Kunsti ja maalikunsti hoovused

ABSAKTIIVSEST EKSPRESSIONISMIST

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Abstraktse kunsti liikumine, mis tekkis Ameerika Ühendriikides 1940. aastatel ja mida esindasid peamiselt New Yorgi koolkonna kunstnikud. Abstraktne ekspressionism jätkas kunsti "vabastamist" igasugusest mõistuse ja loogiliste seaduste kontrollist, seades eesmärgiks kunstniku sisemaailma, tema alateadvuse spontaanse väljendamise kaootilistes, abstraktsetes vormides ning võttes oma peamiseks loominguliseks printsiibiks värvi spontaanse, automaatse pealekandmise lõuendile, mis toimub üksnes vaimsete ja emotsionaalsete seisundite mõjul...

F. Klein. Must rohelisel, punasel ja kollasel taustal. 1948

Kiires rütmis katsid kunstnikud lõuendi pinda suurte ja energiliste pintslitõmmetega, kasutades sageli tilkumise tehnikat (värvi pritsimine või tuubist välja pigistamine). Maali loomise protsess toimus sageli avalikult: publiku ees mängiti läbi terve etendus, milles kunstniku žestid ja liigutused mängisid sama aktiivset rolli kui lõuendile langevad ja valguvad värvijoad.

Abstraktne ekspressionism domineeris Ameerika kultuuris kuni 1960. aastate alguseni, saades üheks esimeseks tõsisemaks liikumiseks Ameerika maalikunstis ja mõjutades maailma kunsti arengut.

ABSTRAKTSIONISM

V. Kandinsky. Kompositsioon 8 1913.

Üks 20. sajandi kunsti peamisi kunstisuundi, mille puhul teose struktuur põhineb eranditult formaalsetel elementidel - joontel, värvilaikudel, abstraktsel konfiguratsioonil. Abstraktsed teosed on irdunud elu enda vormidest: mitteobjektiivsed kompositsioonid kehastavad kunstniku subjektiivseid muljeid ja fantaasiaid, tema teadvuse voogu, need tekitavad vabu assotsiatsioone, mõtteliigutusi ja emotsionaalset empaatiat.

Abstraktsionismi tekkimise täpset aega ega rajajat on võimatu nimetada. Abstraktsionismi tunnustatud inspireerijateks peetakse kunstnikke Vassili Kandinskit, Kazimir Malevitši, Piet Modrianit, František Kupkat ja Robert Delaunayt, kes oma teoreetilistes töödes ja programmilistes avaldustes visandasid selle liikumise põhipunktid.

F. Leger "Tüdruk lillega". 1954

Abstraktsionism sai alguse kitsa suunitlusega kujutavas kunstis. 1930. aastate alguses hakkasid tekkima abstraktsionistide ühendused („betoonkunst” – 1930, „ring ja ruut” – 1930 jt), mis koondasid oma lipu alla eri rahvustest ja suundadest kunstnikke. 1930. aastate keskpaigaks oli huvi abstraktsionismi vastu järsult langenud ja need ühendused lagunesid. See sündis uuesti Ameerika Ühendriikides, kus 1940. aastate alguses tekkis abstraktne ekspressionism, mis opereeris kunstniku sisemaailma spontaanseks väljendamiseks mitteobjektiivsete vormidega.

Viimane populaarne abstraktse kunsti vorm oli popkunst, mis tekkis 1960. aastatel, pärast mida abstraktne kunst unustusehõlma vajus.

AVANGARDISM

P. Picasso Kolm muusikut 1921

20. sajandi kunstikultuuri uuenduslike, mässumeelsete suundumuste ja suundumuste kogum. Erinevatel ajaloolistel etappidel mängisid avangardi rolli järjestikused suunad: 1900.–1910. aastad olid fauvismi, kubismi, futurismi, ekspressionismi, dadaismi ja abstraktse kunsti tekkimise aeg; 1920.–1930. aastatel tõusis esile sürrealism; sõjajärgsel perioodil tekkisid abstraktsionismis uued suunad: abstraktne ekspressionism, tachism, informaalne kunst jne; 1960.–1970. aastad olid üleminekuperiood „klassikalisest” avangardist neoavangardi ehk postmodernismi koos selle komponentidega: aktionism, popkunst, kontseptualism, kineetiline kunst ja muud kunstipraktikad.

