Strømninger innen kunst og maling

ABSTRAKT EKSPRESSIONISME

J. Pollock. Moby Dick. 1943

En bevegelse innen abstrakt kunst som oppsto i USA på 1940-tallet og først og fremst ble representert av verkene til kunstnere fra New York-skolen. Abstrakt ekspresjonisme fortsatte "frigjøringen" av kunsten fra enhver kontroll over fornuft og logiske lover, og satte som mål det spontane uttrykket av kunstnerens indre verden, hans underbevissthet i kaotiske, abstrakte former, og tok som sitt viktigste kreative prinsipp den spontane, automatiske påføringen av maling på lerret, utelukkende under påvirkning av mentale og emosjonelle tilstander….

F. Klein. Svart på grønt, rødt og gult. 1948

I en rask rytme dekket kunstnerne lerretsoverflaten med store, energiske penselstrøk, ofte ved bruk av dryppteknikken (spruting av maling eller klemming av den ut av et rør). Prosessen med å skape et maleri foregikk ofte offentlig: en hel forestilling ble spilt foran publikum, der kunstnerens gester og bevegelser spilte en like aktiv rolle som malingsstrømmene som falt og sølte over lerretet.

Abstrakt ekspresjonisme dominerte amerikansk kultur frem til tidlig på 1960-tallet, og ble en av de første seriøse bevegelsene innen amerikansk maleri og påvirket utviklingen av verdenskunst.

ABSTRAKSJONISME

V. Kandinsky. Komposisjon 8 1913.

En av de viktigste kunstneriske trendene i kunsten fra det 20. århundre, der verkets struktur utelukkende er basert på formelle elementer – linjer, fargeflekker, abstrakt konfigurasjon. Abstrakte verk er løsrevet fra selve livets former: ikke-objektive komposisjoner legemliggjør kunstnerens subjektive inntrykk og fantasier, flyten i hans bevissthet, de genererer frie assosiasjoner, tankebevegelser og emosjonell empati.

Det er umulig å navngi verken det nøyaktige tidspunktet for fremveksten av abstraksjonismen eller dens grunnlegger. De anerkjente inspiratorene for abstraksjonismen regnes som kunstnerne Vasilij Kandinskij, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka og Robert Delaunay, som skisserte hovedtrekkene i denne bevegelsen i sine teoretiske verk og programmatiske uttalelser.

F. Leger Jente med en blomst. 1954

Abstraksjonisme oppsto som en smal retning innen billedkunst. Tidlig på 1930-tallet begynte det å dukke opp foreninger av abstraksjonister («konkret kunst» - 1930, «sirkel og firkant» - 1930, og andre), som samlet kunstnere fra forskjellige nasjonaliteter og retninger under sine bannere. Ved midten av 1930-tallet hadde interessen for abstraksjonisme falt kraftig, og disse foreningene falt fra hverandre. Den ble gjenfødt i USA, hvor abstrakt ekspresjonisme dukket opp tidlig på 1940-tallet, og opererte med ikke-objektive former for spontant uttrykk for kunstnerens indre verden.

Den siste populære formen for abstrakt kunst var popkunst, som dukket opp på 1960-tallet, hvoretter abstrakt kunst bleknet inn i glemselen.

AVANTGARDISME

P. Picasso Tre musikere 1921

Et sett med innovative, opprørske trender og retninger i den kunstneriske kulturen i det 20. århundre. På ulike historiske stadier ble avantgardens rolle spilt av suksessive trender: 1900-tallet–1910-tallet var tiden for fremveksten av fauvisme, kubisme, futurisme, ekspresjonisme, dadaisme og abstrakt kunst; i 1920-tallet–1930-tallet kom surrealismen i forgrunnen; i etterkrigstiden dukket det opp nye trender innen abstraksjonisme: abstrakt ekspresjonisme, tachisme, uformell kunst, etc.; 1960-tallet–1970-tallet var overgangstiden fra den «klassiske» avantgarden til neoavantgarden, eller postmodernismen, med dens komponenter: aksjonisme, popkunst, konseptualisme, kinetisk kunst og andre kunstpraksiser.

