Strömningar inom konst och måleri

ABSTRAKT EXPRESSIONISM

J. Pollock. Moby Dick. 1943

En rörelse inom abstrakt konst som uppstod i USA på 1940-talet och representerades främst av verk av konstnärer från New York-skolan. Abstrakt expressionism fortsatte konstens "befrielse" från all kontroll av förnuft och logiska lagar, med målet att spontant uttrycka konstnärens inre värld, hans undermedvetna, i kaotiska, abstrakta former och med som huvudsaklig kreativ princip den spontana, automatiska appliceringen av färg på duk, som sker enbart under inflytande av mentala och känslomässiga tillstånd….

F.Klein. Svart på grönt, rött och gult. 1948

I en snabb rytm täckte konstnärerna dukens yta med stora, energiska penseldrag, ofta med hjälp av dropptekniken (att stänka färg eller pressa ut den ur ett rör). Processen att skapa en målning ägde ofta rum offentligt: ​​en hel föreställning spelades upp inför publiken, där konstnärens gester och rörelser spelade en lika aktiv roll som färgströmmarna som föll och spilldes över duken.

Abstrakt expressionism dominerade den amerikanska kulturen fram till början av 1960-talet och blev en av de första seriösa rörelserna inom amerikansk måleri och påverkade utvecklingen av världskonsten.

ABSTRAKTIONISM

V. Kandinsky. Komposition 8 1913.

En av de viktigaste konstnärliga trenderna inom 1900-talets konst, där verkets struktur uteslutande baseras på formella element - linjer, färgfläckar, abstrakt konfiguration. Abstrakta verk är frikopplade från själva livets former: icke-objektiva kompositioner förkroppsligar konstnärens subjektiva intryck och fantasier, flödet av hans medvetande, de genererar fria associationer, tankarörelser och emotionell empati.

Det är omöjligt att ange vare sig den exakta tidpunkten för abstraktionismens uppkomst eller dess grundare. De erkända inspiratörerna till abstraktionismen anses vara konstnärerna Vasilij Kandinskij, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka och Robert Delaunay, som skisserade huvuddragen i denna rörelse i sina teoretiska verk och programmatiska uttalanden.

F. Leger Flicka med blomma. 1954

Abstraktionismen uppstod som en snäv riktning inom den fria konsten. I början av 1930-talet började sammanslutningar av abstraktionister uppstå ("konkret konst" - 1930, "cirkel och kvadrat" - 1930, och andra), som samlade konstnärer av olika nationaliteter och riktningar under sina fanor. I mitten av 1930-talet hade intresset för abstraktionismen minskat kraftigt, och dessa sammanslutningar föll isär. Den återuppstod i USA, där abstrakt expressionism uppstod i början av 1940-talet och arbetade med icke-objektiva former för det spontana uttrycket av konstnärens inre värld.

Den sista populära formen av abstrakt konst var popkonst, som uppstod på 1960-talet, varefter abstrakt konst bleknade in i glömska.

AVANTGARDISM

P. Picasso Tre musiker 1921

En uppsättning innovativa, upproriska trender och riktningar inom 1900-talets konstnärliga kultur. I olika historiska skeden spelades avantgardets roll av successiva trender: 1900-1910-talen var tiden för framväxten av fauvism, kubism, futurism, expressionism, dadaism och abstrakt konst; under 1920-1930-talen trädde surrealismen i förgrunden; under efterkrigstiden framträdde nya trender inom abstraktionism: abstrakt expressionism, tachisme, informell konst, etc.; 1960-1970-talen var övergångseran från det "klassiska" avantgardet till neoavantgardet, eller postmodernismen, med dess komponenter: aktionism, popkonst, konceptualism, kinetisk konst och andra konstpraktiker.

AKADEMISM

A. Cabanel Phaedra. 1880

En trend inom konst, vars utveckling grundar sig på konstakademier. Akademikerns historia är förknippad med "Akademin för dem som har slagit in på rätt väg" i Bologna (omkring 1585), den franska kungliga akademin för måleri och skulptur (1648) och den ryska akademin för de tre ädlaste konsterna (1757). Alla institutioners verksamhet baserades på ett strikt reglerat utbildningssystem, inriktat på de stora prestationerna från tidigare epoker - antiken och den italienska renässansen, från vilket individuella kvaliteter av klassisk konst medvetet valdes ut, accepterades som idealiska och oöverträffade.

