Prúdy v umení a maliarstve

Abstraktný expresionizmus

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Hnutie v abstraktnom umení, ktoré vzniklo v Spojených štátoch v 40. rokoch 20. storočia a bolo reprezentované predovšetkým dielami umelcov Newyorskej školy. Abstraktný expresionizmus pokračoval v „oslobodzovaní“ umenia od akejkoľvek kontroly rozumu a logických zákonov, pričom si za cieľ stanovil spontánne vyjadrenie vnútorného sveta umelca, jeho podvedomia v chaotických, abstraktných formách a za svoj hlavný tvorivý princíp si vybral spontánne, automatické nanášanie farby na plátno, ku ktorému dochádza výlučne pod vplyvom duševných a emocionálnych stavov….

F. Klein. Čierna na zelenej, červenej a žltej. 1948

V rýchlom rytme umelci pokrývali povrch plátna veľkými, energickými ťahmi štetcom, často technikou kvapkania (nastriekania farby alebo jej vytláčania z tuby). Proces tvorby obrazu sa často odohrával na verejnosti: pred publikom sa odohralo celé predstavenie, v ktorom zohrávali umelcove gestá a pohyby rovnako aktívnu úlohu ako prúdy farby padajúce a rozlievajúce sa po plátne.

Abstraktný expresionizmus dominoval americkej kultúre až do začiatku 60. rokov 20. storočia, stal sa jedným z prvých serióznych hnutí v americkom maliarstve a ovplyvnil vývoj svetového umenia.

ABSTRAKCIONIZMUS

V. Kandinskij. Skladba 8 1913.

Jeden z hlavných umeleckých trendov v umení 20. storočia, v ktorom je štruktúra diela založená výlučne na formálnych prvkoch - líniách, farebných škvrnách, abstraktnej konfigurácii. Abstraktné diela sú odtrhnuté od foriem samotného života: neobjektívne kompozície stelesňujú subjektívne dojmy a fantázie umelca, tok jeho vedomia, generujú voľné asociácie, myšlienkové pohyby a emocionálnu empatiu.

Nie je možné určiť presný čas vzniku abstrakcionizmu ani jeho zakladateľa. Za uznávaných inšpirátorov abstrakcionizmu sa považujú umelci Vasilij Kandinskij, Kazimír Malevič, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay, ktorí vo svojich teoretických prácach a programových vyhláseniach načrtli hlavné ustanovenia tohto hnutia.

F. Leger Dievča s kvetom. 1954

Abstrakcionizmus vznikol ako úzky trend vo výtvarnom umení. Začiatkom 30. rokov 20. storočia začali vznikať združenia abstrakcionistov („betónové umenie“ – 1930, „kruh a štvorec“ – 1930 a ďalšie), ktoré pod svojimi zástavami združovali umelcov rôznych národností a smerov. V polovici 30. rokov záujem o abstrakcionizmus prudko poklesol a tieto združenia sa rozpadli. Znovuzrodil sa v Spojených štátoch, kde sa začiatkom 40. rokov 20. storočia objavil abstraktný expresionizmus, ktorý operoval s neobjektívnymi formami pre spontánne vyjadrenie vnútorného sveta umelca.

Poslednou populárnou formou abstraktného umenia bol pop art, ktorý sa objavil v 60. rokoch 20. storočia, po ktorom abstraktné umenie upadlo do zabudnutia.

AVANTGARDIZMUS

P. Picasso Traja hudobníci 1921

Súbor inovatívnych, rebelských trendov a smerov v umeleckej kultúre 20. storočia. V rôznych historických etapách zohrávali úlohu avantgardy po sebe nasledujúce trendy: 20. – 20. roky 20. storočia boli obdobím vzniku fauvizmu, kubizmu, futurizmu, expresionizmu, dadaizmu a abstraktného umenia; v 20. – 30. rokoch 20. storočia sa do popredia dostal surrealizmus; v povojnovom období sa objavili nové trendy v abstrakcionizme: abstraktný expresionizmus, tachizmus, informálne umenie atď.; 60. – 70. roky 20. storočia boli prechodným obdobím od „klasickej“ avantgardy k neoavantgarde alebo postmodernizmu s jej zložkami: akcionizmom, pop artom, konceptualizmom, kinetickým umením a inými umeleckými praktikami.

