Corrents en l'art i la pintura

EXPRESSIONISME ABSTRACTE

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Un moviment d'art abstracte que va sorgir als Estats Units a la dècada del 1940 i que va estar representat principalment per l'obra d'artistes de l'Escola de Nova York. L'expressionisme abstracte va continuar l'"alliberament" de l'art de qualsevol control de la raó i les lleis lògiques, establint com a objectiu l'expressió espontània del món interior de l'artista, el seu subconscient en formes caòtiques i abstractes, i prenent com a principal principi creatiu l'aplicació espontània i automàtica de la pintura al llenç, que es produeix únicament sota la influència d'estats mentals i emocionals...

F. Klein. Negre sobre verd, vermell i groc. 1948

Amb un ritme ràpid, els artistes cobrien la superfície de la tela amb pinzellades grans i enèrgiques, sovint utilitzant la tècnica del degoteig (esquitxar pintura o esprémer-la d'un tub). El procés de creació d'una pintura sovint tenia lloc en públic: es representava tota una actuació davant del públic, en què els gestos i moviments de l'artista tenien un paper tan actiu com els raigs de pintura que queien i s'escampaven per la tela.

L'expressionisme abstracte va dominar la cultura americana fins a principis dels anys seixanta, convertint-se en un dels primers moviments seriosos de la pintura americana i influint en el desenvolupament de l'art mundial.

ABSTRACCIONISME

V. Kandinsky. Composició 8 1913.

Una de les principals tendències artístiques de l'art del segle XX, en què l'estructura de l'obra es basa exclusivament en elements formals: línies, taques de color, configuració abstracta. Les obres abstractes estan deslligades de les formes de la vida mateixa: les composicions no objectives encarnen les impressions i fantasies subjectives de l'artista, el flux de la seva consciència, generen associacions lliures, moviments de pensament i empatia emocional.

És impossible anomenar ni el moment exacte de l'aparició de l'abstracció ni el seu fundador. Els inspiradors reconeguts de l'abstracció són considerats els artistes Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka i Robert Delaunay, que van esbossar les principals disposicions d'aquest moviment en les seves obres teòriques i declaracions programàtiques.

F. Leger Noia amb una flor. 1954

L'abstractionisme es va originar com una tendència limitada en les belles arts. A principis dels anys 30, van començar a sorgir associacions d'abstractionistes ("art concret" - 1930, "cercle i quadrat" - 1930, i altres), que reunien artistes de diferents nacionalitats i tendències sota les seves banderes. A mitjans dels anys 30, l'interès per l'abstractionisme havia disminuït dràsticament i aquestes associacions es van desfer. Va renascer als Estats Units, on l'expressionisme abstracte va sorgir a principis dels anys 40, operant amb formes no objectives per a l'expressió espontània del món interior de l'artista.

L'última forma popular d'art abstracte va ser l'art pop, que va sorgir a la dècada del 1960, després del qual l'art abstracte va caure en l'obscuritat.

AVANTGUARDISME

P. Picasso Tres músics 1921

Un conjunt de tendències i direccions innovadores i rebels en la cultura artística del segle XX. En diferents etapes històriques, el paper de l'avantguarda el van jugar tendències successives: les dècades del 1900 i del 1910 van ser l'època de l'aparició del fauvisme, el cubisme, el futurisme, l'expressionisme, el dadaisme i l'art abstracte; a les dècades del 1920 i del 1930, el surrealisme va passar a primer pla; a la postguerra, van sorgir noves tendències en l'abstracció: expressionisme abstracte, tachisme, art informal, etc.; les dècades del 1960 i del 1970 van ser l'era de transició de l'avantguarda "clàssica" a la neoavantguarda, o postmodernisme, amb els seus components: accionisme, art pop, conceptualisme, art cinètic i altres pràctiques artístiques.

ACADEMISME

A. Cabanel, Phaedra. 1880

Una tendència en belles arts, la base del desenvolupament de la qual són les acadèmies d'art. La història del desenvolupament de l'academicisme s'associa amb l'"Acadèmia dels que han entrat pel camí correcte" a Bolonya (cap al 1585), l'Acadèmia Reial Francesa de Pintura i Escultura (1648) i l'Acadèmia Russa de les Tres Arts Més Nobles (1757). Les activitats de totes les institucions es basaven en un sistema educatiu estrictament regulat, orientat cap als grans èxits d'èpoques anteriors: l'Antiguitat i el Renaixement italià, dels quals es seleccionaven conscientment qualitats individuals de l'art clàssic, acceptades com a ideals i insuperables.