Akademisk konst har inte präglats av några stora upptäckter eller prestationer. På grund av sin artificiella ("skapade") och eklekticism är det inte en konstnärlig stil.

A. Bouguereau Vila under skörd. 1865

Akademismen blomstrade under 1800-talet. I Frankrike förknippas denna trend med verk av så välkända mästare som Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, vars verk utmärker sig genom sin oöverträffade skicklighet i utförandet.

Sankt Petersburgs konstakademi vårdade också inom sina väggar en galax av världsberömda akademiska konstnärer: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky och Fjodor Bruni.

A. Alma-Tadema Upptäckten av Moses. 1904

I vår tid har begreppet ”akademism” gått bortom ramen för en konstnärlig rörelse: det har fått ytterligare betydelse och har kommit att tillämpas på verk av konstnärer som har en systematisk konstnärlig utbildning och klassiska färdigheter i att skapa verk med hög teknisk skicklighet.

AKTIONISM

Christo och Han-Claude. Port nr 53 2006

Ett allmänt namn för ett antal former som framträdde inom avantgardistisk konst på 1960-talet.

Viljan att sudda ut gränsen mellan konst och verklighet får avantgardistiska konstnärer att söka efter nya sätt att uttrycka sig konstnärligt, annorlunda än traditionella (dvs. statiska) former, som ger dynamik åt verket och involverar det i någon form av handling (action). Handling (eller handlingens konst) blir ett allmänt begrepp för konstnärliga praktiker där tyngdpunkten flyttas från själva verket till dess skapandeprocess.

K. Oldenburg. Skedbro med ett körsbär. 1985

Aktionismens ursprung bör sökas i dadaisternas och surrealisternas föreställningar, i abstrakta konstnärers aktiviteter (särskilt D. Pollock), som bekände sig till principen om uttrycksfullt skrivande - "actionmålning".

ANAKRONISM

K.M. Mariani Handen styrd av sinnet. 1983

En av trenderna inom postmodernistiskt måleri, som erbjuder en författartolkning av den förflutna konsten. Postmodernismen uppstod som ett resultat av förkastandet av modernismen (dvs. avantgardistiska trenden inom konsten) och förklarade sitt mål att vara en återgång till de gamla formerna, historiska traditionerna och stilarna från den föregående århundraden gamla kulturen. I sökandet efter nya former blandar postmodernistiska konstnärer konstnärliga stilar från olika epoker och kulturer och skapar på denna grund en individuell mytologi, korrelerad med författarnas personliga erfarenheter.

Anakronismen uppstod i slutet av 1970-talet i Italien och spred sig senare till Frankrike. Dess viktigaste andliga källa var Giorgio De Chiricos verk, som vände sig till klassisk konst på 1920-talet efter sin "metafysiska period". Anakronister eller "kulturkonstnärer", som de kallar sig, inspireras av verken av mästarna inom renässansen, manierismen och barocken, vilka de parafraserar, parodierar, i ett försök att passa in den klassiska traditionen i den postmoderna kulturens mosaikkontext.

ANALYTISK KONST

P. Filonov. Bondefamiljen 1914

Analytisk konst är en konstnärlig metod som utvecklats och underbyggts av Pavel Filonov i hans teoretiska verk ("Kanon och lag", 1912; "Skapade bilder", 1914; "Förklaring om "Världsblomning", 1923) och i hans eget måleri. Filonov tog kubismen som bärare av den rationalistiska principen och kontrasterade den med principen om organisk tillväxt (som ett träd växer) av konstnärlig form och målningarnas "skapade" kvalitet.

P. Salzman Trippelt självporträtt. 1932

Principen om skapande är den analytiska konstens huvudposition. Konstnären "bygger" sin bild, liksom naturen "skapar" större formationer från atomer och molekyler. Med förståelsen "att det i varje objekt inte finns två predikat, form och färg, utan en hel värld av synliga och osynliga fenomen, deras utstrålning, reaktioner, inneslutningar, uppkomst, varande, kända eller hemliga egenskaper, vilka i sin tur ibland har otaliga predikat", var Filonov övertygad om att all denna mångfald av egenskaper kan uttryckas plastiskt i måleri.

