Taiteen ja maalauksen virtaukset

ABSTRAKTI EKSPRESSIONISMI

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Abstraktin taiteen liike, joka syntyi Yhdysvalloissa 1940-luvulla ja jota edustivat pääasiassa New Yorkin koulukunnan taiteilijat. Abstrakti ekspressionismi jatkoi taiteen "vapauttamista" kaikesta järjen ja loogisten lakien kontrollista asettamalla tavoitteekseen taiteilijan sisäisen maailman, hänen alitajuntansa spontaanin ilmaisun kaoottisissa, abstrakteissa muodoissa ja pitäen pääasiallisena luovana periaatteenaan maalin spontaania, automaattista levittämistä kankaalle, joka tapahtuu yksinomaan henkisten ja emotionaalisten tilojen vaikutuksesta...

F.Klein. Mustaa vihreällä, punaisella ja keltaisella pohjalla. 1948

Taiteilijat peittivät kankaan pinnan nopeassa rytmissä suurilla, energisillä siveltimenvedoilla, usein käyttäen tipputtamista (maalin roiskuttamista tai puristamista tuubista). Maalauksen luomisprosessi tapahtui usein julkisesti: kokonainen esitys esitettiin yleisön edessä, jossa taiteilijan eleillä ja liikkeillä oli yhtä aktiivinen rooli kuin kankaalle putoavilla ja valuvilla maalivirroilla.

Abstrakti ekspressionismi hallitsi amerikkalaista kulttuuria 1960-luvun alkuun asti, ja siitä tuli yksi ensimmäisistä vakavista liikkeistä amerikkalaisessa maalaustaiteen muodossa ja se vaikutti maailman taiteen kehitykseen.

ABSTRAKTIONISMI

V. Kandinsky. Sävellys 8 1913.

Yksi 1900-luvun taiteen päätaiteellisista suuntauksista, jossa teoksen rakenne perustuu yksinomaan muodollisiin elementteihin - viivoihin, väripilkkuihin ja abstraktiin konfiguraatioon. Abstraktit teokset ovat irrallaan itse elämän muodoista: ei-objektiiviset sommitelmat ilmentävät taiteilijan subjektiivisia vaikutelmia ja fantasioita, hänen tietoisuutensa virtausta, ne synnyttävät vapaita assosiaatioita, ajattelun liikkeitä ja emotionaalista empatiaa.

Abstraktionismin syntyajan tai perustajan tarkkaa nimeämistä on mahdotonta sanoa. Abstraktionismin tunnustettuina inspiroijina pidetään taiteilijoita Vasili Kandinskya, Kazimir Malevitšia, Piet Modriania, František Kupkaa ja Robert Delaunayta, jotka esittelivät tämän liikkeen pääperiaatteet teoreettisissa teoksissaan ja ohjelmallisissa lausunnoissaan.

F. Leger Tyttö ja kukka. 1954

Abstraktionismi sai alkunsa kapeana kuvataiteen suuntauksena. 1930-luvun alussa alkoi syntyä abstraktionistien yhdistyksiä ("betonitaide" - 1930, "ympyrä ja neliö" - 1930 ja muita), jotka kokosivat eri kansallisuuksia ja suuntauksia edustavia taiteilijoita lippujensa alle. 1930-luvun puoliväliin mennessä kiinnostus abstraktionismiin oli jyrkästi laskenut, ja nämä yhdistykset hajosivat. Se syntyi uudelleen Yhdysvalloissa, missä abstrakti ekspressionismi syntyi 1940-luvun alussa ja operoi ei-objektiivisilla muodoilla taiteilijan sisäisen maailman spontaaniksi ilmaisuksi.

Viimeinen suosittu abstraktin taiteen muoto oli poptaide, joka syntyi 1960-luvulla, minkä jälkeen abstrakti taide vaipui unholaan.

AVANTGARDISMI

P. Picasso Kolme muusikkoa 1921

Joukko innovatiivisia, kapinallisia trendejä ja suuntia 1900-luvun taidekulttuurissa. Eri historiallisissa vaiheissa avantgarden roolia näyttelivät peräkkäiset trendit: 1900–1910-luvut olivat fauvismin, kubismin, futurismin, ekspressionismin, dadaismin ja abstraktin taiteen syntymisen aikaa; 1920–1930-luvuilla surrealismi nousi etualalle; sodanjälkeisenä aikana syntyi uusia abstraktionismin trendejä: abstrakti ekspressionismi, tachismi, informaalinen taide jne.; 1960–1970-luvut olivat siirtymäaikaa "klassisesta" avantgardesta uusavantgardeen eli postmodernismiin, jonka osatekijöitä olivat aktionismi, pop-taide, konseptualismi, kineettinen taide ja muut taidekäytännöt.

