Proudy v umění a malířství

Abstraktní expresionismus

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Hnutí v abstraktním umění, které se objevilo ve Spojených státech ve 40. letech 20. století a bylo reprezentováno především dílem umělců newyorské školy. Abstraktní expresionismus pokračoval v „osvobozování“ umění od jakékoli kontroly rozumu a logických zákonů, stanovil si za cíl spontánní vyjádření vnitřního světa umělce, jeho podvědomí v chaotických, abstraktních formách a za svůj hlavní tvůrčí princip si vzal spontánní, automatické nanášení barvy na plátno, k němuž dochází výhradně pod vlivem duševních a emočních stavů…

F.Klein. Černá na zelené, červené a žluté. 1948

V rychlém rytmu umělci pokrývali povrch plátna velkými, energickými tahy štětcem, často technikou drippingu (rozstřikování barvy nebo jejího vytlačování z tuby). Proces tvorby obrazu často probíhal na veřejnosti: před publikem se odehrávalo celé představení, v němž umělcova gesta a pohyby hrály stejně aktivní roli jako proudy barvy padající a rozlévající se po plátně.

Abstraktní expresionismus dominoval americké kultuře až do začátku 60. let 20. století, stal se jedním z prvních seriózních hnutí v americkém malířství a ovlivnil vývoj světového umění.

ABSTRAKCIONISMUS

V. Kandinsky. Skladba 8 1913.

Jeden z hlavních uměleckých trendů v umění 20. století, v němž je struktura díla založena výhradně na formálních prvcích - liniích, barevných skvrnách, abstraktní konfiguraci. Abstraktní díla jsou odtržená od forem samotného života: neobjektivní kompozice ztělesňují subjektivní dojmy a fantazie umělce, tok jeho vědomí, generují volné asociace, myšlenkové pohyby a emocionální empatii.

Není možné pojmenovat přesnou dobu vzniku abstrakcionismu ani jeho zakladatele. Za uznávané inspirátory abstrakcionismu jsou považováni umělci Vasilij Kandinskij, Kazimir Malevič, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay, kteří ve svých teoretických dílech a programových prohlášeních nastínili hlavní ustanovení tohoto hnutí.

F. Leger Dívka s květinou. 1954

Abstrakcionismus vznikl jako úzký směr ve výtvarném umění. Na začátku 30. let 20. století se začala objevovat sdružení abstrakcionistů („betonové umění“ – 1930, „kruh a čtverec“ – 1930 a další), která pod svými prapory sdružovala umělce různých národností a směrů. V polovině 30. let zájem o abstrakcionismus prudce poklesl a tato sdružení se rozpadla. Znovuzrození nastalo ve Spojených státech, kde se na začátku 40. let objevil abstraktní expresionismus, operující s neobjektivními formami pro spontánní vyjádření vnitřního světa umělce.

Poslední populární formou abstraktního umění byl pop art, který se objevil v 60. letech 20. století, po kterém abstraktní umění upadlo v zapomnění.

AVANTGARDISMUS

P. Picasso Tři hudebníci 1921

Soubor inovativních, rebelských trendů a směrů v umělecké kultuře 20. století. V různých historických etapách hrály roli avantgardy po sobě jdoucí trendy: 20. a 20. léta 20. století byla dobou vzniku fauvismu, kubismu, futurismu, expresionismu, dadaismu a abstraktního umění; ve 20. a 30. letech 20. století se do popředí dostal surrealismus; v poválečném období se objevily nové trendy v abstrakcionismu: abstraktní expresionismus, tašismus, informelní umění atd.; 60. a 70. léta 20. století byla přechodným obdobím od „klasické“ avantgardy k neoavantgardě, respektive postmodernismu, s jejími složkami: akcionismem, pop artem, konceptualismem, kinetickým uměním a dalšími uměleckými praktikami.

