Correnti nell'arte e nella pittura

ESPRESSIONISMO ASTRATTO

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Un movimento di arte astratta emerso negli Stati Uniti negli anni '40 e rappresentato principalmente dalle opere degli artisti della Scuola di New York. L'espressionismo astratto perseguì la "liberazione" dell'arte da qualsiasi controllo della ragione e delle leggi logiche, ponendo come obiettivo l'espressione spontanea del mondo interiore dell'artista, il suo subconscio, in forme caotiche e astratte e assumendo come principio creativo principale l'applicazione spontanea e automatica del colore sulla tela, che avviene esclusivamente sotto l'influenza di stati mentali ed emotivi.

F.Klein. Nero su verde, rosso e giallo. 1948

Con un ritmo serrato, gli artisti ricoprivano la superficie della tela con ampie ed energiche pennellate, spesso utilizzando la tecnica del dripping (spruzzare il colore o spremerlo da un tubetto). Il processo creativo di un dipinto spesso si svolgeva in pubblico: un'intera performance si svolgeva davanti al pubblico, in cui i gesti e i movimenti dell'artista giocavano un ruolo attivo quanto i flussi di colore che cadevano e si riversavano sulla tela.

L'espressionismo astratto ha dominato la cultura americana fino ai primi anni '60, diventando uno dei primi movimenti seri nella pittura americana e influenzando lo sviluppo dell'arte mondiale.

ASTRATTISMO

V. Kandinsky. Composizione 8 1913.

Una delle principali tendenze artistiche del XX secolo, in cui la struttura dell'opera si basa esclusivamente su elementi formali: linee, macchie di colore, configurazioni astratte. Le opere astratte si distaccano dalle forme della vita stessa: le composizioni non oggettive incarnano le impressioni e le fantasie soggettive dell'artista, il flusso della sua coscienza, generando libere associazioni, movimenti di pensiero ed empatia emotiva.

È impossibile stabilire né il momento esatto della nascita dell'astrattismo né il suo fondatore. I principali ispiratori dell'astrattismo sono considerati gli artisti Vasilij Kandinskij, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka e Robert Delaunay, che ne delinearono i principi fondamentali nelle loro opere teoriche e nelle loro dichiarazioni programmatiche.

F. Leger Ragazza con un fiore. 1954

L'astrattismo nacque come una corrente ristretta nell'ambito delle belle arti. All'inizio degli anni Trenta, iniziarono a emergere associazioni di astrattisti ("arte concreta" - 1930, "cerchio e quadrato" - 1930, e altre), che riunivano artisti di diverse nazionalità e tendenze sotto le loro insegne. Verso la metà degli anni Trenta, l'interesse per l'astrattismo era drasticamente diminuito e queste associazioni si disgregarono. L'astrattismo rinacque negli Stati Uniti, dove l'espressionismo astratto emerse all'inizio degli anni Quaranta, operando con forme non oggettive per l'espressione spontanea del mondo interiore dell'artista.

L'ultima forma popolare di arte astratta è stata la pop art, emersa negli anni '60, dopo la quale l'arte astratta è caduta nell'oblio.

AVANGUARDIA

P. Picasso Tre musicisti 1921

Un insieme di tendenze e direzioni innovative e ribelli nella cultura artistica del XX secolo. In diverse fasi storiche, il ruolo dell'avanguardia è stato svolto da tendenze successive: gli anni 1900-1910 sono stati il ​​periodo dell'emergere del fauvismo, del cubismo, del futurismo, dell'espressionismo, del dadaismo e dell'arte astratta; negli anni 1920-1930, il surrealismo è emerso; nel dopoguerra, sono emerse nuove tendenze dell'astrattismo: l'espressionismo astratto, il tachisme, l'arte informale, ecc.; gli anni 1960-1970 sono stati l'epoca di transizione dall'avanguardia "classica" alla neoavanguardia, o postmodernismo, con le sue componenti: azionismo, pop art, concettualismo, arte cinetica e altre pratiche artistiche.