TRADITIONAALISUUS

A. Cabanel Phaedra. 1880

Kuvataiteen suuntaus, jonka kehityksen perustana ovat taideakatemiat. Akatemian kehityksen historia liittyy Bolognan "Oikealle polulle astuneet akatemiaan" (noin 1585), Ranskan kuninkaalliseen maalaus- ja kuvanveistoakatemiaan (1648) ja Venäjän kolmen jaloimman taiteen akatemiaan (1757). Kaikkien oppilaitosten toiminta perustui tiukasti säänneltyyn koulutusjärjestelmään, joka oli suuntautunut aiempien aikakausien - antiikin ja Italian renessanssin - suuriin saavutuksiin, joista klassisen taiteen yksittäiset ominaisuudet valittiin tietoisesti, hyväksyttiin ihanteelliseksi ja ylittämättömäksi.

Akateemisen taiteen tietä eivät leimanneet mitkään suuret löydöt tai saavutukset. Keinotekoisuutensa ("tehdyn") ja eklektisyytensä vuoksi se ei ole taiteellinen tyylisuunta.

A. Bouguereau Lepo sadonkorjuun aikana. 1865

Akateeminen kulttuuri kukoisti 1800-luvulla. Ranskassa tämä suuntaus yhdistetään sellaisten tunnettujen mestareiden kuin Jean Auguste Dominique Ingresin, Adolphe William Bouguereaun, Alexandre Cabrnelin, Paul Delarochen, Jean-Léon Gérômen ja Paul Joseph Jaminin työhön, joiden teoksille on ominaista vertaansa vailla oleva toteutustaido.

Pietarin taideakatemia vaali seiniensä sisällä myös galaksin maailmankuuluja akateemisia taiteilijoita: Karl Brjullovia, Aleksander Ivanovia, Henrik Semiradskia ja Fjodor Brunia.

A. Alma-Tadema Mooseksen löytäminen. 1904

Nykyään "akatemisuuden" käsite on ylittänyt taiteellisen liikkeen rajat: se on saanut lisämerkitystä ja sitä on alettu soveltaa sellaisten taiteilijoiden teoksiin, joilla on systemaattinen taiteellinen koulutus ja klassiset taidot korkean teknisen taidon teosten luomisessa.

AKTIONISMI

Christo ja Han-Claude. Portti nro 53 2006

Yleisnimitys useille avantgarde-taiteen muodoille, jotka syntyivät 1960-luvulla.

Halu häivyttää taiteen ja todellisuuden välistä rajaa johtaa avantgarde-taiteilijat etsimään uusia taiteellisen ilmaisun tapoja, jotka poikkeavat perinteisistä (eli staattisista) muodoista ja antavat teokselle dynamiikkaa, sitovat sen johonkin toimintaan. Toiminnasta (tai toiminnan taiteesta) tulee yleinen käsite taiteellisille käytännöille, joissa painopiste siirtyy teoksesta itsestään sen luomisprosessiin.

K. Oldenburg. Lusikkasilta kirsikan kanssa. 1985

Aktionismin alkuperää tulisi etsiä dadaistien ja surrealistien esityksistä, abstraktien taiteilijoiden (erityisesti D. Pollockin) toiminnasta, jotka tunnustivat ilmeikkään kirjoittamisen periaatteen - "toimintamaalauksen".

ANAKRONISMI

K.M. Mariani Mielen ohjaama käsi. 1983

Yksi postmodernistisen maalaustaiteen trendeistä tarjoaa tekijän tulkinnan menneisyyden taiteesta. Modernismin (eli taiteen avantgardistisen trendin) hylkäämisen seurauksena syntynyt postmodernismi julisti tavoitteekseen paluun aiempien vuosisatojen vanhan kulttuurin vanhoihin muotoihin, historiallisiin perinteisiin ja tyyleihin. Uusia muotoja etsiessään postmodernistiset taiteilijat sekoittavat taiteellisia tyylejä eri aikakausilta ja kulttuureista luoden tältä pohjalta yksilöllisen mytologian, joka korreloi tekijän henkilökohtaisen kokemuksen kanssa.

Anakronismin idea syntyi 1970-luvun lopulla Italiassa ja levisi myöhemmin Ranskaan. Sen tärkein hengellinen lähde oli Giorgio De Chiricon työ, joka kääntyi klassisen taiteen puoleen 1920-luvulla "metafyysisen kautensa" jälkeen. Anakronistit eli "kulttuuritaiteilijat", kuten he itseään kutsuvat, saavat inspiraationsa renessanssin, manierismin ja barokin mestareiden teoksista, joita he mukailevat, parodioivat ja pyrkivät sovittamaan klassisen perinteen postmodernin kulttuurin mosaiikkiseen kontekstiin.