El camí de l'academicisme en l'art no va estar marcat per grans descobriments o assoliments. A causa de la seva artificialitat ("fet") i eclecticisme, no és un estil artístic.

A. Bouguereau Repòs durant la verema. 1865

L'academicisme va florir al segle XIX. A França, aquesta tendència s'associa amb l'obra de mestres tan reconeguts com Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme i Paul Joseph Jamin, les obres dels quals es distingeixen pel seu domini inigualable de l'execució.

L'Acadèmia d'Arts de Sant Petersburg també va nodrir entre els seus murs una galàxia d'artistes acadèmics de fama mundial: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky i Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema El descobriment de Moisès. 1904

En el nostre temps, el concepte d'"academicisme" ha anat més enllà de l'abast d'un moviment artístic: ha adquirit un significat addicional i s'ha acabat aplicant a les obres d'artistes que tenen una educació artística sistemàtica i habilitats clàssiques en la creació d'obres d'alta habilitat tècnica.

ACCIONISME

Christo i Han-Claude. Porta núm. 53 2006

Un nom genèric per a diverses formes que van sorgir en l'art d'avantguarda a la dècada del 1960.

El desig d'esborrar la línia entre l'art i la realitat porta els artistes d'avantguarda a buscar noves formes d'expressió artística, diferents de les formes tradicionals (és a dir, estàtiques), donant dinamisme a l'obra, implicant-la en alguna acció (acció). L'acció (o l'art de l'acció) esdevé un concepte general per a les pràctiques artístiques en què l'èmfasi es desplaça de l'obra en si mateixa al procés de la seva creació.

K. Oldenburg. Pont de cullera amb una cirera. 1985

Els orígens de l'accionisme s'han de buscar en les actuacions dels dadaistes i surrealistes, en les activitats dels artistes abstractes (en particular D. Pollock), que professaven el principi de l'escriptura expressiva: la "pintura d'acció".

ANACRONISME

K.M. Mariani La mà guiada per la ment. 1983

Una de les tendències de la pintura postmodernista, que ofereix una interpretació d'autor de l'art del passat. Havent sorgit com a resultat del rebuig del modernisme (és a dir, la tendència avantguardista en l'art), el postmodernisme va declarar que el seu objectiu era el retorn a les formes antigues, les tradicions històriques i els estils de la cultura centenària precedent. A la recerca de noves formes, els artistes postmodernistes barregen estils artístics de diferents èpoques i cultures, creant sobre aquesta base una mitologia individual, correlacionada amb l'experiència personal de l'autor.

L'anacronisme va sorgir a finals dels anys setanta a Itàlia i posteriorment es va estendre a França. La seva font espiritual més important va ser l'obra de Giorgio De Chirico, que es va dedicar a l'art clàssic als anys vint després del seu "període metafísic". Els anacronistes o "artistes culturals", com s'anomenen a si mateixos, s'inspiren en les obres dels mestres del Renaixement, el Manierisme i el Barroc, a qui parafrasegen, parodien, buscant encaixar la tradició clàssica en el context mosaic de la cultura postmoderna.

ART ANALÍTIC

P. Filonov. Família camperola 1914

L'art analític és un mètode artístic desenvolupat i fonamentat per Pavel Filonov en les seves obres teòriques (“Cànon i Dret”, 1912; “Quadres fetes”, 1914; “Declaració de la “floració mundial”, 1923) i en la seva pròpia pintura. Prenent el cubisme com a portador del principi racionalista, Filonov el va contrastar amb el principi del creixement orgànic (com creix un arbre) de la forma artística i la qualitat “feta” de les pintures.

P. Salzman Triple autoretrat. 1932

El principi de la feta és la posició principal de l'Art Analític. L'artista "construeix" la seva imatge, tal com la natura "crea" formacions més grans a partir d'àtoms i molècules. Entenent "que en qualsevol objecte no hi ha dos predicats, forma i color, sinó tot un món de fenòmens visibles i invisibles, les seves emanacions, reaccions, inclusions, gènesi, ésser, propietats conegudes o secretes, que al seu torn de vegades tenen innombrables predicats", Filonov estava convençut que tota aquesta diversitat de propietats es pot expressar plàsticament en la pintura.