ACCADEMISMO

A. Cabanel Fedra. 1880

Una corrente nelle belle arti, il cui sviluppo si fonda sulle accademie d'arte. La storia dello sviluppo dell'accademismo è legata all'"Accademia di coloro che hanno intrapreso la retta via" di Bologna (intorno al 1585), all'Accademia Reale di Pittura e Scultura francese (1648) e all'Accademia Russa delle Tre Arti Nobilissime (1757). Le attività di tutte le istituzioni si basavano su un sistema educativo rigorosamente regolamentato, orientato alle grandi conquiste delle epoche precedenti – l'Antichità e il Rinascimento italiano – da cui le singole qualità dell'arte classica venivano consapevolmente selezionate, accettate come ideali e insuperabili.

Il percorso dell'accademismo nell'arte non è stato segnato da grandi scoperte o conquiste. A causa della sua artificiosità ("fatto") e del suo eclettismo, non è uno stile artistico.

A. Bouguereau Riposo durante la raccolta. 1865

L'accademismo fiorì nel XIX secolo. In Francia, questa tendenza è associata all'opera di maestri rinomati come Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, le cui opere si distinguono per la loro ineguagliabile maestria esecutiva.

L'Accademia delle arti di San Pietroburgo ha inoltre coltivato tra le sue mura una galassia di artisti accademici di fama mondiale: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky e Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema La scoperta di Mosè. 1904

Ai nostri giorni, il concetto di “accademismo” ha travalicato i confini di un movimento artistico: ha acquisito un significato ulteriore e viene applicato alle opere di artisti che possiedono un’educazione artistica sistematica e competenze classiche nella creazione di opere di elevata competenza tecnica.

AZIONISMO

Christo e Han-Claude. Cancello n. 53, 2006

Nome generico per una serie di forme emerse nell'arte d'avanguardia negli anni '60.

Il desiderio di cancellare il confine tra arte e realtà porta gli artisti d'avanguardia a ricercare nuove forme di espressione artistica, diverse dalle forme tradizionali (cioè statiche), conferendo dinamicità all'opera, coinvolgendola in un'azione (azione). L'azione (o l'arte dell'azione) diventa un concetto generale per pratiche artistiche in cui l'enfasi si sposta dall'opera stessa al processo della sua creazione.

K. Oldenburg. Ponte a cucchiaio con ciliegia. 1985

Le origini dell'Azionismo vanno ricercate nelle performance dei dadaisti e dei surrealisti, nell'attività degli artisti astratti (in particolare D. Pollock), che professavano il principio della scrittura espressiva: l'“action painting”.

ANACRONISMO

K.M. Mariani La mano guidata dalla mente.1983

Una delle tendenze della pittura postmoderna, che offre un'interpretazione personale dell'arte del passato. Nato dal rifiuto del modernismo (ovvero la corrente d'avanguardia nell'arte), il postmoderno ha dichiarato il suo obiettivo come ritorno alle forme antiche, alle tradizioni storiche e agli stili della cultura secolare precedente. Alla ricerca di nuove forme, gli artisti postmoderni mescolano stili artistici di epoche e culture diverse, creando su questa base una mitologia individuale, correlata all'esperienza personale dell'autore.

L'anacronismo emerse alla fine degli anni Settanta in Italia e si diffuse successivamente in Francia. La sua fonte spirituale più importante fu l'opera di Giorgio De Chirico, che si rivolse all'arte classica negli anni Venti dopo il suo "periodo metafisico". Gli anacronisti, o "artisti culturali", come si definiscono, si ispirano alle opere dei maestri del Rinascimento, del Manierismo e del Barocco, che parafrasano e parodiano, cercando di inserire la tradizione classica nel contesto a mosaico della cultura postmoderna.

