Течения в изкуството и живописта

Абстрактен експресионизъм

Дж. Полок. Моби Дик. 1943 г.

Движение в абстрактното изкуство, появило се в Съединените щати през 40-те години на миналия век и представено предимно от творчеството на художници от Нюйоркската школа. Абстрактният експресионизъм продължи „освобождаването“ на изкуството от всякакъв контрол на разума и логическите закони, като си постави за цел спонтанното изразяване на вътрешния свят на художника, на неговото подсъзнание в хаотични, абстрактни форми и прие за свой основен творчески принцип спонтанното, автоматично нанасяне на боя върху платно, случващо се единствено под влияние на психически и емоционални състояния….

Ф. Клайн. Черно върху зелено, червено и жълто. 1948 г.

В бърз ритъм художниците покривали повърхността на платното с големи, енергични мазки с четка, често използвайки техниката на капене (разпръскване на боя или изстискването ѝ от тубичка). Процесът на създаване на картина често се е провеждал публично: пред публиката се е разигравало цяло представление, в което жестовете и движенията на художника са играли също толкова активна роля, колкото и струите боя, падащи и разливащи се по платното.

Абстрактният експресионизъм доминира американската култура до началото на 60-те години на миналия век, превръщайки се в едно от първите сериозни движения в американската живопис и влияейки върху развитието на световното изкуство.

АБСТРАКЦИОНИЗЪМ

В. Кандински. Композиция 8 1913.

Едно от основните художествени направления в изкуството на 20-ти век, при което структурата на произведението се основава изключително на формални елементи - линии, цветни петна, абстрактна конфигурация. Абстрактните произведения са откъснати от формите на самия живот: необективните композиции въплъщават субективните впечатления и фантазии на художника, потока на неговото съзнание, те генерират свободни асоциации, движения на мисълта и емоционална емпатия.

Невъзможно е да се посочи нито точното време на възникване на абстракционизма, нито неговият основател. Признатите вдъхновители на абстракционизма се считат за художниците Василий Кандински, Казимир Малевич, Пит Модриан, Франтишек Купка, Робер Делоне, които очертават основните положения на това движение в своите теоретични трудове и програмни изявления.

Ф. Лежер Момиче с цвете. 1954

Абстракционизмът възниква като тясно течение в изобразителното изкуство. В началото на 30-те години на миналия век започват да се появяват сдружения на абстракционисти („конкретно изкуство“ - 1930 г., „кръг и квадрат“ - 1930 г. и други), които събират под своите знамена художници от различни националности и направления. Към средата на 30-те години интересът към абстракционизма рязко намалява и тези сдружения се разпадат. Той се преражда в Съединените щати, където в началото на 40-те години на миналия век се появява абстрактният експресионизъм, опериращ с необективни форми за спонтанно изразяване на вътрешния свят на художника.

Последната популярна форма на абстрактно изкуство е поп артът, който се появява през 60-те години на миналия век, след което абстрактното изкуство изчезва в неизвестност.

АВАНГАРДИЗЪМ

П. Пикасо Трима музиканти 1921

Съвкупност от новаторски, бунтовни тенденции и направления в художествената култура на 20-ти век. В различни исторически етапи ролята на авангарда се играе от последователни течения: 1900-те–1910-те години са времето на появата на фовизма, кубизма, футуризма, експресионизма, дадаизма и абстрактното изкуство; през 1920-те–1930-те години на преден план излиза сюрреализмът; в следвоенния период се появяват нови течения в абстракционизма: абстрактен експресионизъм, ташизъм, неформално изкуство и др.; 1960-те–1970-те години са преходната епоха от „класическия“ авангард към неоавангардизма, или постмодернизма, с неговите компоненти: акционизъм, поп арт, концептуализъм, кинетично изкуство и други художествени практики.

