זרמים באמנות ובציור

אקספרסיוניזם מופשט

ג'יי פולוק. מובי דיק. 1943

תנועה באמנות מופשטת שצמחה בארצות הברית בשנות ה-40 ויוצגה בעיקר על ידי עבודותיהם של אמנים מבית הספר הניו יורקי. האקספרסיוניזם המופשט המשיך את "שחרור" האמנות מכל שליטה של ​​התבונה וחוקים לוגיים, כשהוא מציב לעצמו כמטרה את הביטוי הספונטני של עולמו הפנימי של האמן, תת המודע שלו בצורות כאוטיות ומופשטות, ולקח כעיקרון היצירתי העיקרי שלו את היישום הספונטני והאוטומטי של צבע על הבד, המתרחש אך ורק תחת השפעת מצבים נפשיים ורגשיים....

פ. קליין. שחור על ירוק, אדום וצהוב. 1948

בקצב מהיר, כיסו האמנים את פני הבד במשיכות מכחול גדולות ואנרגטיות, לעתים קרובות תוך שימוש בטכניקת טפטוף (התזת צבע או סחיטתו משפופרת). תהליך יצירת הציור התרחש לעתים קרובות בפומבי: הופעה שלמה הוצגה בפני הקהל, שבה תנועותיו ומחוותיו של האמן מילאו תפקיד פעיל לא פחות מזרמי הצבע הנופלים ונשפכים על פני הבד.

אקספרסיוניזם מופשט שלט בתרבות האמריקאית עד תחילת שנות ה-60, והפך לאחת התנועות הרציניות הראשונות בציור האמריקאי והשפיע על התפתחות האמנות העולמית.

אבסטרקציה

ו. קנדינסקי. קומפוזיציה 8 1913.

אחת המגמות האמנותיות המרכזיות באמנות המאה ה-20, שבה מבנה היצירה מבוסס אך ורק על אלמנטים פורמליים - קווים, כתמי צבע, תצורה מופשטת. יצירות מופשטות מנותקות מצורות החיים עצמן: קומפוזיציות לא אובייקטיביות מגלמות את רשמיו הסובייקטיביים והפנטזיות של האמן, את זרימת תודעתו, הן מייצרות אסוציאציות חופשיות, תנועות מחשבתיות ואמפתיה רגשית.

אי אפשר לנקוב בנקודה המדויקת של הופעת האבסטרקציה או מייסדה. ההשראה המוכרת של האבסטרקציה נחשבת לאמנים וסילי קנדינסקי, קזימיר מלביץ', פיט מודריאן, פרנטישק קופקה, רוברט דלאוני, אשר תארו את עיקרי התנועה הזו בעבודותיהם התיאורטיות ובהצהרותיהם התוכניתיות.

פ. לג'ר, נערה עם פרח. 1954

האבסטרקציה מקורה כמגמה צרה באמנות יפה. בתחילת שנות ה-30 החלו לצוץ אגודות של אמני אבסטרקציה ("אמנות קונקרטית" - 1930, "מעגל וריבוע" - 1930, ואחרות), שאספו תחת דגליהם אמנים בני לאומים ומגמות שונות. עד אמצע שנות ה-30, העניין באבסטרקציה ירד בחדות, ואיגודים אלה התפרקו. היא נולדה מחדש בארצות הברית, שם צץ האקספרסיוניזם המופשט בתחילת שנות ה-40, ופעל עם צורות לא אובייקטיביות לביטוי ספונטני של עולמו הפנימי של האמן.

הצורה הפופולרית האחרונה של אמנות מופשטת הייתה פופ ארט, שצצה בשנות ה-60, ולאחר מכן האמנות המופשטת דעכה אל תוך האלמוניות.

אוונגרדיזם

פ. פיקאסו שלושה מוזיקאים 1921

קבוצה של מגמות וכיוונים חדשניים ומרדניים בתרבות האמנותית של המאה ה-20. בשלבים היסטוריים שונים, תפקיד האוונגרד נוהל על ידי מגמות עוקבות: שנות ה-200-1910 היו תקופת הופעתם של הפוביזם, הקוביזם, הפוטוריזם, האקספרסיוניזם, הדאדאיזם והאמנות המופשטת; בשנות ה-20-30 של המאה ה-20, הסוריאליזם עלה לקדמת הבמה; בתקופה שלאחר המלחמה צצו מגמות חדשות באבסטרקציה: אקספרסיוניזם מופשט, טאצ'יזם, אמנות לא פורמלית וכו'; שנות ה-60-70 היו עידן המעבר מהאוונגרד ה"קלאסי" לניאו-אוונגרד, או פוסטמודרניזם, על מרכיביו: אקציוניזם, פופ ארט, קונספטואליזם, אמנות קינטית ופרקטיקות אמנות אחרות.