AKADEMISMUS

A. Cabanel Faidra. 1880

Trend ve výtvarném umění, jehož základem pro rozvoj jsou umělecké akademie. Historie rozvoje akademismu je spojena s „Akademií těch, kteří vstoupili na správnou cestu“ v Bologni (kolem roku 1585), Francouzskou královskou akademií malířství a sochařství (1648) a Ruskou akademií tří nejušlechtilejších umění (1757). Činnost všech institucí byla založena na přísně regulovaném systému vzdělávání, orientovaném na velké výdobytky předchozích epoch – antiky a italské renesance, z nichž byly vědomě vybírány jednotlivé kvality klasického umění, přijímané jako ideální a nepřekonatelné.

Cesta akademismu v umění nebyla poznamenána žádnými velkými objevy ani úspěchy. Vzhledem ke své umělosti („vyumělosti“) a eklekticismu se nejedná o umělecký styl.

A. Bouguereau Odpočinek během sklizně. 1865

Akademicismus vzkvétal v 19. století. Ve Francii je tento trend spojován s dílem takových renomovaných mistrů, jako byli Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, jejichž díla se vyznačují bezkonkurenčním mistrovstvím provedení.

Petrohradská akademie umění ve svých zdech vychovala také plejádu světoznámých akademických umělců: Karla Brjullova, Alexandra Ivanova, Henryka Semiradského a Fjodora Bruniho.

A. Alma-Tadema Objev Mojžíše. 1904

V naší době pojem „akademismus“ překročil rámec uměleckého hnutí: získal další význam a začal se používat k dílům umělců, kteří mají systematické umělecké vzdělání a klasické dovednosti při tvorbě děl vysoké technické zručnosti.

AKCIONISMUS

Christo a Han-Claude. Brána č. 53, 2006

Obecný název pro řadu forem, které se objevily v avantgardním umění v 60. letech 20. století.

Touha smazat hranici mezi uměním a realitou vede avantgardní umělce k hledání nových způsobů uměleckého vyjádření, odlišných od tradičních (tj. statických) forem, které dávají dílu dynamiku, zapojují ho do nějaké akce (děje). Akce (nebo umění akce) se stává obecným pojmem pro umělecké praktiky, v nichž se důraz přesouvá od samotného díla k procesu jeho vzniku.

K. Oldenburg. Lžícový most s třešní. 1985

Počátky akcionismu je třeba hledat v projevech dadaistů a surrealistů, v aktivitách abstraktních umělců (zejména D. Pollocka), kteří vyznávali princip expresivního psaní - „akční malbu“.

ANACHRONISMUS

K.M. Mariani Ruka vedená myslí, 1983

Jeden z trendů v postmodernistické malbě, nabízející autorskou interpretaci umění minulosti. Postmodernismus, který vznikl v důsledku odmítnutí modernismu (tj. avantgardního směru v umění), si za cíl prohlásil návrat ke starým formám, historickým tradicím a stylům předchozí staleté kultury. Při hledání nových forem postmodernističtí umělci mísí umělecké styly z různých období a kultur a na tomto základě vytvářejí individuální mytologii, korelující s osobní zkušeností autora.

Anachronismus se objevil koncem 70. let 20. století v Itálii a později se rozšířil do Francie. Jeho nejvýznamnějším duchovním zdrojem bylo dílo Giorgia De Chirica, který se ve 20. letech 20. století po svém „metafyzickém období“ obrátil ke klasickému umění. Anachronisté neboli „kulturní umělci“, jak si sami říkají, se inspirují díly mistrů renesance, manýrismu a baroka, které parafrázují, parodují a snaží se klasickou tradici zasadit do mozaikového kontextu postmoderní kultury.

ANALYTICKÉ UMĚNÍ

P. Filonov. Rolnická rodina 1914

Analytické umění je umělecká metoda, kterou rozvinul a zdůvodnil Pavel Filonov ve svých teoretických dílech („Kánon a zákon“, 1912; „Vyrobené obrazy“, 1914; „Deklarace „rozkvětu světa“, 1923) a ve vlastní malbě. Filonov považoval kubismus za nositele racionalistického principu a postavil jej do protikladu s principem organického růstu (jako roste strom) umělecké formy a „vyrobenou“ kvalitou obrazů.