ARTE ANALITICA

P. Filonov. Famiglia contadina 1914

L'arte analitica è un metodo artistico sviluppato e concretizzato da Pavel Filonov nelle sue opere teoriche ("Canone e Legge", 1912; "Immagini fatte", 1914; "Dichiarazione della "Fioritura del Mondo", 1923) e nella sua pittura. Considerando il cubismo come portatore del principio razionalista, Filonov lo contrapponeva al principio della crescita organica (come la crescita di un albero) della forma artistica e alla qualità "fatta" dei dipinti.

P. Salzman Triplo autoritratto. 1932

Il principio di "madeness" è la posizione fondamentale dell'arte analitica. L'artista "costruisce" la sua immagine, così come la natura "crea" formazioni più grandi da atomi e molecole. Avendo compreso "che in ogni oggetto non ci sono due predicati, forma e colore, ma un intero mondo di fenomeni visibili e invisibili, le loro emanazioni, reazioni, inclusioni, genesi, essere, proprietà note o segrete, che a loro volta a volte hanno innumerevoli predicati", Filonov era convinto che tutta questa diversità di proprietà potesse essere espressa plasticamente in pittura.

Nel creare un'opera, l'artista deve fare affidamento non solo sull'evidente, il visibile ("occhio che vede"), ma anche sull'invisibile ("gas conoscitivo", catturando processi nascosti) – gli schemi interni della struttura e del funzionamento dell'oggetto raffigurato. L'artista trasforma la sua "visione" interna dell'oggetto o del fenomeno in costruzioni grafiche e pittoriche basate sulla "legge dello sviluppo organico della forma", mutuata dalla natura (per imitare non le forme che crea, ma i metodi con cui "agisce") e opposta al "canone" (forme costruite artificialmente).

Tatyana Glebova Output a colori

Dopo aver compreso questa legge, l'artista è in grado di "creare" un determinato quadro, così organico da avere il potenziale per auto-svilupparsi, come se non ci fosse la partecipazione dell'autore stesso a questo processo (cresce e si sviluppa come tutti gli esseri viventi in natura). P. Filonov credeva che l'arte creata con il suo metodo fosse l'arte del futuro, che avrebbe portato al "Gioco del Mondo", poiché si basava sull'interazione armoniosa tra uomo e natura, su una serie di principi scientifici rivolti all'intelletto dell'osservatore e al suo sviluppo ("per essere un fattore nell'evoluzione dell'intelligenza"). Maestri dell'arte analitica: Pavel Filonov, Tat'jana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondrat'ev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky.

METROPOLITANA

Oscar Rabin, "Bagni (profuma l'acqua di colonia di Mosca)", 1966.

Underground (inglese underground - underground, dungeon) - in senso stretto - qualsiasi arte sperimentale non commerciale; in senso lato - un concetto e un fenomeno nato negli Stati Uniti alla fine degli anni '50 e che indica la cultura "underground" come parte integrante della cosiddetta controcultura, che si opponeva alle restrizioni e alle convenzioni che dominavano la società culturale. L'arte underground è permeata dallo spirito di dissidenza. Rifiuta e viola gli orientamenti e i comportamenti politici, morali ed etici accettati nella società, introducendo comportamenti antisociali nella vita quotidiana. Temi tipici dell'underground americano ed europeo sono la "rivoluzione sessuale" e la droga.

Lev Kropivnitsky

Durante il periodo sovietico, questo concetto assunse un significato leggermente diverso e forme più politicizzate: qui, a causa del rigore del regime, quasi tutte le forme d'arte non ufficiali, ovvero non riconosciute dalle autorità, comprese musica e letteratura, finirono per essere clandestine. Dalla metà degli anni '50 alla fine degli anni '80. L'"opposizione artistica" era rappresentata dalle attività di numerose associazioni, tra cui le più note erano i gruppi "Lianozovskaya" (E. e L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin e altri (dal 1956 alla metà degli anni '70)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster e altri (dal 1960 alla metà degli anni '70)), "Azioni collettive" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko e altri (dal 1975)), "Ovoli volanti" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko e altri (dal 1978)). Il movimento underground sviluppò la creatività di artisti che non aderivano ad alcuna associazione (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), ma erano rappresentanti dell'arte sociale (E. Bulatov, V. Komar e A. Melamid) e di altri movimenti d'avanguardia (Gruppo degli artisti d'avanguardia, Campioni del mondo).