אקדמיזם

א. קבנל פדרה. 1880

מגמה באמנויות יפות, שהבסיס להתפתחותן הן אקדמיות לאמנות. ההיסטוריה של התפתחות האקדמיות קשורה ל"אקדמיה של אלו שנכנסו בדרך הנכונה" בבולוניה (בסביבות 1585), האקדמיה המלכותית הצרפתית לציור ופיסול (1648) והאקדמיה הרוסית לשלוש האמנויות הנאצלות ביותר (1757). פעילותם של כל המוסדות התבססה על מערכת חינוך מוסדרת בקפדנות, המכוונת להישגים הגדולים של תקופות קודמות - העת העתיקה והרנסנס האיטלקי, שממנה נבחרו במודע איכויות אינדיבידואליות של אמנות קלאסית, התקבלו כאידיאליות ובלתי ניתנות לתחרות.

דרכה של האקדמיות באמנות לא התאפיינה בתגליות או הישגים גדולים. בשל המלאכותיות ("עשייה") והאקלקטיות שלה, היא אינה סגנון אמנותי.

א. בוגרו מנוחה במהלך הקציר. 1865

האקדמיות פרחה במאה ה-19. בצרפת, מגמה זו מזוהה עם עבודתם של אמנים ידועים כמו ז'אן אוגוסט דומיניק אינגרה, אדולף ויליאם בוגרו, אלכסנדר קברנל, פול דלארוש, ז'אן-ליאון ז'רום, פול ז'וזף ז'אמין, שיצירותיהם נבדלות בשליטתן חסרת תחרות בביצוע.

האקדמיה לאמנויות של סנט פטרסבורג גם טיפחה בין קירותיה גלקסיה של אמנים אקדמיים בעלי שם עולמי: קרל בריולוב, אלכסנדר איבנוב, הנריק סמירדסקי ופיודור ברוני.

א. אלמה-טדמה, גילוי משה. 1904

בזמננו, המושג "אקדמיות" חרג מתחום התנועה האמנותית: הוא קיבל משמעות נוספת והופך ליישם על יצירותיהם של אמנים בעלי השכלה אמנותית שיטתית וכישורים קלאסיים ביצירת יצירות בעלות מיומנות טכנית גבוהה.

אקציוניזם

כריסטו והאן-קלוד. שער מספר 53 2006

שם כללי למספר צורות שצצו באמנות האוונגרדית בשנות ה-60.

הרצון למחוק את הגבול בין אמנות למציאות מוביל אמנים אוונגרדיים לחפש דרכים חדשות לביטוי אמנותי, שונות מצורות מסורתיות (כלומר סטטיות), המעניקות דינמיקה ליצירה, ומערבות אותה בפעולה כלשהי (פעולה). פעולה (או אמנות הפעולה) הופכת למושג כללי עבור פרקטיקות אמנותיות שבהן הדגש מועבר מהיצירה עצמה לתהליך יצירתה.

ק. אולדנבורג. גשר כפית המחזיק דובדבן. 1985

את מקורות האקציוניזם יש לחפש בהופעות של דאדאיסטים וסוריאליסטים, בפעילותם של אמנים מופשטים (בפרט ד. פולוק), אשר הטילו על עקרון הכתיבה האקספרסיבית - "ציור פעולה".

אנכרוניזם

ק.מ. מריאני, היד המונחית על ידי התודעה. 1983

אחת המגמות בציור הפוסטמודרניסטי, המציעה פרשנות של המחבר לאמנות העבר. הפוסטמודרניזם, שצמח כתוצאה מדחיית המודרניזם (כלומר, המגמה האוונגרדית באמנות), הכריז על מטרתו לחזור לצורות, למסורות ההיסטוריות ולסגנונות הישנות של התרבות בת מאות השנים שקדמו לה. בחיפוש אחר צורות חדשות, אמנים פוסטמודרניסטים מערבבים סגנונות אמנותיים מתקופות ותרבויות שונות, ויוצרים על בסיס זה מיתולוגיה אינדיבידואלית, המתואמת עם החוויה האישית של המחבר.

אנכרוניזם צץ בסוף שנות ה-70 באיטליה ומאוחר יותר התפשט לצרפת. המקור הרוחני החשוב ביותר שלו היה עבודתו של ג'ורג'ו דה קיריקו, שפנה לאמנות קלאסית בשנות ה-20 לאחר "התקופה המטאפיזית" שלו. אנכרוניסטים או "אמני תרבות", כפי שהם מכנים את עצמם, שואבים השראה מיצירותיהם של אדוני הרנסנס, המנייריזם והבארוק, אותם הם מציגים בפרפרזה, פרודיה, ומבקשים להתאים את המסורת הקלאסית להקשר המוזאיקה של התרבות הפוסטמודרנית.

אמנות אנליטית

פ. פילונוב. משפחת איכרים 1914

אמנות אנליטית היא שיטה אמנותית שפותחה ואושרה על ידי פאבל פילונוב בעבודותיו התיאורטיות ("קאנון וחוק", 1912; "תמונות מעשה", 1914; "הצהרת 'פריחה עולמית'", 1923) ובציור שלו. פילונוב ראה את הקוביזם כנושא של העיקרון הרציונליסטי, והשווה אותו לעקרון הצמיחה האורגנית (כמו שעץ גדל) של הצורה האמנותית ולאיכות ה"מעושה" של ציורים.