När konstnären skapar ett verk måste hen inte bara förlita sig på det uppenbara, det synliga ("seende öga"), utan också på det osynliga ("vetande gas", fånga dolda processer) - de interna mönstren i det avbildade objektets struktur och funktion. Konstnären omvandlar sin interna "vision" av objektet eller fenomenet till grafiska och bildliga konstruktioner baserade på "lagen om organisk formens utveckling", lånade från naturen (för att imitera inte de former den skapar, utan de metoder med vilka den "agerar") och i motsats till "kanon" (konstgjorda konstruerade former).

Tatyana Glebova Färgutdata

Efter att ha förstått denna lag kan konstnären "skapa" en viss bild, så organisk att den har potential för självutveckling, som om den inte var upphovsmannens egen deltagande i denna process (den växer och utvecklas som alla levande varelser i naturen). P. Filonov trodde att den konst som skapas med hans metod är framtidens konst, som kommer att leda till "världsglans", eftersom den bygger på den harmoniska växelverkan mellan människa och natur, på ett antal vetenskapliga principer riktade till betraktarens intellekt och dess utveckling ("att vara en faktor i intelligensens utveckling"). Mästare i analytisk konst: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

UNDERGROUND

Oscar Rabin, "Baths (lukt på Moscow Eau de Cologne)", 1966.

Underground (engelska underground - underground, dungeon) - i snäv bemärkelse - all icke-kommersiell, experimentell konst; i vid bemärkelse - ett koncept och fenomen som uppstod i USA i slutet av 1950-talet och betyder "underground"-kultur som en integrerad del av den så kallade motkulturen, som motsatte sig de restriktioner och konventioner som dominerade det kulturella samhället. Undergroundkonst genomsyrad av dissidensens anda. Avvisar och bryter mot de politiska, moraliska och etiska inriktningar och beteendetyper som accepteras i samhället och introducerar antisocialt beteende i vardagen. Typiska teman för den amerikanska och europeiska undergroundkonsten är den "sexuella revolutionen" och droger.

Lev Kropivnitskij

Under sovjetperioden fick detta koncept en något annorlunda betydelse och mer politiserade former: här, på grund av regimens stränghet, visade sig nästan all inofficiell, d.v.s. inte erkänd av myndigheterna, konst, inklusive musik och litteratur, vara underjordisk. Från mitten av 1950-talet till slutet av 1980-talet. "Konstnärlig opposition" representerades av många föreningars verksamhet, bland vilka de mest kända var grupperna "Lianozovskaya" (E. och L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin och andra (från 1956 till mitten av 1970-talet)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster och andra (från 1960 till mitten av 1970-talet)), "Kollektiva åtgärder" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko och andra (sedan 1975)), "Fluesvampar" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko och andra (sedan 1978)). Den underjordiska rörelsen utvecklade kreativiteten hos konstnärer som inte gick med i några föreningar (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), utan var representanter för social konst (E. Bulatov, V. Komar och A. Melamid), och andra avantgardistiska rörelser (Gruppen av avantgardekonstnärer, Champions of the World).

A. Zverev-porträtt 1969

Efter Sovjetunionens politiska systems kollaps, och med det upphävandet av restriktioner och förbud mot den konstnärliga skapandets frihet, försvann undergroundmusiken som kulturellt fenomen. Mästarna inom undergroundmusiken: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilja Kabakov, Ernst Neizvestnyj, Jurij Sobolev, Jurij Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Sjemjakin, Anatolij Zverev, Vadim Sidur, Vitalij Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Drawing - 4. Serie Berlin Drawings.

Art brut (franska: Art brut – grov, rå konst) är en rörelse inom europeisk konst från mitten av 1900-talet, vars grundare och ledare var den franske konstnären Jean Dubuffet, som utvecklade konceptet ren konst, konst som förkastar skönhet och harmoni. Varje person är en konstnär; för en människa är teckning lika naturligt som att tala eller gå. Obehindrad av traditionerna och kunskapen från en "kvävande kultur" skapar hon instinktivt och direkt.

J. Dubuffet Jazzband, 1955

Enligt Dubuffet är Art Brut kreativitet i sin renaste form: ett spontant mentalt utbrott från sinnets och medvetandets djup, fångat på papper eller förkroppsligat i material. Han vänder sig till de psykiskt sjukas konst, människor som är isolerade från samhället, och betraktar endast dem som sanna konstnärer, som besitter den subjektivitet som ger en person en genuin individualitet.