Ritratto di A. Zverev 1969

Dopo il crollo del sistema politico dell'Unione Sovietica, e con esso la rimozione delle restrizioni e dei divieti alla libertà di creazione artistica, l'underground come fenomeno culturale è crollato. Maestri dell'underground: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Šemjakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Drawing - 4. Serie Disegni di Berlino.

L'Art brut (in francese: Art brut – arte grezza, rozza) è un movimento artistico europeo della metà del XX secolo, il cui fondatore e leader fu l'artista francese Jean Dubuffet, che sviluppò il concetto di arte pura, un'arte che rifiuta bellezza e armonia. Ogni persona è un artista; per un essere umano, disegnare è naturale quanto parlare o camminare. Libero dalle tradizioni e dalle conoscenze di una "cultura soffocante", crea in modo istintivo e diretto.

J. Dubuffet Jazz Band, 1955

Secondo Dubuffet, l'Art Brut è creatività nella sua forma più pura: un'esplosione mentale spontanea dalle profondità della mente e della coscienza, catturata sulla carta o incarnata nella materia. Si rivolge all'arte dei malati mentali, persone isolate dalla società, considerando solo loro veri artisti, dotati di quella soggettività che conferisce a ogni persona una vera individualità.

Inizialmente, Dubuffet copiò il loro stile nelle sue opere, creando forme e immagini deliberatamente primitive e "barbariche", figurative e astratte, sorprendenti per le inaspettate soluzioni cromatiche e una scrittura apparentemente goffa. E nel 1948, insieme allo scrittore surrealista André Breton e all'artista spagnolo Antoni Tápies, fondò a Parigi la "Compagnia d'Art Brut", concepita per preservare e studiare l'arte degli emarginati. La collezione, che contava circa 5.000 disegni, dipinti, oggetti e sculture, costituì la base del Museo d'Art Brut, fondato nel 1976 a Losanna (Svizzera).

Autoritratto di J. Dubuffet, 1958

Nell'arte contemporanea, il concetto di "art brut" include le opere di persone che vivono al di fuori della società: malati mentali, disabili, ogni sorta di emarginati, così come le opere di J. Dubuffet, ispirate da questi esempi. L'art brut fa parte di un movimento più ampio: l'"Outsider art" (arte outsider), che nell'ultimo decennio è diventato un movimento di rilievo nel processo artistico mondiale. Per molti versi, questo è merito dell'intellettuale radicale e militante Jean Dubuffet, che ha guardato il mondo in modo nuovo. Maestri dell'art brut: Jean Dubuffet, Antoni Tàpies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugène von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, progetto Petra's Hut, 1982

L'Arte Povera è un movimento d'avanguardia emerso nell'arte italiana tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70 e diffusosi in altri paesi europei. Si basava sulla creazione di installazioni con oggetti industriali e naturali, con preferenza per i materiali più semplici e "poveri" (come terra, sabbia, carbone, rifiuti, oggetti domestici di uso comune, vecchi abiti e scarpe logori, ecc.).

Mario Merz senza titolo

Il movimento dell'Arte Povera nacque come risposta all'acuto intellettualismo e al razionalismo del minimalismo e del concettualismo, con i loro materiali e le tecnologie costosi per la produzione di oggetti d'arte. Gli artisti dell'Arte Povera, creando le loro opere, si rivolsero al "mondo delle cose semplici" che momentaneamente circondano una persona, e cercarono di rivelare la speciale poetica dell'ordinario, giocando sui contrasti, strappando gli oggetti dal loro contesto abituale e collocandoli in una realtà diversa, quella delle lussuose sale dei palazzi e degli spazi museali.