דיוקן עצמי משולש של פ. זלצמן. 1932

עקרון העשייה הוא העמדה המרכזית של האמנות האנליטית. האמן "בונה" את תמונתו, כפי שהטבע "יוצר" תצורות גדולות יותר מאטומים ומולקולות. בהבין "שבכל אובייקט אין שני נשואים, צורה וצבע, אלא עולם שלם של תופעות גלויות ובלתי נראות, הנביעות שלהן, תגובותיהן, תכלילותן, ג'נסיסתן, הוויתן, תכונותיהן הידועות או הסודיות, אשר בתורן יש לעיתים אינספור נשואים", פילונוב היה משוכנע שכל מגוון התכונות הזה יכול לבוא לידי ביטוי באופן פלסטי בציור.

בעת יצירת יצירה, על האמן להסתמך לא רק על הגלוי לעין, הנראה ("עין רואה"), אלא גם על הבלתי נראה ("גז יודע", לכידת תהליכים נסתרים) - הדפוסים הפנימיים של המבנה והתפקוד של האובייקט המתואר. האמן הופך את "חזונו" הפנימי של האובייקט או התופעה למבנים גרפיים וציוריים המבוססים על "חוק ההתפתחות האורגנית של הצורה", שאולים מהטבע (כדי לחקות לא את הצורות שהוא יוצר, אלא את השיטות בהן הוא "פועל") ומנוגדים ל"קאנון" (צורות שנבנו באופן מלאכותי).

פלט צבע של טטיאנה גלבובה

לאחר שהבין חוק זה, האמן מסוגל "ליצור" תמונה מסוימת, כה אורגנית, עד כי יש לה פוטנציאל להתפתחות עצמית, כאילו ללא השתתפות היוצר עצמו בתהליך זה (היא גדלה ומתפתחת כמו כל היצורים החיים בטבע). פ. פילונוב האמין כי האמנות הנוצרת בשיטתו היא אמנות העתיד, אשר תוביל ל"זרח העולם", שכן היא מבוססת על יחסי גומלין הרמוניים בין אדם לטבע, על מספר עקרונות מדעיים הפונים לשכל הצופה, ופיתוחו ("להיות גורם באבולוציה של האינטליגנציה"). מומחים לאמנות אנליטית: פאבל פילונוב, טטיאנה גלבובה, אליסה פורט, מיכאיל ציבסוב, סופיה זקלינובסקאיה, פאבל זלצמן, פאבל קונדראטייב, בוריס גורביץ', ניקולאי אוגרפוב, וסבולוד סולימו-סמוילו, יורי חרז'אנובסקי.

מַחתֶרֶת

אוסקר רבין, "אמבטיות (מריחת מוסקבה או דה קלן)", 1966.

אנדרגראונד (אנגלית underground - מחתרתי, צינוק) - במובן הצר - כל אמנות ניסיונית ולא מסחרית; במובן הרחב - מושג ותופעה שעלתה בארצות הברית בסוף שנות ה-50 ומשמעותה תרבות "מחתרתית" כחלק בלתי נפרד ממה שנקרא תרבות הנגד, שהתנגדה למגבלות ולמוסכמות ששלטו בחברה התרבותית. אמנות מחתרתית חדורה ברוח של התנגדות. דוחה ומפרה את האוריינטציות הפוליטיות, המוסריות והאתיות ואת סוגי ההתנהגות המקובלים בחברה, ומכניסה התנהגות אנטי-חברתית לחיי היומיום. נושאים אופייניים לאנדרגראונד האמריקאי והאירופי הם "המהפכה המינית" וסמים.

לב קרופיבניצקי

בתקופה הסובייטית, מושג זה קיבל משמעות שונה במקצת וצורות פוליטיות יותר: כאן, בשל נוקשות המשטר, כמעט כל אמנות לא רשמית, כלומר לא מוכרת על ידי הרשויות, כולל מוזיקה וספרות, התבררה כמחתרתית. מאמצע שנות ה-50 ועד סוף שנות ה-80. "האופוזיציה האמנותית" יוצגה על ידי פעילותן של עמותות רבות, ביניהן המפורסמות ביותר היו הקבוצות "ליאנוזובסקיה" (א. ול. קרופיבניצקי, ל. מאסטרקובה, או. רבין ואחרים (מ-1956 עד אמצע שנות ה-70)), "שדרות סרטנסקי" (א. קבקוב, א. נייזבסטני, יו. סובולב, יו. סוסטר ואחרים (מ-1960 עד אמצע שנות ה-70)), "פעולות קולקטיביות" (א. מונסטירסקי, ג. קיזלוואטר, א. מקרביץ', ס. רומאשקו ואחרים (מאז 1975)), "פטריות הזבובים" (ס. גונדלך, ק. זבזדוקטוב, ו. מירוננקו ואחרים (מאז 1978)). התנועה המחתרתית פיתחה את יצירתם של אמנים שלא הצטרפו לאף אגודה (ו. סידור, א. זברב, מ. שמיאקין), אך היו נציגים של אמנות חברתית (א. בולטוב, ו. קומר וא. מלמיד), ותנועות אוונגרדיות אחרות (קבוצת אמני האוונגרד, אלופי העולם).