AKADEMISM

A. Cabanel Phaedra. 1880

Suund kaunite kunstide vallas, mille arengu aluseks on kunstiakadeemiad. Akadeemilisuse arengulugu on seotud Bolognas asutatud "Õigele Teele Astunud Akadeemiaga" (umbes 1585), Prantsuse Kuningliku Maali- ja Skulptuuriakadeemiaga (1648) ning Venemaa Kolme Kõige Õilsama Kunsti Akadeemiaga (1757). Kõigi institutsioonide tegevus põhines rangelt reguleeritud haridussüsteemil, mis oli orienteeritud eelmiste ajastute - antiikaja ja Itaalia renessansi - suurtele saavutustele, millest teadlikult valiti välja klassikalise kunsti individuaalsed omadused, mida aktsepteeriti ideaalsete ja ületamatutena.

Akadeemilisuse teed kunstis ei iseloomustanud suured avastused ega saavutused. Oma kunstlikkuse ("valmistatud") ja eklektika tõttu ei ole see kunstistiil.

A. Bouguereau Puhka koristamise ajal. 1865

19. sajandil õitses akadeemilisus. Prantsusmaal seostatakse seda suunda selliste tuntud meistrite nagu Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin loominguga, kelle teoseid eristab võrratu teostusmeisterlikkus.

Peterburi Kunstiakadeemia seinte vahel kasvas ka terve plejaad maailmakuulsaid akadeemilisi kunstnikke: Karl Brjulov, Aleksander Ivanov, Henrik Semiradski ja Fjodor Bruni.

A. Alma-Tadema Moosese avastamine. 1904

Meie ajal on akadeemilisuse mõiste ületanud kunstivoolu raame: see on omandanud täiendava tähenduse ja seda on hakatud rakendama kunstnike loomingus, kellel on süstemaatiline kunstiharidus ja klassikalised oskused kõrge tehnilise meisterlikkusega teoste loomisel.

AKTSIONISM

Christo ja Han-Claude. Värav nr 53 2006

Üldnimetus mitmetele vormidele, mis tekkisid 1960. aastatel avangardkunstis.

Soov kaotada piir kunsti ja reaalsuse vahel ajendab avangardkunstnikke otsima uusi kunstilise väljenduse viise, mis erinevad traditsioonilistest (s.t staatilistest) vormidest, andes teosele dünaamikat, kaasates selle mingisse tegevusse (aktsiooni). Tegevus (või tegutsemise kunst) saab kunstipraktikate üldmõisteks, milles rõhk nihkub teoselt endalt selle loomise protsessile.

K. Oldenburg. Lusikasild kirsiga. 1985

Aktionismi päritolu tuleks otsida dadaistide ja sürrealistide etendustes, abstraktsete kunstnike (eriti D. Pollocki) tegevuses, kes tunnistasid ekspressiivse kirjutamise põhimõtet - „aktsioonmaal“.

ANAKRONISM

K. M. Mariani "Mõistuse juhitud käsi". 1983

Üks postmodernistliku maalikunsti suundumusi pakub autori tõlgendust mineviku kunstist. Tekkinud modernismi (s.t. kunsti avangardse suuna) hülgamise tulemusena, kuulutas postmodernism oma eesmärgiks naasmise eelmiste sajanditevanuse kultuuri vanade vormide, ajalooliste traditsioonide ja stiilide juurde. Uute vormide otsingul segavad postmodernistlikud kunstnikud erinevate ajastute ja kultuuride kunstistiile, luues selle põhjal individuaalse mütoloogia, mis on seotud autori isikliku kogemusega.

Anakronism tekkis 1970. aastate lõpus Itaalias ja levis hiljem Prantsusmaale. Selle kõige olulisem vaimne allikas oli Giorgio De Chirico looming, kes pöördus pärast oma „metafüüsilist perioodi“ 1920. aastatel klassikalise kunsti poole. Anakronistid ehk „kultuurikunstnikud“, nagu nad end nimetavad, ammutavad inspiratsiooni renessansi, manerismi ja baroki meistrite loomingust, keda nad parafraseerivad, parodeerivad, püüdes sobitada klassikalist traditsiooni postmodernistliku kultuuri mosaiikkonteksti.

