Strømninger inden for kunst og maleri

ABSTRAKT EKSPRESSIONISME

J. Pollock. Moby Dick. 1943

En bevægelse inden for abstrakt kunst, der opstod i USA i 1940'erne og primært var repræsenteret af værker af kunstnere fra New York-skolen. Abstrakt ekspressionisme fortsatte kunstens "frigørelse" fra enhver kontrol over fornuft og logiske love, idet den satte sig som mål den spontane udtrykning af kunstnerens indre verden, hans underbevidsthed i kaotiske, abstrakte former, og tog som sit vigtigste kreative princip den spontane, automatiske påføring af maling på lærred, der udelukkende forekommer under indflydelse af mentale og følelsesmæssige tilstande….

F. Klein. Sort på grøn, rød og gul. 1948

I en hurtig rytme dækkede kunstnerne lærredets overflade med store, energiske penselstrøg, ofte ved hjælp af drypteknikken (at sprøjte maling eller presse den ud af et rør). Processen med at skabe et maleri foregik ofte offentligt: ​​en hel performance blev spillet foran publikum, hvor kunstnerens gestik og bevægelser spillede en lige så aktiv rolle som malingsstrømmene, der faldt og spildte hen over lærredet.

Abstrakt ekspressionisme dominerede amerikansk kultur indtil begyndelsen af ​​1960'erne og blev en af ​​de første seriøse bevægelser inden for amerikansk maleri og påvirkede udviklingen af ​​verdenskunst.

ABSTRAKTIONISME

V. Kandinsky. Komposition 8 1913.

En af de vigtigste kunstneriske tendenser i det 20. århundredes kunst er, hvor værkets struktur udelukkende er baseret på formelle elementer - linjer, farvepletter, abstrakt konfiguration. Abstrakte værker er løsrevet fra selve livets former: ikke-objektive kompositioner legemliggør kunstnerens subjektive indtryk og fantasier, strømmen af ​​hans bevidsthed, de genererer frie associationer, tankebevægelser og følelsesmæssig empati.

Det er umuligt at nævne hverken det nøjagtige tidspunkt for abstraktionismens fremkomst eller dens grundlægger. De anerkendte inspiratorer for abstraktionismen anses for at være kunstnerne Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay, som skitserede hovedpunkterne i denne bevægelse i deres teoretiske værker og programmatiske udsagn.

F. Leger Pige med en blomst. 1954

Abstraktionisme opstod som en snæver retning inden for billedkunst. I begyndelsen af ​​1930'erne begyndte foreninger af abstraktionister at dukke op ("konkret kunst" - 1930, "cirkel og firkant" - 1930, og andre), som samlede kunstnere af forskellige nationaliteter og retninger under deres bannere. I midten af ​​1930'erne var interessen for abstraktionisme faldet kraftigt, og disse foreninger faldt fra hinanden. Den blev genfødt i USA, hvor abstrakt ekspressionisme opstod i begyndelsen af ​​1940'erne og opererede med ikke-objektive former for spontan udtryk af kunstnerens indre verden.

Den sidste populære form for abstrakt kunst var popkunst, som opstod i 1960'erne, hvorefter abstrakt kunst forsvandt i glemsel.

AVANTGARDISME

P. Picasso Tre musikere 1921

Et sæt innovative, rebelske tendenser og retninger i det 20. århundredes kunstneriske kultur. På forskellige historiske stadier blev avantgardens rolle spillet af successive tendenser: 1900-1910'erne var tiden for fremkomsten af ​​fauvisme, kubisme, futurisme, ekspressionisme, dadaisme og abstrakt kunst; i 1920'erne-1930'erne trådte surrealismen i forgrunden; i efterkrigstiden opstod nye tendenser inden for abstraktionisme: abstrakt ekspressionisme, tachisme, uformel kunst osv.; 1960'erne-1970'erne var overgangsperioden fra den "klassiske" avantgarde til neoavantgarden eller postmodernismen med dens komponenter: aktionisme, popkunst, konceptualisme, kinetisk kunst og andre kunstpraksisser.