דיוקן של א. זברב 1969

לאחר קריסת המערכת הפוליטית של ברית המועצות, ועימה הסרת ההגבלות והאיסורים על חופש היצירה האמנותית, המחתרת כתופעה תרבותית ירדה לתוהו. אדוני המחתרת: לב קרופיבניצקי, ליובוב מאסטרקובה, אוסקר רבין, איליה קבקוב, ארנסט נייזבסטני, יורי סובולב, יולו סוסטר, קיריל זבזדוצ'טוב, מיכאיל שמיאקין, אנטולי זברב, ואדים סידור, ויטלי קומר, אלכסנדר מלמיד.

AR BRUT

ציור אנטוני טאפיס - 4. סדרת רישומי ברלין.

ארט ברוט (בצרפתית: Art brut – אמנות גסה וגולמית) היא תנועה באמנות האירופית של אמצע המאה ה-20, שמייסדה ומנהיגה היה האמן הצרפתי ז'אן דובופה, שפיתח את מושג האמנות הטהורה, אמנות הדוחה יופי והרמוניה. כל אדם הוא אמן; עבור בן אנוש, ציור הוא טבעי כמו דיבור או הליכה. משוחרר מהמסורות והידע של "תרבות חונקת", הוא יוצר באופן אינסטינקטיבי וישיר.

להקת הג'אז של ג'יי דובופה, 1955

לדברי דובופה, ארט ברוט הוא יצירתיות בצורתה הטהורה ביותר: התפרצות נפשית ספונטנית ממעמקי הנפש והתודעה, הנלכדת על נייר או מגולמת בחומר. הוא פונה לאמנותם של חולי נפש, אנשים מבודדים מהחברה, ורואה רק בהם אמנים אמיתיים, בעלי הסובייקטיביות המעניקה לאדם אינדיבידואליות אמיתית.

בתחילה, דובופה העתיק את סגנונם ביצירותיו, ויצר צורות ודימויים פרימיטיביים במכוון, "ברבריים", פיגורטיביים ומופשטים, המרשימים בפתרונות צבע בלתי צפויים ובאופן כתיבה לכאורה מביך. ובשנת 1948, יחד עם הסופר הסוריאליסטי אנדרה ברטון והאמן הספרדי אנטוני טפייס, הוא ייסד את "חברת האמנות הברוטית" בפריז, שנועדה לשמר ולחקור את אמנותם של המודרים. האוסף שנאסף, שמנה כ-5,000 רישומים, ציורים, חפצים ופסלים, היווה את הבסיס למוזיאון האמנות הברוטית, שנוסד בשנת 1976 בלוזאן (שוויץ).

J. Dubuffet דיוקן עצמי, 1958

באמנות העכשווית, המושג "ארט ברוט" כולל את עבודתם של אנשים המתקיימים מחוץ לחברה - חולי נפש, נכים, כל מיני אנשים מודרים, כמו גם את עבודותיו של ז'. דובופה, בהשראת דוגמאות אלה. ארט ברוט הוא חלק מתנועה רחבה יותר - "אמנות אאוטסיידר" (אמנות אאוטסיידר), שהפכה לתנועה רצינית בתהליך האמנותי העולמי בעשור האחרון. במובנים רבים, זוהי מעלתו של האינטלקטואל הרדיקלי והמיליטנטי ז'אן דובופה, שראה את העולם בצורה חדשה. מומחי ארט ברוט: ז'אן דובופה, אנטוני טאפיאס, אדולף וולפלי, הנרי דיינג'ר, מורטון בארטלט, רוזמרי קוצ'י, פול האמפרי. יוג'ין פון ברונכנהיין.

ארטה פוברה

מריו מרץ, פרויקט "צריף פטרה", 1982

ארטה פוברה (באיטלקית: Arte povera - אמנות ענייה) היא תנועה אוונגרדית שצמחה באמנות האיטלקית בסוף שנות ה-60 - תחילת שנות ה-70 והתפשטה במדינות אירופאיות אחרות. היא התבססה על יצירת מיצבים מחפצים תעשייתיים וטבעיים, תוך מתן עדיפות לחומרים הפשוטים וה"עניים" ביותר (כגון אדמה, חול, פחם, אשפה, פריטי בית בסיסיים, בגדים ונעליים ישנים ובלויים וכו').

מריו מרץ ללא כותרת

תנועת "ארטה פוברה" צמחה כתגובה לאינטלקטואליזם ולרציונליזם המוגברים של המינימליזם והקונספטואליזם, עם החומרים והטכנולוגיות היקרים שלהם לייצור חפצי אמנות. אמני "ארטה פוברה", שיצרו את עבודותיהם, פנו אל "עולם הדברים הפשוטים" המקיפים לרגע את האדם, וביקשו לחשוף את הפואטיקה המיוחדת של היומיום, תוך משחק על ניגודים - תולשים דברים מהקשרם הרגיל וממקמים אותם במציאות שונה, מציאות של אולמות ארמונות מפוארים וחללי מוזיאונים.