AKADEMISK

A. Cabanel Phaedra. 1880

En trend innen kunst, der kunstakademiene er grunnlaget for utviklingen av disse. Historien om utviklingen av akademisme er knyttet til «Akademiet for de som har gått den rette vei» i Bologna (rundt 1585), det franske kongelige akademiet for maling og skulptur (1648) og det russiske akademiet for de tre mest edle kunstarter (1757). Aktiviteten til alle institusjoner var basert på et strengt regulert utdanningssystem, orientert mot de store prestasjonene fra tidligere epoker - antikken og den italienske renessansen, hvorfra individuelle kvaliteter ved klassisk kunst ble bevisst valgt ut, akseptert som ideelle og uovertrufne.

Akademisismens vei i kunsten var ikke preget av noen store oppdagelser eller prestasjoner. På grunn av sin kunstighet ("skapt") og eklektisisme er det ikke en kunstnerisk stil.

A. Bouguereau Hvile under høsting. 1865

Akademisismen blomstret på 1800-tallet. I Frankrike er denne trenden assosiert med verkene til så kjente mestere som Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, hvis verker utmerker seg ved sin uovertrufne mesterlige utførelse.

St. Petersburgs kunstakademi fostret også en galakse av verdensberømte akademiske kunstnere innenfor sine vegger: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky og Fjodor Bruni.

A. Alma-Tadema Oppdagelsen av Moses. 1904

I vår tid har begrepet «akademisme» gått utover rammene til en kunstnerisk bevegelse: det har fått ytterligere betydning og har blitt brukt om verkene til kunstnere som har en systematisk kunstnerisk utdannelse og klassiske ferdigheter i å skape verk med høy teknisk dyktighet.

AKSJONISME

Christo og Han-Claude. Port nr. 53 2006

En generell betegnelse på en rekke former som oppsto innen avantgardekunst på 1960-tallet.

Ønsket om å viske ut linjen mellom kunst og virkelighet får avantgardekunstnere til å søke etter nye måter å uttrykke seg på, forskjellig fra tradisjonelle (dvs. statiske) former, som gir dynamikk til verket og involverer det i en eller annen handling (handling). Handling (eller handlingens kunst) blir et generelt konsept for kunstneriske praksiser der vekten flyttes fra selve verket til prosessen med dets skapelse.

K. Oldenburg. Skjebro med et kirsebær. 1985

Opprinnelsen til aksjonismen bør søkes i dadaisters og surrealisters forestillinger, i aktivitetene til abstrakte kunstnere (spesielt D. Pollock), som bekjente seg til prinsippet om ekspressiv skriving - "action painting".

ANAKRONISMEN

K.M. Mariani Hånden styrt av sinnet. 1983

En av trendene innen postmodernistisk maleri, som tilbyr en forfattertolkning av fortidens kunst. Postmodernismen, som oppsto som et resultat av avvisningen av modernismen (dvs. avantgardetrenden innen kunst), erklærte sitt mål å være en tilbakevending til de gamle formene, historiske tradisjonene og stilene fra den foregående århundregamle kulturen. På jakt etter nye former blander postmodernistiske kunstnere kunstneriske stiler fra forskjellige epoker og kulturer, og skaper på dette grunnlaget en individuell mytologi, korrelert med forfatterens personlige erfaring.

Anakronismen oppsto på slutten av 1970-tallet i Italia og spredte seg senere til Frankrike. Dens viktigste åndelige kilde var verkene til Giorgio De Chirico, som vendte seg til klassisk kunst på 1920-tallet etter sin «metafysiske periode». Anakronister eller «kulturkunstnere», som de kaller seg, er inspirert av verkene til mesterne fra renessansen, manierismen og barokken, som de parafraserer, parodierer, i et forsøk på å passe den klassiske tradisjonen inn i den mosaiske konteksten av postmoderne kultur.