L. Fontana Titolo

Particolare attenzione è stata prestata all'eterogeneità degli oggetti (calchi in gesso di teste di statue antiche e sacchi di carbone o fornelli a gas), materiali effimeri che si modificano sotto l'influenza dell'atmosfera o per le loro proprietà chimiche e fisiche (come cera, spugna, gomma, ecc.). Ciò ha conferito alle opere dell'Arte Povera un certo simbolismo artistico che non si presta a un'interpretazione univoca. L'arte, che ci circonda ovunque, è fugace e sfuggente, come un attimo di vita. È effimera. E quindi inutile, ma è proprio questa la sua bellezza.

Maestri dell'Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROCCO

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacco.1593 - 1594. Galleria degli Uffizi. Firenze. Italia

Il barocco è uno dei grandi stili che hanno dominato l'architettura e l'arte dei paesi europei dalla fine del XVI alla metà del XVIII secolo.

La patria del Barocco (in italiano: barocco - bizzarro, strano) è l'Italia, dove l'affermazione del nuovo stile segnò la fine del Rinascimento con la sua armoniosa visione del mondo, la fede nelle possibilità illimitate della mente umana e l'ordine dell'esistenza universale.

Le caratteristiche principali del barocco erano la scala, l'abbondanza di decorazioni, la dinamica tempestosa, la ricerca di effetti illusori nell'organizzazione dello spazio interno: aumento delle dimensioni delle stanze con l'ausilio di specchi; altezza dei corridoi grazie a pittoreschi paralumi con una complessa soluzione prospettica.

Tutto ciò corrispondeva a una nuova immagine dell'universo: mutevole, conflittuale, dove ciò che muore e ciò che emerge sono in continuo confronto, e l'uomo con le sue passioni, il suo confuso, complesso mondo interiore si ritrova spesso in balia di forze irrazionali.

Simon Vouet, Santa Cecilia con un angelo. Prima metà del XVII secolo. Museo Ungherese di Belle Arti. Budapest. Ungheria.

Non è un caso che il barocco si allontani dalla chiarezza e dalla semplicità, preferendo un'elegante curva al rigore geometrico e alla linea retta; un vortice a un movimento ordinato; toni dorati scintillanti che cambiano sotto l'influenza di luci e ombre, oppure brillanti, festosi, inaspettatamente disarmonici nel loro suono vittorioso al colore locale.

Il barocco colpisce per i suoi interni spettacolari, che ricordano le scenografie teatrali, per la combinazione contrastante di materiali e texture utilizzati per le decorazioni e, talvolta, per la sconvolgente inclusione di dettagli "reali" nelle opere d'arte, come denti e capelli veri nelle statue femminili.

Lo stile barocco ha creato un insieme unico, una sintesi di architettura, arti monumentali e decorative che lo contraddistingueva da tutti gli altri.

In ogni paese europeo, il barocco ha le sue specificità, pur conservando i tratti principali dello stile. Così, nella sua patria, l'Italia, questo stile si è realizzato in modo più vivido e precoce rispetto, ad esempio, alla Francia, dove il ruolo di primo piano nel XVII secolo spettava al classicismo.

In Russia, lo sviluppo del Barocco si colloca tra la prima metà e la metà del XVIII secolo. Libera dall'esaltazione mistica tipica di questo stile nei paesi cattolici, l'arte barocca in Russia glorifica il rafforzamento del potere autocratico.

Nella prima metà del XVIII secolo, il Barocco evolve ovunque verso la graziosa leggerezza dello stile Rococò, con cui convive e si intreccia, e a partire dagli anni Sessanta del Settecento viene soppiantato dal Classicismo.

BAUHAUS

Suono antico, astratto su nero di Paul Klee 1925

Bauhaus (in tedesco: Bauhaus – “casa della costruzione”), Scuola superiore di costruzione e progettazione artistica, fondata dall'architetto tedesco W. Gropius a Weimar nel 1919.