AKADEMIZMUS

A. Cabanel Faidra. 1880

Trend vo výtvarnom umení, ktorého základom rozvoja sú umelecké akadémie. História rozvoja akademizmu sa spája s „Akadémiou tých, ktorí vstúpili na správnu cestu“ v Bologni (okolo roku 1585), Francúzskou kráľovskou akadémiou maliarstva a sochárstva (1648) a Ruskou akadémiou troch najušľachtilejších umení (1757). Činnosť všetkých inštitúcií bola založená na prísne regulovanom systéme vzdelávania, orientovanom na veľké úspechy predchádzajúcich období – antiky a talianskej renesancie, z ktorých boli vedome vyberané jednotlivé kvality klasického umenia, akceptované ako ideálne a neprekonateľné.

Cesta akademizmu v umení nebola poznačená žiadnymi veľkými objavmi ani úspechmi. Vzhľadom na svoju umelosť („vytvorenosť“) a eklekticizmus nie je umeleckým štýlom.

A. Bouguereau Odpočinok počas zberu. 1865

Akademicizmus prekvital v 19. storočí. Vo Francúzsku sa tento trend spája s tvorbou takých renomovaných majstrov ako Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, ktorých diela sa vyznačujú bezkonkurenčným majstrovstvom prevedenia.

Petrohradská akadémia umení vychovala vo svojich múroch aj plejádu svetoznámych akademických umelcov: Karla Brjullova, Alexandra Ivanova, Henryka Semiradského a Fjodora Bruniho.

A. Alma-Tadema Objav Mojžiša. 1904

V našej dobe pojem „akademizmus“ prekročil rámec umeleckého hnutia: nadobudol ďalší význam a začal sa používať na diela umelcov, ktorí majú systematické umelecké vzdelanie a klasické zručnosti pri tvorbe diel s vysokou technickou zručnosťou.

AKCIONIZMUS

Christo a Han-Claude. Brána č. 53 2006

Všeobecný názov pre množstvo foriem, ktoré sa objavili v avantgardnom umení v 60. rokoch 20. storočia.

Túžba vymazať hranicu medzi umením a realitou vedie avantgardných umelcov k hľadaniu nových spôsobov umeleckého vyjadrenia, odlišných od tradičných (t. j. statických) foriem, ktoré dávajú dielu dynamiku, zapájajú ho do nejakej akcie (deja). Akcia (alebo umenie akcie) sa stáva všeobecným pojmom pre umelecké praktiky, v ktorých sa dôraz presúva zo samotného diela na proces jeho tvorby.

K. Oldenburg. Lyžicový mostík s čerešňou. 1985

Počiatky akcionizmu treba hľadať v predstaveniach dadaistov a surrealistov, v aktivitách abstraktných umelcov (najmä D. Pollocka), ktorí vyznávali princíp expresívneho písania - „akčnú maľbu“.

ANACHRONIZMUS

K.M. Mariani Ruka vedená mysľou. 1983

Jeden z trendov v postmodernistickej maľbe, ktorý ponúka autorskú interpretáciu umenia minulosti. Postmodernizmus, ktorý vznikol v dôsledku odmietnutia modernizmu (t. j. avantgardného trendu v umení), si za cieľ vyhlásil návrat k starým formám, historickým tradíciám a štýlom predchádzajúcej stáročnej kultúry. Pri hľadaní nových foriem postmodernistickí umelci miešajú umelecké štýly z rôznych období a kultúr a na tomto základe vytvárajú individuálnu mytológiu, ktorá koreluje s osobnou skúsenosťou autora.