Analyyttinen taide

P. Filonov. Talonpoikaisperhe 1914

Analyyttinen taide on taiteellinen menetelmä, jonka Pavel Filonov kehitti ja perusteli teoreettisissa teoksissaan ("Kanon ja laki", 1912; "Tehdyt kuvat", 1914; "Maailman kukinnan julistus", 1923) ja omissa maalauksissaan. Filonov piti kubismia rationalistisen periaatteen kantajana ja asetti sen vastakkain taiteellisen muodon orgaanisen kasvun periaatteen (puun kasvaessa) ja maalausten "tehdyn" laadun kanssa.

P. Salzmanin kolmoisomakuva. 1932

Analyyttisen taiteen pääasiallinen lähtökohta on valmistuksen periaate. Taiteilija "rakentaa" kuvansa, kuten luonto "luo" suurempia muodostelmia atomeista ja molekyyleistä. Ymmärtäen, "että missä tahansa objektissa ei ole kahta predikaattia, muotoa ja väriä, vaan kokonainen maailma näkyviä ja näkymättömiä ilmiöitä, niiden emanaatioita, reaktioita, sulkeumia, syntyä, olemista, tunnettuja tai salaisia ​​ominaisuuksia, joilla puolestaan ​​joskus on lukemattomia predikaatteja", Filonov oli vakuuttunut siitä, että kaikki tämä ominaisuuksien monimuotoisuus voidaan ilmaista plastisesti maalauksessa.

Teosta luodessaan taiteilijan on luotettava paitsi ilmeiseen, näkyvään ("näkevä silmä"), myös näkymättömään ("tietävä kaasu", piilotettujen prosessien taltiointi) - kuvatun esineen rakenteen ja toiminnan sisäisiin malleihin. Taiteilija muuttaa sisäisen "näkemyksensä" esineestä tai ilmiöstä graafisiksi ja kuvallisiksi rakenteiksi, jotka perustuvat "muodon orgaanisen kehityksen lakiin", lainattuina luonnosta (jäljittelemään ei luomiaan muotoja, vaan menetelmiä, joilla se "toimii") ja vastustaen "kaanonia" (keinotekoisesti rakennettuja muotoja).

Tatjana Glebova Väritulostus

Ymmärrettyään tämän lain taiteilija pystyy "tekemään" tietyn kuvan, niin orgaanisen, että sillä on potentiaalia itsensä kehittämiseen ikään kuin ilman tekijän omaa osallistumista tähän prosessiin (se kasvaa ja kehittyy kuten kaikki elävät olennot luonnossa). P. Filonov uskoi, että hänen menetelmällään luotu taide on tulevaisuuden taidetta, joka johtaa "maailman kukoistukseen", koska se perustuu ihmisen ja luonnon harmoniseen vuorovaikutukseen, useisiin katsojan älylle osoitettuihin tieteellisiin periaatteisiin ja sen kehittämiseen ("olla tekijä älykkyyden evoluutiossa"). Analyyttisen taiteen mestarit: Pavel Filonov, Tatjana Glebova, Alisa Poret, Mihail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaja, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratjev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Juri Hržanovsky

MAANALAINEN

Oscar Rabin, "Baths (Smell the Moscow Eau de Cologne)", 1966.

Maanalainen (englanniksi underground - maanalainen, dungeon) - kapeassa merkityksessä - mikä tahansa ei-kaupallinen, kokeellinen taide; laajassa merkityksessä - käsite ja ilmiö, joka syntyi Yhdysvalloissa 1950-luvun lopulla ja tarkoittaa "maanalaista" kulttuuria olennaisena osana niin sanottua vastakulttuuria, joka vastusti itseään kulttuuriyhteiskuntaa hallitsevia rajoituksia ja käytäntöjä vastaan. Maanalainen taide, joka on kyllästetty toisinajattelun hengellä. Hylkää ja loukkaa yhteiskunnassa hyväksyttyjä poliittisia, moraalisia ja eettisiä suuntauksia ja käyttäytymismalleja, tuoden epäsosiaalista käyttäytymistä jokapäiväiseen elämään. Tyypillisiä amerikkalaisen ja eurooppalaisen maanalaisen teemoja ovat "seksuaalinen vallankumous" ja huumeet.

Lev Kropivnitsky

Neuvostoliiton aikana tämä käsite sai hieman erilaisen merkityksen ja politisoituneempia muotoja: täällä hallinnon ankaruuden vuoksi lähes kaikki epävirallinen, eli viranomaisten tunnustamaton taide, mukaan lukien musiikki ja kirjallisuus, osoittautui maanalaiseksi. 1950-luvun puolivälistä 1980-luvun loppuun. "Taiteellista oppositiota" edustivat monet yhdistykset, joista tunnetuimpia olivat ryhmät "Lianozovskaya" (E. ja L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin ja muut (vuodesta 1956 1970-luvun puoliväliin)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster ja muut (vuodesta 1960 1970-luvun puoliväliin)), "Kollektiiviset toimet" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko ja muut (vuodesta 1975)) ja "Kärpässienet" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko ja muut (vuodesta 1978)). Maanalainen liike kehitti sellaisten taiteilijoiden luovuutta, jotka eivät liittyneet mihinkään yhdistykseen (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), vaan olivat sosiaalisen taiteen (E. Bulatov, V. Komar ja A. Melamid) ja muiden avantgarde-liikkeiden (Avantgarde-taiteilijoiden ryhmä, Maailman mestarit) edustajia.