ANALYTISK KUNST

P. Filonov. Bondefamilien 1914

Analytisk kunst er en kunstnerisk metode utviklet og underbygget av Pavel Filonov i hans teoretiske verk («Kanon og lov», 1912; «Skapte bilder», 1914; «Erklæring om «verdensblomstring», 1923) og i sitt eget maleri. Filonov tok kubismen som en bærer av det rasjonalistiske prinsippet og kontrasterte det med prinsippet om organisk vekst (slik et tre vokser) av kunstnerisk form og den «skapte» kvaliteten til malerier.

P. Salzman Trippelt selvportrett. 1932

Prinsippet om skapthet er hovedposisjonen i analytisk kunst. Kunstneren «bygger» bildet sitt, slik naturen «skaper» større formasjoner fra atomer og molekyler. Filonov var overbevist om at alt dette mangfoldet av egenskaper kan uttrykkes plastisk i maleriet, idet han forsto «at det i ethvert objekt ikke finnes to predikater, form og farge, men en hel verden av synlige og usynlige fenomener, deres utstråling, reaksjoner, inklusjoner, genese, væren, kjente eller hemmelige egenskaper, som igjen noen ganger har utallige predikater».

Når kunstneren skaper et verk, må vedkommende ikke bare stole på det åpenbare, det synlige («seende øye»), men også på det usynlige («vitende gass», fange skjulte prosesser) – de indre mønstrene i strukturen og funksjonen til det avbildede objektet. Kunstneren forvandler sin indre «visjon» av objektet eller fenomenet til grafiske og billedlige konstruksjoner basert på «loven om organisk formutvikling», lånt fra naturen (for å imitere ikke formene den skaper, men metodene den «handler med») og i motsetning til «kanonen» (kunstig konstruerte former).

Tatyana Glebova Fargeutgang

Etter å ha forstått denne loven, er kunstneren i stand til å «lage» et bestemt bilde, så organisk at det har potensial for selvutvikling, som om det ikke er forfatterens egen deltakelse i denne prosessen (det vokser og utvikler seg som alle levende ting i naturen). P. Filonov mente at kunsten som skapes med hans metode er fremtidens kunst, som vil føre til «verdens storhetstid», siden den er basert på det harmoniske samspillet mellom menneske og natur, på en rekke vitenskapelige prinsipper rettet mot betrakterens intellekt, og utvikling av det («til å være en faktor i intelligensens utvikling»). Mestere i analytisk kunst: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

UNDERJORDEN

Oscar Rabin, "Baths (Smell the Moscow Eau de Cologne)", 1966.

Undergrunn (engelsk underground - undergrunn, fangehull) - i snever forstand - enhver ikke-kommersiell, eksperimentell kunst; i bred forstand - et konsept og fenomen som oppsto i USA på slutten av 1950-tallet og betyr "undergrunns"-kultur som en integrert del av den såkalte motkulturen, som motarbeidet restriksjonene og konvensjonene som dominerte kultursamfunnet. Undergrunnskunst gjennomsyret av dissidensens ånd. Avviser og bryter med de politiske, moralske og etiske orienteringene og typene atferd som er akseptert i samfunnet, og introduserer antisosial atferd i hverdagen. Typiske temaer for den amerikanske og europeiske undergrunnen er den "seksuelle revolusjonen" og narkotika.

Lev Kropivnitskij

I løpet av sovjetperioden fikk dette konseptet en noe annen betydning og mer politiserte former: her, på grunn av regimets strenghet, viste nesten all uoffisiell, dvs. ikke anerkjent av myndighetene, kunst, inkludert musikk og litteratur, seg å være underjordisk. Fra midten av 1950-tallet til slutten av 1980-tallet. «Kunstnerisk opposisjon» var representert av aktivitetene til mange foreninger, blant de mest kjente var gruppene «Lianozovskaya» (E. og L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin og andre (fra 1956 til midten av 1970-tallet)), «Sretensky Boulevard» (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster og andre (fra 1960 til midten av 1970-tallet)), «Kollektive aksjoner» (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko og andre (siden 1975)), «Fluesopper» (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko og andre (siden 1978)). Undergrunnsbevegelsen utviklet kreativiteten til kunstnere som ikke var med i noen foreninger (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), men som var representanter for sosial kunst (E. Bulatov, V. Komar og A. Melamid), og andre avantgardebevegelser (Gruppen av avantgardekunstnere, Verdensmestere).