Quan crea una obra, l'artista no només ha de confiar en allò obvi, en allò visible ("ull que veu"), sinó també en allò invisible ("gas que coneix", captura processos ocults): els patrons interns de l'estructura i el funcionament de l'objecte representat. L'artista transforma la seva "visió" interna de l'objecte o fenomen en construccions gràfiques i pictòriques basades en la "llei del desenvolupament orgànic de la forma", manllevades de la natura (per imitar no les formes que crea, sinó els mètodes pels quals "actua") i oposades al "cànon" (formes construïdes artificialment).

Sortida de color de Tatyana Glebova

Havent comprès aquesta llei, l'artista és capaç de "fer" una determinada imatge, tan orgànica que té el potencial d'autodesenvolupament com si no hi hagués la participació del mateix autor en aquest procés (creix i es desenvolupa com tots els éssers vius de la natura). P. Filonov creia que l'art creat pel seu mètode és l'art del futur, que conduirà al "Gloria Mundial", ja que es basa en la interacció harmoniosa de l'home i la natura, en una sèrie de principis científics dirigits a l'intel·lecte de l'espectador i desenvolupant-lo ("per ser un factor en l'evolució de la intel·ligència"). Mestres de l'Art Analític: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

SUBTERRANI

Oscar Rabin, "Banys (Olora l'aigua de Colònia de Moscou)", 1966.

Underground (anglès underground - underground, masmorra) - en sentit estricte - qualsevol art experimental no comercial; en sentit ampli - un concepte i fenomen que va sorgir als Estats Units a finals dels anys cinquanta i que significa cultura "underground" com a part integral de l'anomenada contracultura, que s'oposava a les restriccions i convencions que dominaven la societat cultural. Art underground imbuït de l'esperit de dissidència. Rebutja i viola les orientacions polítiques, morals i ètiques i els tipus de comportament acceptats a la societat, introduint comportaments antisocials a la vida quotidiana. Temes típics de l'underground americà i europeu són la "revolució sexual" i les drogues.

Lev Kropivnitsky

Durant el període soviètic, aquest concepte va adquirir un significat una mica diferent i formes més polititzades: aquí, a causa del rigor del règim, gairebé qualsevol art no oficial, és a dir, no reconegut per les autoritats, inclosa la música i la literatura, va resultar ser clandestí. Des de mitjans dels anys cinquanta fins a finals dels anys vuitanta. L'"oposició artística" va estar representada per les activitats de moltes associacions, entre les quals les més famoses van ser els grups "Lianozovskaya" (E. i L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin i altres (des de 1956 fins a mitjans dels anys 70)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster i altres (des de 1960 fins a mitjans dels anys 70)), "Accions Col·lectives" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko i altres (des de 1975)), "Amanites de mosca" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko i altres (des de 1978)). El moviment clandestí va desenvolupar la creativitat d'artistes que no s'unien a cap associació (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), però que eren representants de l'art social (E. Bulatov, V. Komar i A. Melamid), i altres moviments avantguardistes (Grup d'Artistes Avantguardistes, Campions del Món).

Retrat d'A. Zverev, 1969

Després del col·lapse del sistema polític de la Unió Soviètica, i amb ell l'aixecament de les restriccions i prohibicions a la llibertat de creativitat artística, l'underground com a fenomen cultural va desaparèixer. Mestres de l'underground: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Dibuix d'Antoni Tapies - 4. Sèrie Dibuixos de Berlín.

L'art brut (en francès: Art brut – art cru, aspre) és un moviment artístic europeu de mitjans del segle XX, el fundador i líder del qual va ser l'artista francès Jean Dubuffet, que va desenvolupar el concepte d'art pur, un art que rebutja la bellesa i l'harmonia. Tota persona és un artista; per a un ésser humà, dibuixar és tan natural com parlar o caminar. Descarregat per les tradicions i el coneixement d'una "cultura sufocant", crea instintivament i directament.

J. Dubuffet, banda de jazz, 1955

Segons Dubuffet, l'Art Brut és la creativitat en la seva forma més pura: un esclat mental espontani des de les profunditats de la ment i la consciència, plasmat en paper o plasmat en material. Es dirigeix ​​a l'art dels malalts mentals, persones aïllades de la societat, considerant-los només a ells com a veritables artistes, posseïdors d'aquella subjectivitat que dóna a la persona una individualitat genuïna.