A. Zverevin muotokuva 1969

Neuvostoliiton poliittisen järjestelmän romahtamisen ja sen myötä taiteellisen luovuuden vapauden rajoitusten ja kieltojen poistamisen jälkeen underground kulttuuri-ilmiönä katosi. Undergroundin mestarit: Lev Kropivnitskyi, Ljubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilja Kabakov, Ernst Neizvestnyi, Juri Sobolev, Julo Sooster, Kirill Zvezdotšetov, Mihail Šemjakin, Anatoli Zverev, Vadim Sidur, Vitali Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Drawing - 4. Series Berlin Drawings.

Art brut (ransk. Art brut – karkea, raaka taide) on 1900-luvun puolivälin eurooppalaisen taiteen suuntaus, jonka perustaja ja johtaja oli ranskalainen taiteilija Jean Dubuffet, joka kehitti puhtaan taiteen käsitteen, taiteen joka hylkää kauneuden ja harmonian. Jokainen ihminen on taiteilija; ihmiselle piirtäminen on yhtä luonnollista kuin puhuminen tai kävely. Vapautettuna "tukahduttavan kulttuurin" perinteistä ja tiedosta hän luo vaistonvaraisesti ja suoraan.

J. Dubuffet -jazzyhtye, 1955

Dubuffetin mukaan Art Brut on luovuutta puhtaimmassa muodossaan: spontaania henkistä purkausta mielen ja tietoisuuden syvyyksistä, joka on tallennettu paperille tai hahmoteltu materiaaliin. Hän kääntyy mielisairaiden, yhteiskunnasta eristyksissä olevien ihmisten taiteen puoleen pitäen vain heitä todellisina taiteilijoina, joilla on se subjektiivisuus, joka antaa ihmiselle aidon yksilöllisyyden.

Aluksi Dubuffet kopioi heidän tyyliään teoksissaan luoden tarkoituksella primitiivisiä, "barbaarisia" muotoja ja kuvia, sekä figuratiivisia että abstrakteja, silmiinpistäviä odottamattomilla väriratkaisuilla ja näennäisen kömpelöllä kirjoitustavalla. Ja vuonna 1948 hän perusti yhdessä surrealistisen kirjailijan André Bretonin ja espanjalaisen taiteilijan Antoni Tapiesin kanssa Pariisiin "Company of Brute Art" -yrityksen, jonka tarkoituksena oli säilyttää ja tutkia marginalisoituneiden taidetta. Kerätty kokoelma, johon kuului noin 5 000 piirustusta, maalausta, esinettä ja veistosta, muodosti perustan Lausannessa (Sveitsi) vuonna 1976 perustetulle Art Brut -museolle.

J. Dubuffet omakuva, 1958

Nykytaiteessa "art brut" -käsitteeseen kuuluvat yhteiskunnan ulkopuolella elävien ihmisten – mielisairaiden, vammaisten, kaikenlaisten syrjäytyneiden ihmisten – työt sekä J. Dubuffetin teokset, jotka ovat saaneet inspiraationsa näistä esimerkeistä. Art brut on osa laajempaa liikettä – "Outsider art" (ulkopuolinen taide), josta on viimeisen vuosikymmenen aikana tullut vakava liike maailman taiteellisessa prosessissa. Monella tapaa tämä on radikaalin ja militantin intellektuellin Jean Dubuffetin ansio, joka katsoi maailmaa uudella tavalla. Art brutin mestarit: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, Petran mökki -projekti, 1982

Arte Povera (italiaksi: Arte povera – köyhä taide) on avantgarde-suuntaus, joka syntyi Italian taiteessa 1960-luvun lopulla ja 1970-luvun alussa ja levisi laajalle muissa Euroopan maissa. Se perustui installaatioiden luomiseen teollisista ja luonnonmateriaaleista, etusijalla yksinkertaisimmat, "köyhimmät" materiaalit (kuten maa, hiekka, hiili, roskat, peruskotitaloustavarat, vanhat kuluneet vaatteet ja kengät jne.).

Mario Merz nimetön

Arte Povera -liike syntyi vastauksena minimalismin ja käsitteellisyyden korostuneeseen älyllisyyteen ja rationalismiin, joihin liittyi kalliita materiaaleja ja teknologioita taide-esineiden valmistukseen. Arte Povera -taiteilijat kääntyivät teoksiaan luodessaan "yksinkertaisten asioiden maailmaan", joka hetkellisesti ympäröi ihmistä, ja pyrkivät paljastamaan arkipäivän erityistä runoutta leikittelemällä kontrasteilla - repimällä asioita irti tavanomaisesta kontekstistaan ​​ja sijoittamalla ne toiseen todellisuuteen, ylellisten palatsisalien ja museotilojen todellisuuteen.