Till en början kopierade Dubuffet deras stil i sina verk och skapade avsiktligt primitiva, "barbariska" former och bilder, figurativa och abstrakta, med oväntade färglösningar och ett till synes tafatt sätt att skriva. Och 1948 grundade han, tillsammans med den surrealistiska författaren André Breton och den spanske konstnären Antoni Tapies, "Company of Brute Art" i Paris, utformat för att bevara och studera de marginaliserades konst. Den samlade samlingen, som omfattade cirka 5 000 teckningar, målningar, föremål och skulpturer, bildade grunden för Museum of Art Brut, som grundades 1976 i Lausanne (Schweiz).

J. Dubuffet självporträtt, 1958

Inom samtidskonsten omfattar begreppet "art brut" verk av människor som existerar utanför samhället – psykiskt sjuka, funktionshindrade, alla möjliga marginaliserade människor, såväl som verk av J. Dubuffet, inspirerade av dessa exempel. Art brut är en del av en bredare rörelse – "Outsider art" (outsiderkonst), som har blivit en seriös rörelse i världens konstnärliga process under det senaste decenniet. På många sätt är detta den radikale och militanta intellektuelle Jean Dubuffets förtjänst, som såg på världen på ett nytt sätt. Mästare inom Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, Petras stuga-projekt, 1982

Arte Povera (italienska: Arte povera – fattig konst) är en avantgardistisk rörelse som uppstod inom italiensk konst i slutet av 1960-talet – början av 1970-talet och blev utbredd i andra europeiska länder. Den baserades på skapandet av installationer från industriella och naturliga föremål, med preferens för de enklaste, "fattigaste" materialen (såsom jord, sand, kol, sopor, enkla hushållsartiklar, gamla slitna kläder och skor, etc.).

Mario Merz utan titel

Arte Povera-rörelsen uppstod som ett svar på den ökade intellektualismen och rationalismen inom minimalism och konceptualism, med deras dyra material och teknologier för att producera konstföremål. Arte Povera-konstnärer, som skapade sina verk, vände sig till "världen av enkla ting" som tillfälligt omger en människa, och försökte avslöja den speciella poetik som finns i det vanliga, genom att leka med kontraster – riva saker ur sitt vanliga sammanhang och placera dem i en annan verklighet, verkligheten i lyxiga palatshallar och museiutrymmen.

L. Fontana Titel

Särskild uppmärksamhet ägnades åt föremålens heterogenitet (gipsavgjutningar av huvuden från antika statyer och påsar med kol eller gasbrännare), kortlivade material som förändras under påverkan av atmosfären eller på grund av deras kemiska och fysikaliska egenskaper (såsom vax, svamp, gummi etc.). Detta gav Arte Poveras verk en viss konstnärlig symbolik som inte lämpar sig för entydig tolkning. Konsten, som omger oss överallt, är flyktig och svårfångad, som ett ögonblick i livet. Den är efemär. Och därför värdelös, men detta är dess skönhet.

Masters of Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROCK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizigalleriet. Florens. Italien

Barocken är en av de stora stilar som dominerade arkitekturen och konsten i europeiska länder från slutet av 1500-talet till mitten av 1700-talet.

Barockens (italienska: barocco - bisarr, märklig) födelseplats är Italien, där etableringen av den nya stilen innebar slutet för renässansen med dess harmoniska världsbild, tro på det mänskliga sinnets obegränsade möjligheter och den universella existensens ordning.

Barockens huvudsakliga kännetecken var skala, överflöd av inredning, stormig dynamik, strävan efter illusoriska effekter i organisationen av inre utrymmen - ökning av rummens storlek med hjälp av speglar; höjden på hallarna tack vare pittoreska lampskärmar med en komplex lösning på perspektiv.

Allt detta motsvarade en ny bild av universum – föränderlig, konfliktfylld, där det döende och det framväxande står i ständig konfrontation, och människan med sina passioner, förvirrade, komplexa inre värld ofta befinner sig i händerna på irrationella krafter.