Al principi, Dubuffet va copiar el seu estil en les seves obres, creant formes i imatges deliberadament primitives, "bàrbares", figuratives i abstractes, que impactaven amb solucions de color inesperades i una manera d'escriptura aparentment incòmoda. I el 1948, juntament amb l'escriptor surrealista André Breton i l'artista espanyol Antoni Tapies, va fundar la "Companyia d'Art Brut" a París, dissenyada per preservar i estudiar l'art dels marginats. La col·lecció completa, que comptava amb uns 5.000 dibuixos, pintures, objectes i escultures, va formar la base del Museu d'Art Brut, fundat el 1976 a Lausana (Suïssa).

Autoretrat de J. Dubuffet, 1958

En l'art contemporani, el concepte d'"art brut" inclou l'obra de persones que existeixen fora de la societat: malalts mentals, discapacitats, tota mena de persones marginades, així com les obres de J. Dubuffet, inspirades en aquests exemples. L'art brut forma part d'un moviment més ampli: l'"Outsider art" (art outsider), que s'ha convertit en un moviment seriós en el procés artístic mundial durant l'última dècada. En molts sentits, aquest és el mèrit de l'intel·lectual radical i militant Jean Dubuffet, que va mirar el món d'una manera nova. Mestres de l'Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ART POVERA

Mario Merz, projecte La cabana de Petra, 1982

L'Arte Povera (en italià: Arte povera, art pobra) és un moviment avantguardista que va sorgir en l'art italià a finals dels anys seixanta i principis dels setanta i es va estendre per altres països europeus. Es basava en la creació d'instal·lacions a partir d'objectes industrials i naturals, amb preferència pels materials més simples i "pobres" (com ara terra, sorra, carbó, escombraries, articles bàsics per a la llar, roba i sabates velles i gastades, etc.).

Mario Merz sense títol

El moviment Arte Povera va sorgir com a resposta a l'intens intel·lectualisme i racionalisme del minimalisme i el conceptualisme, amb els seus materials i tecnologies cars per produir objectes d'art. Els artistes de l'Arte Povera, en crear les seves obres, es van dirigir al "món de les coses simples" que envolten momentàniament una persona i van intentar revelar la poètica especial de l'ordinari, jugant amb els contrastos: arrencant les coses del seu context habitual i situant-les en una realitat diferent, la realitat de les luxoses sales de palaus i els espais museístics.

Títol de L. Fontana

Es va prestar especial atenció a l'heterogeneïtat dels objectes (motlles de guix de caps d'estàtues antigues i bosses de carbó o cremadors de gas), materials de vida curta que canvien sota la influència de l'atmosfera o a causa de les seves propietats químiques i físiques (com la cera, l'esponja, el cautxú, etc.). Això va donar a les obres de l'Arte Povera un cert simbolisme artístic que no es presta a una interpretació unívoca. L'art, que ens envolta per tot arreu, és fugaç i esquiu, com un moment de la vida. És efímer. I per tant inútil, però aquesta és la seva bellesa.

Mestres de l'Art Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BARROC

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacus.1593 - 1594. Galeria dels Uffizi. Florència. Itàlia

El barroc és un dels grans estils que va dominar l'arquitectura i l'art dels països europeus des de finals del segle XVI fins a mitjans del segle XVIII.

El bressol del Barroc (italià: barocco - estrany, estrany) és Itàlia, on l'establiment del nou estil va significar la fi del Renaixement amb la seva cosmovisió harmoniosa, la fe en les possibilitats il·limitades de la ment humana i l'ordre de l'existència universal.

Les principals característiques del barroc eren l'escala, l'abundància de decoració, la dinàmica tempestuosa, la recerca d'efectes il·lusoris en l'organització de l'espai interior: augmentar la mida de les habitacions amb l'ajuda de miralls; l'alçada dels passadissos gràcies a unes pantalles de làmpada pintoresques amb una solució complexa a la perspectiva.

Tot això corresponia a una nova imatge de l'univers: canviant, conflictiu, on els moribunds i els emergents estan en constant confrontació, i l'home amb les seves passions, el seu món interior confús i complex sovint es troba a mercè de forces irracionals.

Simon Vouet, Santa Cecília amb un àngel. Primera meitat del segle XVII. Museu Hongarès de Belles Arts. Budapest. Hongria

No és casualitat que el barroc s'allunyi de la claredat i la simplicitat, preferint una corba elegant al rigor geomètric i una línia recta; un vòrtex a un moviment ordenat; tons daurats brillants que canvien sota la influència de la llum i l'ombra, o brillants, festius, inesperadament disharmoniosos en el seu so victoriós al color local.