A. Zverev-portrett 1969

Etter kollapsen av det politiske systemet i Sovjetunionen, og med det opphevingen av restriksjoner og forbud mot friheten til kunstnerisk kreativitet, ble undergrunnen som kulturelt fenomen til intet. Mestere av undergrunnen: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilja Kabakov, Ernst Neizvestnyj, Jurij Sobolev, Julo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Sjemjakin, Anatolij Zverev, Vadim Sidur, Vitalij Komar, Aleksandr Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Tegning - 4. Serie Berlin Tegninger.

Art brut (fransk: Art brut – grov, rå kunst) er en bevegelse innen europeisk kunst fra midten av 1900-tallet, med den franske kunstneren Jean Dubuffet som grunnlegger og leder, og som utviklet konseptet ren kunst, en kunst som avviser skjønnhet og harmoni. Hvert menneske er en kunstner; for et menneske er tegning like naturlig som å snakke eller gå. Ubelastet av tradisjonene og kunnskapen til en «kvelende kultur» skaper man instinktivt og direkte.

J. Dubuffet jazzband, 1955

Ifølge Dubuffet er Art Brut kreativitet i sin reneste form: et spontant mentalt utbrudd fra dypet av sinnet og bevisstheten, fanget på papir eller nedfelt i materiale. Han vender seg til kunsten til psykisk syke, mennesker isolert fra samfunnet, og anser kun dem for å være sanne kunstnere, som besitter den subjektiviteten som gir en person en ekte individualitet.

I starten kopierte Dubuffet stilen deres i verkene sine, og skapte bevisst primitive, «barbariske» former og bilder, figurative og abstrakte, med uventede fargevalg og en tilsynelatende klossete skrivemåte. Og i 1948 grunnla han, sammen med den surrealistiske forfatteren André Breton og den spanske kunstneren Antoni Tapies, «Company of Brute Art» i Paris, som hadde som mål å bevare og studere marginaliserte kunst. Den samlede samlingen, som bestod av rundt 5000 tegninger, malerier, gjenstander og skulpturer, dannet grunnlaget for Museum of Art Brut, som ble grunnlagt i 1976 i Lausanne (Sveits).

J. Dubuffet selvportrett, 1958

I samtidskunsten omfatter begrepet «art brut» verkene til mennesker som eksisterer utenfor samfunnet – psykisk syke, funksjonshemmede, alle slags marginaliserte mennesker, samt verkene til J. Dubuffet, inspirert av disse eksemplene. Art brut er en del av en bredere bevegelse – «Outsider art» (outsiderkunst), som har blitt en seriøs bevegelse i verdens kunstneriske prosess det siste tiåret. På mange måter er dette fortjenesten til den radikale og militante intellektuelle Jean Dubuffet, som så på verden på en ny måte. Mestere i Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, Petras hytte-prosjektet, 1982

Arte Povera (italiensk: Arte povera – fattig kunst) er en avantgardebevegelse som oppsto i italiensk kunst på slutten av 1960-tallet – begynnelsen av 1970-tallet og ble utbredt i andre europeiske land. Den var basert på å lage installasjoner fra industrielle og naturlige objekter, med preferanse gitt til de enkleste, «fattigste» materialene (som jord, sand, kull, søppel, enkle husholdningsartikler, gamle, utslitte klær og sko, osv.).