Simon Vouet, Sankta Cecilia med en ängel. Första hälften av 1600-talet. Ungerska konstmuseet. Budapest. Ungern

Det är ingen slump att barocken rör sig bort från klarhet och enkelhet och föredrar en elegant kurva framför geometrisk stringens och en rak linje; en virvel framför en ordnad rörelse; skimrande gyllene toner som förändras under inflytande av ljus och skugga, eller ljusa, festliga, oväntat disharmoniska i sin segerrika klang till lokal färg.

Barocken imponerar med sina spektakulära interiörer, som påminner om teaterscenerier, den kontrasterande kombinationen av material och texturer som används för deras dekoration, och ibland det chockerande införandet av "riktiga" detaljer i konstverk, såsom riktiga tänder och hår i kvinnliga statyer.

Barockstilen skapade en unik ensemble, en syntes av arkitektur, monumental och dekorativ konst som var unik för den.

I varje europeiskt land har barocken sina egna särdrag samtidigt som den bevarar stilens huvuddrag. Således förverkligades denna stil i sitt hemland, Italien, tydligast och tidigare än till exempel i Frankrike, där klassicismen spelade den ledande rollen under 1600-talet.

I Ryssland inträffade barockens utveckling under första hälften och mitten av 1700-talet. Fri från den mystiska upphöjelse som är karakteristisk för denna stil i katolska länder, förhärligar barockkonsten i Ryssland den allt starkare autokratiska makten.

Under första hälften av 1700-talet utvecklades barocken överallt mot rokokostilens graciösa lätthet, samexisterade och sammanflätades med den, och från 1760-talet ersattes den av klassicismen.

BAUHAUS

Forntida ljud, abstrakt på svart av Paul Klee 1925

Bauhaus (tyska: Bauhaus – ”byggnadshus”), Högre skola för byggnadskonst och konstnärlig design, grundad av den tyske arkitekten W. Gropius i Weimar år 1919.

Enligt författarens idé uppmanades Bauhaus att förena den "divergerade" konsten, hantverket och teknologin till en "enda konstnärlig produktion", att sammankoppla dem i form av medeltida byggnadsgillen, men på en ny vetenskaplig och teknisk grund. Till en början genomgick alla elever en 6 månader lång förberedande utbildning, där de studerade materialegenskaper och hantverkets grunder, samt formteori och teckning. Därefter fick de arbeta i workshops: kreativa och produktionsmässiga, där betoningen låg på lektionens praktik. Beroende på elevernas läggning utbildades de till arkitekter, konstnärer-designers, fotografer, designers.

Paul Klee: Klees analys av olika perversiteter, 1922, samling

V. Gropius ägnade särskild uppmärksamhet åt valet av lärare som delade hans övertygelser: under olika år arbetade konstnärerna V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, formgivarna L. Moholy-Nagy och J. Itten här.

Bauhaus storhetstid förknippas med Weimarperioden, präglad av nyromantik. År 1925 flyttade Bauhaus till Dessau och inrymdes i en byggnad ritad av V. Gropius, som anses vara ett av den funktionalistiska arkitekturens mästerverk. Perioden i Dessau präglas av förstärkningen av teknisk-utilitaristiska tendenser, bildandet av Bauhaus-stilen, som kännetecknas av tydlighet i former, minimalism i medel, standarddesign och förbättring av industriella metoder och material.

Vasilij Kandinskij, Sankt Göran och draken (1914-15).

År 1928 tog den schweiziske arkitekten H. Mayer över som chef. De innovationer han introducerade (studiet av samhällsvetenskap) orsakade dock missnöje bland lärare och elever, och år 1930 leddes Bauhaus av den tyske arkitekten L. Mies van der Rohe, som förblev chef tills denna utbildningsinstitution stängdes av nazisterna 1933.

Wassily Kandinsky. Namnlös första abstrakta akvarell. 1910-1913

Bauhaus-principerna och undervisningsmetoderna togs dock upp i andra länder, och dess idéer hade en djupgående inverkan på utvecklingen av tillämpad konst och bildkonst (från bokgrafik och reklam till möbler och hushållsartiklar).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISM

D. Fattori. Vid kusten. 1893

Verism (italiensk verismo från vero - sanningsenlig, sann) är en rörelse inom italiensk konstnärlig kultur under den sista tredjedelen av 1800-talet, som ursprungligen uppstod inom litteratur och musik och sedan spred sig till de sköna konsterna.