AKADEMISK

A. Cabanel Phaedra. 1880

En tendens inden for billedkunst, hvis udvikling er grundlaget for kunstakademierne. Historien om akademisk udvikling er forbundet med "Akademiet for dem, der har trådt ind på rette vej" i Bologna (omkring 1585), det franske kongelige akademi for malerkunst og skulptur (1648) og det russiske akademi for de tre mest ædle kunstarter (1757). Alle institutioners aktiviteter var baseret på et strengt reguleret uddannelsessystem, orienteret mod de store præstationer fra tidligere epoker - antikken og den italienske renæssance, hvorfra individuelle kvaliteter af klassisk kunst blev bevidst udvalgt, accepteret som ideelle og uovertrufne.

Akademikeriets vej inden for kunst var ikke præget af store opdagelser eller præstationer. På grund af dens kunstighed ("skabte") og eklekticisme er det ikke en kunstnerisk stilart.

A. Bouguereau Hvile under høst. 1865

Akademismen blomstrede i det 19. århundrede. I Frankrig er denne tendens forbundet med værker af så berømte mestre som Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, hvis værker er kendetegnet ved deres uovertrufne mesterlige udførelse.

Sankt Petersborgs Kunstakademi plejede også inden for sine mure en galakse af verdensberømte akademiske kunstnere: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky og Fjodor Bruni.

A. Alma-Tadema: Opdagelsen af ​​Moses. 1904

I vores tid er begrebet "akademisme" gået ud over rammerne af en kunstnerisk bevægelse: det har fået yderligere betydning og er kommet til at blive anvendt på værker af kunstnere, der har en systematisk kunstnerisk uddannelse og klassiske færdigheder i at skabe værker af høj teknisk kunnen.

AKTIONISME

Christo og Han-Claude. Port nr. 53 2006

En samlet betegnelse for en række former, der opstod inden for avantgardekunsten i 1960'erne.

Ønsket om at udviske linjen mellem kunst og virkelighed får avantgardekunstnere til at søge efter nye måder at udtrykke sig på, der adskiller sig fra traditionelle (dvs. statiske) former, og som giver værket dynamik og involverer det i en eller anden form for handling (action). Handling (eller handlingens kunst) bliver et generelt begreb for kunstneriske praksisser, hvor vægten flyttes fra selve værket til processen med dets skabelse.

K. Oldenburg. Skebro med et kirsebær. 1985

Aktionismens oprindelse bør søges i dadaisternes og surrealisternes optrædener, i abstrakte kunstneres aktiviteter (især D. Pollock), der bekendte sig til princippet om udtryksfuld skrivning - "action painting".

ANAKRONISMEN

K.M. Mariani Hånden styret af sindet. 1983

En af tendenserne inden for postmodernistisk maleri, der tilbyder en forfatters fortolkning af fortidens kunst. Postmodernismen, der opstod som et resultat af afvisningen af ​​modernismen (dvs. avantgardistenden inden for kunst), erklærede sit mål som en tilbagevenden til de gamle former, historiske traditioner og stilarter fra den foregående århundreder gamle kultur. I jagten på nye former blander postmodernistiske kunstnere kunstneriske stilarter fra forskellige epoker og kulturer og skaber på dette grundlag en individuel mytologi, der er korreleret med forfatterens personlige erfaring.

Anakronismen opstod i slutningen af ​​1970'erne i Italien og spredte sig senere til Frankrig. Dens vigtigste åndelige kilde var Giorgio De Chiricos værker, der vendte sig mod klassisk kunst i 1920'erne efter sin "metafysiske periode". Anakronister eller "kulturkunstnere", som de kalder sig selv, er inspireret af værkerne fra renæssancens, manierismens og barokkens mestre, som de parafraserer, parodierer, i et forsøg på at passe den klassiske tradition ind i den postmoderne kulturs mosaikkontekst.

