Corrientes en el arte y la pintura

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Un movimiento de arte abstracto que surgió en Estados Unidos en la década de 1940, representado principalmente por la obra de artistas de la Escuela de Nueva York. El expresionismo abstracto continuó la "liberación" del arte de cualquier control de la razón y las leyes lógicas, estableciendo como objetivo la expresión espontánea del mundo interior del artista, su subconsciente, en formas caóticas y abstractas, y tomando como principio creativo principal la aplicación espontánea y automática de la pintura al lienzo, que ocurre únicamente bajo la influencia de estados mentales y emocionales.

F. Klein. Negro sobre verde, rojo y amarillo. 1948

Con un ritmo rápido, los artistas cubrían la superficie del lienzo con pinceladas amplias y enérgicas, a menudo empleando la técnica del goteo (salpicando pintura o exprimiéndola de un tubo). El proceso de creación de una pintura solía tener lugar en público: se representaba una performance completa ante el público, en la que los gestos y movimientos del artista desempeñaban un papel tan activo como los chorros de pintura que caían y se derramaban sobre el lienzo.

El expresionismo abstracto dominó la cultura estadounidense hasta principios de la década de 1960, convirtiéndose en uno de los primeros movimientos serios de la pintura estadounidense e influyendo en el desarrollo del arte mundial.

ABSTRACCIONISMO

V. Kandinsky. Composición 8, 1913.

Una de las principales tendencias artísticas del siglo XX, en la que la estructura de la obra se basa exclusivamente en elementos formales: líneas, manchas de color, configuración abstracta. Las obras abstractas se desvinculan de las formas de la vida misma: las composiciones no objetivas encarnan las impresiones y fantasías subjetivas del artista, el fluir de su conciencia, y generan asociaciones libres, movimientos de pensamiento y empatía emocional.

Es imposible determinar el momento exacto del surgimiento del abstraccionismo ni a su fundador. Se considera que sus inspiradores reconocidos son los artistas Vasily Kandinsky, Kazimir Malévich, Piet Modrian, František Kupka y Robert Delaunay, quienes esbozaron las principales ideas de este movimiento en sus obras teóricas y declaraciones programáticas.

F. Leger: La joven con una flor. 1954

El abstraccionismo se originó como una tendencia limitada en las bellas artes. A principios de la década de 1930, comenzaron a surgir asociaciones de abstraccionistas ("arte concreto" - 1930, "círculo y cuadrado" - 1930, y otras), que reunían bajo sus estandartes a artistas de diferentes nacionalidades y tendencias. A mediados de la década de 1930, el interés por el abstraccionismo había decaído drásticamente y estas asociaciones se disolvieron. Resurgió en Estados Unidos, donde el expresionismo abstracto surgió a principios de la década de 1940, utilizando formas no objetivas para la expresión espontánea del mundo interior del artista.

La última forma popular de arte abstracto fue el arte pop, que surgió en la década de 1960, después de lo cual el arte abstracto cayó en el olvido.

VANGUARDIA

P. Picasso Tres músicos 1921

Conjunto de tendencias y direcciones innovadoras y rebeldes en la cultura artística del siglo XX. En diferentes etapas históricas, el papel de la vanguardia fue desempeñado por tendencias sucesivas: entre los años 1900 y 1910 surgieron el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo y el arte abstracto; entre los años 1920 y 1930, el surrealismo cobró protagonismo; en la posguerra, surgieron nuevas tendencias en el abstraccionismo: expresionismo abstracto, tachismo, arte informal, etc.; entre los años 1960 y 1970, se produjo la transición de la vanguardia clásica a la neovanguardia o posmodernismo, con sus componentes: accionismo, arte pop, conceptualismo, arte cinético y otras prácticas artísticas.

ACADEMISMO

A. Cabanel Fedra. 1880

Una tendencia en las bellas artes cuyo desarrollo se basa en las academias de arte. La historia del academicismo se asocia con la "Academia de los que han entrado en el buen camino" de Bolonia (alrededor de 1585), la Real Academia Francesa de Pintura y Escultura (1648) y la Academia Rusa de las Tres Artes Más Nobles (1757). Las actividades de todas las instituciones se basaban en un sistema educativo estrictamente regulado, orientado hacia los grandes logros de épocas anteriores: la Antigüedad y el Renacimiento italiano, de los cuales se seleccionaron conscientemente cualidades individuales del arte clásico, aceptadas como ideales e insuperables.