АКАДЕМИЗЪМ

А. Кабанел Федра. 1880

Течение в изобразителното изкуство, основа за чието развитие са художествените академии. Историята на развитието на академизма се свързва с „Академията на поели по правилния път“ в Болоня (около 1585 г.), Френската кралска академия по живопис и скулптура (1648 г.) и Руската академия на трите най-благородни изкуства (1757 г.). Дейността на всички институции се е основавала на строго регламентирана система на образование, ориентирана към великите постижения на предишни епохи – Античността и Италианския Ренесанс, от които съзнателно са селектирани отделни качества на класическото изкуство, приемани за идеални и ненадминати.

Пътят на академизма в изкуството не е белязан от големи открития или постижения. Поради своята изкуственост („изкуственост“) и еклектичност, той не е художествен стил.

A. Bouguereau Почивка по време на жътва. 1865 г

Академизмът процъфтява през 19 век. Във Франция тази тенденция се свързва с творчеството на такива известни майстори като Жан-Огюст-Доминик-Енгр, Адолф-Вилям Бугро, Александър Кабрнел, Пол Деларош, Жан-Леон-Жером, Пол-Жозеф-Жамен, чиито произведения се отличават с несравнимо майсторство на изпълнение.

Санктпетербургската академия на изкуствата е отгледала в своите стени и плеяда от световноизвестни академични художници: Карл Брюлов, Александър Иванов, Хенрик Семирадски и Фьодор Бруни.

А. Алма-Тадема Откриването на Мойсей. 1904 г.

В наше време понятието „академизъм“ е надхвърлило рамките на художествено движение: то е придобило допълнително значение и е започнало да се прилага към произведенията на художници, които имат систематично художествено образование и класически умения за създаване на произведения с високо техническо майсторство.

АКЦИОНИЗЪМ

Христо и Хан-Клод. Портал № 53 2006 г.

Общо наименование за редица форми, появили се в авангардното изкуство през 60-те години на миналия век.

Желанието да се заличи границата между изкуство и реалност кара авангардните художници да търсят нови начини на художествено изразяване, различни от традиционните (т.е. статични) форми, придаващи динамика на произведението, въвличащи го в някакво действие (екшън). Действието (или изкуството на действието) се превръща в общо понятие за художествени практики, при които акцентът се измества от самото произведение към процеса на неговото създаване.

К. Олденбург. Мост с лъжици, държащ череша. 1985 г.

Произходът на акционизма трябва да се търси в изпълненията на дадаистите и сюрреалистите, в дейността на абстрактните художници (по-специално Д. Полък), които изповядват принципа на експресивното писане - „живопис на действие“.

АНАХРОНИЗЪМ

К.М. Мариани Ръката, водена от ума. 1983 г.

Едно от направленията в постмодернистичната живопис, предлагащо авторска интерпретация на изкуството от миналото. Възникнал в резултат на отхвърлянето на модернизма (т.е. авангардното течение в изкуството), постмодернизмът обявява за своя цел завръщането към старите форми, историческите традиции и стиловете на предходната вековна култура. В търсене на нови форми, постмодернистичните художници смесват художествени стилове от различни епохи и култури, създавайки на тази основа индивидуална митология, свързана с личния опит на автора.

Анахронизмът възниква в края на 70-те години на миналия век в Италия и по-късно се разпространява във Франция. Най-важният му духовен източник е творчеството на Джорджо Де Кирико, който се обръща към класическото изкуство през 20-те години на миналия век след своя „метафизичен период“. Анахронистите или „културни артисти“, както те сами се наричат, се вдъхновяват от произведенията на майсторите на Ренесанса, Маниеризма и Барока, които перифразират, пародират, стремейки се да впишат класическата традиция в мозаичния контекст на постмодерната култура.

АНАЛИТИЧНО ИЗКУСТВО

П. Филонов. Селско семейство 1914 г.

Аналитичното изкуство е художествен метод, разработен и обоснован от Павел Филонов в неговите теоретични трудове („Канон и закон“, 1912; „Създадени картини“, 1914; „Декларация за „световния разцвет“, 1923) и в собствената му живопис. Приемайки кубизма като носител на рационалистичния принцип, Филонов го противопоставя на принципа на органичния растеж (както расте дървото) на художествената форма и „създаденото“ качество на картините.