ANALÜÜTILINE KUNST

P. Filonov. Talurahva perekond 1914

Analüütiline kunst on kunstiline meetod, mille töötas välja ja põhjendas Pavel Filonov oma teoreetilistes töödes („Kaanon ja seadus“, 1912; „Valmistatud pildid“, 1914; „Maailma õitsengu deklaratsioon“, 1923) ja oma maalikunstis. Võttes kubismi ratsionalistliku printsiibi kandjaks, vastandas Filonov selle kunstilise vormi orgaanilise kasvu (nagu puu kasvab) printsiibile ja maalide „valmistatud“ kvaliteedile.

P. Salzmani kolmekordne autoportree. 1932

Analüütilise kunsti põhiseisukoht on tehtu printsiip. Kunstnik "ehitab" oma pilti, nagu loodus "loob" aatomitest ja molekulidest suuremaid moodustisi. Mõistes, "et igas objektis ei ole kahte predikaati, vormi ja värvi, vaid terve maailm nähtavaid ja nähtamatuid nähtusi, nende emanatsioone, reaktsioone, kaasatusi, teket, olemist, teadaolevaid või salajasi omadusi, millel omakorda on mõnikord lugematu arv predikaate", oli Filonov veendunud, et kogu seda omaduste mitmekesisust saab maalikunstis plastiliselt väljendada.

Teose loomisel peab kunstnik toetuma mitte ainult ilmsele, nähtavale ("nägev silm"), vaid ka nähtamatule ("tundev gaas", varjatud protsesside jäädvustamine) - kujutatava objekti struktuuri ja toimimise sisemistele mustritele. Kunstnik muudab oma sisemise "nägemuse" objektist või nähtusest graafilisteks ja pildilisteks konstruktsioonideks, mis põhinevad "vormi orgaanilise arengu seadusel", laenatud loodusest (mitte jäljendama vorme, mida see loob, vaid meetodeid, mille abil see "toimib") ja vastanduvad "kaanonile" (kunstlikult konstrueeritud vormid).

Tatjana Glebova Värviväljund

Olles sellest seadusest aru saanud, suudab kunstnik "teha" teatud pildi, mis on nii orgaaniline, et sellel on potentsiaali enesearenguks justkui ilma autori enda osaluseta selles protsessis (see kasvab ja areneb nagu kõik elusolendid looduses). P. Filonov uskus, et tema meetodil loodud kunst on tuleviku kunst, mis viib "maailma õitseajani", kuna see põhineb inimese ja looduse harmoonilisel vastastikmõjul, mitmetel teaduslikel põhimõtetel, mis on suunatud vaataja intellektile ja selle arendamisele ("olla teguriks intellekti evolutsioonis"). Analüütilise kunsti meistrid: Pavel Filonov, Tatjana Glebova, Alisa Poret, Mihhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaja, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratjev, Boriss Gurvitš, Nikolai Jevgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Juri Hržanovski.

MAA-ALUNE

Oscar Rabin, "Vannid (Nõustage Moskva Kölni vesi)", 1966.

Maa-alune (inglise keeles underground - underground, koopasse) - kitsamas tähenduses - igasugune mittekommertslik, eksperimentaalne kunst; laiemas tähenduses - kontseptsioon ja nähtus, mis tekkis Ameerika Ühendriikides 1950. aastate lõpus ja tähendab "maa-alust" kultuuri kui nn vastukultuuri lahutamatut osa, mis vastandas end kultuuriühiskonnas domineerinud piirangutele ja konventsioonidele. Maa-alune kunst, mis on läbi imbunud dissidentluse vaimust. Lükkab tagasi ja rikub ühiskonnas aktsepteeritud poliitilisi, moraalseid ja eetilisi orientatsioone ja käitumisviise, tuues igapäevaellu antisotsiaalset käitumist. Ameerika ja Euroopa maa-aluse muusika tüüpilised teemad on "seksuaalrevolutsioon" ja narkootikumid.