La trayectoria del academicismo artístico no estuvo marcada por grandes descubrimientos ni logros. Debido a su artificialidad y eclecticismo, no se trata de un estilo artístico.

A. Bouguereau Descanso durante la cosecha. 1865

El academicismo floreció en el siglo XIX. En Francia, esta tendencia se asocia con la obra de maestros de renombre como Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme y Paul Joseph Jamin, cuyas obras se distinguen por su inigualable maestría en la ejecución.

La Academia de Artes de San Petersburgo también albergó entre sus muros a una galaxia de artistas académicos de fama mundial: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky y Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema El descubrimiento de Moisés. 1904

En nuestro tiempo, el concepto de “academicismo” ha ido más allá del ámbito de un movimiento artístico: ha adquirido un significado adicional y ha pasado a aplicarse a las obras de artistas que tienen una educación artística sistemática y habilidades clásicas en la creación de obras de alta habilidad técnica.

ACCIONISMO

Christo y Han-Claude. Puerta n.° 53, 2006

Un nombre general para una serie de formas que surgieron en el arte de vanguardia en la década de 1960.

El deseo de borrar la línea entre el arte y la realidad lleva a los artistas de vanguardia a buscar nuevas formas de expresión artística, distintas de las formas tradicionales (es decir, estáticas), que dinamizan la obra, implicándola en una acción. La acción (o el arte de la acción) se convierte en un concepto general para las prácticas artísticas, donde el énfasis se desplaza de la obra en sí al proceso de su creación.

K. Oldenburg. Puente cuchara con una cereza. 1985

Los orígenes del accionismo hay que buscarlos en las manifestaciones de los dadaístas y surrealistas, en las actividades de los artistas abstractos (en particular D. Pollock), que profesaban el principio de la escritura expresiva: la “pintura de acción”.

ANACRONISMO

K.M. Mariani La mano guiada por la mente. 1983

Una de las tendencias de la pintura posmodernista, que ofrece la interpretación del arte del pasado por parte de un autor. Surgida como resultado del rechazo del modernismo (es decir, la tendencia vanguardista en el arte), la posmodernidad declaró su objetivo de regresar a las antiguas formas, tradiciones históricas y estilos de la cultura centenaria anterior. En busca de nuevas formas, los artistas posmodernistas mezclan estilos artísticos de diferentes épocas y culturas, creando sobre esta base una mitología individual, correlacionada con la experiencia personal del autor.

El anacronismo surgió a finales de la década de 1970 en Italia y posteriormente se extendió a Francia. Su principal fuente espiritual fue la obra de Giorgio De Chirico, quien se interesó por el arte clásico en la década de 1920 tras su «periodo metafísico». Los anacronistas o «artistas culturales», como se autodenominan, se inspiran en las obras de los maestros del Renacimiento, el Manierismo y el Barroco, a quienes parafrasean, parodian, buscando integrar la tradición clásica en el contexto mosaico de la cultura posmoderna.

ARTE ANALÍTICO

P. Filonov. Familia campesina, 1914

El arte analítico es un método artístico desarrollado y fundamentado por Pavel Filonov en sus obras teóricas («Canon y Derecho», 1912; «Cuadros Hechos», 1914; «Declaración del Florecimiento Mundial», 1923) y en su propia pintura. Considerando el cubismo como portador del principio racionalista, Filonov lo contrastó con el principio del crecimiento orgánico (como el de un árbol) de la forma artística y la cualidad «hecha» de las pinturas.

Triple autorretrato de P. Salzman. 1932

El principio de la creación es la postura principal del Arte Analítico. El artista construye su imagen, como la naturaleza crea formaciones más grandes a partir de átomos y moléculas. Al comprender que en cualquier objeto no hay dos predicados, forma y color, sino todo un mundo de fenómenos visibles e invisibles, sus emanaciones, reacciones, inclusiones, génesis, existencia, propiedades conocidas o secretas, que a su vez a veces tienen innumerables predicados, Filonov estaba convencido de que toda esta diversidad de propiedades puede expresarse plásticamente en la pintura.