El barroc impressiona pels seus espectaculars interiors, que recorden escenografies teatrals, la combinació contrastada de materials i textures utilitzades per a la seva decoració i, de vegades, la sorprenent inclusió de detalls "reals" en obres d'art, com ara dents i cabells reals en estàtues femenines.

L'estil barroc va crear un conjunt únic, una síntesi d'arquitectura, arts monumentals i decoratives que li era pròpia.

A cada país europeu, el barroc té les seves pròpies especificitats tot preservant les característiques principals de l'estil. Així, a la seva terra natal, Itàlia, aquest estil es va realitzar de manera més vívida i abans que, per exemple, a França, on el paper principal al segle XVII va pertànyer al classicisme.

A Rússia, el desenvolupament del barroc es produeix durant la primera meitat i mitjan segle XVIII. Lliure de l'exaltació mística característica d'aquest estil als països catòlics, l'art barroc a Rússia glorifica l'enfortiment del poder autocràtic.

A la primera meitat del segle XVIII, el barroc va evolucionar arreu cap a la lleugeresa i elegant de l'estil rococó, va coexistir i s'hi va entrellaçar, i a partir de la dècada del 1760 va ser suplantat pel classicisme.

BAUHAUS

So antic, abstracte sobre negre de Paul Klee 1925

Bauhaus (en alemany: Bauhaus – «casa de la construcció»), Escola Superior de Construcció i Disseny Artístic, fundada per l'arquitecte alemany W. Gropius a Weimar el 1919.

Segons la idea de l'autor, la Bauhaus va ser cridada a unir l'art, l'ofici i la tecnologia "divergents" en una "producció artística única", per connectar-los en forma de gremis de constructors medievals, però sobre una nova base científica i tècnica. Al principi, tots els estudiants van fer un curs de formació preliminar de 6 mesos, on van estudiar les propietats dels materials i els fonaments de l'ofici, així com la teoria de la forma i el dibuix. Després d'això, se'ls va permetre treballar en tallers: creatius i de producció, on l'èmfasi es posava en la pràctica de la lliçó. Depenent de les inclinacions dels estudiants, es van formar per convertir-se en arquitectes, artistes-dissenyadors, fotògrafs, dissenyadors.

Paul Klee: Anàlisi de Klee de diverses perversitats, 1922, Col·lecció

V. Gropius va prestar especial atenció a la selecció de professors que compartien les seves creences: en diferents anys, els artistes V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, els dissenyadors L. Moholy-Nagy i J. Itten van treballar aquí.

L'apogeu de la Bauhaus s'associa amb el període de Weimar, marcat per la influència del neoromanticisme. El 1925, la Bauhaus es va traslladar a Dessau i es va allotjar en un edifici dissenyat per V. Gropius, considerat una de les obres mestres de l'arquitectura funcionalista. El període a Dessau està marcat per l'enfortiment de les tendències tecnicoutilitàries, la formació de l'estil Bauhaus, caracteritzat per la claredat de les formes, el minimalisme dels mitjans, el disseny estàndard i la millora dels mètodes i materials industrials.

Vasily Kandinsky, Sant Jordi i el drac (1914-15).

El 1928, l'arquitecte suís H. Mayer va assumir el càrrec de director. Tanmateix, les innovacions que va introduir (l'estudi de les ciències socials) van causar descontentament entre professors i estudiants, i el 1930, la Bauhaus va ser dirigida per l'arquitecte alemany L. Mies van der Rohe, que va romandre director fins al tancament d'aquesta institució educativa pels nazis el 1933.

Vassily Kandinsky. Primera aquarel·la abstracta sense títol. 1910-1913

Tanmateix, els principis i mètodes d'ensenyament de la Bauhaus van ser recollits en altres països, i les seves idees van tenir un profund impacte en el desenvolupament de les arts aplicades i belles arts (des del gràfic de llibres i la publicitat fins als mobles i articles per a la llar).

Màsters de la Bauhaus: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISME

D. Fattori. A la costa. 1893

El verisme (italià verismo de vero - veraç, veritable) és un moviment de la cultura artística italiana del darrer terç del segle XIX, que va sorgir inicialment en la literatura i la música, i després es va estendre a les belles arts.