ANALYTISK KUNST

P. Filonov. Bondefamilie 1914

Analytisk kunst er en kunstnerisk metode, der er udviklet og underbygget af Pavel Filonov i hans teoretiske værker ("Kanon og lov", 1912; "Skapede billeder", 1914; "Erklæring om "Verdensblomstring", 1923) og i sit eget maleri. Filonov tog kubismen som bærer af det rationalistiske princip og satte det i kontrast til princippet om organisk vækst (som et træ vokser) af kunstnerisk form og maleriernes "skabte" kvalitet.

P. Salzman Tredobbelt selvportræt. 1932

Princippet om skabthed er hovedpositionen i den analytiske kunst. Kunstneren "bygger" sit billede, ligesom naturen "skaber" større formationer ud fra atomer og molekyler. Filonov, der forstår, "at der i ethvert objekt ikke er to prædikater, form og farve, men en hel verden af ​​synlige og usynlige fænomener, deres udstråling, reaktioner, inklusioner, tilblivelse, væren, kendte eller hemmelige egenskaber, som igen nogle gange har utallige prædikater", var overbevist om, at al denne mangfoldighed af egenskaber kan udtrykkes plastisk i maleriet.

Når kunstneren skaber et værk, skal vedkommende ikke kun stole på det åbenlyse, det synlige ("det seende øje"), men også på det usynlige ("det kendende gas", indfangning af skjulte processer) - de interne mønstre i det afbildede objekts struktur og funktion. Kunstneren omdanner sin interne "vision" af objektet eller fænomenet til grafiske og billedlige konstruktioner baseret på "loven om formens organiske udvikling", lånt fra naturen (for ikke at efterligne de former, den skaber, men de metoder, hvormed den "handler") og i modsætning til "kanonen" (kunstigt konstruerede former).

Tatyana Glebova Farveoutput

Når kunstneren har forstået denne lov, er han i stand til at "skabe" et bestemt billede, så organisk, at det har potentiale til selvudvikling, som om det ikke involverer forfatteren selv i denne proces (det vokser og udvikler sig som alle levende ting i naturen). P. Filonov mente, at den kunst, der skabes ved hans metode, er fremtidens kunst, som vil føre til "verdens storhedstid", da den er baseret på det harmoniske samspil mellem menneske og natur, på en række videnskabelige principper, der er rettet mod beskuerens intellekt og udviklingen af ​​det ("til at være en faktor i intelligensens udvikling"). Mestre i analytisk kunst: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

UNDERJORDISK

Oscar Rabin, "Bade (lugt af Moscow Eau de Cologne)", 1966.

Underground (engelsk underground - underground, dungeon) - i snæver forstand - enhver ikke-kommerciel, eksperimentel kunst; i bred forstand - et koncept og fænomen, der opstod i USA i slutningen af ​​1950'erne og betyder "underground"-kultur som en integreret del af den såkaldte modkultur, der modsatte sig de restriktioner og konventioner, der dominerede det kulturelle samfund. Undergroundkunst er gennemsyret af dissidensens ånd. Afviser og krænker de politiske, moralske og etiske orienteringer og adfærdstyper, der er accepteret i samfundet, og introducerer antisocial adfærd i hverdagen. Typiske temaer i den amerikanske og europæiske underground er den "seksuelle revolution" og stoffer.

Lev Kropivnitskyj

I sovjetperioden fik dette koncept en noget anderledes betydning og mere politiserede former: her, på grund af regimets strenghed, viste næsten enhver uofficiel, dvs. ikke anerkendt af myndighederne, kunst, inklusive musik og litteratur, sig at være undergrunds. Fra midten af ​​1950'erne til slutningen af ​​1980'erne. "Kunstnerisk opposition" var repræsenteret af aktiviteterne i mange foreninger, blandt hvilke de mest berømte var grupperne "Lianozovskaya" (E. og L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin og andre (fra 1956 til midten af ​​1970'erne)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster og andre (fra 1960 til midten af ​​1970'erne)), "Kollektive Aktioner" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko og andre (siden 1975)), "Fluesvampe" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko og andre (siden 1978)). Undergrundsbevægelsen udviklede kreativiteten hos kunstnere, der ikke var medlem af nogen foreninger (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), men var repræsentanter for social kunst (E. Bulatov, V. Komar og A. Melamid) og andre avantgardebevægelser (Gruppen af ​​Avantgardekunstnere, Verdensmestre).