P. Salzman Trojitý autoportrét. 1932

Princip stvořenosti je hlavním postojem analytického umění. Umělec „staví“ svůj obraz, stejně jako příroda „vytváří“ větší formace z atomů a molekul. Filonov, chápající, „že v jakémkoli objektu nejsou dva predikáty, forma a barva, ale celý svět viditelných a neviditelných jevů, jejich emanací, reakcí, inkluzí, geneze, bytí, známých nebo tajných vlastností, které zase někdy mají nespočet predikátů“, byl přesvědčen, že veškerou tuto rozmanitost vlastností lze plasticky vyjádřit v malbě.

Při tvorbě díla se umělec musí spoléhat nejen na zjevné, viditelné („vidící oko“), ale i na neviditelné („vědící plyn“, zachycující skryté procesy) – vnitřní zákonitosti struktury a fungování zobrazeného objektu. Svou vnitřní „vizi“ objektu či jevu umělec transformuje do grafických a obrazových konstrukcí založených na „zákonu organického vývoje formy“, vypůjčených z přírody (napodobovat nikoli formy, které vytváří, ale metody, kterými „jedná“) a postavených proti „kánonu“ (uměle konstruované formy).

Taťána Glebová Barevný výstup

Po pochopení tohoto zákona je umělec schopen „vytvořit“ určitý obraz, tak organický, že má potenciál seberozvoje, jako by se na tomto procesu neúčastnil sám autor (roste a vyvíjí se jako všechny živé věci v přírodě). P. Filonov věřil, že umění vytvořené jeho metodou je uměním budoucnosti, které povede k „světovému rozkvětu“, protože je založeno na harmonické interakci člověka a přírody, na řadě vědeckých principů adresovaných intelektu diváka a jeho rozvoji („být faktorem v evoluci inteligence“). Mistři analytického umění: Pavel Filonov, Taťána Glebová, Alisa Poretová, Michail Cibasov, Sofie Zaklinovská, Pavel Zalcman, Pavel Kondraťjev, Boris Gurvič, Nikolaj Jevgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Jurij Chržanovský

PODZEMÍ

Oscar Rabin, "Koupele (vůně moskevské Eau de Cologne)", 1966.

Underground (anglicky underground - podzemí, žalář) - v užším smyslu - jakékoli nekomerční, experimentální umění; v širším smyslu - pojem a jev, který vznikl ve Spojených státech koncem 50. let 20. století a znamená „undergroundovou“ kulturu jako nedílnou součást tzv. kontrakultury, která se stavěla proti omezením a konvencím, jež dominovaly kulturní společnosti. Undergroundové umění prodchnuté duchem disidentství. Odmítá a porušuje politické, morální a etické orientace a typy chování akceptované ve společnosti a zavádí asociální chování do každodenního života. Typickými tématy amerického a evropského undergroundu jsou „sexuální revoluce“ a drogy.

Lev Kropivnickij

Během sovětského období tento koncept získal poněkud odlišný význam a zpolitizovanější podoby: zde se kvůli přísnosti režimu téměř jakékoli neoficiální, tj. úřady neuznávané, umění, včetně hudby a literatury, ukázalo jako undergroundové. Od poloviny 50. let do konce 80. let. „Uměleckou opozici“ reprezentovala činnost mnoha spolků, mezi nimiž nejznámější byly skupiny „Lianozovskaya“ (E. a L. Kropivnitskij, L. Masterkova, O. Rabin a další (od roku 1956 do poloviny 70. let)), „Sretensky Boulevard“ (I. Kabakov, E. Neizvestnyj, Ju. Sobolev, Ju. Sooster a další (od roku 1960 do poloviny 70. let)), „Kolektivní akce“ (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevič, S. Romaško a další (od roku 1975)), „Muchožrouty“ (S. Gundlakh, K. Zvezdočetov, V. Mironenko a další (od roku 1978)). Undergroundové hnutí rozvíjelo kreativitu umělců, kteří se nečlenili do žádných spolků (V. Sidur, A. Zverev, M. Šemjakin), ale byli představiteli sociálního umění (E. Bulatov, V. Komar a A. Melamid) a dalších avantgardních hnutí (Skupina avantgardních umělců, Mistři světa).