L. Fontanan titteli

Erityistä huomiota kiinnitettiin esineiden heterogeenisyyteen (antiikkipatsaiden päiden kipsivalokset ja hiili- tai kaasupolttimien pussit), lyhytikäisiin materiaaleihin, jotka muuttuvat ilmakehän vaikutuksesta tai kemiallisten ja fysikaalisten ominaisuuksiensa vuoksi (kuten vaha, sieni, kumi jne.). Tämä antoi Arte Poveran teoksille tietynlaisen taiteellisen symboliikan, jota ei voida tulkita yksiselitteisesti. Taide, joka ympäröi meitä kaikkialla, on ohikiitävää ja vaikeasti tavoitettavaa, kuin elämän hetki. Se on katoavaista. Ja siksi hyödytöntä, mutta siinä on sen kauneus.

Arte Poveran mestarit: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROKKI

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizi-galleria. Firenze. Italia

Barokki on yksi Euroopan maiden arkkitehtuurin ja taiteen suurista tyyleistä, jotka hallitsivat 1500-luvun lopulta 1700-luvun puoliväliin.

Barokin (italiaksi: barocco - omituinen, outo) syntymäpaikka on Italia, jossa uuden tyylin vakiintuminen merkitsi renessanssin loppua harmonisine maailmankatsomuksineen, uskoineen ihmismielen rajattomiin mahdollisuuksiin ja universaalin olemassaolon järjestyneisyyteen.

Barokin pääpiirteitä olivat mittakaava, sisustuksen runsaus, myrskyisä dynamiikka, pyrkimys illuusorisiin vaikutuksiin sisätilan organisoinnissa - huoneiden koon lisääminen peilien avulla; salien korkeus viehättävien lampunvarjostimien ansiosta, joilla on monimutkainen ratkaisu perspektiiviin.

Kaikki tämä vastasi uutta kuvaa maailmankaikkeudesta – muuttuvaa, ristiriitaista, jossa kuolevat ja nousevat ovat jatkuvassa vastakkainasettelussa, ja ihminen intohimojensa, hämmentyneen, monimutkaisen sisäisen maailmansa kanssa joutuu usein järjettömien voimien armoille.

Simon Vouet, Pyhä Cecilia enkelin kanssa. 1600-luvun alkupuolisko. Unkarin taidemuseo. Budapest, Unkari

Ei ole sattumaa, että barokki siirtyy pois selkeydestä ja yksinkertaisuudesta ja suosii eleganttia kaarevuutta geometrisen tarkkuuden ja suoran viivan sijaan; pyörrettä järjestetyn liikkeen sijaan; hohtavia kultaisia ​​sävyjä, jotka muuttuvat valon ja varjon vaikutuksesta, tai kirkkaita, juhlavia, odottamattoman epäharmonisia voitokkaassa äänessään paikalliseen väriin nähden.

Barokki tekee vaikutuksen upeilla sisätiloillaan, jotka muistuttavat teatterimaisemia, niiden sisustuksessa käytettyjen materiaalien ja tekstuurien kontrastisella yhdistelmällä ja joskus järkyttävällä "oikeiden" yksityiskohtien sisällyttämisellä taideteoksiin, kuten oikeilla hampailla ja hiuksilla naispatsaissa.

Barokkityyli loi ainutlaatuisen kokonaisuuden, arkkitehtuurin, monumentaalisen ja koristetaiteen synteesin, joka oli sille ainutlaatuinen.

Jokaisessa Euroopan maassa barokilla on omat erityispiirteensä säilyttäen samalla tyylin pääpiirteet. Niinpä kotimaassaan Italiassa tämä tyyli toteutui eloisimmin ja aikaisemmin kuin esimerkiksi Ranskassa, jossa 1600-luvulla johtava rooli kuului klassismille.

Venäjällä barokin kehitys ajoittuu 1700-luvun alkupuoliskolle ja puoliväliin. Vapaana katolisissa maissa tälle tyylille ominaisesta mystisestä ylistyksestä, barokkitaide Venäjällä ylistää vahvistuvaa itsevaltaista valtaa.

1700-luvun alkupuoliskolla barokki kehittyi kaikkialla kohti rokokoon tyylin sulavaa keveyttä, esiintyi rinnakkain ja kietoutui sen kanssa, ja 1760-luvulta lähtien klassismi syrjäytti sen.

BAUHAUS

Muinainen ääni, abstrakti mustalla, Paul Klee, 1925

Bauhaus (saksaksi: Bauhaus – ”rakennustalo”), saksalaisen arkkitehdin W. Gropiuksen Weimariin vuonna 1919 perustama rakennusalan ja taiteellisen suunnittelun korkeakoulu.