A. Zverev Portræt 1969

Efter Sovjetunionens politiske systems sammenbrud, og med det ophævelsen af ​​restriktioner og forbud mod friheden til kunstnerisk kreativitet, forsvandt undergrunden som kulturelt fænomen. Mestre inden for undergrunden: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Tegning - 4. Serie Berlin Tegninger.

Art brut (fransk: Art brut – rå, rå kunst) er en bevægelse inden for europæisk kunst fra midten af ​​det 20. århundrede, hvis grundlægger og leder var den franske kunstner Jean Dubuffet, der udviklede konceptet om ren kunst, en kunst der afviser skønhed og harmoni. Enhver person er en kunstner; for et menneske er tegning lige så naturligt som at tale eller gå. Ubebyrdet af traditionerne og viden fra en "kvælende kultur" skaber han instinktivt og direkte.

J. Dubuffet Jazzband, 1955

Ifølge Dubuffet er Art Brut kreativitet i sin reneste form: et spontant mentalt udbrud fra sindets og bevidsthedens dybder, fanget på papir eller legemliggjort i materiale. Han vender sig mod kunsten hos psykisk syge, mennesker isoleret fra samfundet, og betragter kun dem som sande kunstnere, der besidder den subjektivitet, der giver en person en ægte individualitet.

I starten kopierede Dubuffet deres stil i sine værker og skabte bevidst primitive, "barbariske" former og billeder, figurative og abstrakte, der imponerede med uventede farvekombinationer og en tilsyneladende akavet skrivemåde. Og i 1948 grundlagde han sammen med den surrealistiske forfatter André Breton og den spanske kunstner Antoni Tapies "Company of Brute Art" i Paris, der havde til formål at bevare og studere marginaliseredes kunst. Den samlede samling, der omfattede omkring 5.000 tegninger, malerier, genstande og skulpturer, dannede grundlag for Museum of Art Brut, der blev grundlagt i 1976 i Lausanne (Schweiz).

J. Dubuffet Selvportræt, 1958

I samtidskunsten omfatter begrebet "art brut" værker af mennesker, der eksisterer uden for samfundet - psykisk syge, handicappede, alle mulige marginaliserede mennesker, såvel som J. Dubuffets værker, inspireret af disse eksempler. Art brut er en del af en bredere bevægelse - "Outsider art" (outsiderkunst), som er blevet en seriøs bevægelse i verdens kunstneriske proces i løbet af det sidste årti. På mange måder er dette den radikale og militante intellektuelle Jean Dubuffets fortjeneste, der så på verden på en ny måde. Mestre i Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, Petras hytteprojekt, 1982

Arte Povera (italiensk: Arte povera – fattig kunst) er en avantgardebevægelse, der opstod i italiensk kunst i slutningen af ​​1960'erne – begyndelsen af ​​1970'erne og blev udbredt i andre europæiske lande. Den var baseret på skabelsen af ​​installationer fra industrielle og naturlige genstande, med præference for de enkleste, "fattigste" materialer (såsom jord, sand, kul, affald, basale husholdningsartikler, gammelt slidt tøj og sko osv.).

Mario Merz uden titel

Arte Povera-bevægelsen opstod som en reaktion på den øgede intellektualisme og rationalisme inden for minimalisme og konceptualisme, med deres dyre materialer og teknologier til fremstilling af kunstgenstande. Arte Povera-kunstnere, der skabte deres værker, vendte sig mod "verdenen af ​​simple ting", der øjeblikkeligt omgiver en person, og søgte at afsløre den særlige poetik i det almindelige, legede på kontraster - rev tingene ud af deres sædvanlige kontekst og placerede dem i en anden virkelighed, virkeligheden i luksuriøse paladshaller og museumsrum.