Els principis del verisme es van formar principalment sota la influència del naturalisme francès. Basant-se en les obres d'E. Zola, G. Flaubert i G. de Maupassant, els veristes van establir les principals tasques del seu treball com l'objectivitat i un enfocament científic de l'estudi dels fets (des del punt de vista del positivisme) en la representació de les realitats de la vida a la societat italiana moderna, la vida i la psicologia de la gent corrent. L'originalitat nacional d'aquest moviment es va manifestar en una profunda simpatia pels treballadors oprimits, la vida dels quals (principalment la pagesia i els pobres de les províncies) era el contingut principal de les novel·les i els contes dels teòrics del verisme: G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, òperes de P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega Italian Barsaglieri liderant presoners austríacs, 1861

En les arts visuals, els predecessors immediats dels veristes van ser els artistes de l'escola florentina "Macchiaioli", que van centrar la seva obra en els temes de la lluita d'alliberament nacional del poble italià, la vida urbana i rural. En pintura, el verisme va estar representat principalment per mestres napolitans que van desenvolupar tendències socialment crítiques en l'art (la lluita de la classe treballadora pels seus drets, la difícil vida camperola) i van crear tota una galeria d'imatges de figures destacades de la història i la cultura italianes.

Tanmateix, els veristes no veien una possibilitat social d'eliminar la injustícia social; la seva obra estava dominada per estats d'ànim de pessimisme i fatalisme, una percepció passivo-naturalista de la realitat (en la literatura i la pintura) o melodrama, il·lustració superficial i emotivitat exagerada (en la música). Tot i que el verisme no es va generalitzar en les belles arts d'Itàlia, va tenir un paper important en el desenvolupament de tendències realistes en el procés artístic mundial.

Mestres del verisme: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOART

Família de robots Nam June Paik, 1976

El videoart és un moviment en les arts visuals del darrer terç del segle XX que utilitza les capacitats de la tecnologia de vídeo. A diferència de la televisió en si, que està pensada per a la difusió a un públic massiu, el videoart utilitza receptors de televisió, càmeres de vídeo i monitors en esdeveniments únics, i també produeix pel·lícules experimentals amb l'esperit de l'art conceptual, que es mostren en espais d'exposició especials. Amb l'ajuda de l'electrònica moderna, mostra, per dir-ho d'alguna manera, el "cervell en acció": un camí visual des d'una idea artística fins a la seva materialització. El principal fundador del videoart és l'estatunidenc d'ascendència coreana Nam June Paik. L'art que utilitza la tecnologia televisiva (el videoart) va sorgir precisament d'una protesta contra el domini de la cultura de masses, la màxima materialització de la qual es considera la radiodifusió televisiva. Els "pares" del videoart, Nam June Paik i Wolf Vostell, cadascun a la seva manera es van burlar dels ciutadans respectables que s'asseien cada vespre a relaxar-se davant del televisor.

Als anys 60, Wolf Vostell va escenificar esdeveniments on els televisors eren bombardejats amb pastissos de crema, lligats amb filferro espinós, enterrats cerimoniosament i fins i tot disparats amb metralladores. Nam Jun Paik, músic de formació, va actuar de manera més subtil. Després d'haver començat amb experiments de "visualització musical", va passar a crear semblances d'éssers vius amb caps, braços i cossos a partir de monitors de diferents mides i imatges corresponents, anomenant-los "Mare", "Pare", "Fill", "Tia", "Oncle", etc.

Nova obra de Nam June Paik, 1983

Sorgit als anys 60, quan encara no hi havia càmeres de vídeo, el videoart es considera una forma d'art jove. Com sempre, al principi era el domini d'entusiastes solitaris, però a finals dels anys 80 va quedar clar que el vídeo amaga innombrables oportunitats per enriquir els mitjans expressius de l'art. Les obres de Bill Viola, que va crear tot un món d'imatges sorprenents i fascinants en què la realitat i la fantasia estan tan intrínsecament entrellaçades que en neix una certa "nova realitat", van tenir un paper important en això. Ara tothom té clar que per al segle XX els noms dels videoartistes Viola i Pike són tan significatius com ho van ser els noms de Monet i Van Gogh per al segle XIX. El bon art sempre té un fort impacte en una persona: desperta en ella sentiments, pensaments, idees i accions. El videoart té mitjans tècnics d'influència que són més forts que la pintura, el gràfic i l'escultura. Potser només la vida mateixa pot competir amb el videoart en la seva intensitat d'impacte. No és casualitat que aquesta art, la més creïble de totes, fos anomenada "escapada a la realitat" per Wolf Vostell.