Lev Kropivnitski

Nõukogude ajal omandas see mõiste mõnevõrra teistsuguse tähenduse ja politiseeritumad vormid: siin osutus režiimi ranguse tõttu peaaegu iga mitteametlik, s.t võimude poolt tunnustamata kunst, sealhulgas muusika ja kirjandus, põrandaaluseks. 1950. aastate keskpaigast kuni 1980. aastate lõpuni. „Kunstilist opositsiooni“ esindas paljude ühenduste tegevus, mille hulgas olid kuulsaimad rühmitused „Lianozovskaja“ (E. ja L. Kropivnitski, L. Masterkova, O. Rabin jt (1956. aastast kuni 1970. aastate keskpaigani)), „Sretenski puiestee“ (I. Kabakov, E. Neizvestnõi, Ju. Sobolev, Ju. Sooster jt (1960. aastast kuni 1970. aastate keskpaigani)), „Kollektiivsed aktsioonid“ (A. Monastõrski, G. Kizelvater, I. Makarevitš, S. Romaško jt (alates 1975. aastast)), „Kärbseseened“ (S. Gundlahh, K. Zvezdotšetov, V. Mironenko jt (alates 1978. aastast)). Maa-alune liikumine arendas kunstnike loovust, kes ei kuulunud ühessegi ühendusse (V. Sidur, A. Zverev, M. Šemjakin), vaid olid sotsiaalse kunsti esindajad (E. Bulatov, V. Komar ja A. Melamid) ning teiste avangardliikumiste (Avangardistide grupp, Maailmameistrid) esindajad.

A. Zverevi portree 1969

Pärast Nõukogude Liidu poliitilise süsteemi kokkuvarisemist ja koos sellega kunstilise loovuse vabaduse piirangute ja keeldude kaotamist kadus underground kui kultuurinähtus. Undergroundi meistrid: Lev Kropivnitski, Ljubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilja Kabakov, Ernst Neizvestnõi, Juri Sobolev, Julo Sooster, Kirill Zvezdotšetov, Mihhail Šemjakin, Anatoli Zverev, Vadim Sidur, Vitali Komar, Aleksandr Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapiesi joonistus - 4. Seeria Berliini joonised.

Art brut (prantsuse keeles Art brut – töötlemata, karm kunst) on 20. sajandi keskpaiga Euroopa kunstisuund, mille rajajaks ja juhiks oli prantsuse kunstnik Jean Dubuffet, kes töötas välja puhta kunsti kontseptsiooni – kunsti, mis hülgab ilu ja harmoonia. Iga inimene on kunstnik; inimese jaoks on joonistamine sama loomulik kui rääkimine või kõndimine. Vabanedes „lämmatava kultuuri“ traditsioonidest ja teadmistest, loob ta instinktiivselt ja otseselt.

J. Dubuffeti džässbänd, 1955

Dubuffeti sõnul on Art Brut loovus oma puhtaimal kujul: spontaanne vaimne purske meele ja teadvuse sügavusest, jäädvustatud paberile või kehastunud materjali. Ta pöördub vaimuhaigete, ühiskonnast isoleeritud inimeste kunsti poole, pidades tõelisteks kunstnikeks ainult neid, kellel on see subjektiivsus, mis annab inimesele ehtsa individuaalsuse.

Alguses kopeeris Dubuffet oma loomingus nende stiili, luues tahtlikult primitiivseid, "barbaarseid" vorme ja kujundeid, nii figuratiivseid kui ka abstraktseid, silmatorkavalt ootamatute värvilahenduste ja pealtnäha kohmaka kirjutamisstiiliga. Ja 1948. aastal asutas ta koos sürrealistliku kirjaniku André Bretoni ja hispaania kunstniku Antoni Tapiesiga Pariisis ettevõtte "Company of Brute Art", mille eesmärk oli säilitada ja uurida marginaliseeritud inimeste kunsti. Kogutud kollektsioon, mis koosnes umbes 5000 joonistusest, maalist, esemest ja skulptuurist, moodustas aluse 1976. aastal Lausanne'is (Šveits) asutatud Art Brut' muuseumile.

J. Dubuffeti autoportree, 1958

Kaasaegses kunstis hõlmab "art brut" mõiste nii ühiskonnast väljaspool elavate inimeste - vaimuhaigete, puuetega inimeste, igasuguste marginaliseeritud inimeste - loomingut kui ka J. Dubuffeti teoseid, mis on nendest näidetest inspireeritud. Art brut on osa laiemast liikumisest - "Outsider art" (väljastpoolt tulnud kunst), mis on viimase kümnendi jooksul muutunud tõsiseks liikumiseks maailma kunstiprotsessis. Paljuski on see radikaalse ja militantse intellektuaali Jean Dubuffeti teene, kes vaatas maailma uutmoodi. Art bruti meistrid: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, Petra onni projekt, 1982

Arte Povera (itaalia keeles Arte povera – kehv kunst) on avangardne liikumine, mis tekkis Itaalia kunstis 1960. aastate lõpus – 1970. aastate alguses ja levis laialdaselt ka teistes Euroopa riikides. See põhines installatsioonide loomisel tööstus- ja loodusobjektidest, eelistades kõige lihtsamaid, „kõige kehvemaid“ materjale (näiteks muld, liiv, kivisüsi, prügi, elementaarsed majapidamistarbed, vanad kulunud riided ja jalanõud jne).