П. Залцман Троен автопортрет. 1932 г.

Принципът на сътвореността е основната позиция на аналитичното изкуство. Художникът „изгражда“ своята картина, както природата „създава“ по-големи образувания от атоми и молекули. Разбирайки, „че във всеки обект няма два предиката, форма и цвят, а цял свят от видими и невидими явления, техните еманации, реакции, включения, генезис, битие, известни или тайни свойства, които от своя страна понякога имат безброй предикати“, Филонов е убеден, че цялото това разнообразие от свойства може да бъде пластично изразено в живописта.

Когато създава произведение, художникът трябва да се осланя не само на очевидното, видимото („виждащо око“), но и на невидимото („познаващ газ“, улавящ скрити процеси) - вътрешните закономерности на структурата и функционирането на изобразения обект. Художникът трансформира вътрешното си „зрение“ за обекта или явлението в графични и изобразителни конструкции, основани на „закона за органичното развитие на формата“, заимствани от природата (да имитира не формите, които тя създава, а методите, чрез които „действа“) и противопоставени на „канона“ (изкуствено конструирани форми).

Татяна Глебова Цветен изход

След като е разбрал този закон, художникът е способен да „създаде“ определена картина, толкова органична, че тя да има потенциал за саморазвитие, сякаш без участието на самия автор в този процес (тя расте и се развива като всички живи същества в природата). П. Филонов вярвал, че изкуството, създадено по неговия метод, е изкуството на бъдещето, което ще доведе до „Световния разцвет“, тъй като се основава на хармоничното взаимодействие на човека и природата, на редица научни принципи, насочени към интелекта на зрителя и развиващи го („да бъде фактор в еволюцията на интелигентността“). Майстори на аналитичното изкуство: Павел Филонов, Татяна Глебова, Алиса Порет, Михаил Цибасов, София Заклиновская, Павел Залцман, Павел Кондратьев, Борис Гурвич, Николай Евграфов, Всеволод Сулимо-Самуило, Юрий Хржановски

МЕТРО

Оскар Рабин, „Бани (помиришете московския одеколон)“, 1966 г.

Ъндърграунд (английски underground - подземен, тъмница) - в тесен смисъл - всяко некомерсиално, експериментално изкуство; в широк смисъл - понятие и явление, възникнало в Съединените щати в края на 50-те години на миналия век и означаващо „ъндърграунд“ култура като неразделна част от т. нар. контракултура, която се противопоставя на ограниченията и конвенциите, доминиращи в културното общество. Ъндърграунд изкуството е пропито с духа на дисидентството. Отхвърля и нарушава политическите, моралните и етичните ориентации и видове поведение, приети в обществото, въвеждайки антисоциално поведение в ежедневието. Типични теми на американския и европейския ъндърграунд са „сексуалната революция“ и наркотиците.

Лев Кропивницки

По време на съветския период това понятие придобива малко по-различно значение и по-политизирани форми: тук, поради строгостта на режима, почти всяко неофициално, т.е. непризнато от властите, изкуство, включително музика и литература, се оказва ъндърграунд. От средата на 50-те до края на 80-те години на миналия век. „Артистична опозиция“ беше представена от дейността на много сдружения, сред които най-известни бяха групите „Лианозовская“ (Е. и Л. Кропивницки, Л. Мастеркова, О. Рабин и др. (от 1956 г. до средата на 70-те години на миналия век)), „Сретенски булевард“ (И. Кабаков, Е. Неизвестен, Ю. Соболев, Ю. Соостер и др. (от 1960 г. до средата на 70-те години на миналия век)), „Колективни действия“ (А. Монастирски, Г. Кизелватер, И. Макаревич, С. Ромашко и др. (от 1975 г.)), „Мухоморки“ (С. Гундлах, К. Звездочетов, В. Мироненко и др. (от 1978 г.)). Подземното движение развива творчеството на художници, които не се присъединяват към никакви сдружения (В. Сидур, А. Зверев, М. Шемякин), но са представители на социалното изкуство (Е. Булатов, В. Комар и А. Меламид) и други авангардни движения (Група на авангардни художници, Шампиони на света).