Mario Merz uten tittel

Arte Povera-bevegelsen oppsto som et svar på den økte intellektualismen og rasjonalismen i minimalisme og konseptualisme, med sine dyre materialer og teknologier for å produsere kunstgjenstander. Arte Povera-kunstnere, som skapte sine verk, vendte seg mot «verdenen av enkle ting» som et øyeblikk omgir en person, og forsøkte å avdekke den spesielle poetikken i det vanlige, leke på kontraster – rive ting ut av sin vanlige kontekst og plassere dem i en annen virkelighet, virkeligheten i luksuriøse palasshaller og museumsrom.

L. Fontana Tittel

Spesiell oppmerksomhet ble viet til heterogeniteten til gjenstander (gipsavstøpninger av hoder fra antikke statuer og poser med kull eller gassbrennere), kortlivede materialer som endrer seg under påvirkning av atmosfæren eller på grunn av deres kjemiske og fysiske egenskaper (som voks, svamp, gummi osv.). Dette ga verkene til Arte Povera en viss kunstnerisk symbolikk som ikke egner seg til entydig tolkning. Kunsten, som omgir oss overalt, er flyktig og unnvikende, som et øyeblikk i livet. Den er flyktig. Og derfor ubrukelig, men dette er dens skjønnhet.

Masters of Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROKK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizigalleriet. Firenze. Italia

Barokken er en av de store stilene som dominerte arkitekturen og kunsten i europeiske land fra slutten av 1500-tallet til midten av 1700-tallet.

Barokkens (italiensk: barocco - bisarr, merkelig) fødested er Italia, hvor etableringen av den nye stilen betydde slutten på renessansen med dens harmoniske verdensbilde, troen på menneskesinnets ubegrensede muligheter og den universelle eksistensens orden.

Barokkens hovedtrekk var skala, overflod av dekor, stormfull dynamikk, streben etter illusoriske effekter i organiseringen av det indre rommet - økning av størrelsen på rommene ved hjelp av speil; høyden på hallene takket være pittoreske lampeskjermer med en kompleks løsning på perspektiv.

Alt dette samsvarte med et nytt bilde av universet – foranderlig, konfliktfylt, hvor det døende og det fremvoksende er i konstant konfrontasjon, og mennesket med sine lidenskaper, forvirrede, komplekse indre verden ofte befinner seg i nåde for irrasjonelle krefter.

Simon Vouet, Sankt Cecilia med en engel. Første halvdel av 1600-tallet. Ungarsk kunstmuseum. Budapest. Ungarn.

Det er ingen tilfeldighet at barokken beveger seg bort fra klarhet og enkelhet, og foretrekker en elegant kurve fremfor geometrisk strenghet og en rett linje; en virvel fremfor en ordnet bevegelse; skimrende gyldne toner som endrer seg under påvirkning av lys og skygge, eller lyse, festlige, uventet disharmoniske i sin seirende klang til lokal farge.

Barokken imponerer med sine spektakulære interiører, som minner om teatralsk kulisser, den kontrasterende kombinasjonen av materialer og teksturer som brukes til dekorasjonen, og noen ganger den sjokkerende inkluderingen av "ekte" detaljer i kunstverk, som ekte tenner og hår i kvinnelige statuer.

Barokkstilen skapte et unikt ensemble, en syntese av arkitektur, monumental og dekorativ kunst som var unik for den.

I hvert europeisk land har barokken sine egne særtrekk, samtidig som den bevarer stilens hovedtrekk. Dermed ble denne stilen i hjemlandet Italia realisert mest levende og tidligere i tid enn for eksempel i Frankrike, hvor klassisismen spilte hovedrollen på 1600-tallet.

I Russland skjer utviklingen av barokken i første halvdel og midten av 1700-tallet. Fri fra den mystiske opphøyelsen som er karakteristisk for denne stilen i katolske land, glorifiserer barokkkunsten i Russland den økende autokratiske makten.

I første halvdel av 1700-tallet utviklet barokken seg overalt mot den grasiøse lettheten i rokokkostilen, sameksisterte og sammenflettet med den, og ble fra 1760-tallet erstattet av klassisismen.

BAUHAUS

Gammel lyd, abstrakt på svart av Paul Klee 1925

Bauhaus (tysk: Bauhaus – «konstruksjonshus»), høyere skole for bygg og kunstnerisk design, grunnlagt av den tyske arkitekten W. Gropius i Weimar i 1919.