Kirjoittajan ajatuksen mukaan Bauhausin tehtävänä oli yhdistää "erilaiset" taiteet, käsityöt ja teknologia "yhdeksi taiteelliseksi tuotannoksi", yhdistää ne keskiaikaisten rakennuskiltojen muodossa, mutta uudella tieteellisellä ja teknisellä pohjalla. Aluksi kaikki opiskelijat kävivät läpi kuuden kuukauden alustavan koulutuskurssin, jossa he opiskelivat materiaalien ominaisuuksia ja käsityötaidon perusteita sekä muodon ja piirtämisen teoriaa. Sen jälkeen heidän annettiin työskennellä työpajoissa: luovissa ja tuotannollisissa, joissa painotettiin oppitunnin käytäntöä. Opiskelijoiden taipumuksista riippuen heidät koulutettiin arkkitehdeiksi, taiteilija-suunnittelijoiksi, valokuvaajiksi ja suunnittelijoiksi.

Paul Klee: Kleen analyysi erilaisista perversiteeteistä, 1922, kokoelma

V. Gropius kiinnitti erityistä huomiota uskomuksiaan jakavien opettajien valintaan: eri vuosina taiteilijat V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, suunnittelijat L. Moholy-Nagy ja J. Itten työskentelivät täällä.

Bauhausin kukoistuskausi yhdistetään Weimarin aikaan, jota leimasi uusromantiikan vaikutus. Vuonna 1925 Bauhaus muutti Dessauhun ja asettui V. Gropiuksen suunnittelemaan rakennukseen, jota pidetään yhtenä funktionalistisen arkkitehtuurin mestariteoksista. Dessaun ajanjaksolle on ominaista teknis-utilitarististen suuntausten vahvistuminen, Bauhaus-tyylin muodostuminen, jolle on ominaista muotojen selkeys, keinojen minimalismi, standardisuunnittelu sekä teollisten menetelmien ja materiaalien parantuminen.

Vasili Kandinsky, Pyhä Yrjö ja lohikäärme (1914-15).

Vuonna 1928 sveitsiläinen arkkitehti H. Mayer otti johtajan tehtävän. Hänen esittelemänsä innovaatiot (yhteiskuntatieteiden tutkimus) aiheuttivat kuitenkin tyytymättömyyttä opettajien ja opiskelijoiden keskuudessa, ja vuonna 1930 Bauhausia johti saksalainen arkkitehti L. Mies van der Rohe, joka pysyi johtajana, kunnes natsit sulkivat oppilaitoksen vuonna 1933.

Wassily Kandinsky. Nimetön ensimmäinen abstrakti vesivärimaalaus. 1910-1913

Bauhausin periaatteet ja opetusmenetelmät omaksuttiin kuitenkin muissa maissa, ja sen ideoilla oli syvällinen vaikutus soveltavan ja kuvataiteen kehitykseen (kirjagrafiikasta ja mainonnasta huonekaluihin ja kodintarvikkeisiin).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISMI

D. Fattori. Rannikolla. 1893

Verismi (italiaksi verismo sanasta vero - totuudenmukainen, tosi) on 1800-luvun viimeisen kolmanneksen italialaisessa taidekulttuurissa esiintynyt liike, joka syntyi alun perin kirjallisuudessa ja musiikissa ja levisi sitten kuvataiteeseen.

Verismin periaatteet muodostuivat pääasiassa ranskalaisen naturalismin vaikutuksesta. E. Zolan, G. Flaubertin ja G. de Maupassantin teosten pohjalta veristit asettivat työnsä päätehtäviksi objektiivisuuden ja tieteellisen lähestymistavan faktojen tutkimiseen (positivismin näkökulmasta) kuvaamalla elämän realiteetteja nyky-italialaisessa yhteiskunnassa, tavallisten ihmisten elämää ja psykologiaa. Tämän liikkeen kansallinen omaperäisyys ilmeni syvänä myötätuntona sorrettuja työväestön jäseniä kohtaan, joiden elämä (pääasiassa talonpoikaisto ja maakuntien köyhät) oli verismin teoreetikkojen - G. Vergan, L. Capuanan, D. Ciampolin - romaanien ja novellien sekä P. Mascagnin, R. Leoncavallon ja G. Puccinin oopperoiden pääsisältö.

S. Lega italialainen Barsaglieri johtava itävaltalaisia ​​vankeja, 1861

Kuvataiteessa veristien välittömiä edeltäjiä olivat firenzeläisen Macchiaioli-koulukunnan taiteilijat, jotka käsittelivät teoksissaan Italian kansan kansallisen vapautuskamppailun, kaupunki- ja maaseutuelämän teemoja. Maalaustaiteessa verismia edustivat pääasiassa napolilaiset mestarit, jotka kehittivät taiteessa yhteiskuntakriittisiä suuntauksia (työväenluokan taistelu oikeuksistaan, vaikea talonpoikaiselämä) ja loivat kokonaisen gallerian kuvia Italian historian ja kulttuurin merkittävistä hahmoista.