Портрет на А. Зверев 1969 г.

След разпадането на политическата система на Съветския съюз, а с него и премахването на ограниченията и забраните върху свободата на художественото творчество, ъндърграундът като културен феномен изчезва. Майстори на ъндърграунда: Лев Кропивницки, Любов Мастеркова, Оскар Рабин, Иля Кабаков, Ернст Неизвестни, Юрий Соболев, Юло Соостер, Кирил Звездочетов, Михаил Шемякин, Анатолий Зверев, Вадим Сидур, Виталий Комар, Александър Меламид.

AR BRUT

Рисунка на Антони Тапиес - 4. Серия Берлински рисунки.

Ар брют (на френски: Art brut – грубо, сурово изкуство) е движение в европейското изкуство от средата на 20-ти век, чийто основател и лидер е френският художник Жан Дюбюфе, който развива концепцията за чисто изкуство, изкуство, което отхвърля красотата и хармонията. Всеки човек е художник; за човешкото същество рисуването е толкова естествено, колкото говоренето или ходенето. Необременен от традициите и знанията за „задушаваща култура“, той твори инстинктивно и директно.

Джаз бендът на Ж. Дюбюфе, 1955 г.

Според Дюбюфе, Ар Брют е творчество в най-чистата му форма: спонтанен психически изблик от дълбините на ума и съзнанието, запечатан на хартия или въплътен в материал. Той се обръща към изкуството на психично болните, хората, изолирани от обществото, считайки само тях за истински творци, притежаващи онази субективност, която дава на човек истинска индивидуалност.

В началото Дюбюфе копира техния стил в произведенията си, създавайки умишлено примитивни, „варварски“ форми и образи, фигуративни и абстрактни, поразяващи с неочаквани цветови решения и привидно неловък начин на писане. А през 1948 г., заедно със сюрреалистичния писател Андре Бретон и испанския художник Антони Тапиес, основава в Париж „Компанията на брутното изкуство“, предназначена да съхранява и изучава изкуството на маргинализираните. Събраната колекция, наброяваща около 5000 рисунки, картини, предмети и скулптури, формира основата на Музея на изкуството брют, основан през 1976 г. в Лозана (Швейцария).

Ж. Дюбюфе Автопортрет, 1958 г

В съвременното изкуство понятието „art brut“ включва творчеството на хора, които съществуват извън обществото – психично болните, хората с увреждания, всякакви маргинализирани хора, както и произведенията на Ж. Дюбюфе, вдъхновени от тези примери. Art brut е част от по-широко движение – „Autsider art“ (изкуство на външния човек), което се превърна в сериозно движение в световния художествен процес през последното десетилетие. В много отношения това е заслуга на радикалния и войнствен интелектуалец Жан Дюбюфе, който погледна света по нов начин. Майстори на Art Brut: Жан Дюбюфе, Антони Тапиес, Адолф Волфли, Хенри Дейнджър, Мортън Бартлет, Розмари Кочи, Пол Хъмфри. Юджийн фон Брунхенхайн.

ИЗКУСТВОТО НА СИЛАТА

Марио Мерц, проектът „Хижата на Петра“, 1982 г.

Арте Повера (на италиански: Arte povera – бедно изкуство) е авангардно движение, зараждащо се в италианското изкуство в края на 60-те – началото на 70-те години на миналия век и широко разпространено в други европейски страни. То се основава на създаването на инсталации от индустриални и природни обекти, като се предпочитат най-простите, „най-бедните“ материали (като пръст, пясък, въглища, боклук, основни предмети от бита, стари износени дрехи и обувки и др.).

Марио Мерц без заглавие

Движението Arte Povera възниква като отговор на засиления интелектуализъм и рационализъм на минимализма и концептуализма, с техните скъпи материали и технологии за производство на предмети на изкуството. Художниците от Arte Povera, създавайки своите произведения, се обръщат към „света на простите неща“, които за момент обгръщат човека, и се стремят да разкрият особената поетика на обикновеното, играейки на контрасти – откъсвайки нещата от обичайния им контекст и поставяйки ги в различна реалност, реалността на луксозните дворцови зали и музейни пространства.