Anachronizmus vznikol koncom 70. rokov 20. storočia v Taliansku a neskôr sa rozšíril do Francúzska. Jeho najdôležitejším duchovným zdrojom bolo dielo Giorgia De Chirica, ktorý sa v 20. rokoch 20. storočia po svojom „metafyzickom období“ obrátil ku klasickému umeniu. Anachronisti alebo „kultúrni umelci“, ako si sami hovoria, sa inšpirujú dielami majstrov renesancie, manierizmu a baroka, ktorých parafrázujú, parodujú a snažia sa zapadnúť klasickú tradíciu do mozaikového kontextu postmodernej kultúry.

ANALYTICKÉ UMENIE

P. Filonov. Sedliacka rodina 1914

Analytické umenie je umelecká metóda, ktorú rozvinul a zdôvodnil Pavel Filonov vo svojich teoretických dielach („Kánon a zákon“, 1912; „Vytvorené obrazy“, 1914; „Deklarácia „rozkvetu sveta“, 1923) a vo vlastnej maľbe. Filonov považoval kubizmus za nositeľa racionalistického princípu a postavil ho do kontrastu s princípom organického rastu (ako rastie strom) umeleckej formy a „vytvorenou“ kvalitou obrazov.

P. Salzman Trojitý autoportrét. 1932

Princíp stvorenosti je hlavným postojom analytického umenia. Umelec „buduje“ svoj obraz, tak ako príroda „vytvára“ väčšie útvary z atómov a molekúl. Filonov, chápajúci, „že v každom objekte nie sú dva predikáty, forma a farba, ale celý svet viditeľných a neviditeľných javov, ich emanácií, reakcií, inklúzií, vzniku, bytia, známych alebo tajných vlastností, ktoré zase niekedy majú nespočetné množstvo predikátov“, bol presvedčený, že všetku túto rozmanitosť vlastností možno plasticky vyjadriť v maľbe.

Pri tvorbe diela sa umelec musí spoliehať nielen na zjavné, viditeľné („vidiace oko“), ale aj na neviditeľné („poznajúci plyn“, zachytávajúci skryté procesy) - vnútorné zákonitosti štruktúry a fungovania zobrazeného objektu. Umelec transformuje svoju vnútornú „víziu“ objektu alebo javu do grafických a obrazových konštrukcií založených na „zákone organického vývoja formy“, prevzatých z prírody (napodobňovať nie formy, ktoré vytvára, ale metódy, ktorými „koná“) a postavených proti „kánonu“ (umelo vytvoreným formám).

Tatyana Glebova Farebný výstup

Po pochopení tohto zákona je umelec schopný „vytvoriť“ určitý obraz, tak organický, že má potenciál sebarozvoja, akoby bez účasti samotného autora na tomto procese (rastie a vyvíja sa ako všetky živé veci v prírode). P. Filonov veril, že umenie vytvorené jeho metódou je umením budúcnosti, ktoré povedie k „svetovému rozkvetu“, pretože je založené na harmonickej interakcii človeka a prírody, na množstve vedeckých princípov adresovaných intelektu diváka a jeho rozvíjaniu („byť faktorom v evolúcii inteligencie“). Majstri analytického umenia: Pavel Filonov, Tatiana Glebová, Alisa Poretová, Michail Cibasov, Sofia Zaklinovská, Pavel Zalcman, Pavel Kondraťev, Boris Gurvič, Nikolaj Jevgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Jurij Chržanovský

METRO

Oscar Rabin, "Kúpele (vôňa moskovského Eau de Cologne)", 1966.

Underground (anglicky underground - podzemie, žalár) - v užšom zmysle - akékoľvek nekomerčné, experimentálne umenie; v širšom zmysle - koncept a jav, ktorý vznikol v Spojených štátoch koncom 50. rokov 20. storočia a znamená „undergroundovú“ kultúru ako neoddeliteľnú súčasť tzv. kontrakultúry, ktorá sa postavila proti obmedzeniam a konvenciám, ktoré dominovali kultúrnej spoločnosti. Undergroundové umenie presiaknuté duchom disentu. Odmieta a porušuje politické, morálne a etické orientácie a typy správania akceptované v spoločnosti, pričom do každodenného života zavádza antisociálne správanie. Typickými témami amerického a európskeho undergroundu sú „sexuálna revolúcia“ a drogy.