Mario Merz pealkirjata

Arte Povera liikumine tekkis vastusena minimalismi ja kontseptualismi kõrgendatud intellektuaalsusele ja ratsionaalsusele, millega kaasnesid kallid materjalid ja tehnoloogiad kunstiobjektide valmistamiseks. Arte Povera kunstnikud pöördusid oma teoste loomisel "lihtsate asjade maailma" poole, mis inimest hetkeks ümbritsevad, ning püüdsid paljastada argipäeva erilist poeetikat, mängides kontrastidega – rebides asju välja nende tavapärasest kontekstist ja asetades need teise reaalsusesse, luksuslike paleesaalide ja muuseumiruumide reaalsusesse.

L. Fontana tiitel

Erilist tähelepanu pöörati objektide heterogeensusele (antiiksete kujude peade kipsvalandid ja söe- või gaasipõletite kotid), lühiajalistele materjalidele, mis muutuvad atmosfääri mõjul või oma keemiliste ja füüsikaliste omaduste tõttu (näiteks vaha, käsn, kumm jne). See andis Arte Povera töödele teatud kunstilise sümboolika, mis ei allu üheselt tõlgendatavale tõlgendusele. Kunst, mis ümbritseb meid kõikjal, on põgus ja tabamatu, nagu eluhetk. See on efemeerne. Ja seetõttu kasutu, kuid see ongi selle ilu.

Arte Povera meistrid: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROKK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizi galerii. Firenze. Itaalia

Barokk on üks suuremaid stiile, mis domineeris Euroopa riikide arhitektuuris ja kunstis 16. sajandi lõpust kuni 18. sajandi keskpaigani.

Baroki (itaalia keeles barocco - veider, kummaline) sünnimaa on Itaalia, kus uue stiili kinnistumine tähendas renessansi lõppu koos selle harmoonilise maailmavaate, usuga inimmõistuse piiritutesse võimalustesse ja universaalse eksistentsi korrastatusega.

Baroki peamisteks tunnusteks olid ulatus, dekooride rohkus, tormiline dünaamika, püüdlus illusoorsete efektide poole siseruumi korraldamisel - ruumide suuruse suurendamine peeglite abil; saalide kõrgus tänu maalilistele lambivarjudele, millel on keerukas perspektiivilahendus.

Kõik see vastas uuele pildile universumist – muutlikule, konfliktsele, kus surevad ja tärkavad on pidevas vastasseisus ning inimene oma kirgede, segase, keerulise sisemaailmaga satub sageli irratsionaalsete jõudude meelevalda.

Simon Vouet, Püha Cecilia ingliga. 17. sajandi esimene pool. Ungari Kaunite Kunstide Muuseum. Budapest, Ungari

Pole juhus, et barokk eemaldub selgusest ja lihtsusest, eelistades elegantset kõverat geomeetrilisele rangusele ja sirgele joonele; keerist korrastatud liikumisele; sätendavaid kuldseid toone, mis muutuvad valguse ja varju mõjul, või eredaid, pidulikke, oma võidukas kõlas ootamatult ebakõlalisi kohalikku värvi.

Barokk avaldab muljet oma suurejooneliste interjööridega, mis meenutavad teatrimaastikku, nende kaunistamiseks kasutatud materjalide ja tekstuuride kontrastse kombinatsiooniga ning kohati šokeeriva „päris” detailide kaasamisega kunstiteostesse, näiteks pärishambad ja -juukse naiste kujudesse.

Barokkstiil lõi ainulaadse ansambli, arhitektuuri, monumentaal- ja dekoratiivkunsti sünteesi, mis oli sellele ainuomane.

Igas Euroopa riigis on barokil oma eripärad, säilitades samal ajal stiili põhijooned. Seega realiseerus see stiil oma kodumaal Itaalias kõige eredamalt ja ajaliselt varem kui näiteks Prantsusmaal, kus 17. sajandil kuulus juhtiv roll klassitsismile.

Venemaal langeb baroki areng 18. sajandi esimesse poolde ja keskpaika. Vabanedes katoliiklikes riikides sellele stiilile iseloomulikust müstilisest ülevusest, ülistab barokkkunst Venemaal tugevnevat autokraatlikku võimu.