I følge forfatterens idé ble Bauhaus oppfordret til å forene den "divergerende" kunsten, håndverket og teknologien til en "enkelt kunstnerisk produksjon", for å koble dem sammen i form av middelalderske bygningslaug, men på et nytt vitenskapelig og teknisk grunnlag. Først gjennomgikk alle studentene et 6-måneders forberedende opplæringskurs, hvor de studerte materialenes egenskaper og det grunnleggende innen håndverk, samt formteori og tegningsteori. Etter det fikk de jobbe i verksteder: kreativ og produksjonsrettet, hvor vekten var på praktisering av leksjonen. Avhengig av studentenes tilbøyeligheter ble de utdannet til arkitekter, kunstner-designere, fotografer, designere.

Paul Klee: Klee-analyse av forskjellige perversiteter, 1922, samling

V. Gropius la spesiell vekt på utvalget av lærere som delte hans tro: i forskjellige år jobbet kunstnerne V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, designerne L. Moholy-Nagy og J. Itten her.

Bauhaus' storhetstid er knyttet til Weimar-perioden, preget av nyromantikkens innflytelse. I 1925 flyttet Bauhaus til Dessau og holdt til i en bygning tegnet av V. Gropius, som regnes som et av mesterverkene innen funksjonalistisk arkitektur. Perioden i Dessau er preget av styrkingen av teknisk-utilitaristiske tendenser, dannelsen av Bauhaus-stilen, preget av klare former, minimalisme i virkemidler, standarddesign og forbedring av industrielle metoder og materialer.

Vasilij Kandinskij, St. Georg og dragen (1914–15).

I 1928 tok den sveitsiske arkitekten H. Mayer over som direktør. Innovasjonene han introduserte (studiet av samfunnsvitenskap) forårsaket imidlertid misnøye blant lærere og elever, og i 1930 ble Bauhaus ledet av den tyske arkitekten L. Mies van der Rohe, som forble direktør frem til nazistene stengte denne utdanningsinstitusjonen i 1933.

Wassily Kandinsky. Uten tittel, første abstrakte akvarell. 1910–1913

Bauhaus-prinsippene og undervisningsmetodene ble imidlertid plukket opp i andre land, og ideene deres hadde en betydelig innvirkning på utviklingen av anvendt kunst og billedkunst (fra bokgrafikk og reklame til møbler og husholdningsartikler).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISME

D. Fattori. På kysten. 1893

Verisme (italiensk verismo fra vero - sannferdig, sann) er en bevegelse i italiensk kunstkultur fra den siste tredjedelen av 1800-tallet, som opprinnelig oppsto i litteratur og musikk, og deretter spredte seg til kunstfagene.

Prinsippene for verismo ble hovedsakelig dannet under påvirkning av fransk naturalisme. Basert på verkene til E. Zola, G. Flaubert og G. de Maupassant, satte veristene hovedoppgavene for arbeidet sitt som objektivitet og en vitenskapelig tilnærming til studiet av fakta (fra et positivistisk synspunkt) i skildringen av livets realiteter i det moderne italienske samfunnet, livet og psykologien til vanlige mennesker. Den nasjonale originaliteten til denne bevegelsen manifesterte seg i dyp sympati for de undertrykte arbeiderne, hvis liv (hovedsakelig bøndene og de fattige i provinsene) var hovedinnholdet i romanene og novellene til verismo-teoretikerne - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, operaer av P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega italienske Barsaglieri ledende østerrikske fanger, 1861

Innen billedkunst var veristenes umiddelbare forgjengere kunstnerne fra den florentinske skolen «Macchiaioli», som i sine arbeider vendte seg mot temaene den nasjonale frigjøringskampen til det italienske folket, by- og landliv. I maleriet ble verismen hovedsakelig representert av napolitanske mestere som utviklet samfunnskritiske tendenser i kunsten (arbeiderklassens kamp for sine rettigheter, det vanskelige bondelivet) og skapte et helt galleri med bilder av fremragende skikkelser fra italiensk historie og kultur.