Portrét A. Zvereva, 1969

Po rozpadu politického systému Sovětského svazu a s ním i po zrušení omezení a zákazů svobody umělecké tvořivosti underground jako kulturní fenomén zanikl. Mistři undergroundu: Lev Kropivnickij, Ljubov Masterkovová, Oskar Rabin, Ilja Kabakov, Ernst Neizvestnyj, Jurij Sobolev, Julo Sooster, Kirill Zvezdočetov, Michail Šemjakin, Anatolij Zverev, Vadim Sidur, Vitalij Komar, Alexandr Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Kresba - 4. Řada Berlínské kresby.

Art brut (francouzsky: Art brut – drsné, syrové umění) je hnutí v evropském umění poloviny 20. století, jehož zakladatelem a vůdcem byl francouzský umělec Jean Dubuffet, který rozvinul koncept čistého umění, umění odmítajícího krásu a harmonii. Každý člověk je umělcem; pro člověka je kreslení stejně přirozené jako mluvení nebo chůze. Nezatížen tradicemi a znalostmi „dusivé kultury“ tvoří instinktivně a přímo.

Jazzová kapela J. Dubuffeta, 1955

Podle Dubuffeta je Art Brut kreativita v nejčistší podobě: spontánní duševní výbuch z hlubin mysli a vědomí, zachycený na papíře nebo ztělesněný v materiálu. Obrací se k umění duševně nemocných, lidí izolovaných od společnosti, a pouze je považuje za skutečné umělce, disponující subjektivitou, která člověku dává skutečnou individualitu.

Dubuffet zpočátku kopíroval jejich styl ve svých dílech a vytvářel záměrně primitivní, „barbarské“ formy a obrazy, figurativní i abstraktní, ohromující nečekanými barevnými řešeními a zdánlivě neohrabaným způsobem psaní. A v roce 1948 spolu se surrealistickým spisovatelem André Bretonem a španělským umělcem Antonim Tapiesem založil v Paříži „Společnost brutálního umění“, jejímž cílem bylo zachovat a studovat umění marginalizovaných. Shromážděná sbírka čítající asi 5 000 kreseb, obrazů, objektů a soch tvořila základ Muzea brutálního umění, založeného v roce 1976 v Lausanne (Švýcarsko).

Autoportrét J. Dubuffeta, 1958

V současném umění zahrnuje pojem „art brut“ dílo lidí, kteří existují mimo společnost – duševně nemocných, postižených, nejrůznějších marginalizovaných lidí, a také díla J. Dubuffeta, inspirovaná těmito příklady. Art brut je součástí širšího hnutí – „Outsider art“ (outsider art), které se v posledním desetiletí stalo vážným hnutím ve světovém uměleckém procesu. V mnoha ohledech je to zásluha radikálního a militantního intelektuála Jeana Dubuffeta, který se na svět díval novým způsobem. Mistři Art brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

UMĚNÍ CHYBY

Mario Merz, projekt Petriny chatrče, 1982

Arte Povera (italsky: Arte povera – chudé umění) je avantgardní hnutí, které se objevilo v italském umění na konci 60. a začátku 70. let 20. století a rozšířilo se i v dalších evropských zemích. Bylo založeno na tvorbě instalací z průmyslových a přírodních objektů, přičemž přednost se dávala nejjednodušším, „nejchudším“ materiálům (jako je hlína, písek, uhlí, odpadky, základní předměty z domácnosti, staré obnošené oblečení a boty atd.).