18. sajandi esimesel poolel arenes barokk kõikjal rokokoo stiili graatsilise kerguse suunas, eksisteeris sellega koos ja põimus ning alates 1760. aastatest tõrjus selle välja klassitsism.

BAUHAUS

Paul Klee „Iidne heli, abstraktne mustvalgel” 1925. aastal

Bauhaus (saksa keeles Bauhaus – „ehitusmaja“), kõrgem ehitus- ja kunstilise disaini kool, mille asutas saksa arhitekt W. Gropius Weimaris 1919. aastal.

Autori idee kohaselt kutsuti Bauhausi üles ühendama "erinevad" kunstid, käsitöö ja tehnoloogia "ühtseks kunstiliseks produktsiooniks", ühendama need keskaegsete ehitusgildide kujul, kuid uuel teaduslikul ja tehnilisel alusel. Alguses läbisid kõik õpilased 6-kuulise eelkoolituse, kus nad õppisid materjalide omadusi ja käsitöö põhitõdesid, samuti vormi ja joonistamise teooriat. Pärast seda lubati neil töötada töötubades: loomingulistes ja lavastuslikes, kus rõhk oli tunni praktikal. Sõltuvalt õpilaste kalduvustest koolitati neid arhitektideks, kunstnikeks-disaineriteks, fotograafideks, disaineriteks.

Paul Klee: Klee analüüs erinevatest perverssustest, 1922, kogumik

V. Gropius pööras erilist tähelepanu õpetajate valikule, kes jagasid tema veendumusi: erinevatel aastatel töötasid siin kunstnikud V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, disainerid L. Moholy-Nagy ja J. Itten.

Bauhausi õitseaeg on seotud Weimari perioodiga, mida iseloomustas neoromantismi mõju. 1925. aastal kolis Bauhaus Dessausse ja asus elama V. Gropiuse projekteeritud hoonesse, mida peetakse funktsionalistliku arhitektuuri üheks meistriteoseks. Dessau perioodi iseloomustab tehnilis-utilitaarsete suundumuste tugevnemine, Bauhausi stiili kujunemine, mida iseloomustab vormide selgus, vahendite minimalism, standardne disain ning tööstuslike meetodite ja materjalide täiustumine.

Vassili Kandinski, Püha Jüri ja draakon (1914-15).

1928. aastal asus direktori ametikohale Šveitsi arhitekt H. Mayer. Tema uuendused (ühiskonnateaduste uurimine) tekitasid aga õpetajate ja õpilaste seas rahulolematust ning 1930. aastal asus Bauhausi juhtima saksa arhitekt L. Mies van der Rohe, kes jäi direktoriks kuni õppeasutuse sulgemiseni natside poolt 1933. aastal.

Vassili Kandinsky. Pealkirjata esimene abstraktne akvarell. 1910–1913

Bauhausi põhimõtted ja õpetamismeetodid võeti aga üle ka teistes riikides ning selle ideedel oli sügav mõju tarbe- ja kujutava kunsti arengule (raamatugraafikast ja reklaamist kuni mööbli ja majapidamistarveteni).

Bauhausi meistrid: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISM

D. Fattori. Rannikul. 1893

Verism (itaalia keelest verismo sõnast vero - tõene, tõene) on 19. sajandi viimase kolmandiku Itaalia kunstikultuuri liikumine, mis tekkis algselt kirjanduses ja muusikas ning levis seejärel kujutavasse kunsti.

Verismi põhimõtted kujunesid peamiselt prantsuse naturalismi mõjul. E. Zola, G. Flauberti ja G. de Maupassanti loomingule tuginedes seadsid veristid oma töö peamisteks ülesanneteks objektiivsuse ja teadusliku lähenemise faktide uurimisele (positivismi seisukohast) tänapäeva Itaalia ühiskonna elu reaalsuse, tavainimeste elu ja psühholoogia kujutamisel. Selle liikumise rahvuslik originaalsus avaldus sügavas kaastundes rõhutud töörahva vastu, kelle elu (peamiselt talurahvas ja provintside vaesed) oli verismi teoreetikute - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli - romaanide ja lühijuttude, P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini ooperite peamine sisu.