ל. פונטנה כותרת

תשומת לב מיוחדת הוקדשה להטרוגניות של חפצים (יציקות גבס של ראשים מפסלים עתיקים ושקי פחם או מבערי גז), חומרים קצרי מועד המשתנים תחת השפעת האטמוספירה או עקב תכונותיהם הכימיות והפיזיקליות (כגון שעווה, ספוג, גומי וכו'). זה העניק ליצירותיו של ארטה פוברה סמליות אמנותית מסוימת שאינה ניתנת לפרשנות חד משמעית. האמנות, המקיפה אותנו בכל מקום, היא חולפת וחמקמקה, כמו רגע של חיים. היא חולפת. ולכן חסרת תועלת, אך זהו יופיה.

מאסטרים של ארטה פוברה: מריו מרז, יאניס קוניליס, לוסיו פונטנה, ג'ובאני אנסלמו, ג'וליו פאוליני, ז'ילברטו זוריו, פינו פסקלי, אליגיירו בואטי, מריו סרולי, לוצ'יאנו פברי, ג'וזפה פניני, מיכלאנג'לו פיסטולטו.

בָּארוֹק

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. גלריית אופיצי. פירנצה. אִיטַלִיָה

הבארוק הוא אחד הסגנונות הגדולים ששלטו באדריכלות ובאמנות של מדינות אירופה מסוף המאה ה-16 ועד אמצע המאה ה-18.

מקום הולדתו של הבארוק (באיטלקית: barocco - ביזארי, מוזר) הוא איטליה, שם כינון הסגנון החדש ביטא את סוף הרנסנס עם השקפת עולמו ההרמונית, האמונה באפשרויות האינסופיות של המוח האנושי והסדר של הקיום האוניברסלי.

המאפיינים העיקריים של הבארוק היו קנה מידה, שפע של עיצוב, דינמיקה סוערת, שאיפה לאפקטים אשלייתיים בארגון החלל הפנימי - הגדלת גודל החדרים בעזרת מראות; גובה האולמות בזכות אהילים ציוריים עם פתרון מורכב לפרספקטיבה.

כל זה תאם לתמונה חדשה של היקום - משתנה, קונפליקטית, שבה הגוססים והמתפתחים נמצאים בעימות מתמיד, והאדם עם תשוקותיו, עולמו הפנימי המבולבל והמורכב מוצא את עצמו לעתים קרובות נתון לחסדי כוחות לא רציונליים.

סימון וואט, ססיליה הקדושה עם מלאך. המחצית הראשונה של המאה ה-17. המוזיאון ההונגרי לאמנויות יפות. בודפשט. הונגריה

לא במקרה הבארוק מתרחק מבהירות ופשטות, ומעדיף עקומה אלגנטית על פני קפדנות גיאומטרית וקו ישר; מערבולת על פני תנועה מסודרת; גוונים זהובים מנצנצים המשתנים בהשפעת אור וצל, או בהירים, חגיגיים, בלתי צפויים, דיסהרמוניים בצלילם המנצח לצבע מקומי.

הבארוק מרשים בעיצובו הפנימי המרהיב, המזכיר תפאורה תיאטרלית, בשילוב הניגודי של חומרים ומרקמים המשמשים לקישוטם, ולפעמים בהכללה המזעזעת של פרטים "אמיתיים" ביצירות אמנות, כמו שיניים ושיער אמיתיים בפסלי נשים.

סגנון הבארוק יצר אנסמבל ייחודי, סינתזה של אדריכלות, אמנויות מונומנטליות ואמנויות דקורטיביות שהייתה ייחודית לו.

בכל מדינה אירופאית, לסגנון הבארוק יש מאפיינים ייחודיים משלו, תוך שמירה על המאפיינים העיקריים של הסגנון. לפיכך, במולדתו, איטליה, סגנון זה התממש בצורה החיה ביותר ומוקדם יותר בזמן מאשר, למשל, בצרפת, שם התפקיד המוביל במאה ה-17 היה שייך לקלאסיציזם.

ברוסיה, התפתחות הבארוק חלה במחצית הראשונה ובאמצע המאה ה-18. חופשייה מההתעלות המיסטית האופיינית לסגנון זה במדינות קתוליות, אמנות הבארוק ברוסיה מהללת את התחזקות הכוח האוטוקרטי.

במחצית הראשונה של המאה ה-18, הבארוק התפתח בכל מקום לעבר הקלילות החיננית של סגנון הרוקוקו, התקיים בו במקביל ושזור בו, ומשנות ה-1760 הוחלף על ידי הקלאסיציזם.

באוהאוס

צליל עתיק, תקציר על שחור מאת פול קלי 1925

באוהאוס (בגרמנית: Bauhaus - "בית הבנייה"), בית ספר גבוה לבנייה ועיצוב אמנותי, שנוסד על ידי האדריכל הגרמני וו. גרופיוס בויימאר בשנת 1919.