Veristene så imidlertid ikke en sosial mulighet for å eliminere sosial urettferdighet; arbeidet deres var dominert av stemninger av pessimisme og undergang, en passiv-naturalistisk oppfatning av virkeligheten (i litteratur og maleri) eller melodrama, overfladisk illustrativitet, overdrevet emosjonalitet (i musikk). Selv om verismo ikke ble utbredt i Italias billedkunst, spilte det likevel en viktig rolle i utviklingen av realistiske tendenser i verdens kunstneriske prosess.

Mestere i Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOKUNST

Nam June Paik robotfamilie, 1976

Videokunst er en bevegelse innen visuell kunst fra den siste tredjedelen av det 20. århundre som bruker mulighetene til videoteknologi. I motsetning til fjernsynet selv, som er ment for kringkasting til et massepublikum, bruker videokunst TV-mottakere, videokameraer og skjermer i unike hendelser, og produserer også eksperimentelle filmer i konseptuell kunsts ånd, som vises i spesielle utstillingsrom. Ved hjelp av moderne elektronikk viser den så å si «hjernen i aksjon» – en visuell vei fra en kunstnerisk idé til dens legemliggjøring. Hovedgrunnleggeren av videokunst er amerikaneren av koreansk avstamning Nam June Paik. Kunst som bruker fjernsynsteknologi – videokunst – oppsto nettopp fra en protest mot massekulturens dominans, hvis høyeste legemliggjøring regnes som fjernsynskringkasting. Videokunstens «fedre», Nam June Paik og Wolf Vostell, gjorde hver sin måte narr av respektable borgere som setter seg ned hver kveld for å slappe av foran fjernsynet.

På 60-tallet iscenesatte Wolf Vostell hendelser der TV-er ble bombardert med kremkaker, bundet med piggtråd, seremonielt begravd og til og med skutt med maskingevær. Nam Jun Paik, en musiker av utdannelse, opptrådte mer subtilt. Etter å ha startet med eksperimenter innen «musikkvisualisering», gikk han videre til å lage levende vesener med hoder, armer og kropper fra skjermer i forskjellige størrelser og tilsvarende bilder, og kalte dem «mamma», «pappa», «barn», «tante», «onkel» osv.

Nam June Paik Nytt verk, 1983

Videokunst oppsto på 60-tallet, da det ennå ikke fantes videokameraer, og regnes som en ung kunstform. Som alltid var det i starten et domene for ensomme entusiaster, men mot slutten av 80-tallet ble det klart at video skjuler utallige muligheter for å berike kunstens uttrykksmidler. Verkene til Bill Viola, som skapte en hel verden av fantastiske og fascinerende bilder der virkelighet og fantasi er så intrikat sammenflettet at en viss "ny virkelighet" er født fra dem, spilte en betydelig rolle i dette. Nå er det klart for alle at navnene til videokunstnerne Viola og Pike er like betydningsfulle for det tjuende århundre som navnene til Monet og Van Gogh var for det nittende århundre. God kunst har alltid en sterk innvirkning på en person - den vekker følelser, tanker, ideer og handlinger i ham. Videokunst har tekniske påvirkningsmidler som er sterkere enn maleri, grafikk og skulptur. Kanskje bare livet selv kan konkurrere med videokunst i sin intensitet av virkning. Det er ingen tilfeldighet at denne mest troverdige av alle kunstarter ble kalt "flukten til virkeligheten" av Wolf Vostell.

GEOMETRISK ABSTRAKSJON

Lyubov Popova-komposisjon, 1917

Geometrisk abstraksjon (andre navn er kald abstraksjon, logisk, intellektuell abstraksjonisme) er en bevegelse innen abstrakt kunst basert på skapelsen av kunstnerisk rom ved å kombinere ulike geometriske former, fargede plan, rette og brutte linjer.