Заглавие на Л. Фонтана

Особено внимание е обърнато на хетерогенността на предметите (гипсови отливки на глави от антични статуи и торби с въглища или газови горелки), краткотрайни материали, които се променят под въздействието на атмосферата или поради химичните и физичните си свойства (като восък, гъба, гума и др.). Това придава на произведенията на Arte Povera определена художествена символика, която не се поддава на еднозначно тълкуване. Изкуството, което ни заобикаля навсякъде, е мимолетно и неуловимо, като миг от живота. То е ефимерно. И следователно безполезно, но това е неговата красота.

Майстори на Arte Povera: Марио Мерц, Янис Кунелис, Лучио Фонтана, Джовани Анселмо, Джулио Паолини, Джилберто Зорио, Пино Паскали, Алигиеро Боети, Марио Чероли, Лучано Фебри, Джузепе Пенони, Микеланджело Пистолето

БАРОК

Микеланджело Мериси де Караваджо, Бакхус. 1593 - 1594. Галерия Уфици. Флоренция. Италия

Барокът е един от великите стилове, доминирали в архитектурата и изкуството на европейските страни от края на XVI до средата на XVIII век.

Родното място на барока (на италиански: barocco - странен, причудлив) е Италия, където установяването на новия стил означава края на Ренесанса с неговия хармоничен мироглед, вяра в безграничните възможности на човешкия ум и подредеността на вселенското съществуване.

Основните характеристики на барока бяха мащаб, изобилие от декор, бурна динамика, стремеж към илюзорни ефекти в организацията на вътрешното пространство - увеличаване на размера на стаите с помощта на огледала; височината на залите благодарение на живописни абажури със сложно решение на перспективата.

Всичко това съответстваше на нова картина на вселената – изменчива, конфликтна, където умиращото и възникващото са в постоянна конфронтация, а човекът със своите страсти, объркан, сложен вътрешен свят често се оказва на милостта на ирационалните сили.

Симон Вует, „Света Цецилия с ангел“. Първата половина на 17 век. Унгарски музей на изящните изкуства. Будапеща, Унгария.

Не е случайно, че барокът се отдалечава от яснотата и простотата, предпочитайки елегантна извивка пред геометрична строгост и права линия; вихър пред подредено движение; блестящи златни тонове, променящи се под влиянието на светлината и сянката, или ярки, празнични, неочаквано дисхармонични в победния си звук пред местния колорит.

Барокът впечатлява със своите грандиозни интериори, напомнящи театрални декори, контрастното съчетание на материали и текстури, използвани за декорацията им, и понякога шокиращото включване на „реални“ детайли в произведения на изкуството, като например истински зъби и коса в женски статуи.

Бароковият стил създава уникален ансамбъл, синтез от архитектура, монументални и декоративни изкуства, характерен само за него.

Във всяка европейска страна барокът има свои специфики, като същевременно запазва основните черти на стила. Така в родината си, Италия, този стил се е реализирал най-ярко и по-рано във времето, отколкото например във Франция, където водещата роля през 17 век принадлежи на класицизма.

В Русия развитието на барока пада върху първата половина и средата на 18 век. Освободено от мистичната екзалтация, характерна за този стил в католическите страни, бароковото изкуство в Русия прославя укрепващата автократична власт.

През първата половина на 18 век барокът навсякъде еволюира към грациозната лекота на рококо стила, съжителства и се преплита с него, а от 1760-те години е изместен от класицизма.

БАУХАУС

Древен звук, абстракт върху черно от Паул Клее, 1925 г.

Баухаус (на немски: Bauhaus – „къща на строителството“), Висше училище по строителство и художествен дизайн, основано от немския архитект В. Гропиус във Ваймар през 1919 г.