Al crear una obra, el artista debe basarse no solo en lo obvio, lo visible (el ojo que ve), sino también en lo invisible (el gas que conoce, captando procesos ocultos): los patrones internos de la estructura y el funcionamiento del objeto representado. El artista transforma su visión interna del objeto o fenómeno en construcciones gráficas y pictóricas basadas en la ley del desarrollo orgánico de la forma, tomada de la naturaleza (para imitar no las formas que crea, sino los métodos mediante los cuales actúa) y opuesta al canon (formas construidas artificialmente).

Tatyana Glebova Salida de color

Al comprender esta ley, el artista es capaz de crear una imagen tan orgánica que posee el potencial de autodesarrollo, como si no tuviera la participación del propio autor en este proceso (crece y se desarrolla como todos los seres vivos de la naturaleza). P. Filonov creía que el arte creado con su método es el arte del futuro, que conducirá al apogeo mundial, ya que se basa en la interacción armoniosa del hombre y la naturaleza, en una serie de principios científicos dirigidos al intelecto del espectador y a su desarrollo (para ser un factor en la evolución de la inteligencia). Maestros del arte analítico: Pavel Filonov, Tatiana Glebova, Alisa Poret, Mijaíl Tsibasov, Sofía Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky.

SUBTERRÁNEO

Oscar Rabin, "Baños (huele el agua de colonia de Moscú)", 1966.

Underground (del inglés underground, underground, calabozo) - en sentido estricto, cualquier arte experimental no comercial; en sentido amplio, un concepto y fenómeno surgido en Estados Unidos a finales de la década de 1950. Se refiere a la cultura "underground" como parte integral de la llamada contracultura, que se oponía a las restricciones y convenciones que dominaban la sociedad cultural. El arte underground está imbuido del espíritu de disidencia. Rechaza y viola las orientaciones políticas, morales y éticas, así como los comportamientos aceptados en la sociedad, introduciendo conductas antisociales en la vida cotidiana. Temas típicos del underground estadounidense y europeo son la "revolución sexual" y las drogas.

Lev Kropivnitsky

Durante la era soviética, este concepto adquirió un significado ligeramente diferente y formas más politizadas: aquí, debido al rigor del régimen, casi todo el arte no oficial, es decir, no reconocido por las autoridades, incluyendo la música y la literatura, resultó ser clandestino. Desde mediados de la década de 1950 hasta finales de la de 1980. La oposición artística se manifestó en las actividades de numerosas asociaciones, entre las que destacan los grupos "Lianozovskaya" (E. y L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin y otros (desde 1956 hasta mediados de los años 70)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster y otros (desde 1960 hasta mediados de los años 70)), "Collective Actions" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko y otros (desde 1975)), "Fly Agárics" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko y otros (desde 1978)). El movimiento underground desarrolló la creatividad de artistas que no se unieron a ninguna asociación (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), pero eran representantes del arte social (E. Bulatov, V. Komar y A. Melamid) y otros movimientos de vanguardia (Grupo de Artistas de Vanguardia, Campeones del Mundo).

Retrato de A. Zverev, 1969

Tras el colapso del sistema político de la Unión Soviética, y con él el levantamiento de las restricciones y prohibiciones a la libertad de creación artística, el underground como fenómeno cultural quedó en nada. Maestros del underground: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mijaíl Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Dibujo Antoni Tapies - 4. Serie Dibujos Berlín.

El art brut (del francés: Art brut, arte crudo y tosco) es un movimiento artístico europeo de mediados del siglo XX, cuyo fundador y líder fue el artista francés Jean Dubuffet, quien desarrolló el concepto de arte puro, un arte que rechaza la belleza y la armonía. Toda persona es un artista; para un ser humano, dibujar es tan natural como hablar o caminar. Liberado de las tradiciones y el conocimiento de una cultura asfixiante, crea de forma instintiva y directa.

Banda de jazz de J. Dubuffet, 1955

Según Dubuffet, el Art Brut es la creatividad en su forma más pura: un arrebato mental espontáneo proveniente de lo más profundo de la mente y la conciencia, plasmado en papel o materializado. Se centra en el arte de los enfermos mentales, personas aisladas de la sociedad, considerándolos solo como verdaderos artistas, poseedores de esa subjetividad que otorga a la persona una auténtica individualidad.