Mario Merz bez názvu

Hnutí Arte Povera vzniklo jako reakce na zvýšený intelektualismus a racionalismus minimalismu a konceptualismu s jejich drahými materiály a technologiemi pro výrobu uměleckých předmětů. Umělci Arte Povera se při tvorbě svých děl obraceli ke „světu jednoduchých věcí“, které člověka na okamžik obklopují, a snažili se odhalit zvláštní poetiku obyčejnosti, hráli si na kontrasty – vytrhávali věci z jejich obvyklého kontextu a umisťovali je do jiné reality, reality luxusních palácových sálů a muzejních prostor.

Název L. Fontany

Zvláštní pozornost byla věnována heterogenitě předmětů (sádrové odlitky hlav starožitných soch a pytle s uhlím nebo plynovými hořáky), krátkodobým materiálům, které se mění vlivem atmosféry nebo v důsledku svých chemických a fyzikálních vlastností (jako je vosk, houba, guma atd.). To dalo dílům Arte Povera určitou uměleckou symboliku, která se nehodí k jednoznačné interpretaci. Umění, které nás všude obklopuje, je prchavé a nepolapitelné, jako okamžik života. Je pomíjivé. A proto zbytečné, ale v tom je jeho krása.

Mistři Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROKNÍ

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus. 1593 - 1594. Galerie Uffizi. Florencie. Itálie

Baroko je jedním z velkých stylů, které dominovaly architektuře a umění evropských zemí od konce 16. do poloviny 18. století.

Rodištěm baroka (italsky: barocco - bizarní, zvláštní) je Itálie, kde ustavení nového stylu znamenalo konec renesance s jejím harmonickým světonázorem, vírou v neomezené možnosti lidské mysli a uspořádanost univerzální existence.

Hlavními charakteristikami baroka byly měřítko, hojnost dekorací, bouřlivá dynamika, snaha o iluzorní efekty v organizaci vnitřního prostoru - zvětšování velikosti místností pomocí zrcadel; výška hal díky malebným stínidlům s komplexním řešením perspektivy.

To vše odpovídalo novému obrazu vesmíru - proměnlivému, konfliktnímu, kde umírající a vznikající jsou v neustálé konfrontaci a člověk se svými vášněmi, zmateným, složitým vnitřním světem se často ocitá na milost a nemilost iracionálních sil.

Simon Vouet, Svatá Cecílie s andělem. První polovina 17. století. Maďarské muzeum výtvarných umění. Budapešť. Maďarsko.

Není náhoda, že se baroko odklání od jasnosti a jednoduchosti a dává přednost elegantní křivce před geometrickou přísností a přímočarou linií; víru před uspořádaným pohybem; třpytivým zlatým tónům měnícím se pod vlivem světla a stínu, nebo jasným, slavnostním, nečekaně disharmonickým ve svém vítězném zvuku před místním koloritem.

Baroko zaujme svými velkolepými interiéry, připomínajícími divadelní kulisy, kontrastní kombinací materiálů a textur použitých k jejich výzdobě a někdy i šokujícím začleněním „skutečných“ detailů do uměleckých děl, jako jsou skutečné zuby a vlasy u ženských soch.

Barokní sloh vytvořil jedinečný soubor, syntézu architektury, monumentálního a dekorativního umění, která byla pro něj specifická.

V každé evropské zemi má baroko svá specifika a zároveň si zachovává hlavní rysy stylu. Ve své vlasti, v Itálii, se tedy tento styl realizoval nejživěji a dříve než například ve Francii, kde vedoucí role v 17. století patřila klasicismu.

V Rusku spadá rozvoj baroka do první poloviny a poloviny 18. století. Barokní umění v Rusku, osvobozené od mystické exaltace charakteristické pro tento styl v katolických zemích, oslavuje sílící autokratickou moc.