L. Fontana Titel

Der blev lagt særlig vægt på genstandenes heterogenitet (gipsafstøbninger af hoveder fra antikke statuer og poser med kul eller gasbrændere), kortlivede materialer, der ændrer sig under påvirkning af atmosfæren eller på grund af deres kemiske og fysiske egenskaber (såsom voks, svamp, gummi osv.). Dette gav Arte Poveras værker en vis kunstnerisk symbolik, der ikke egner sig til entydig fortolkning. Kunsten, der omgiver os overalt, er flygtig og flygtig, som et øjeblik i livet. Den er flygtig. Og derfor ubrugelig, men dette er dens skønhed.

Masters of Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BARK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizi-galleriet. Firenze. Italien

Barok er en af ​​de store stilarter, der dominerede arkitekturen og kunsten i europæiske lande fra slutningen af ​​det 16. til midten af ​​det 18. århundrede.

Barokkens (italiensk: barocco - bizar, mærkelig) fødested er Italien, hvor etableringen af ​​den nye stil betød afslutningen på renæssancen med dens harmoniske verdensbillede, troen på det menneskelige sinds ubegrænsede muligheder og den universelle eksistens' orden.

Barokkens hovedkarakteristika var skala, overflod af indretning, stormfuld dynamik, stræben efter illusoriske effekter i organiseringen af ​​​​det indre rum - forøgelse af rumstørrelsen ved hjælp af spejle; højden af ​​​​haller takket være maleriske lampeskærme med en kompleks løsning på perspektiv.

Alt dette svarede til et nyt billede af universet - foranderligt, konfliktfyldt, hvor det døende og det fremadstormende er i konstant konfrontation, og mennesket med sine lidenskaber, forvirrede, komplekse indre verden ofte befinder sig irrationelle kræfters nåde.

Simon Vouet, Sankt Cecilia med en engel. Første halvdel af det 17. århundrede. Ungarsk Museum for de Skønne Kunster. Budapest. Ungarn

Det er ikke tilfældigt, at barokken bevæger sig væk fra klarhed og enkelhed og foretrækker en elegant kurve frem for geometrisk stringens og en lige linje; en hvirvel frem for en ordnet bevægelse; glitrende gyldne toner, der ændrer sig under påvirkning af lys og skygge, eller lyse, festlige, uventet disharmoniske i deres sejrrige klang til lokal farve.

Barokstilen imponerer med sine spektakulære interiører, der minder om teaterscenerier, den kontrasterende kombination af materialer og teksturer, der bruges til deres udsmykning, og sommetider den chokerende inkludering af "rigtige" detaljer i kunstværker, såsom ægte tænder og hår i kvindestatuer.

Barokstilen skabte et unikt ensemble, en syntese af arkitektur, monumental og dekorativ kunst, der var unik for den.

I hvert europæisk land har barok sine egne særpræg, samtidig med at stilens hovedtræk bevares. I hjemlandet Italien blev denne stil således realiseret mest levende og tidligere end for eksempel i Frankrig, hvor klassicismen spillede den ledende rolle i det 17. århundrede.

I Rusland falder barokkens udvikling i første halvdel og midten af ​​det 18. århundrede. Fri for den mystiske ophøjelse, der er karakteristisk for denne stil i katolske lande, forherliger barokkunsten i Rusland den styrkende autokratiske magt.

I første halvdel af det 18. århundrede udviklede barokken sig overalt mod rokokostilens yndefulde lethed, sameksisterede og sammenflettede med den, og blev fra 1760'erne fortrængt af klassicismen.

BAUHAUS

Gammel lyd, abstrakt på sort af Paul Klee 1925

Bauhaus (tysk: Bauhaus – "byggeriets hus"), Højere Skole for Byggeri og Kunstnerisk Design, grundlagt af den tyske arkitekt W. Gropius i Weimar i 1919.