Secondo l'idea dell'autore, il Bauhaus fu chiamato a unire arte, artigianato e tecnologia "divergenti" in un'"unica produzione artistica", a collegarli nella forma delle corporazioni edili medievali, ma su una nuova base scientifica e tecnica. Inizialmente, tutti gli studenti seguirono un corso di formazione preliminare di sei mesi, durante il quale studiarono le proprietà dei materiali e i fondamenti dell'artigianato, nonché la teoria della forma e del disegno. Successivamente, fu loro permesso di lavorare in laboratori: creativi e di produzione, dove l'enfasi era posta sulla pratica della lezione. A seconda delle inclinazioni degli studenti, venivano formati per diventare architetti, artisti-designer, fotografi, designer.

Paul Klee: Analisi di Klee di varie perversità, 1922, Collezione

V. Gropius prestò particolare attenzione alla scelta di insegnanti che condividessero le sue convinzioni: in diversi anni lavorarono qui gli artisti V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, i designer L. Moholy-Nagy e J. Itten.

Il periodo di massimo splendore del Bauhaus è legato al periodo di Weimar, segnato dall'influenza del neoromanticismo. Nel 1925, il Bauhaus si trasferì a Dessau, ospitato in un edificio progettato da V. Gropius, considerato uno dei capolavori dell'architettura funzionalista. Il periodo a Dessau è segnato dal consolidamento delle tendenze tecnico-utilitaristiche e dalla formazione dello stile Bauhaus, caratterizzato dalla chiarezza delle forme, dal minimalismo dei mezzi, dal design standardizzato e dal miglioramento di metodi e materiali industriali.

Vasilij Kandinskij, San Giorgio e il drago (1914-15).

Nel 1928, l'architetto svizzero H. Mayer assunse la direzione. Tuttavia, le innovazioni da lui introdotte (lo studio delle scienze sociali) causarono malcontento tra docenti e studenti e, nel 1930, la direzione del Bauhaus passò all'architetto tedesco L. Mies van der Rohe, che rimase direttore fino alla chiusura dell'istituto scolastico da parte dei nazisti nel 1933.

Wassily Kandinsky. Senza titolo, Primo acquerello astratto. 1910-1913

Tuttavia, i principi e i metodi didattici del Bauhaus furono adottati anche in altri paesi e le sue idee ebbero un profondo impatto sullo sviluppo delle arti applicate e delle belle arti (dalla grafica dei libri e dalla pubblicità all'arredamento e agli articoli per la casa).

Maestri del Bauhaus: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISMO

D. Fattori. Sulla costa. 1893

Il verismo (da "vero" in italiano) è un movimento della cultura artistica italiana dell'ultimo terzo del XIX secolo, che inizialmente si manifestò nella letteratura e nella musica, per poi estendersi alle belle arti.

I principi del verismo si formarono principalmente sotto l'influenza del naturalismo francese. Basandosi sulle opere di E. Zola, G. Flaubert e G. de Maupassant, i veristi posero come obiettivi principali del loro lavoro l'oggettività e un approccio scientifico allo studio dei fatti (dal punto di vista del positivismo) nella rappresentazione delle realtà della vita nella società italiana moderna, della vita e della psicologia della gente comune. L'originalità nazionale di questo movimento si manifestò nella profonda simpatia per i lavoratori oppressi, la cui vita (principalmente quella dei contadini e dei poveri delle province) era il contenuto principale dei romanzi e dei racconti dei teorici del verismo - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, e delle opere di P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega Barsaglieri italiani che guidano prigionieri austriaci, 1861

Nelle arti visive, i predecessori immediati dei veristi furono gli artisti della scuola fiorentina dei Macchiaioli, che si dedicarono nelle loro opere ai temi della lotta di liberazione nazionale del popolo italiano, della vita urbana e rurale. In pittura, il verismo fu rappresentato principalmente da maestri napoletani che svilupparono tendenze di critica sociale nell'arte (la lotta della classe operaia per i propri diritti, la difficile vita contadina) e crearono un'intera galleria di immagini di figure di spicco della storia e della cultura italiana.