על פי רעיון המחבר, באוהאוס נקרא לאחד את האמנות, המלאכה והטכנולוגיה ה"מגוונות" ל"ייצור אמנותי אחד", לחבר אותן בצורה של גילדות בנייה מימי הביניים, אך על בסיס מדעי וטכני חדש. בתחילה, כל התלמידים עברו קורס הכשרה מקדים בן 6 חודשים, בו למדו את תכונות החומרים ואת יסודות המלאכה, כמו גם את תורת הצורה והציור. לאחר מכן, הם הורשו לעבוד בסדנאות: יצירה והפקה, שבהן הדגש היה על תרגול השיעור. בהתאם לנטיות התלמידים, הם הוכשרו להיות אדריכלים, אמנים-מעצבים, צלמים, מעצבים.

פאול קלי: ניתוח קלי של סטיות שונות, 1922, אוסף

ו. גרופיוס הקדיש תשומת לב מיוחדת לבחירת המורים שחלקו את אמונותיו: בשנים שונות עבדו כאן האמנים ו. קנדינסקי, פ. קליי, א. שלמר, ל. פיינינגר, המעצבים ל. מוהולי-נאגי וי. איטן.

תקופת הזוהר של הבאוהאוס קשורה לתקופת ויימר, שאופיינה בהשפעת הניאו-רומנטיקה. בשנת 1925 עבר הבאוהאוס לדסאו ושכן בבניין שתוכנן על ידי ו. גרופיוס, הנחשב לאחת מיצירות המופת של האדריכלות הפונקציונליסטית. התקופה בדסאו מאופיינת בהתחזקותן של נטיות טכניות-תועלתניות, היווצרות סגנון הבאוהאוס, המאופיין בבהירות צורות, מינימליזם של אמצעים, עיצוב סטנדרטי ושיפור שיטות וחומרים תעשייתיים.

וסילי קנדינסקי, ג'ורג' הקדוש והדרקון (1914-15).

בשנת 1928, האדריכל השוויצרי ה. מאייר נכנס לתפקיד המנהל. עם זאת, החידושים שהציג (לימודי מדעי החברה) גרמו לחוסר שביעות רצון בקרב מורים ותלמידים, ובשנת 1930, בראש הבאוהאוס עמד האדריכל הגרמני ל. מיס ואן דר רוהה, שנשאר המנהל עד לסגירת המוסד החינוכי על ידי הנאצים בשנת 1933.

וסילי קנדינסקי. ציור בצבעי מים מופשט ראשון ללא כותרת. 1910-1913

עם זאת, עקרונות הבאוהאוס ושיטות ההוראה שלו אומצו במדינות אחרות, ולרעיונותיו הייתה השפעה עמוקה על פיתוח האמנויות השימושיות והיפות (החל מגרפיקה ופרסום בספרים ועד לרהיטים ופריטים לבית).

מאסטרס באוהאוס: וולטר גרופיוס, לודוויג מיס ואן דר רוהה, ואסילי קנדינסקי, פול קליי, אוסקר שלמר, ליונל פיינינגר, לאסלו מוהולי-נאגי, יוזף אלברס, גרהרד מרקס, מרסל ברויאר, מקס ביל, יוהנס איטן, הרברט באייר, הנס מאייר.

וריזם

ד. פאטורי. על החוף. 1893

וריזם (באיטלקית: verismo, מ-vero - אמת, אמיתי) היא תנועה בתרבות האמנותית האיטלקית של השליש האחרון של המאה ה-19, אשר צצה בתחילה בספרות ובמוזיקה, ולאחר מכן התפשטה לאמנויות היפות.

עקרונות הווריסמו נוצרו בעיקר תחת השפעת הנטורליזם הצרפתי. בהתבסס על עבודותיהם של א. זולה, ג'. פלובר וג'. דה מופסאן, הציבו הווריסטים את המטרות העיקריות של עבודתם כאובייקטיביות וגישה מדעית לחקר העובדות (מנקודת מבט של פוזיטיביזם) בתיאור מציאות החיים בחברה האיטלקית המודרנית, חייהם ופסיכולוגייתם של אנשים מן השורה. המקוריות הלאומית של תנועה זו באה לידי ביטוי באהדה עמוקה לעם העובד המדוכא, שחייהם (בעיקר האיכרים ועניי הפרובינציות) היו התוכן העיקרי של הרומנים והסיפורים הקצרים של תיאורטיקני הווריסמו - ג'. ורגה, ל. קפואנה, ד. צ'יאמפולי, אופרות מאת פ. מסקני, ר. לאונקבאלו, ג'. פוצ'יני.

S. Lega האיטלקי Barsaglieri מוביל אסירים אוסטריים, 1861

באמנויות החזותיות, קודמיהם המיידיים של הווריסטים היו אמני האסכולה הפלורנטינית "מקיאולי", שפנו בעבודתם לנושאים של מאבק השחרור הלאומי של העם האיטלקי, החיים העירוניים והכפריים. בציור, הווריזם יוצג בעיקר על ידי אמנים נפוליטניים שפיתחו נטיות ביקורתיות חברתית באמנות (מאבק מעמד הפועלים על זכויותיו, חיי האיכרים הקשים) ויצרו גלריה שלמה של תמונות של דמויות בולטות בהיסטוריה ובתרבות האיטלקית.