Ifølge forfatterens idé blev Bauhaus opfordret til at forene den "divergerende" kunst, håndværk og teknologi til en "enkelt kunstnerisk produktion" og forbinde dem i form af middelalderlige bygningslaug, men på et nyt videnskabeligt og teknisk grundlag. Først gennemgik alle elever et 6-måneders forberedende træningskursus, hvor de studerede materialers egenskaber og det grundlæggende i håndværk, samt form- og tegningsteori. Derefter fik de lov til at arbejde i værksteder: kreativ og produktionsorienteret, hvor vægten var på undervisningens praksis. Afhængigt af elevernes tilbøjeligheder blev de uddannet til arkitekter, kunstner-designere, fotografer, designere.

Paul Klee: Klee-analyse af forskellige perversiteter, 1922, Samling

V. Gropius lagde særlig vægt på udvælgelsen af ​​lærere, der delte hans overbevisninger: i forskellige år arbejdede kunstnerne V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, designerne L. Moholy-Nagy og J. Itten her.

Bauhaus' storhedstid er forbundet med Weimar-perioden, præget af neoromantikkens indflydelse. I 1925 flyttede Bauhaus til Dessau og fik til huse i en bygning tegnet af V. Gropius, der betragtes som et af mesterværkerne inden for funktionalistisk arkitektur. Perioden i Dessau er præget af styrkelsen af ​​teknisk-utilitaristiske tendenser, dannelsen af ​​Bauhaus-stilen, der er kendetegnet ved klare former, minimalisme i midler, standarddesign og forbedring af industrielle metoder og materialer.

Vasilij Kandinsky, Sankt Georg og dragen (1914-15).

I 1928 overtog den schweiziske arkitekt H. Mayer posten som direktør. De innovationer, han introducerede (studiet af samfundsvidenskab), forårsagede imidlertid utilfredshed blandt lærere og elever, og i 1930 blev Bauhaus ledet af den tyske arkitekt L. Mies van der Rohe, som forblev direktør indtil denne uddannelsesinstitution blev lukket af nazisterne i 1933.

Wassily Kandinsky. Uden titel. Første abstrakte akvarel. 1910-1913

Bauhaus-principperne og undervisningsmetoderne blev imidlertid overtaget i andre lande, og dets idéer havde en dybtgående indflydelse på udviklingen af ​​​​brugskunst og billedkunst (fra boggrafik og reklame til møbler og husholdningsartikler).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISME

D. Fattori. På kysten. 1893

Verisme (italiensk verismo fra vero - sandfærdig, sand) er en bevægelse i italiensk kunstnerisk kultur i den sidste tredjedel af det 19. århundrede, som oprindeligt opstod i litteratur og musik og derefter spredte sig til de skønne kunstarter.

Principperne for verismo blev primært dannet under indflydelse af fransk naturalisme. Baseret på værkerne af E. Zola, G. Flaubert og G. de Maupassant satte veristerne hovedopgaverne for deres arbejde som objektivitet og en videnskabelig tilgang til studiet af fakta (fra et positivistisk synspunkt) i skildringen af ​​livets realiteter i det moderne italienske samfund, almindelige menneskers liv og psykologi. Denne bevægelses nationale originalitet manifesterede sig i dyb sympati for de undertrykte arbejdende mennesker, hvis liv (primært bønderne og de fattige i provinserne) var hovedindholdet i romaner og noveller af verismo-teoretikerne - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, operaer af P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega italienske Barsaglieri førende østrigske fanger, 1861

Inden for billedkunst var veristernes umiddelbare forgængere kunstnerne fra den florentinske skole "Macchiaioli", der i deres arbejde vendte sig mod temaerne om det italienske folks nationale befrielseskamp, ​​by- og landliv. Inden for maleriet var verismen hovedsageligt repræsenteret af napolitanske mestre, der udviklede socialkritiske tendenser i kunsten (arbejderklassens kamp for sine rettigheder, det vanskelige bondeliv) og skabte et helt galleri af billeder af fremtrædende skikkelser fra italiensk historie og kultur.