Според идеята на автора, Баухаус е бил призван да обедини „различните“ изкуство, занаяти и технологии в „единно художествено производство“, да ги свърже под формата на средновековни строителни гилдии, но на нова научно-техническа основа. Първоначално всички студенти преминавали 6-месечен предварителен курс на обучение, където изучавали свойствата на материалите и основите на занаятите, както и теорията на формата и рисунката. След това им било позволено да работят в работилници: творчески и производствени, където акцентът бил върху практиката на урока. В зависимост от наклонностите на студентите, те били обучавани да станат архитекти, художници-дизайнери, фотографи, дизайнери.

Паул Клее: Анализ на различни перверзии от Клее, 1922 г., сборник

В. Гропиус обръща специално внимание на подбора на учители, които споделят неговите убеждения: в различни години тук са работили художниците В. Кандински, П. Клее, О. Шлемер, Л. Файнингер, дизайнерите Л. Мохоли-Наги и Й. Итен.

Разцветът на Баухаус се свързва с Ваймарския период, белязан от влиянието на неоромантизма. През 1925 г. Баухаус се премества в Десау и се помещава в сграда, проектирана от В. Гропиус, смятана за един от шедьоврите на функционалистичната архитектура. Периодът в Десау е белязан от засилване на технико-утилитарните тенденции, формиране на стила Баухаус, характеризиращ се с яснота на формите, минимализъм на средствата, стандартен дизайн и усъвършенстване на индустриалните методи и материали.

Василий Кандински, „Свети Георги и драконът“ (1914-15).

През 1928 г. швейцарският архитект Х. Майер поема поста директор. Нововъведените от него иновации (изучаване на социални науки) обаче предизвикват недоволство сред учителите и студентите и през 1930 г. Баухаус е оглавен от немския архитект Л. Мис ван дер Рое, който остава директор до закриването на тази образователна институция от нацистите през 1933 г.

Василий Кандински. Без заглавие. Първа абстрактна акварелна картина. 1910-1913

Принципите и методите на преподаване на Баухаус обаче са възприети и в други страни, а идеите му са оказали дълбоко влияние върху развитието на приложните и изобразителните изкуства (от книжната графика и рекламата до мебелите и предметите от бита).

Майстори на Баухаус: Валтер Гропиус, Лудвиг Мис ван дер Рое, Василий Кандински, Паул Клее, Оскар Шлемер, Лионел Фейнингер, Ласло Мохоли-Наги, Йозеф Алберс, Герхард Маркс, Марсел Бройер, Макс Бил, Йоханес Итен, Херберт Байер, Ханс Майер.

ВЕРИЗЪМ

Д. Фатори. На брега. 1893 г.

Веризмът (италиански verismo от vero - правдив, истински) е движение в италианската художествена култура от последната третина на 19 век, което първоначално възниква в литературата и музиката, а след това се разпространява и в изобразителното изкуство.

Принципите на веризма са се формирали главно под влияние на френския натурализъм. Базирани на произведенията на Е. Зола, Ж. Флобер и Ж. дьо Мопасан, веристите си поставят за основни задачи на своето творчество обективност и научен подход към изучаването на фактите (от позиция на позитивизма) при изобразяване на житейските реалности в съвременното италианско общество, бита и психологията на обикновените хора. Националната самобитност на това движение се проявява в дълбоко съчувствие към потиснатите трудещи се хора, чийто живот (главно на селяните и бедните от провинциите) е основно съдържание на романите и разказите на теоретиците на веризма - Дж. Верга, Л. Капуана, Д. Чамполи, оперите на П. Маскани, Р. Леонкавало, Дж. Пучини.

S. Lega Италианецът Barsaglieri води австрийски затворници, 1861 г

В изобразителното изкуство непосредствени предшественици на веристите са художниците от флорентинската школа „Макиайоли“, които се обръщат в творчеството си към темите за националноосвободителната борба на италианския народ, градския и селския живот. В живописта веризмът е представен главно от неаполитански майстори, които развиват социалнокритични тенденции в изкуството (борбата на работническата класа за нейните права, трудният селски живот) и създават цяла галерия от образи на изключителни фигури от италианската история и култура.