Veristit eivät kuitenkaan nähneet sosiaalista mahdollisuutta poistaa sosiaalista epäoikeudenmukaisuutta; heidän töitään hallitsivat pessimismin ja synkkyyden tunnelmat, passiivis-naturalistinen todellisuuden käsitys (kirjallisuudessa ja maalauksessa) tai melodraama, pinnallinen havainnollistavuus, liioiteltu emotionaalisuus (musiikissa). Vaikka verismi ei levinnyt laajalle Italian kuvataiteissa, sillä oli kuitenkin tärkeä rooli realististen suuntausten kehittymisessä maailman taiteellisessa prosessissa.

Masters of Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOTAIDETTA

Nam June Paik Robot Family, 1976

Videotaide on 1900-luvun viimeisen kolmanneksen kuvataiteen suuntaus, joka hyödyntää videotekniikan mahdollisuuksia. Toisin kuin televisio itsessään, joka on tarkoitettu lähetettäväksi massayleisölle, videotaide käyttää televisiovastaanottimia, videokameroita ja näyttöjä ainutlaatuisissa tapahtumissa ja tuottaa myös kokeellisia elokuvia käsitteellisen taiteen hengessä, joita esitetään erityisissä näyttelytiloissa. Nykyaikaisen elektroniikan avulla se näyttää ikään kuin "aivot toiminnassa" - visuaalisen polun taiteellisesta ideasta sen toteutumiseen. Videotaiteen pääperustaja on korealaissyntyinen amerikkalainen Nam June Paik. Televisioteknologiaa hyödyntävä taide - videotaide - syntyi juuri protestista massakulttuurin valta-asemaa vastaan, jonka korkeimpana ilmentymänä pidetään televisiolähetyksiä. Videotaiteen "isät", Nam June Paik ja Wolf Vostell, pilkkasivat kukin omalla tavallaan kunnioitettavia kansalaisia, jotka istuvat joka ilta rentoutumaan television ääreen.

60-luvulla Wolf Vostell järjesti happeningeja, joissa televisioita heiteltiin kermakakuilla, sidottiin piikkilangalla, haudattiin seremoniallisesti ja jopa ammuttiin konekivääreillä. Muusikkokoulutukseltaan Nam Jun Paik toimi hienovaraisemmin. Aloitettuaan kokeilunsa "musiikin visualisoinnilla", hän siirtyi luomaan elävien olentojen, joilla oli päät, kädet ja vartalot, ulkonäköjä erikokoisista näytöistä ja niitä vastaavista kuvista kutsuen niitä "äidiksi", "isäksi", "lapseksi", "tädiksi", "sedäksi" jne.

Nam June Paikin uusi teos, 1983

Videotaidetta pidetään nuorena taidemuotona, joka syntyi 60-luvulla, jolloin videokameroita ei vielä ollut. Kuten aina, aluksi se oli yksinäisten harrastajien valtakuntaa, mutta 80-luvun loppuun mennessä kävi selväksi, että video kätkee sisällään lukemattomia mahdollisuuksia taiteen ilmaisukeinojen rikastuttamiseen. Bill Violan teokset, jotka loivat kokonaisen maailman hämmästyttäviä ja kiehtovia kuvia, joissa todellisuus ja fantasia ovat niin monimutkaisesti kietoutuneet toisiinsa, että niistä syntyy tietynlainen "uusi todellisuus", olivat tässä merkittävässä roolissa. Nyt kaikille on selvää, että 1900-luvulla videotaiteilijoiden Violan ja Piken nimet ovat yhtä merkittäviä kuin Monet'n ja Van Goghin nimet olivat 1800-luvulla. Hyvällä taiteella on aina voimakas vaikutus ihmiseen - se herättää hänessä tunteita, ajatuksia, ideoita ja tekoja. Videotaiteella on teknisiä vaikutuskeinoja, jotka ovat vahvempia kuin maalauksella, grafiikalla ja kuvanveistolla. Ehkä vain elämä itse voi kilpailla videotaiteen kanssa sen vaikutuksen voimakkuudessa. Ei ole sattumaa, että Wolf Vostell kutsui tätä uskottavinta taiteenlajia "pakoksi todellisuuteen".

GEOMETRINEN ABSTRAKTIOT

Lyubov Popova sävellys, 1917

Geometrinen abstraktio (muita nimiä ovat kylmä abstraktio, looginen, älyllinen abstraktionismi) on abstraktin taiteen suuntaus, joka perustuu taiteellisen tilan luomiseen yhdistämällä erilaisia ​​geometrisia muotoja, värillisiä tasoja, suoria ja katkoviivoja.