Al principio, Dubuffet copió su estilo en sus obras, creando formas e imágenes deliberadamente primitivas y bárbaras, figurativas y abstractas, impactantes con soluciones de color inesperadas y una escritura aparentemente torpe. En 1948, junto con el escritor surrealista André Breton y el artista español Antoni Tàpies, fundó la «Compañía de Arte Bruto» en París, diseñada para preservar y estudiar el arte de los marginados. La colección, compuesta por unos 5.000 dibujos, pinturas, objetos y esculturas, constituyó la base del Museo de Arte Bruto, fundado en 1976 en Lausana (Suiza).

Autorretrato de J. Dubuffet, 1958

En el arte contemporáneo, el concepto de "art brut" abarca la obra de personas que viven al margen de la sociedad: enfermos mentales, personas con discapacidad, todo tipo de personas marginadas, así como las obras de J. Dubuffet, inspiradas en estos ejemplos. El art brut forma parte de un movimiento más amplio, el "arte marginal", que se ha consolidado como un movimiento importante en el proceso artístico mundial durante la última década. En muchos sentidos, este es el mérito del intelectual radical y militante Jean Dubuffet, quien observó el mundo desde una nueva perspectiva. Maestros del art brut: Jean Dubuffet, Antoni Tàpies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey y Eugene von Brunchenhain.

ARTE POBRE

Mario Merz, Proyecto Cabaña de Petra, 1982

El Arte Povera (en italiano: Arte povera, arte pobre) es un movimiento vanguardista que surgió en el arte italiano a finales de los años sesenta y principios de los setenta, y se extendió a otros países europeos. Se basaba en la creación de instalaciones a partir de objetos industriales y naturales, priorizando los materiales más sencillos y pobres (como tierra, arena, carbón, basura, artículos domésticos básicos, ropa y zapatos viejos y desgastados, etc.).

Mario Merz sin título

El movimiento Arte Povera surgió como respuesta al elevado intelectualismo y racionalismo del minimalismo y el conceptualismo, con sus costosos materiales y tecnologías para la producción de objetos artísticos. Al crear sus obras, los artistas del Arte Povera se volcaron en el "mundo de las cosas sencillas" que rodea momentáneamente a una persona y buscaron revelar la poética especial de lo cotidiano, jugando con los contrastes, sacando las cosas de su contexto habitual y situándolas en una realidad diferente, la realidad de los lujosos salones de palacio y los espacios museísticos.

L. Fontana Título

Se prestó especial atención a la heterogeneidad de los objetos (moldes de yeso de cabezas de estatuas antiguas y bolsas de carbón o quemadores de gas), materiales efímeros que cambian bajo la influencia de la atmósfera o debido a sus propiedades químicas y físicas (como cera, esponja, goma, etc.). Esto confirió a las obras de Arte Povera un simbolismo artístico que no se presta a una interpretación unívoca. El arte, que nos rodea por todas partes, es fugaz y elusivo, como un instante de la vida. Es efímero. Y, por lo tanto, inútil, pero en eso reside su belleza.

Maestros del Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BARROCO

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Baco.1593 - 1594. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia

El barroco es uno de los grandes estilos que dominaron la arquitectura y el arte de los países europeos desde finales del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII.

La cuna del Barroco (del italiano barocco, extraño, bizarro) es Italia, donde el establecimiento del nuevo estilo significó el fin del Renacimiento con su visión armoniosa del mundo, la fe en las posibilidades ilimitadas de la mente humana y el orden de la existencia universal.

Las principales características del Barroco fueron la escala, la abundancia de decoración, la dinámica tormentosa, la búsqueda de efectos ilusorios en la organización del espacio interior: aumentar el tamaño de las habitaciones con la ayuda de espejos, la altura de los pasillos gracias a pintorescas pantallas de lámparas con una solución compleja de perspectiva.

Todo esto correspondía a una nueva imagen del universo, cambiante, conflictiva, donde lo moribundo y lo emergente están en constante confrontación, y el hombre con sus pasiones, su mundo interior confuso y complejo, se encuentra a menudo a merced de fuerzas irracionales.

Simon Vouet, Santa Cecilia con un ángel. Primera mitad del siglo XVII. Museo Húngaro de Bellas Artes. Budapest. Hungría.

No es casualidad que el Barroco se aleje de la claridad y la simplicidad, prefiriendo la curva elegante al rigor geométrico y la línea recta; el vórtice al movimiento ordenado; los tonos dorados y brillantes que cambian bajo la influencia de la luz y la sombra, o los brillantes, festivos, inesperadamente discordantes en su sonido victorioso al color local.