S. Lega itaallane Barsaglieri juhtiv Austria vangid, 1861. a

Kujutavas kunstis olid veristide vahetud eelkäijad Firenze koolkonna "Macchiaioli" kunstnikud, kes pöördusid oma loomingus Itaalia rahva rahvusliku vabanemisvõitluse, linna- ja maaelu teemade poole. Maalikunstis esindasid verismi peamiselt Napoli meistrid, kes arendasid kunstis sotsiaalselt kriitilisi suundumusi (töölisklassi võitlus oma õiguste eest, raske talupojaelu) ja lõid terve galerii Itaalia ajaloo ja kultuuri silmapaistvate tegelaste kujutisi.

Veristid ei näinud aga sotsiaalset võimalust sotsiaalse ebaõigluse kaotamiseks; nende loomingus domineerisid pessimismi ja hukatuse meeleolud, passiivne-naturalistlik reaalsustaju (kirjanduses ja maalikunstis) või melodraama, pealiskaudne illustratiivsus, liialdatud emotsionaalsus (muusikas). Kuigi verism ei muutunud Itaalia kujutavas kunstis laialt levinuks, mängis see siiski olulist rolli realistlike suundumuste arengus maailma kunstiprotsessis.

Verismo meistrid: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOKUNST

Nam June Paiki robotiperekond, 1976

Videokunst on 20. sajandi viimase kolmandiku kujutava kunsti liikumine, mis kasutab videotehnoloogia võimalusi. Erinevalt televisioonist endast, mis on mõeldud edastamiseks massipublikule, kasutab videokunst ainulaadsetes sündmustes telereid, videokaameraid ja monitore ning toodab ka kontseptuaalse kunsti vaimus eksperimentaalseid filme, mida näidatakse spetsiaalsetes näitusepindades. Kaasaegse elektroonika abil näitab see justkui „aju tegutsemas“ – visuaalset teed kunstilisest ideest selle kehastuseni. Videokunsti peamine rajaja on Korea päritolu ameeriklane Nam June Paik. Televisioonitehnoloogiat kasutav kunst – videokunst – tekkis just protestist massikultuuri domineerimise vastu, mille kõrgeimaks kehastuseks peetakse teleülekannet. Videokunsti „isad“, Nam June Paik ja Wolf Vostell, tegid igaüks omal moel nalja lugupeetud kodanike üle, kes igal õhtul teleri ette lõõgastuma istuvad.

60ndatel lavastas Wolf Vostell happening'e, kus telereid loobiti kreemikookidega, seoti okastraadiga kinni, maeti tseremoniaalselt maha ja tulistati isegi kuulipildujatest. Muusikuharidusega Nam Jun Paik tegutses peenemalt. Alustades katsetega „muusikalise visualiseerimise“ alal, liikus ta edasi erineva suurusega monitoride ja vastavate piltide abil elusolendite peade, käte ja kehadega sarnaste kujutiste loomisele, nimetades neid „emaks“, „isaks“, „lapseks“, „tädiks“, „onuks“ jne.

Nam June Paiki uus teos, 1983

Videokunst, mis tekkis 60ndatel, kui videokaameraid veel polnud, peetakse nooreks kunstivormiks. Nagu ikka, oli see alguses üksikute entusiastide pärusmaa, kuid 80ndate lõpuks sai selgeks, et video peidab endas lugematuid võimalusi kunsti väljendusvahendite rikastamiseks. Märkimisväärset rolli mängisid selles Bill Viola teosed, kes lõi terve maailma hämmastavaid ja põnevaid pilte, milles reaalsus ja fantaasia on nii keerukalt läbi põimunud, et neist sünnib teatud "uus reaalsus". Nüüd on kõigile selge, et 20. sajandil on videokunstnike Viola ja Pike nimed sama olulised kui 19. sajandil Monet' ja Van Goghi nimed. Heal kunstil on inimesele alati tugev mõju - see äratab temas tundeid, mõtteid, ideid ja tegusid. Videokunstil on tehnilised mõjuvahendid, mis on tugevamad kui maalikunst, graafika ja skulptuur. Võib-olla ainult elu ise suudab oma mõju intensiivsuse poolest videokunstiga võistelda. Pole juhus, et seda kõigist kunstidest kõige usutavamat nimetas Wolf Vostell "põgenemiseks reaalsusesse".

GEOMEETRILINE ABSTRAKTSIOONI

Ljubov Popova kompositsioon, 1917

Geomeetriline abstraktsioon (teised nimetused on külm abstraktsioon, loogiline, intellektuaalne abstraktsionism) on abstraktse kunsti liikumine, mis põhineb kunstilise ruumi loomisel erinevate geomeetriliste kujundite, värviliste tasapindade, sirgete ja katkendlike joonte kombineerimise teel.