Lev Kropivnickij

Počas sovietskeho obdobia tento koncept nadobudol trochu iný význam a viac spolitizované formy: tu sa kvôli prísnosti režimu takmer akékoľvek neoficiálne, t. j. úradmi neuznávané umenie vrátane hudby a literatúry, ukázalo ako undergroundové. Od polovice 50. rokov do konca 80. rokov. „Umeleckú opozíciu“ reprezentovali aktivity mnohých združení, medzi ktorými boli najznámejšie skupiny „Lianozovskaya“ (E. a L. Kropivnitskij, L. Masterkova, O. Rabin a ďalší (od roku 1956 do polovice 70. rokov 20. storočia)), „Sretensky Boulevard“ (I. Kabakov, E. Neizvestnyj, Ju. Sobolev, Ju. Sooster a ďalší (od roku 1960 do polovice 70. rokov 20. storočia)), „Kolektívne akcie“ (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevič, S. Romaško a ďalší (od roku 1975)), „Muchotrávky“ (S. Gundlakh, K. Zvezdočetov, V. Mironenko a ďalší (od roku 1978)). Undergroundové hnutie rozvíjalo kreativitu umelcov, ktorí sa nečlenili do žiadnych združení (V. Sidur, A. Zverev, M. Šemjakin), ale boli predstaviteľmi sociálneho umenia (E. Bulatov, V. Komar a A. Melamid) a iných avantgardných hnutí (Skupina avantgardných umelcov, Šampióni sveta).

Portrét A. Zvereva, 1969

Po rozpade politického systému Sovietskeho zväzu a s ním aj po zrušení obmedzení a zákazov slobody umeleckej tvorivosti sa underground ako kultúrny fenomén stratil. Majstri undergroundu: Lev Kropivnickij, Ľubov Masterkovová, Oskar Rabin, Iľja Kabakov, Ernst Neizvestnyj, Jurij Sobolev, Julo Sooster, Kirill Zvezdočetov, Michail Šemjakin, Anatolij Zverev, Vadim Sidur, Vitalij Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Kresba - 4. Séria Berlínske kresby.

Art brut (francúzsky: Art brut – drsné, surové umenie) je hnutie v európskom umení polovice 20. storočia, ktorého zakladateľom a vodcom bol francúzsky umelec Jean Dubuffet, ktorý rozvinul koncept čistého umenia, umenia odmietajúceho krásu a harmóniu. Každý človek je umelcom; pre človeka je kreslenie rovnako prirodzené ako rozprávanie alebo chôdza. Nezaťažený tradíciami a vedomosťami „dusivej kultúry“ tvorí inštinktívne a priamo.

Džezová kapela J. Dubuffeta, 1955

Podľa Dubuffeta je Art Brut kreativita v jej najčistejšej forme: spontánny duševný výbuch z hlbín mysle a vedomia, zachytený na papieri alebo stelesnený v materiáli. Obracia sa k umeniu duševne chorých, ľudí izolovaných od spoločnosti, pričom iba ich považuje za skutočných umelcov, ktorí majú subjektivitu, ktorá dáva človeku skutočnú individualitu.

Dubuffet spočiatku kopíroval ich štýl vo svojich dielach a vytváral zámerne primitívne, „barbarské“ formy a obrazy, figuratívne aj abstraktné, ohromujúce neočakávanými farebnými riešeniami a zdanlivo neohrabaným spôsobom písania. A v roku 1948 spolu so surrealistickým spisovateľom Andrém Bretonom a španielskym umelcom Antonim Tapiesom založil v Paríži „Spoločnosť brutálneho umenia“, ktorej cieľom bolo zachovať a študovať umenie marginalizovaných ľudí. Zozbieraná zbierka pozostávajúca z približne 5 000 kresieb, malieb, predmetov a sôch tvorila základ Múzea brutálneho umenia, založeného v roku 1976 v Lausanne (Švajčiarsko).