Geometrisk abstraksjon vokste ut av Paul Cézannes og kubistenes søken, som var de første til å følge naturens deformasjonsvei på jakt etter en «ny virkelighet». Den hadde en rekke forgreninger. I Russland var det M. Larionovs rayonisme, som oppsto som en særegen reaksjon på de nyeste oppdagelsene innen fysikk; «ikke-objektiviteten» til O. Rozanova, L. Popova og V. Tatlin, som senere utviklet seg til konstruktivisme; supermatismen til K. Malevich, der ikke-objektivitet ble ansett som en «ny billedlig realisme»; i Frankrike delvis Robert Delaunays orfisme; men dens viktigste representant var den nederlandske gruppen «Style» («De Stijl»), ledet av P. Mondrian og T. Van Doesburg, som fremmet konseptet neoplastisisme – kunsten med ren plastisitet, hvis oppgave var å rense naturen for illusorisk mangfold og avsløre det primære skjemaet som var skjult i den.

Mikhail Larionov badende, 1909

Geometrisk abstraksjon, som hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av moderne arkitektur, design, industriell, dekorativ og anvendt kunst, forble den dominerende trenden innen kunst frem til slutten.

Andre verdenskrig. På 1950-tallet kom de «lyriske strømningene innen abstraksjonisme» (tachisme, abstrakt ekspresjonisme) i forgrunnen.

Olga Rozanova Komposisjon med tog, 1911

Men på 1960-tallet, med fremveksten av minimalisme og op-kunst på den kunstneriske scenen, fikk geometrisk abstraksjon en ny fødsel.

Mestere i geometrisk abstraksjon: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALISME

Richard Estes gate

Hyperrealisme (andre navn: superrealisme, fotorealisme, kaldrealisme, radikalrealisme) er en kunstnerisk bevegelse innen maleri og skulptur som oppsto i USA på 1960-tallet og spredte seg i Europa på 1970-tallet.

Som en form for figurativ kunst er hyperrealisme basert på nitid presisjon og detaljer i reproduksjonen av virkeligheten, og imiterer det spesifikke ved fotografiet. Hyperrealistenes verk er omhyggelig kopierte fotografier, forstørret til størrelsen på et stort lerret.

Don Eddy. Gamle modellbiler

Noen kunstnere som arbeidet i denne retningen brukte faktisk fotografier og fargebilder som grunnlag for verkene sine. Samtidig ble alle trekkene ved det fotografiske bildet bevart, og kunstnerne brukte mekaniske kopieringsteknikker for dette: lysbildeprojeksjon, glasering, airbrush i stedet for pensel, emulsjonsbelegg, osv. Bruken av slike teknologier var ikke tilfeldig: de understreket den mekaniske naturen, eliminerte menneskelig tilstedeværelse fra skapelsesprosessen, som om de prøvde å hindre kunstnerens egen, personlige visjon av verden. Kanskje det er derfor hyperrealismens verden virker livløs, kald og løsrevet fra betrakterens supervirkelighet.

Ralph Goings. Sommerdag.

Målet med hyperrealisme er å skildre hverdagslige realiteter, og hovedtemaene er det upersonlige, mekaniserte livet i den moderne byen, det upersonlige livssystemet i en hard og grov verden. Motivene er bevisst banale, og bildene er ettertrykkelig «objektive». Biler, boligbygg, restauranter, bensinstasjoner, telefonkiosker, reklametavler og, sjelden, levende mennesker – «karakterer fra gaten», hvis bilder har et ironisk skjær eller er fulle av håpløshet. Maleriene gir opphav til et bilde av virkeligheten, men ikke den virkelige, men reflektert i dens mangfold i glassvinduene, i de polerte bilkarosseriene, i granitt polert til glans. Spillet av disse refleksjonene, nøyaktig gjengitt av kunstneren, skaper inntrykk av sammentrengning av romlige soner, et intrikat forhold mellom planer, som desorienterer betrakteren og gir opphav til en følelse av uvirkelighet.

Mestere innen hyperrealisme: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.