V první polovině 18. století se baroko všude vyvíjelo směrem k půvabné lehkosti rokokového slohu, koexistovalo s ním a prolínalo se s ním a od 60. let 18. století bylo nahrazeno klasicismem.

BAUHAUS

Starověký zvuk, abstraktní na černém od Paula Kleeho, 1925

Bauhaus (německy: Bauhaus – „stavební dům“), Vyšší škola stavebnictví a uměleckého designu, založená německým architektem W. Gropiusem ve Výmaru v roce 1919.

Podle autorovy myšlenky byl Bauhaus vyzván k tomu, aby sjednotil „rozdílné“ umění, řemeslo a technologii do „jediné umělecké produkce“, propojil je ve formě středověkých stavebních cechů, ale na novém vědeckotechnickém základě. Nejprve všichni studenti absolvovali šestiměsíční předběžný výcvikový kurz, kde studovali vlastnosti materiálů a základy řemesel, stejně jako teorii formy a kresby. Poté jim bylo umožněno pracovat v dílnách: kreativních a výrobních, kde důraz kladli na praxi výuky. V závislosti na sklonech studentů byli vyškoleni na architekty, umělce-designéry, fotografy, designéry.

Paul Klee: Kleeova analýza různých zvráceností, 1922, sbírka

V. Gropius věnoval zvláštní pozornost výběru učitelů, kteří sdíleli jeho přesvědčení: v různých letech zde pracovali umělci V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, designéři L. Moholy-Nagy a J. Itten.

Rozkvět Bauhausu je spojován s výmarským obdobím, které se vyznačuje vlivem neoromantismu. V roce 1925 se Bauhaus přestěhoval do Dessau a sídlil v budově navržené V. Gropiem, která je považována za jedno z mistrovských děl funkcionalistické architektury. Toto období v Dessau je poznamenáno posílením technicko-utilitárních tendencí, formováním stylu Bauhaus, charakterizovaného jasností forem, minimalismem prostředků, standardním designem a zdokonalováním průmyslových metod a materiálů.

Vasilij Kandinskij, Svatý Jiří a drak (1914-15).

V roce 1928 se funkce ředitele ujal švýcarský architekt H. Mayer. Inovace, které zavedl (studium společenských věd), však vyvolaly nespokojenost učitelů i studentů a v roce 1930 vedl Bauhaus německý architekt L. Mies van der Rohe, který zůstal ředitelem až do uzavření této vzdělávací instituce nacisty v roce 1933.

Vasilij Kandinskij. Bez názvu První abstraktní akvarel. 1910-1913

Principy a metody výuky Bauhausu však byly převzaty i v jiných zemích a jeho myšlenky měly hluboký dopad na rozvoj užitého a výtvarného umění (od knižní grafiky a reklamy až po nábytek a předměty pro domácnost).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISMUS

D. Fattori. Na pobřeží. 1893

Verismus (italsky verismo z vero - pravdivý, pravdivý) je hnutí v italské umělecké kultuře poslední třetiny 19. století, které zpočátku vzniklo v literatuře a hudbě a poté se rozšířilo do výtvarného umění.

Principy verismu se formovaly především pod vlivem francouzského naturalismu. Na základě děl E. Zoly, G. Flauberta a G. de Maupassanta si veristé stanovili jako hlavní úkoly své práce objektivitu a vědecký přístup ke studiu faktů (z hlediska pozitivismu) při zobrazování reálií života v moderní italské společnosti, života a psychologie obyčejných lidí. Národní originalita tohoto hnutí se projevovala v hlubokém soucitu s utlačovaným pracujícím lidem, jehož život (hlavně rolnictva a chudiny provincií) byl hlavním obsahem románů a povídek teoretiků verismu - G. Vergy, L. Capuany, D. Ciampoliho, oper P. Mascagniho, R. Leoncavalla, G. Pucciniho.