ABSTRACCIÓ GEOMÈTRICA

Composició Lyubov Popova, 1917

L'abstracció geomètrica (altres noms són abstracció freda, lògica, abstracció intel·lectual) és un moviment de l'art abstracte basat en la creació d'espai artístic combinant diverses formes geomètriques, plans de colors, línies rectes i trencades.

L'abstracció geomètrica va sorgir de les recerques de Paul Cézanne i els cubistes, que van ser els primers a seguir el camí de la deformació de la natura a la recerca d'una "nova realitat". Va tenir diverses branques. A Rússia, va sorgir el raionisme de M. Larionov, que va sorgir com a reacció peculiar als darrers descobriments en física; la "no objectivitat" d'O. Rozanova, L. Popova i V. Tatlin, que més tard va evolucionar cap al constructivisme; el supermatisme de K. Malevich, en què la no objectivitat es considerava un "nou realisme pictòric"; a França, en part l'orfisme de Robert Delaunay; però el seu principal representant va ser el grup holandès "Style" ("De Stijl"), encapçalat per P. Mondrian i T. Van Doesburg, que va proposar el concepte de neoplasticisme: l'art de la plasticitat pura, la tasca del qual era netejar la natura de la diversitat il·lusòria i exposar l'esquema primari que s'hi amagava.

Mikhail Larionov Banyistes, 1909

L'abstracció geomètrica, havent tingut una influència significativa en el desenvolupament de l'arquitectura moderna, el disseny, les arts industrials, decoratives i aplicades, va seguir sent la tendència dominant en l'art fins al final

Segona Guerra Mundial. A la dècada del 1950, els "corrents lírics de l'abstracció" (tachisme, expressionisme abstracte) van passar a primer pla.

Olga Rozanova Composició amb un tren, 1911

Tanmateix, a la dècada del 1960, amb l'aparició del minimalisme i l'op art a l'escena artística, l'abstracció geomètrica va tenir un segon naixement.

Mestres de l'abstracció geomètrica: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HIPERREALISME

Carrer Richard Estes

L'hiperrealisme (altres noms: superrealisme, fotorealisme, realisme fred, realisme radical) és un moviment artístic en pintura i escultura que va sorgir als Estats Units a la dècada de 1960 i es va estendre per Europa a la dècada de 1970.

Com a forma d'art figuratiu, l'hiperrealisme es basa en la meticulosa precisió i detall en la reproducció de la realitat, imitant les especificitats de la fotografia. Les obres dels hiperrealistes són fotografies meticulosament copiades, ampliades a la mida d'un gran llenç.

Don Eddy. Cotxes antics

Alguns artistes que treballaven en aquesta direcció van utilitzar fotografies i diapositives en color com a base per a les seves obres. Al mateix temps, es van preservar totes les característiques de la imatge fotogràfica, per a la qual cosa els artistes van utilitzar tècniques de còpia mecànica: projecció de diapositives, veladura, aerògraf en lloc de pinzell, recobriment d'emulsió, etc. L'ús d'aquestes tecnologies no va ser accidental: va emfatitzar la naturalesa mecànica, va eliminar la presència humana del procés de creació, com si intentés impedir la visió personal del món de l'artista. Potser per això el món de l'hiperrealisme sembla sense vida, fred i deslligat de la superrealitat de l'espectador.

Ralph Goings. Dia d'estiu

L'objectiu de l'hiperrealisme és representar les realitats quotidianes, i els temes principals són la vida mecanitzada impersonal de la ciutat moderna, el sistema de vida impersonal en un món dur i cru. Els seus temes són deliberadament banals, i les seves imatges són emfàticament "objectives". Cotxes, edificis residencials, restaurants, gasolineres, cabines telefòniques, cartells publicitaris i, rarament, persones vives: "personatges del carrer", les imatges dels quals tenen un tint irònic o estan plenes de desesperança. Les pintures donen lloc a una imatge de la realitat, però no la real, sinó que es reflecteix en la seva multiplicitat en els aparadors de les botigues, en les carrosseries polides dels cotxes, en el granit polit fins a la brillantor. El joc d'aquests reflexos, reproduït amb precisió per l'artista, crea la impressió de la interpenetració de zones espacials, una relació intricada de plans, que desorienta l'espectador i dóna lloc a una sensació d'irrealitat.

Mestres de l'hiperrealisme: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.