El Barroco impresiona por sus espectaculares interiores, que recuerdan a escenografías teatrales, la combinación contrastante de materiales y texturas utilizadas para su decoración y, a veces, la impactante inclusión de detalles “reales” en las obras de arte, como dientes y cabello reales en estatuas femeninas.

El estilo barroco creó un conjunto único, una síntesis de arquitectura, artes monumentales y decorativas que le era propia.

En cada país europeo, el Barroco posee sus propias particularidades, conservando al mismo tiempo las características principales del estilo. Así, en su patria, Italia, este estilo se manifestó con mayor intensidad y de forma más temprana que, por ejemplo, en Francia, donde el clasicismo fue el protagonista del siglo XVII.

En Rusia, el Barroco se desarrolló entre la primera mitad y mediados del siglo XVIII. Libre de la exaltación mística característica de este estilo en los países católicos, el arte barroco en Rusia glorifica el fortalecimiento del poder autocrático.

En la primera mitad del siglo XVIII, el Barroco evolucionó en todas partes hacia la graciosa ligereza del estilo rococó, coexistió y se entrelazó con él y, a partir de la década de 1760, fue suplantado por el Clasicismo.

BAUHAUS

Sonido antiguo, abstracto sobre negro de Paul Klee, 1925

Bauhaus (en alemán: Bauhaus – “casa de construcción”), Escuela Superior de Construcción y Diseño Artístico, fundada por el arquitecto alemán W. Gropius en Weimar en 1919.

Según la idea del autor, la Bauhaus debía unir el arte, la artesanía y la tecnología, ambos "divergentes", en una "producción artística única", para conectarlos bajo la forma de gremios de construcción medievales, pero sobre una nueva base científica y técnica. Inicialmente, todos los estudiantes realizaban un curso preliminar de seis meses, donde estudiaban las propiedades de los materiales y los fundamentos de la artesanía, así como la teoría de la forma y el dibujo. Posteriormente, se les permitía trabajar en talleres creativos y de producción, donde el énfasis recaía en la práctica de la lección. Dependiendo de sus inclinaciones, los estudiantes se formaban para convertirse en arquitectos, artistas-diseñadores, fotógrafos y diseñadores.

Paul Klee: Análisis de Klee sobre diversas perversidades, 1922, Colección

V. Gropius prestó especial atención a la selección de profesores que compartían sus convicciones: en diferentes años trabajaron aquí los artistas V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, los diseñadores L. Moholy-Nagy y J. Itten.

El apogeo de la Bauhaus se asocia con el período de Weimar, marcado por la influencia del neorromanticismo. En 1925, la Bauhaus se trasladó a Dessau y se instaló en un edificio diseñado por V. Gropius, considerado una de las obras maestras de la arquitectura funcionalista. Este período en Dessau está marcado por el auge de las tendencias técnico-utilitarias y la formación del estilo Bauhaus, caracterizado por la claridad de las formas, el minimalismo de los medios, el diseño estándar y la mejora de los métodos y materiales industriales.

Vasily Kandinsky, San Jorge y el dragón (1914-15).

En 1928, el arquitecto suizo H. Mayer asumió la dirección. Sin embargo, las innovaciones que introdujo (el estudio de las ciencias sociales) provocaron descontento entre profesores y alumnos, y en 1930, la Bauhaus pasó a manos del arquitecto alemán L. Mies van der Rohe, quien permaneció como director hasta el cierre de esta institución educativa por los nazis en 1933.

Wassily Kandinsky. Primera acuarela abstracta sin título. 1910-1913

Sin embargo, los principios y métodos de enseñanza de la Bauhaus fueron adoptados en otros países y sus ideas tuvieron un profundo impacto en el desarrollo de las artes aplicadas y las bellas artes (desde los gráficos de libros y la publicidad hasta los muebles y los artículos para el hogar).

Maestros de la Bauhaus: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISMO

D. Fattori. En la costa. 1893

El verismo (del italiano verismo, de vero: veraz, verdadero) es un movimiento de la cultura artística italiana del último tercio del siglo XIX, que surgió inicialmente en la literatura y la música, y luego se extendió a las bellas artes.