Веристите обаче не виждат социална възможност за премахване на социалната несправедливост; в творчеството им преобладават настроения на песимизъм и обреченост, пасивно-натуралистично възприемане на реалността (в литературата и живописта) или мелодрама, повърхностна илюстративност, преувеличена емоционалност (в музиката). Въпреки че веризмът не получава широко разпространение в изобразителното изкуство на Италия, той въпреки това играе важна роля в развитието на реалистичните тенденции в световния художествен процес.

Майстори на веризма: Франческо Паоло Микети, Джузепе Пелица да Волпедо, Винченцо Вела, Франческо Хайез, Джовани Фатори, Силвестро Лега.

ВИДЕОАРТ

Семейство роботи Нам Джун Пайк, 1976 г.

Видео артът е движение във визуалните изкуства от последната третина на 20-ти век, което използва възможностите на видеотехнологиите. За разлика от самата телевизия, която е предназначена за излъчване пред масова аудитория, видео артът използва телевизионни приемници, видеокамери и монитори в уникални хепънинги, а също така създава експериментални филми в духа на концептуалното изкуство, които се показват в специални изложбени пространства. С помощта на съвременната електроника той показва, така да се каже, „мозъка в действие“ - визуален път от художествена идея до нейното въплъщение. Основният основател на видео арта е американецът от корейски произход Нам Джун Пайк. Изкуството, което използва телевизионни технологии - видео артът - е възникнало именно от протест срещу господството на масовата култура, чието най-висше въплъщение се счита за телевизионното излъчване. „Бащите“ на видео арта, Нам Джун Пайк и Волф Востел, всеки по свой начин се подиграваха с уважавани граждани, които всяка вечер сядат да се отпуснат пред телевизора.

През 60-те години Волф Востел организира събития, при които телевизорите са замеряни с кремообразни кексове, връзвани с бодлива тел, церемониално погребвани и дори стреляни с картечници. Нам Джун Пайк, музикант по образование, действа по-финно. След като започва с експерименти в „визуализацията на музиката“, той преминава към създаване на подобия на живи същества с глави, ръце и тела от монитори с различни размери и съответстващи изображения, наричайки ги „мама“, „татко“, „дете“, „леля“, „чичо“ и т.н.

Нова работа на Нам Джун Пайк, 1983 г.

Появило се през 60-те години, когато все още няма видеокамери, видеоартът се смята за млада форма на изкуство. Както винаги, в началото то е било достояние на самотни ентусиасти, но към края на 80-те години става ясно, че видеото крие безброй възможности за обогатяване на изразните средства на изкуството. Творбите на Бил Виола, създал цял свят от удивителни и завладяващи образи, в които реалността и фантазията са толкова сложно преплетени, че от тях се ражда определена „нова реалност“, са изиграли значителна роля в това. Сега е ясно за всички, че за ХХ век имената на видеоартистите Виола и Пайк са толкова значими, колкото имената на Моне и Ван Гог са били за ХІХ. Доброто изкуство винаги има силно въздействие върху човек - то събужда у него чувства, мисли, идеи и действия. Видеоартът разполага с технически средства за въздействие, които са по-силни от живописта, графиката и скулптурата. Може би само самият живот може да се конкурира с видеоарта по интензивност на въздействието си. Неслучайно това най-правдоподобно от всички изкуства е наречено „бягство в реалността“ от Волф Востел.

ГЕОМЕТРИКНА АБСТРАКЦИЯ

Любов Попова Композиция, 1917г

Геометричната абстракция (други имена са студена абстракция, логически, интелектуален абстракционизъм) е движение в абстрактното изкуство, основано на създаването на художествено пространство чрез комбиниране на различни геометрични форми, цветни равнини, прави и прекъснати линии.