Principerna för verismo formades huvudsakligen under inflytande av fransk naturalism. Baserat på verk av E. Zola, G. Flaubert och G. de Maupassant satte veristerna upp objektivitet och ett vetenskapligt förhållningssätt till studiet av fakta (ur positivismens synvinkel) i skildringen av livets verklighet i det moderna italienska samhället, vanliga människors liv och psykologi. Denna rörelses nationella originalitet manifesterades i djup sympati för de förtryckta arbetande människorna, vars liv (främst bönderna och de fattiga i provinserna) var huvudinnehållet i romanerna och novellerna av verismoteoretikerna - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, operor av P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega italienska Barsaglieri ledande österrikiska fångar, 1861

Inom bildkonsten var veristerna omedelbara föregångare konstnärerna från den florentinska skolan "Macchiaioli", som i sina verk vände sig till teman som det italienska folkets nationella befrielsekamp, ​​stads- och landsbygdsliv. Inom måleriet representerades verismen främst av napolitanska mästare som utvecklade samhällskritiska tendenser inom konsten (arbetarklassens kamp för sina rättigheter, det svåra bondelivet) och skapade ett helt galleri av bilder av framstående personer inom italiensk historia och kultur.

Veristerna såg dock ingen social möjlighet att eliminera social orättvisa; deras arbete dominerades av stämningar av pessimism och undergång, en passiv-naturalistisk verklighetsuppfattning (i litteratur och måleri) eller melodrama, ytlig illustrativitet, överdriven känslosamhet (i musik). Även om verismo inte blev utbrett inom Italiens sköna konster, spelade det ändå en viktig roll i utvecklingen av realistiska tendenser i den globala konstnärliga processen.

Mästare i Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOKONST

Nam June Paik robotfamilj, 1976

Videokonst är en rörelse inom bildkonsten från den sista tredjedelen av 1900-talet som använder videoteknikens möjligheter. Till skillnad från själva televisionen, som är avsedd för att sända till en masspublik, använder videokonsten tv-mottagare, videokameror och bildskärmar i unika händelser, och producerar även experimentella filmer i konceptkonstens anda, som visas i speciella utställningslokaler. Med hjälp av modern elektronik visar den så att säga "hjärnan i aktion" - en visuell väg från en konstnärlig idé till dess förkroppsligande. Den främsta grundaren av videokonst är amerikanen av koreansk härkomst Nam June Paik. Konst som använder tv-teknik - videokonst - uppstod just ur en protest mot masskulturens dominans, vars högsta förkroppsligande anses vara tv-sändningar. Videokonstens "fäder", Nam June Paik och Wolf Vostell, gjorde var och en på sitt sätt narr av respektabla medborgare som varje kväll sätter sig ner för att koppla av framför tv:n.

På 60-talet iscensatte Wolf Vostell händelser där tv-apparater bombarderades med gräddtårtor, bands med taggtråd, begravdes ceremoniellt och till och med besköts med kulsprutor. Nam Jun Paik, musiker till utbildning, agerade mer subtilt. Efter att ha börjat med experiment inom "musikvisualisering" gick han vidare till att skapa levande varelser med huvuden, armar och kroppar från monitorer i olika storlekar och motsvarande bilder, och kallade dem "mamma", "pappa", "barn", "faster", "farbror" etc.

Nam June Paik Nytt verk, 1983

Videokonst uppstod på 60-talet, när det ännu inte fanns några videokameror, och anses vara en ung konstform. Som alltid var det till en början en plats för ensamma entusiaster, men i slutet av 80-talet blev det tydligt att video döljer otaliga möjligheter att berika konstens uttrycksmedel. Verken av Bill Viola, som skapade en hel värld av fantastiska och fascinerande bilder där verklighet och fantasi är så intrikat sammanflätade att en viss "ny verklighet" föds ur dem, spelade en betydande roll i detta. Nu är det tydligt för alla att för 1900-talet är namnen på videokonstnärerna Viola och Pike lika betydelsefulla som namnen på Monet och Van Gogh var för 1800-talet. God konst har alltid en stark inverkan på en person - den väcker känslor, tankar, idéer och handlingar hos henne. Videokonst har tekniska inflytandemedel som är starkare än måleri, grafik och skulptur. Kanske bara livet självt kan konkurrera med videokonst i sin intensitet. Det är ingen slump att denna mest trovärdiga av alla konstarter kallades "flykten till verkligheten" av Wolf Vostell.