Geometrinen abstraktio sai alkunsa Paul Cézannen ja kubistien etsinnöistä, jotka ensimmäisinä seurasivat luonnon muodonmuutoksen polkua etsiessään "uutta todellisuutta". Sillä oli useita haaroja. Venäjällä se oli M. Larionovin rayonismi, joka syntyi omituisena reaktiona fysiikan uusimpiin löytöihin; O. Rozanovan, L. Popovan ja V. Tatlinin "ei-objektiivinen" ajattelutapa, joka myöhemmin kehittyi konstruktivismiksi; K. Malevitšin supermatismi, jossa ei-objektiivinen ajattelutapa pidettiin "uutena kuvallisena realismina"; Ranskassa osittain Robert Delaunayn orfismi; mutta sen pääedustaja oli hollantilainen P. Mondrianin ja T. Van Doesburgin johtama "Style"-ryhmä ("De Stijl"), joka esitti neoplastisuuden käsitteen – puhtaan plastisuuden taiteen, jonka tehtävänä oli puhdistaa luonto illuusorisesta monimuotoisuudesta ja paljastaa siinä piilevä ensisijainen skeema.

Mihail Larionov Kylpijät, 1909

Geometrinen abstraktio, jolla oli merkittävä vaikutus modernin arkkitehtuurin, muotoilun, teollisen, koriste- ja soveltavan taiteen kehitykseen, pysyi taiteen hallitsevana suuntauksena loppuun asti.

Toinen maailmansota. 1950-luvulla "abstraktionismin lyyriset virtaukset" (takismi, abstrakti ekspressionismi) nousivat etualalle.

Olga Rozanova Sävellys junalla, 1911

1960-luvulla minimalismin ja op-taiteen tullessa taiteelliselle näyttämölle, geometrinen abstraktio sai kuitenkin toisen syntymän.

Geometrisen abstraktion mestarit: Kazimir Malevich, Mihail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALISMIA

Richard Estes. katu

Hyperrealismi (muut nimet: superrealismi, fotorealismi, kylmä realismi, radikaali realismi) on maalaus- ja kuvanveistotaiteen taiteellinen suuntaus, joka syntyi Yhdysvalloissa 1960-luvulla ja levisi Eurooppaan 1970-luvulla.

Esittävänä taiteen muotona hyperrealismi perustuu todellisuuden toistamisen pikkutarkkaan tarkkuuteen ja yksityiskohtiin, jäljitellen valokuvauksen erityispiirteitä. Hyperrealistien teokset ovat pikkutarkasti kopioituja valokuvia, jotka on suurennettu suuren kankaan kokoisiksi.

Don Eddy. Vanhoja pienoismalliautoja

Jotkut tähän suuntaan työskennelleet taiteilijat käyttivät teostensa pohjana valokuvia ja väridioja. Samalla kaikki valokuvakuvan ominaisuudet säilyivät, minkä vuoksi taiteilijat käyttivät mekaanisia kopiointitekniikoita: diaprojektiota, lasitusta, airbrushia siveltimen sijaan, emulsiomaalausta jne. Tällaisten tekniikoiden käyttö ei ollut sattumaa: ne korostivat mekaanista luonnetta, poistivat ihmisen läsnäolon luomisprosessista, ikään kuin yrittäen estää taiteilijan oman, henkilökohtaisen näkemyksen maailmasta. Ehkä juuri siksi hyperrealismin maailma tuntuu elottomalta, kylmältä ja katsojan supertodellisuudesta irralliselta.

Ralph Goings. Kesäpäivä.

Hyperrealismin tavoitteena on kuvata arkipäivän todellisuuksia, ja pääteemoina ovat modernin kaupungin persoonaton koneellinen elämä, persoonaton elinjärjestelmä ankarassa ja raa'assa maailmassa. Sen aiheet ovat tarkoituksella banaaleja, ja kuvat ovat painokkaasti "objektiivisia". Autoja, asuinrakennuksia, ravintoloita, huoltoasemia, puhelinkoppeja, mainostauluja ja harvoin eläviä ihmisiä - "kadun hahmoja", joiden kuvissa on ironinen sävy tai ne ovat täynnä toivottomuutta. Maalaukset luovat kuvan todellisuudesta, mutta eivät todellista, vaan heijastuvat moninaisuudessaan lasikauppojen ikkunoissa, autojen kiillotetuissa koreissa, kiiltäväksi kiillotetussa graniitissa. Näiden heijastusten leikki, jonka taiteilija on toistanut tarkasti, luo vaikutelman tilavyöhykkeiden läpitunkeutumisesta, suunnitelmien monimutkaisesta suhteesta, hämmentää katsojaa ja herättää epätodellisuuden tunteen.

Hyperrealismin mestareita: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.