Geomeetriline abstraktsioon kasvas välja Paul Cézanne'i ja kubistide otsingutest, kes olid esimesed, kes järgisid looduse deformeerimise teed „uue reaalsuse“ otsinguil. Sellel oli mitu haru. Venemaal oli see M. Larionovi rayonism, mis tekkis omapärase reaktsioonina füüsika viimastele avastustele; O. Rozanova, L. Popova ja V. Tatlini „mitteobjektiivsus“, mis hiljem kasvas konstruktivismiks; K. Malevitši supermatism, milles mitteobjektiivsust peeti „uueks pildiliseks realismiks“; Prantsusmaal osaliselt Robert Delaunay orfism; kuid selle peamine esindaja oli Hollandi rühmitus „Stiil“ („De Stijl“) eesotsas P. Mondriani ja T. Van Doesburgiga, mis esitas neoplastismi kontseptsiooni – puhta plastilisuse kunsti, mille ülesandeks oli looduse puhastamine illusoorsest mitmekesisusest ja selles peituva algse skeemi paljastamine.

Mihhail Larionovi „Suplejad”, 1909

Geomeetriline abstraktsioon, millel oli oluline mõju moodsa arhitektuuri, disaini, tööstus-, dekoratiiv- ja tarbekunsti arengule, jäi kunstis domineerivaks trendiks kuni 1900. aastate lõpuni.

Teine maailmasõda. 1950. aastatel tulid esile "abstraktsionismi lüürilised voolud" (tašism, abstraktne ekspressionism).

Olga Rozanova kompositsioon rongiga, 1911

Kuid 1960. aastatel, minimalismi ja opkunsti ilmumisega kunstimaastikul, sai geomeetriline abstraktsioon teise sünni.

Geomeetrilise abstraktsiooni meistrid: Kazimir Malevitš, Mihhail Larionov, Olga Rozanova, Ljubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HÜPERREALISM

Richard Estesi tänav

Hüperrealism (teised nimetused: superrealism, fotorealism, külm realism, radikaalne realism) on maalikunsti ja skulptuuri kunstivool, mis tekkis Ameerika Ühendriikides 1960. aastatel ja levis Euroopas 1970. aastatel.

Figuratiivse kunsti vormina põhineb hüperrealism reaalsuse taasesitamise detailsusel ja täpsusel, jäljendades fotograafia eripära. Hüperrealistide teosed on hoolikalt kopeeritud fotod, mis on suurendatud suure lõuendi suuruseks.

Don Eddy. Vanad mudelautod

Mõned selles suunas tegutsevad kunstnikud kasutasid oma tööde alusena fotosid ja värvilisi slaide. Samal ajal säilitati kõik fotokujutise omadused, milleks kunstnikud kasutasid mehaanilisi kopeerimistehnikaid: slaidiprojektsiooni, glasuuri, pintsli asemel aerograafi, emulsioonvärvimist jne. Selliste tehnoloogiate kasutamine ei olnud juhuslik: see rõhutas mehaanilist olemust, kõrvaldas inimese kohaloleku loominguprotsessist, justkui püüdes takistada kunstniku enda, isikliku maailmapildi tekkimist. Võib-olla just seetõttu tundub hüperrealismi maailm elutu, külm ja vaataja superreaalsusest eraldatud.

Ralph Goings. Suvepäev

Hüperrealismi eesmärk on kujutada igapäevaelu reaalsust ning peamisteks teemadeks on tänapäeva linna isikupäratu mehhaniseeritud elu, isikupäratu elusüsteem karmis ja toores maailmas. Selle teemad on tahtlikult banaalsed ja kujundid rõhutatult "objektiivsed". Autod, elamud, restoranid, bensiinijaamad, telefonikabiinid, reklaamtahvlid ja harva elavad inimesed - "tänavategelased", kelle kujutistel on irooniline varjund või need on täis lootusetust. Maalid loovad reaalsuse kuvandi, kuid mitte päris, vaid peegelduvad oma mitmekesisuses klaasvitriinakendes, poleeritud autokeredel, läikima poleeritud graniidis. Nende peegelduste mäng, mille kunstnik on täpselt taasesitanud, loob mulje ruumiliste tsoonide läbipõimumisest, plaanide keerulisest suhtest, desorienteerides vaatajat ja tekitades ebareaalsuse tunde.

Hüperrealismi meistrid: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.