GEOMETRISK ABSTRAKTION

Lyubov Popova komposition, 1917

Geometrisk abstraktion (andra namn är kall abstraktion, logisk, intellektuell abstraktionism) är en rörelse inom abstrakt konst baserad på skapandet av konstnärligt rum genom att kombinera olika geometriska former, färgade plan, raka och brutna linjer.

Geometrisk abstraktion växte fram ur Paul Cézannes och kubisternas sökande, som var de första att följa naturens deformationsväg i jakt på en "ny verklighet". Den hade ett antal grenar. I Ryssland var det M. Larionovs rayonism, som uppstod som en säregen reaktion på de senaste upptäckterna inom fysiken; O. Rozanovas, L. Popovas och V. Tatlins "icke-objektivitet", som senare utvecklades till konstruktivism; K. Malevichs supermatism, där icke-objektivitet betraktades som en "ny bildrealism"; i Frankrike delvis Robert Delaunays orfism; men dess främsta representant var den holländska gruppen "Style" ("De Stijl"), ledd av P. Mondrian och T. Van Doesburg, som lade fram konceptet neoplasticism – den rena plasticitetens konst, vars uppgift var att rena naturen från illusorisk mångfald och avslöja det primära schema som gömdes i den.

Mikhail Larionov Badare, 1909

Geometrisk abstraktion, som hade ett betydande inflytande på utvecklingen av modern arkitektur, design, industriell, dekorativ och tillämpad konst, förblev den dominerande trenden inom konsten fram till slutet.

Andra världskriget. På 1950-talet kom de "lyriska strömningarna inom abstraktionism" (takisme, abstrakt expressionism) i förgrunden.

Olga Rozanova Komposition med ett tåg, 1911

Men på 1960-talet, med minimalismens och opkonstens framväxt på den konstnärliga scenen, fick den geometriska abstraktionen en andra uppgång.

Mästare i geometrisk abstraktion: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALISM

Richard Estes gata

Hyperrealism (andra namn: superrealism, fotorealism, kall realism, radikal realism) är en konstnärlig rörelse inom måleri och skulptur som uppstod i USA på 1960-talet och spred sig i Europa på 1970-talet.

Som en form av figurativ konst är hyperrealism baserad på noggrann precision och detaljer i reproduktionen av verkligheten, och imiterar fotografins detaljer. Hyperrealisternas verk är minutiöst kopierade fotografier, förstorade till storleken av en stor duk.

Don Eddy. Gamla modellbilar

Vissa konstnärer som arbetade i denna riktning använde faktiskt fotografier och färgdiabilder som grund för sina verk. Samtidigt bevarades alla egenskaper hos den fotografiska bilden, för vilka konstnärerna använde mekaniska kopieringstekniker: diaprojektion, glasering, airbrush istället för pensel, emulsionsbeläggning etc. Användningen av sådana tekniker var ingen slump: de betonade den mekaniska naturen, eliminerade mänsklig närvaro från skapandeprocessen, som om de försökte förhindra konstnärens egen, personliga vision av världen. Kanske är det därför hyperrealismens värld verkar livlös, kall och avskild från betraktarens superverklighet.

Ralph Goings. Sommardag.

Hyperrealismens mål är att skildra vardagliga verkligheter, och huvudteman är det opersonliga mekaniserade livet i den moderna staden, det opersonliga levande systemet i en hård och grov värld. Dess motiv är avsiktligt banala, och dess bilder är eftertryckligt "objektiva". Bilar, bostadshus, restauranger, bensinstationer, telefonkiosker, skyltar och, i sällsynta fall, levande människor - "karaktärer från gatan", vars bilder har en ironisk nyans eller är fulla av hopplöshet. Målningarna ger upphov till en bild av verkligheten, men inte den verkliga, utan reflekterad i dess mångfald i glasskyltfönstren, i bilarnas polerade karosser, i granit polerad till glans. Spelet av dessa reflektioner, korrekt återgivna av konstnären, skapar intrycket av sammanflätningen av rumsliga zoner, ett invecklat förhållande mellan planer, som desorienterar betraktaren och ger upphov till en känsla av overklighet.

Mästare inom hyperrealismen: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.