Veristerne så dog ikke en social mulighed for at eliminere social uretfærdighed; deres arbejde var domineret af stemninger af pessimisme og undergang, en passiv-naturalistisk opfattelse af virkeligheden (i litteratur og maleri) eller melodrama, overfladisk illustrativitet, overdreven følelsesmæssighed (i musik). Selvom verismo ikke blev udbredt i Italiens billedkunst, spillede det ikke desto mindre en vigtig rolle i udviklingen af ​​realistiske tendenser i den verdenskunstneriske proces.

Mestre i Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOKUNST

Nam June Paik robotfamilie, 1976

Videokunst er en bevægelse inden for billedkunst fra den sidste tredjedel af det 20. århundrede, der udnytter videoteknologiens muligheder. I modsætning til fjernsynet selv, som er beregnet til at blive sendt til et massepublikum, bruger videokunst fjernsynsmodtagere, videokameraer og skærme i unikke begivenheder og producerer også eksperimentelle film i konceptkunstens ånd, som vises i særlige udstillingsrum. Ved hjælp af moderne elektronik viser den så at sige "hjernen i aktion" - en visuel vej fra en kunstnerisk idé til dens udførelse. Hovedgrundlæggeren af ​​videokunst er amerikaneren af ​​koreansk afstamning Nam June Paik. Kunst, der bruger fjernsynsteknologi - videokunst - opstod netop fra en protest mod massekulturens dominans, hvis højeste udførelse betragtes som fjernsynsudsendelser. Videokunstens "fædre", Nam June Paik og Wolf Vostell, gjorde hver på deres måde grin med respektable borgere, der sætter sig ned hver aften for at slappe af foran fjernsynet.

I 60'erne iscenesatte Wolf Vostell begivenheder, hvor fjernsyn blev bebombet med flødekager, bundet med pigtråd, ceremonielt begravet og endda skudt med maskingeværer. Nam Jun Paik, en musiker af uddannelse, opførte sig mere subtilt. Efter at have startet med eksperimenter inden for "musikvisualisering" gik han videre til at skabe levende væsener med hoveder, arme og kroppe ud fra skærme i forskellige størrelser og tilsvarende billeder, og kaldte dem "mor", "far", "barn", "tante", "onkel" osv.

Nam June Paik Nyt Værk, 1983

Videokunst opstod i 60'erne, da der endnu ikke fandtes videokameraer, og betragtes derfor som en ung kunstform. Som altid var det i starten for ensomme entusiaster, men i slutningen af ​​80'erne blev det klart, at video skjuler utallige muligheder for at berige kunstens udtryksmidler. Bill Viola spillede en betydelig rolle i dette arbejde, da han skabte en hel verden af ​​fantastiske og fascinerende billeder, hvor virkelighed og fantasi er så indviklet sammenflettet, at en vis "ny virkelighed" er født af dem. Nu er det klart for alle, at navnene på videokunstnerne Viola og Pike er lige så betydningsfulde i det tyvende århundrede, som navnene på Monet og Van Gogh var i det nittende. God kunst har altid en stærk indflydelse på en person - den vækker følelser, tanker, ideer og handlinger i ham. Videokunst har tekniske indflydelsesmidler, der er stærkere end maleri, grafik og skulptur. Måske er det kun livet selv, der kan konkurrere med videokunst i sin intensitet. Det er ikke tilfældigt, at denne mest troværdige af alle kunstarter blev kaldt "flugten ind i virkeligheden" af Wolf Vostell.

GEOMETRISK ABSTRAKTION

Lyubov Popova komposition, 1917

Geometrisk abstraktion (andre navne er kold abstraktion, logisk, intellektuel abstraktionisme) er en bevægelse inden for abstrakt kunst baseret på skabelsen af ​​kunstnerisk rum ved at kombinere forskellige geometriske former, farvede planer, lige og brudte linjer.