Геометричната абстракция произлиза от търсенията на Пол Сезан и кубистите, които първи поемат по пътя на деформацията на природата в търсене на „нова реалност“. Тя има редица разклонения. В Русия това е лъчизмът на М. Ларионов, който възниква като своеобразна реакция на най-новите открития във физиката; „необективността“ на О. Розанова, Л. Попова и В. Татлин, която по-късно прераства в конструктивизъм; суперматизмът на К. Малевич, в който необективността се разглежда като „нов живописен реализъм“; във Франция, отчасти орфизмът на Робер Делоне; но основният ѝ представител е холандската група „Стил“ („De Stijl“), начело с П. Мондриан и Т. Ван Дусбург, която излага концепцията за неопластицизъм – изкуството на чистата пластичност, чиято задача е да очисти природата от илюзорното многообразие и да разкрие скритата в нея първична схема.

Михаил Ларионов, „Къпещи се“, 1909 г.

Геометричната абстракция, оказала значително влияние върху развитието на съвременната архитектура, дизайн, индустриални, декоративни и приложни изкуства, останала доминираща тенденция в изкуството до края

Втора световна война. През 50-те години на миналия век на преден план излизат „лирическите течения на абстракционизма“ (ташизъм, абстрактен експресионизъм).

Олга Розанова „Композиция с влак“, 1911 г.

Въпреки това, през 60-те години на миналия век, с появата на минимализма и оп-арт на артистичната сцена, геометричната абстракция получава второ раждане.

Майстори на геометричната абстракция: Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Олга Розанова, Любов Попова, Робърт Делоне, Пит Мондриан, Тео ван Дусбург, Йозеф Алберс, Франк Стела, Жул Олитски, Виктор Вазарели, Бриджит Райли

ХИПЕРРЕАЛИЗЪМ

Ричард Естес. Стрийт

Хиперреализмът (други имена: суперреализъм, фотореализъм, студен реализъм, радикален реализъм) е художествено движение в живописта и скулптурата, което се появява в Съединените щати през 60-те години на миналия век и се разпространява в Европа през 70-те години на миналия век.

Като форма на фигуративно изкуство, хиперреализмът се основава на педантична прецизност и детайлност при възпроизвеждането на реалността, имитирайки спецификата на фотографията. Творбите на хиперреалистите са педантично копирани фотографии, уголемени до размера на голямо платно.

Дон Еди. Стари модели коли

Някои художници, работещи в тази посока, всъщност са използвали фотографии и цветни диапозитиви като основа за своите произведения. В същото време са запазвали всички характеристики на фотографското изображение, за което художниците са използвали техники за механично копиране: диапозитивна проекция, глазиране, аерограф вместо четка, емулсионно покритие и др. Използването на подобни технологии не е било случайно: то е подчертавало механичния характер, елиминирало е човешкото присъствие от процеса на създаване, сякаш се е опитвало да попречи на собствената, лична визия на художника за света. Може би затова светът на хиперреализма изглежда безжизнен, студен и откъснат от свръхреалността на зрителя.

Ралф Гоингс. Летен ден

Целта на хиперреализма е да изобразява ежедневни реалности, а основните теми са безличният механизиран живот на съвременния град, безличната жизнена система в суров и груб свят. Сюжетите му са умишлено банални, а образите му са подчертано „обективни“. Автомобили, жилищни сгради, ресторанти, бензиностанции, телефонни кабини, билбордове и рядко живи хора - „персонажи от улицата“, чиито образи имат ироничен оттенък или са пълни с безнадеждност. Картините пораждат образ на реалността, но не реалната, а отразена в своята многообразност в стъклените витрини на магазините, в полираните каросерии на автомобили, в полиран до блясък гранит. Играта на тези отражения, точно възпроизведена от художника, създава впечатление за взаимопроникване на пространствени зони, сложна връзка на планове, дезориентираща зрителя, пораждаща усещане за нереалност.

Майстори на хиперреализма: Дон Еди, Ричард Естес, Чък Клоуз, Ралф Гоингс, Малкълм Морли, Мел Рамос, Одри Флак, Робърт Котингам, Бен Шьонтцайт, Дж. Д. де Андреа, Дуейн Хансън, Греъм Дийн, Майкъл Инглиш, Майкъл Леонард.