עם זאת, הווריסטים לא ראו אפשרות חברתית לחסל את העוול החברתי; עבודתם נשלטה על ידי מצבי רוח של פסימיות ואבדון, תפיסה פסיבית-נטורליסטית של המציאות (בספרות ובציור) או מלודרמה, אילוסטרטיביות שטחית, רגשנות מוגזמת (במוזיקה). למרות שווריסמו לא הפך נפוץ באמנויות היפות של איטליה, הוא בכל זאת מילא תפקיד חשוב בהתפתחותן של נטיות ריאליסטיות בתהליך האמנותי העולמי.

מאסטרים של וריסמו: פרנצ'סקו פאולו מיצ'טי, ג'וזפה פליצה דה וולפדו, וינצ'נזו ולה, פרנצ'סקו הייז, ג'ובאני פאטורי, סילבסטרו לגה.

וידאו ארט

משפחת הרובוטים של נאם ג'ון פאיק, 1976

אמנות וידאו היא תנועה באמנויות חזותיות של השליש האחרון של המאה ה-20 המשתמשת ביכולות של טכנולוגיית וידאו. בניגוד לטלוויזיה עצמה, המיועדת לשידור לקהל הרחב, אמנות וידאו משתמשת במקלטי טלוויזיה, מצלמות וידאו ומסכים בהתרחשויות ייחודיות, וגם מייצרת סרטים ניסיוניים ברוח האמנות הקונספטואלית, המוצגים בחללי תצוגה מיוחדים. בעזרת האלקטרוניקה המודרנית, היא מציגה, כביכול, את "המוח בפעולה" - נתיב חזותי מרעיון אמנותי להתגלמותו. המייסד העיקרי של אמנות הווידאו הוא האמריקאי ממוצא קוריאני נאם ג'ון פאיק. אמנות המשתמשת בטכנולוגיית טלוויזיה - אמנות וידאו - צמחה דווקא ממחאה נגד הדומיננטיות של תרבות ההמונים, שהתגלמותה הגבוהה ביותר נחשבת לשידורי טלוויזיה. "אבות" אמנות הווידאו, נאם ג'ון פאיק וולף ווסטל, כל אחד בדרכו לעגו לאזרחים מכובדים שיושבים מדי ערב להירגע מול הטלוויזיה.

בשנות ה-60, וולף ווסטל ביים התרחשויות בהן טלוויזיות הוטחו בעוגות קרם, נקשרו בגדרות תיל, נקברו בטקסים ואף נורו במקלעים. נאם ג'ון פאיק, מוזיקאי בהכשרתו, פעל בצורה עדינה יותר. לאחר שהחל בניסויים ב"וויזואליזציה מוזיקלית", הוא עבר ליצירת דמיונות של יצורים חיים עם ראשים, זרועות וגוף ממסכים בגדלים שונים ותמונות תואמות, וקרא להם "אמא", "אבא", "ילד", "דודה", "דוד" וכו'.

עבודה חדשה של נאם ג'ון פאיק, 1983

אמנות הווידאו, שצמחה בשנות ה-60, כשעדיין לא היו מצלמות וידאו, נחשבת לצורת אמנות צעירה. כמו תמיד, בתחילה היא הייתה נחלתם של חובבים בודדים, אך בסוף שנות ה-80 התברר כי וידאו טומן בחובו אינספור הזדמנויות להעשרת אמצעי ההבעה של האמנות. יצירותיו של ביל ויולה, שיצר עולם שלם של דימויים מדהימים ומרתקים שבהם מציאות ופנטזיה שזורות זו בזו בצורה כה מורכבת עד שנולדת מהן "מציאות חדשה" מסוימת, מילאו תפקיד משמעותי בכך. כעת ברור לכולם כי במאה העשרים שמותיהם של אמני הווידאו ויולה ופייק משמעותיים כשם ששמותיהם של מונה וואן גוך היו משמעותיים במאה התשע עשרה. לאמנות טובה תמיד יש השפעה חזקה על אדם - היא מעוררת בו רגשות, מחשבות, רעיונות ופעולות. לאמנות הווידאו יש אמצעי השפעה טכניים חזקים יותר מציור, גרפיקה ופיסול. אולי רק החיים עצמם יכולים להתחרות באמנות הווידאו בעוצמת השפעתם. אין זה צירוף מקרים שאמנות זו, האמינה ביותר מכל האמנויות, נקראה "בריחה אל המציאות" על ידי וולף ווסל.

הפשטה גיאומטרית

הרכב ליובוב פופובה, 1917

הפשטה גיאומטרית (שמות אחרים הם הפשטה קרה, לוגית, הפשטה אינטלקטואלית) היא תנועה באמנות מופשטת המבוססת על יצירת מרחב אמנותי על ידי שילוב של צורות גיאומטריות שונות, מישורים צבעוניים, קווים ישרים ושבורים.