Tuttavia, i veristi non intravedevano una possibilità sociale di eliminare l'ingiustizia sociale; la loro opera era dominata da stati d'animo di pessimismo e pessimismo, da una percezione passivo-naturalistica della realtà (in letteratura e pittura) o dal melodramma, da un'illustratività superficiale e da un'emotività esagerata (in musica). Sebbene il verismo non si diffuse nelle belle arti italiane, giocò comunque un ruolo importante nello sviluppo delle tendenze realistiche nel processo artistico mondiale.

Maestri del Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOARTE

Nam June Paik Robot Family, 1976

La videoarte è un movimento artistico dell'ultimo terzo del XX secolo che sfrutta le potenzialità della tecnologia video. A differenza della televisione stessa, destinata alla trasmissione a un pubblico di massa, la videoarte utilizza ricevitori televisivi, videocamere e monitor in eventi unici e produce anche film sperimentali nello spirito dell'arte concettuale, che vengono proiettati in spazi espositivi dedicati. Con l'ausilio dell'elettronica moderna, mostra, per così dire, il "cervello in azione" – un percorso visivo dall'idea artistica alla sua realizzazione. Il principale fondatore della videoarte è l'americano di origine coreana Nam June Paik. L'arte che utilizza la tecnologia televisiva – la videoarte – nasce proprio da una protesta contro il dominio della cultura di massa, la cui massima incarnazione è considerata la trasmissione televisiva. I "padri" della videoarte, Nam June Paik e Wolf Vostell, ciascuno a modo suo, si prendevano gioco dei cittadini rispettabili che ogni sera si sedevano per rilassarsi davanti alla televisione.

Negli anni '60, Wolf Vostell organizzò happening in cui i televisori venivano bersagliati con torte alla crema, legati con filo spinato, sepolti solennemente e persino colpiti da mitragliatrici. Nam Jun Paik, musicista di formazione, recitò in modo più discreto. Dopo aver iniziato con esperimenti di "visualizzazione musicale", passò alla creazione di sembianze di esseri viventi con testa, braccia e corpo, partendo da monitor di diverse dimensioni e dalle relative immagini, chiamandoli "Mamma", "Papà", "Bambino", "Zia", "Zio", ecc.

Nam June Paik Nuovo lavoro, 1983

Emersa negli anni '60, quando ancora non esistevano le videocamere, la videoarte è considerata una forma d'arte giovane. Come sempre, all'inizio fu dominio di singoli appassionati, ma alla fine degli anni '80 divenne chiaro che il video nasconde innumerevoli opportunità per arricchire i mezzi espressivi dell'arte. Le opere di Bill Viola, che ha creato un intero mondo di immagini sorprendenti e affascinanti in cui realtà e fantasia si intrecciano così intrinsecamente da far nascere una certa "nuova realtà", hanno avuto un ruolo significativo in questo. Ora è chiaro a tutti che per il XX secolo i nomi dei videoartisti Viola e Pike sono significativi quanto lo furono i nomi di Monet e Van Gogh per il XIX. La buona arte ha sempre un forte impatto su una persona: risveglia in lei sentimenti, pensieri, idee e azioni. La videoarte ha mezzi tecnici d'influenza più forti della pittura, della grafica e della scultura. Forse solo la vita stessa può competere con la videoarte in termini di intensità d'impatto. Non è un caso che la più credibile di tutte le arti sia stata chiamata da Wolf Vostell "fuga nella realtà".

ASTRAZIONE GEOMETRICA

Composizione di Lyubov Popova, 1917

L'astrazione geometrica (altri nomi sono astrazione fredda, astrattismo logico, astrattismo intellettuale) è un movimento dell'arte astratta basato sulla creazione di uno spazio artistico mediante la combinazione di varie forme geometriche, piani colorati, linee rette e spezzate.