S. Lega Ital Barsaglieri přední rakouské zajatce, 1861

Ve výtvarném umění byli bezprostředními předchůdci veristů umělci florentské školy „Macchiaioli“, kteří se ve své tvorbě obraceli k tématům národněosvobozeneckého boje italského lidu, městského a venkovského života. V malířství verismus reprezentovali především neapolští mistři, kteří rozvíjeli sociálně kritické tendence v umění (boj dělnické třídy za svá práva, těžký rolnický život) a vytvořili celou galerii obrazů významných osobností italské historie a kultury.

Veristé však neviděli společenskou možnost odstranění sociální nespravedlnosti, v jejich díle dominovaly nálady pesimismu a zkázy, pasivně-naturalistické vnímání reality (v literatuře a malířství) nebo melodrama, povrchní ilustrativní charakter, přehnaná emocionalita (v hudbě). Ačkoli se verismus ve výtvarném umění Itálie nerozšířil, přesto sehrál důležitou roli v rozvoji realistických tendencí ve světovém uměleckém procesu.

Masters of Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEO UMĚNÍ

Rodina robotů Nam June Paik, 1976

Videoart je směr ve výtvarném umění poslední třetiny 20. století, který využívá možností videotechnologie. Na rozdíl od samotné televize, která je určena k vysílání pro masové publikum, videoart využívá televizní přijímače, videokamery a monitory v unikátních happeningech a také produkuje experimentální filmy v duchu konceptuálního umění, které jsou promítány ve speciálních výstavních prostorách. S pomocí moderní elektroniky ukazuje jakoby „mozek v akci“ – vizuální cestu od umělecké myšlenky k jejímu ztělesnění. Hlavním zakladatelem videoartu je Američan korejského původu Nam June Paik. Umění využívající televizní technologii – videoart – vzniklo právě z protestu proti dominanci masové kultury, jejímž nejvyšším ztělesněním je považováno televizní vysílání. „Otcové“ videoartu, Nam June Paik a Wolf Vostell, si každý svým vlastním způsobem dělali legraci z vážených občanů, kteří si každý večer odpočinou před televizí.

V 60. letech Wolf Vostell pořádal happeningy, kde byly televize zasypávány krémovými dorty, svazovány ostnatým drátem, slavnostně pohřbívány a dokonce stříleny z kulometů. Nam Jun Paik, vystudovaný hudebník, jednal rafinovaněji. Poté, co začal s experimenty v „vizualizaci hudby“, přešel k vytváření zdání živých bytostí s hlavami, pažemi a těly z monitorů různých velikostí a odpovídajících obrázků, které nazýval „máma“, „táta“, „dítě“, „teta“, „strýc“ atd.

Nové dílo Nam June Paika, 1983

Videoart, který vznikl v 60. letech, kdy ještě neexistovaly videokamery, je považován za mladou uměleckou formu. Jako vždy byl zpočátku doménou osamělých nadšenců, ale koncem 80. let se ukázalo, že video skrývá nespočet možností pro obohacení výrazových prostředků umění. Významnou roli v tom sehrála díla Billa Violy, který vytvořil celý svět úžasných a fascinujících obrazů, v nichž se realita a fantazie tak složitě prolínají, že se z nich rodí jakási „nová realita“. Nyní je každému jasné, že pro dvacáté století jsou jména videoumělců Violy a Pikea stejně významná, jako byla pro devatenácté jména Moneta a Van Gogha. Dobré umění má vždy silný dopad na člověka - probouzí v něm city, myšlenky, nápady a činy. Videoart má technické prostředky ovlivnění, které jsou silnější než malba, grafika a sochařství. Snad jen samotný život může s videoartem konkurovat v intenzitě dopadu. Není náhodou, že toto nejvěrohodnější ze všech umění Wolf Vostell nazval „únikem do reality“.

GEOMETRICKÁ ABSTRAKCE

Skladba Lyubov Popova, 1917

Geometrická abstrakce (další názvy jsou studená abstrakce, logický, intelektuální abstrakcionismus) je směr v abstraktním umění založený na vytváření uměleckého prostoru kombinací různých geometrických tvarů, barevných rovin, přímých a lomených čar.