הפשטה גיאומטרית צמחה מתוך חיפושיהם של פול סזאן והקוביסטים, שהיו הראשונים ללכת בדרך של עיוות הטבע בחיפוש אחר "מציאות חדשה". היו לה מספר ענפים. ברוסיה, היה זה הראיוניזם של מ. לריונוב, שעלה כתגובה מוזרה לתגליות האחרונות בפיזיקה; ה"אי-אובייקטיביות" של א. רוזנובה, ל. פופובה וו. טטלין, שצמחה מאוחר יותר לקונסטרוקטיביזם; הסופרמטיזם של ק. מלביץ', שבו אי-אובייקטיביות נחשבה ל"ריאליזם ציורי חדש"; בצרפת, בחלקו האורפיזם של רוברט דלאונה; אך נציגה העיקרי הייתה הקבוצה ההולנדית "סגנון" ("דה סטיל"), בראשות פ. מונדריאן וט. ואן דוסבורג, שהעלתה את מושג הניאופלסטיציזם - אמנות הפלסטיות הטהורה, שתפקידה היה לטהר את הטבע מגיוון אשלייתי ולחשוף את הסכימה הראשונית החבויה בו.

מיכאיל לאריונוב, מתרחצים, 1909

הפשטה גיאומטרית, שהייתה לה השפעה משמעותית על התפתחות האדריכלות המודרנית, העיצוב, האמנויות התעשייתיות, הדקורטיביות והשימושיות, נותרה המגמה הדומיננטית באמנות עד הסוף.

מלחמת העולם השנייה. בשנות ה-50, עלו לקדמת הבמה "הזרמים הליריים של האבסטרקציה" (טאצ'יזם, אקספרסיוניזם מופשט).

קומפוזיציה של אולגה רוזנובה עם רכבת, 1911

עם זאת, בשנות ה-60, עם הופעתם של המינימליזם והאופ-ארט בזירה האמנותית, האבסטרקציה הגיאומטרית קיבלה לידה שנייה.

מאסטרים בהפשטה גיאומטרית: קזימיר מלביץ', מיכאיל לריונוב, אולגה רוזאנובה, ליובוב פופובה, רוברט דלאוני, פיט מונדריאן, תיאו ואן דוסבורג, יוזף אלברס, פרנק סטלה, ז'ול אוליצקי, ויקטור וזרלי, ברידג'ט ריילי

היפר-ריאליזם

רחוב ריצ'רד אסטס

היפר-ריאליזם (שמות אחרים: סופר-ריאליזם, פוטו-ריאליזם, ריאליזם קר, ריאליזם רדיקלי) הוא תנועה אמנותית בציור ובפיסול שצמחה בארצות הברית בשנות ה-60 והתפשטה באירופה בשנות ה-70.

כצורה של אמנות פיגורטיבית, היפר-ריאליזם מבוסס על דיוק ופרטים קפדניים בשחזור המציאות, תוך חיקוי הספציפיות של הצילום. עבודותיהם של ההיפר-ריאליסטים הן תצלומים מועתקים בקפידה, המוגדלים לגודל של קנבס גדול.

דון אדי. מכוניות דגמים ישנות

חלק מהאמנים שעבדו בכיוון זה השתמשו למעשה בצילומים ובשקופיות צבעוניות כבסיס לעבודותיהם. יחד עם זאת, כל מאפייני התמונה הצילומית נשמרו, ולשם כך השתמשו האמנים בטכניקות העתקה מכניות: הקרנת שקופיות, זיגוג, איירבראש במקום מברשת, ציפוי אמולסיה וכו'. השימוש בטכנולוגיות כאלה לא היה מקרי: הוא הדגיש את האופי המכני, ביטל את הנוכחות האנושית מתהליך היצירה, כאילו מנסה למנוע את חזון העולם האישי של האמן. אולי זו הסיבה שעולם ההיפר-ריאליזם נראה חסר חיים, קר ומנותק מהמציאות העל של הצופה.

ראלף גוינגס. יום קיץ

מטרת ההיפר-ריאליזם היא לתאר מציאויות יומיומיות, והנושאים העיקריים הם החיים הממוכנים הלא אישיים של העיר המודרנית, מערכת החיים הלא אישית בעולם קשה וגס. נושאיו בנאליים במכוון, ותמונותיו "אובייקטיביות" באופן מובהק. מכוניות, בנייני מגורים, מסעדות, תחנות דלק, תאי טלפון, שלטי חוצות, ולעתים רחוקות, אנשים חיים - "דמויות מהרחוב", שתמונותיהם בעלות גוון אירוני או מלאות חוסר תקווה. הציורים מולידים דימוי של מציאות, אך לא את המציאות האמיתית, אלא משתקפת בריבויה בחלונות הראווה מזכוכית, בגופי המכוניות המלוטשים, בגרניט מלוטש עד ברק. משחק ההשתקפויות הללו, ששוחזר במדויק על ידי האמן, יוצר את הרושם של חדירת אזורים מרחביים, קשר מורכב של תוכניות, מבלבלים את הצופה, ומעוררים תחושה של חוסר מציאות.

אדוני ההיפר-ריאליזם: דון אדי, ריצ'רד אסטס, צ'אק קלוז, ראלף גוינגס, מלקולם מורלי, מל ראמוס, אודרי פלאק, רוברט קוטינגהאם, בן שונטצייט, ג'יי.די. דה אנדראה, דואן הנסון, גרהם דין, מייקל אינגליש, מייקל לאונרד.