Vielleicht wirkt die Welt des Hyperrealismus deshalb leblos, kalt und losgelöst von der Superrealität des Betrachters.

Ralph Goings. Sommertag

Das Ziel des Hyperrealismus ist die Darstellung alltäglicher Realitäten. Die Hauptthemen sind das unpersönliche, mechanisierte Leben der modernen Stadt, das unpersönliche Lebenssystem in einer rauen und rauen Welt. Seine Sujets sind bewusst banal, seine Bilder betont objektiv. Autos, Wohnhäuser, Restaurants, Tankstellen, Telefonzellen, Werbetafeln und selten auch lebende Menschen – „Figuren von der Straße“, deren Bilder ironisch oder voller Hoffnungslosigkeit sind. Die Gemälde lassen ein Bild der Realität entstehen, aber nicht die reale, sondern spiegelt sich in ihrer Vielfalt in den gläsernen Schaufenstern, den polierten Karosserien der Autos und dem auf Hochglanz polierten Granit wider. Das Spiel dieser Reflexionen, vom Künstler präzise wiedergegeben, erweckt den Eindruck einer Durchdringung räumlicher Zonen, einer komplexen Beziehung von Plänen, die den Betrachter desorientiert und ein Gefühl der Unwirklichkeit hervorruft.

Meister des Hyperrealismus: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.