Geometrická abstrakce vyrostla z hledání Paula Cézanna a kubistů, kteří jako první šli cestou deformace přírody při hledání „nové reality“. Měla řadu odnoží. V Rusku to byl rayonismus M. Larionova, který vznikl jako svérázná reakce na nejnovější objevy ve fyzice; „neobjektivita“ O. Rozanovové, L. Popové a V. Tatlina, která později přerostla v konstruktivismus; supermatismus K. Maleviče, v němž byla neobjektivita považována za „nový obrazový realismus“; ve Francii částečně orfismus Roberta Delaunaye; jejím hlavním představitelem však byla nizozemská skupina „Style“ („De Stijl“) v čele s P. Mondrianem a T. Van Doesburgem, která prosazovala koncept neoplasticismu – umění čisté plasticity, jehož úkolem bylo očistit přírodu od iluzorní rozmanitosti a odhalit v ní skryté primární schéma.

Michail Larionov, Koupající se, 1909

Geometrická abstrakce, která měla významný vliv na vývoj moderní architektury, designu, průmyslového, dekorativního a užitého umění, zůstala dominantním trendem v umění až do konce...

Druhá světová válka. V 50. letech 20. století se do popředí dostaly „lyrické proudy abstrakcionismu“ (tašismus, abstraktní expresionismus).

Olga Rozanovová, Kompozice s vlakem, 1911

V 60. letech 20. století, s nástupem minimalismu a op artu na umělecké scéně, však geometrická abstrakce zažila druhé zrození.

Mistři geometrické abstrakce: Kazimir Malevich, Michail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALISMUS

Ulice Richarda Estese

Hyperrealismus (další názvy: superrealismus, fotorealismus, studený realismus, radikální realismus) je umělecký směr v malířství a sochařství, který vznikl ve Spojených státech v 60. letech 20. století a v Evropě se rozšířil v 70. letech 20. století.

Hyperrealismus jako forma figurativního umění je založen na puntičkářské přesnosti a detailech v reprodukci reality, napodobující specifika fotografie. Díla hyperrealistů jsou pečlivě kopírované fotografie, zvětšené na velikost velkého plátna.

Don Eddy. Staré modely aut

Někteří umělci pracující tímto směrem skutečně používali fotografie a barevné diapozitivy jako základ pro svá díla. Zároveň však zachovali všechny vlastnosti fotografického obrazu, k čemuž umělci používali techniky mechanického kopírování: projekci diapozitivů, glazování, airbrush místo štětce, emulzní nátěr atd. Použití těchto technologií nebylo náhodné: zdůrazňovalo mechanickou podstatu, eliminovalo lidskou přítomnost z procesu tvorby, jako by se snažilo zabránit umělcově vlastní, osobní vizi světa. Možná proto se svět hyperrealismu jeví jako bez života, chladný a od divákovy superreality oddělený.

Ralph Goings. Letní den

Cílem hyperrealismu je zobrazovat každodenní realitu a hlavními tématy jsou neosobní mechanizovaný život moderního města, neosobní systém života v drsném a surovém světě. Jeho náměty jsou záměrně banální a obrazy důrazně „objektivní“. Auta, obytné budovy, restaurace, čerpací stanice, telefonní budky, billboardy a vzácně i živí lidé – „postavy z ulice“, jejichž obrazy mají ironický nádech nebo jsou plné beznaděje. Obrazy vytvářejí obraz reality, ale ne té skutečné, ale odrážející se ve své mnohosti ve skleněných výlohách obchodů, v leštěných karoseriích automobilů, v naleštěné žule. Hra těchto odrazů, přesně reprodukovaná umělcem, vytváří dojem prolínání prostorových zón, složitého vztahu plánů, dezorientuje diváka a vyvolává pocit neskutečnosti.

Mistři hyperrealismu: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.