Los principios del verismo se formaron principalmente bajo la influencia del naturalismo francés. Basándose en las obras de E. Zola, G. Flaubert y G. de Maupassant, los veristas establecieron como objetivos principales de su trabajo la objetividad y un enfoque científico en el estudio de los hechos (desde la perspectiva del positivismo) al representar las realidades de la vida en la sociedad italiana moderna, la vida y la psicología de la gente común. La originalidad nacional de este movimiento se manifestó en una profunda compasión por los trabajadores oprimidos, cuya vida (principalmente el campesinado y los pobres de las provincias) fue el tema principal de las novelas y relatos de los teóricos del verismo: G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, y las óperas de P. Mascagni, R. Leoncavallo y G. Puccini.

S. Lega Italian Barsaglieri líder de prisioneros austríacos, 1861

En las artes visuales, los predecesores inmediatos de los veristas fueron los artistas de la escuela florentina "Macchiaioli", quienes abordaron en su obra los temas de la lucha de liberación nacional del pueblo italiano, la vida urbana y rural. En pintura, el verismo estuvo representado principalmente por maestros napolitanos que desarrollaron tendencias socialmente críticas en el arte (la lucha de la clase obrera por sus derechos, la difícil vida campesina) y crearon una amplia galería de imágenes de figuras destacadas de la historia y la cultura italianas.

Sin embargo, los veristas no veían una posibilidad social de eliminar la injusticia social; su obra estaba dominada por un pesimismo y una fatalidad catastrófica, una percepción pasivo-naturalista de la realidad (en la literatura y la pintura) o el melodrama, una ilustración superficial y una emotividad exagerada (en la música). Aunque el verismo no se extendió por las bellas artes italianas, desempeñó un papel importante en el desarrollo de las tendencias realistas en el proceso artístico mundial.

Maestros del verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOARTE

Familia de robots Nam June Paik, 1976

El videoarte es un movimiento de las artes visuales del último tercio del siglo XX que aprovecha las capacidades de la tecnología del vídeo. A diferencia de la televisión, que está destinada a la difusión masiva, el videoarte utiliza receptores de televisión, cámaras de vídeo y monitores en eventos únicos, y también produce películas experimentales con un toque de arte conceptual, que se exhiben en espacios especiales. Con la ayuda de la electrónica moderna, muestra, por así decirlo, el "cerebro en acción": un recorrido visual desde una idea artística hasta su materialización. El principal fundador del videoarte es el estadounidense de ascendencia coreana Nam June Paik. El arte que utiliza la tecnología televisiva (el videoarte) surgió precisamente de una protesta contra el dominio de la cultura de masas, cuya máxima expresión se considera la televisión. Los "padres" del videoarte, Nam June Paik y Wolf Vostell, cada uno a su manera, se burlaban de los ciudadanos respetables que se sentaban cada noche a relajarse frente al televisor.

En los años 60, Wolf Vostell organizó eventos donde se lanzaban pasteles de crema a televisores, se ataban con alambre de púas, se enterraban ceremoniosamente e incluso se les disparaba con ametralladoras. Nam Jun Paik, músico de formación, actuó con mayor sutileza. Tras comenzar con experimentos de "visualización musical", pasó a crear semejanzas de seres vivos con cabezas, brazos y cuerpos a partir de monitores de diferentes tamaños e imágenes correspondientes, llamándolos "Mamá", "Papá", "Niño", "Tía", "Tío", etc.

Nam June Paik Nueva obra, 1983

Surgió en los años 60, cuando aún no existían las cámaras de video, y el videoarte se considera una forma de arte joven. Como siempre, al principio fue dominio de entusiastas solitarios, pero a finales de los 80 se hizo evidente que el video encierra innumerables oportunidades para enriquecer los medios expresivos del arte. Las obras de Bill Viola, quien creó un mundo de imágenes asombrosas y fascinantes donde la realidad y la fantasía se entrelazan tan intrincadamente que de ellas nace una "nueva realidad", desempeñaron un papel fundamental en este proceso. Hoy en día, es evidente que para el siglo XX, los nombres de los videoartistas Viola y Pike son tan significativos como lo fueron los de Monet y Van Gogh para el siglo XIX. El buen arte siempre tiene un fuerte impacto en la persona: despierta en ella sentimientos, pensamientos, ideas y acciones. El videoarte posee medios técnicos de influencia más potentes que la pintura, el diseño gráfico y la escultura. Quizás solo la vida misma pueda competir con el videoarte en la intensidad de su impacto. No es casualidad que Wolf Vostell llamara a esta, la más creíble de todas las artes, "escape a la realidad".

ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

Composición de Lyubov Popova, 1917

La abstracción geométrica (otros nombres son abstracción fría, abstracción lógica, abstraccionismo intelectual) es un movimiento del arte abstracto basado en la creación de espacio artístico mediante la combinación de diversas formas geométricas, planos coloreados, líneas rectas y quebradas.

La abstracción geométrica surgió de las búsquedas de Paul Cézanne y los cubistas, quienes fueron los primeros en seguir el camino de la deformación de la naturaleza en busca de una “nueva realidad”. Tuvo varias ramas. En Rusia, fue el rayonismo de M. Larionov, que surgió como una reacción peculiar a los últimos descubrimientos en física; la “no objetividad” de O. Rozanova, L. Popova y V. Tatlin, que más tarde se convirtió en constructivismo; el supermatismo de K. Malévich, en el que la no objetividad se consideraba un “nuevo realismo pictórico”; en Francia, en parte el orfismo de Robert Delaunay; pero su principal representante fue el grupo holandés “Style” (“De Stijl”), encabezado por P. Mondrian y T. Van Doesburg, que propuso el concepto de neoplasticismo: el arte de la plasticidad pura, cuya tarea era limpiar la naturaleza de la diversidad ilusoria y exponer el esquema primario oculto en ella.

Bañistas de Mijaíl Larionov, 1909

La abstracción geométrica, habiendo tenido una influencia significativa en el desarrollo de la arquitectura moderna, el diseño, las artes industriales, decorativas y aplicadas, siguió siendo la tendencia dominante en el arte hasta el final.

Segunda Guerra Mundial. En la década de 1950, las corrientes líricas del abstraccionismo (tachismo, expresionismo abstracto) cobraron protagonismo.

Olga Rozanova Composición con un tren, 1911

Sin embargo, en la década de 1960, con la aparición del minimalismo y el op art en la escena artística, la abstracción geométrica recibió un segundo renacimiento.

Maestros de la abstracción geométrica: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HIPERREALISMO

Richard Estes. Calle

El hiperrealismo (otros nombres: superrealismo, fotorrealismo, realismo frío, realismo radical) es un movimiento artístico en pintura y escultura que surgió en Estados Unidos en la década de 1960 y se extendió por Europa en la década de 1970.

Como forma de arte figurativo, el hiperrealismo se basa en la meticulosa precisión y el detalle en la reproducción de la realidad, imitando las particularidades de la fotografía. Las obras de los hiperrealistas son fotografías meticulosamente copiadas, ampliadas al tamaño de un gran lienzo.

Don Eddy. Autos antiguos

Algunos artistas que trabajaron en esta dirección utilizaron fotografías y diapositivas a color como base para sus obras. Al mismo tiempo, se conservaron todas las características de la imagen fotográfica, para lo cual los artistas emplearon técnicas de copia mecánica: proyección de diapositivas, esmaltado, aerógrafo en lugar de pincel, recubrimiento con emulsión, etc. El uso de estas tecnologías no fue casual: enfatizaron la naturaleza mecánica y eliminaron la presencia humana del proceso creativo, como si intentaran impedir la visión personal del mundo del artista. Quizás por eso el mundo del hiperrealismo parece inerte, frío y distante de la superrealidad del espectador.

Ralph Goings. Día de verano

El objetivo del hiperrealismo es representar la realidad cotidiana, y sus temas principales son la vida impersonal y mecanizada de la ciudad moderna, el sistema vital impersonal en un mundo duro y crudo. Sus temas son deliberadamente banales y sus imágenes son enfáticamente objetivas. Coches, edificios residenciales, restaurantes, gasolineras, cabinas telefónicas, vallas publicitarias y, en raras ocasiones, personas vivas: "personajes de la calle", cuyas imágenes tienen un tinte irónico o están llenas de desesperanza. Las pinturas dan lugar a una imagen de la realidad, pero no la real, sino reflejada en su multiplicidad en los escaparates, en las carrocerías pulidas de los coches, en el granito pulido. El juego de estos reflejos, fielmente reproducido por el artista, crea la impresión de interpenetración de zonas espaciales, una intrincada relación de planos, que desorienta al espectador y genera una sensación de irrealidad.

Maestros del hiperrealismo: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.