L'astrazione geometrica nacque dalle ricerche di Paul Cézanne e dei cubisti, che furono i primi a seguire la via della deformazione della natura alla ricerca di una "nuova realtà". Essa ebbe diverse ramificazioni. In Russia, fu il raggismo di M. Larionov, che nacque come peculiare reazione alle ultime scoperte della fisica; la "non-oggettività" di O. Rozanova, L. Popova e V. Tatlin, che in seguito si trasformò in costruttivismo; il supermatismo di K. Malevich, in cui la non-oggettività era considerata un "nuovo realismo pittorico"; in Francia, in parte l'orfismo di Robert Delaunay; ma il suo principale rappresentante fu il gruppo olandese "Stile" ("De Stijl"), guidato da P. Mondrian e T. Van Doesburg, che propose il concetto di neoplasticismo – l'arte della pura plasticità, il cui compito era purificare la natura dalla diversità illusoria e svelare lo schema primario in essa nascosto.

Mikhail Larionov Bagnanti, 1909

L'astrazione geometrica, avendo avuto un'influenza significativa sullo sviluppo dell'architettura moderna, del design, delle arti industriali, decorative e applicate, è rimasta la tendenza dominante nell'arte fino alla fine

Seconda guerra mondiale. Negli anni '50, emersero le "correnti liriche dell'astrattismo" (tachisme, espressionismo astratto).

Olga Rozanova Composizione con un treno, 1911

Tuttavia, negli anni '60, con l'affermarsi del minimalismo e dell'op art sulla scena artistica, l'astrazione geometrica conobbe una seconda rinascita.

Maestri dell'astrazione geometrica: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

IPERREALISMO

Richard Estes. Via

L'iperrealismo (altri nomi: superrealismo, fotorealismo, realismo freddo, realismo radicale) è un movimento artistico nella pittura e nella scultura emerso negli Stati Uniti negli anni '60 e diffusosi in Europa negli anni '70.

Come forma d'arte figurativa, l'iperrealismo si basa sulla meticolosa precisione e sul dettaglio nella riproduzione della realtà, imitando le specificità della fotografia. Le opere degli iperrealisti sono fotografie meticolosamente copiate, ingrandite fino alle dimensioni di una grande tela.

Don Eddy. Vecchie auto modello

Alcuni artisti che lavoravano in questa direzione utilizzavano fotografie e diapositive a colori come base per le loro opere. Allo stesso tempo, tutte le caratteristiche dell'immagine fotografica venivano preservate, per le quali gli artisti ricorrevano a tecniche di copia meccanica: proiezione di diapositive, velatura, aerografo al posto del pennello, emulsione, ecc. L'uso di tali tecnologie non era casuale: enfatizzava la natura meccanica, eliminava la presenza umana dal processo creativo, come a voler impedire la visione personale del mondo dell'artista. Forse è per questo che il mondo dell'iperrealismo appare senza vita, freddo e distaccato dalla superrealtà dello spettatore.

Ralph Goings. Giorno d'estate

L'obiettivo dell'iperrealismo è rappresentare la realtà quotidiana, e i temi principali sono la vita impersonale e meccanizzata della città moderna, l'impersonale sistema di vita in un mondo duro e crudo. I suoi soggetti sono volutamente banali e le sue immagini sono enfaticamente "oggettive". Automobili, edifici residenziali, ristoranti, distributori di benzina, cabine telefoniche, cartelloni pubblicitari e, raramente, persone viventi: "personaggi di strada", le cui immagini hanno una sfumatura ironica o sono colme di disperazione. I dipinti danno origine a un'immagine della realtà, ma non quella reale, bensì riflessa nella sua molteplicità nelle vetrine dei negozi, nelle carrozzerie levigate delle auto, nel granito lucidato a specchio. Il gioco di questi riflessi, riprodotto fedelmente dall'artista, crea l'impressione di una compenetrazione di zone spaziali, di un'intricata relazione di piani, disorientando lo spettatore e suscitando una sensazione di irrealtà.

Maestri dell'iperrealismo: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.