Geometrisk abstraktion voksede ud af Paul Cézannes og kubisternes søgen, som var de første til at følge naturens deformationsvej i jagten på en "ny virkelighed". Den havde en række forgreninger. I Rusland var det M. Larionovs rayonisme, der opstod som en ejendommelig reaktion på de seneste opdagelser inden for fysik; O. Rozanovas, L. Popovas og V. Tatlins "ikke-objektivitet", som senere udviklede sig til konstruktivisme; K. Malevichs supermatisme, hvor ikke-objektivitet blev betragtet som en "ny billedlig realisme"; i Frankrig delvist Robert Delaunays orfisme; men dens vigtigste repræsentant var den hollandske gruppe "Style" ("De Stijl"), ledet af P. Mondrian og T. Van Doesburg, som fremsatte konceptet neoplasticisme - den rene plasticitets kunst, hvis opgave var at rense naturen for illusorisk mangfoldighed og afsløre dens primære ordning.

Mikhail Larionov badende, 1909

Geometrisk abstraktion, der havde en betydelig indflydelse på udviklingen af ​​moderne arkitektur, design, industriel, dekorativ og anvendt kunst, forblev den dominerende tendens inden for kunst indtil slutningen.

Anden Verdenskrig. I 1950'erne trådte de "lyriske strømninger inden for abstraktionisme" (tachisme, abstrakt ekspressionisme) i forgrunden.

Olga Rozanova Komposition med et tog, 1911

Men i 1960'erne, med fremkomsten af ​​minimalisme og op-art på den kunstneriske scene, fik den geometriske abstraktion en genfødsel.

Mestre i geometrisk abstraktion: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALISME

Richard Estes. Gade

Hyperrealisme (andre navne: superrealisme, fotorealisme, kold realisme, radikal realisme) er en kunstnerisk bevægelse inden for maleri og skulptur, der opstod i USA i 1960'erne og spredte sig i Europa i 1970'erne.

Som en form for figurativ kunst er hyperrealisme baseret på omhyggelig præcision og detaljer i gengivelsen af ​​virkeligheden, der imiterer fotografiets specifikke detaljer. Hyperrealisternes værker er omhyggeligt kopierede fotografier, forstørret til størrelsen af ​​et stort lærred.

Don Eddy. Gamle modelbiler

Nogle kunstnere, der arbejdede i denne retning, brugte faktisk fotografier og farvedias som grundlag for deres værker. Samtidig blev alle det fotografiske billedes træk bevaret, hvortil kunstnerne brugte mekaniske kopieringsteknikker: diaprojektion, glasering, airbrush i stedet for pensel, emulsionsbelægning osv. Brugen af ​​sådanne teknologier var ikke tilfældig: den understregede den mekaniske natur, eliminerede menneskelig tilstedeværelse fra skabelsesprocessen, som om den forsøgte at forhindre kunstnerens egen, personlige vision af verden. Måske er det derfor, hyperrealismens verden virker livløs, kold og løsrevet fra beskuerens superrealitet.

Ralph Goings. Sommerdag.

Hyperrealismens mål er at skildre hverdagens virkeligheder, og hovedtemaerne er det upersonlige, mekaniserede liv i den moderne by, det upersonlige livssystem i en barsk og rå verden. Motiverne er bevidst banale, og billederne er eftertrykkeligt "objektive". Biler, beboelsesejendomme, restauranter, tankstationer, telefonbokse, billboards og sjældent levende mennesker - "karakterer fra gaden", hvis billeder har et ironisk skær eller er fulde af håbløshed. Malerierne giver anledning til et billede af virkeligheden, men ikke den virkelige, men afspejlet i dens mangfoldighed i glasvinduerne, i bilernes polerede karosserier, i den polerede granit. Spillet af disse refleksioner, nøjagtigt gengivet af kunstneren, skaber indtryk af sammentrængningen af ​​rumlige zoner, et indviklet forhold mellem planer, der desorienterer beskueren og giver anledning til en følelse af uvirkelighed.

Mestre inden for hyperrealisme: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.