Autoportrét J. Dubuffeta, 1958

V súčasnom umení zahŕňa pojem „art brut“ tvorbu ľudí, ktorí existujú mimo spoločnosti – duševne chorých, postihnutých, všetkých druhov marginalizovaných ľudí, ako aj diela J. Dubuffeta, inšpirované týmito príkladmi. Art brut je súčasťou širšieho hnutia – „Outsider art“ (umenie outsidera), ktoré sa za posledné desaťročie stalo vážnym hnutím v svetovom umeleckom procese. V mnohých ohľadoch je to zásluha radikálneho a militantného intelektuála Jeana Dubuffeta, ktorý sa na svet pozeral novým spôsobom. Majstri Art brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

UMENIE CHYBY

Mario Merz, projekt Petrina chata, 1982

Arte Povera (talian. Arte povera – chudobné umenie) je avantgardné hnutie, ktoré vzniklo v talianskom umení koncom 60. – začiatkom 70. rokov 20. storočia a rozšírilo sa aj v ďalších európskych krajinách. Bolo založené na vytváraní inštalácií z priemyselných a prírodných objektov, pričom sa uprednostňovali najjednoduchšie, „najchudobnejšie“ materiály (ako sú hliny, piesok, uhlie, odpadky, základné domáce potreby, staré opotrebované oblečenie a obuv atď.).

Mario Merz bez názvu

Hnutie Arte Povera vzniklo ako reakcia na zvýšený intelektualizmus a racionalizmus minimalizmu a konceptualizmu s ich drahými materiálmi a technológiami na výrobu umeleckých predmetov. Umelci Arte Povera sa pri tvorbe svojich diel obracali k „svetu jednoduchých vecí“, ktoré človeka na chvíľu obklopujú, a snažili sa odhaliť osobitú poetiku všednosti, hrali na kontrastoch – vytrhávali veci z ich bežného kontextu a umiestňovali ich do inej reality, reality luxusných palácových sál a múzejných priestorov.

Názov L. Fontana

Zvláštna pozornosť sa venovala heterogenite predmetov (sadrové odliatky hláv z antických sôch a vrecia s uhlím alebo plynovými horákmi), krátkodobým materiálom, ktoré sa menia pod vplyvom atmosféry alebo v dôsledku svojich chemických a fyzikálnych vlastností (ako napríklad vosk, špongia, guma atď.). To dodalo dielam Arte Povera určitú umeleckú symboliku, ktorá sa nedá jednoznačne interpretovať. Umenie, ktoré nás všade obklopuje, je prchavé a nepolapiteľné, ako okamih života. Je prchavé. A preto zbytočné, ale v tom spočíva jeho krása.

Masters of Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Galéria Uffizi. Florencia. Taliansko

Barok je jedným z veľkých štýlov, ktoré dominovali architektúre a umeniu európskych krajín od konca 16. do polovice 18. storočia.

Rodiskom baroka (talian. barocco - bizarný, zvláštny) je Taliansko, kde zavedenie nového štýlu znamenalo koniec renesancie s jej harmonickým svetonázorom, vierou v neobmedzené možnosti ľudskej mysle a usporiadanosť univerzálnej existencie.

Hlavnými charakteristikami baroka boli mierka, množstvo dekorácií, búrlivá dynamika, snaha o iluzórne efekty v organizácii vnútorného priestoru - zväčšovanie veľkosti miestností pomocou zrkadiel; výška hál vďaka malebným tienidlám s komplexným riešením perspektívy.

Toto všetko zodpovedalo novému obrazu vesmíru - premenlivému, konfliktnému, kde umierajúce a vznikajúce sú v neustálej konfrontácii a človek so svojimi vášňami, zmäteným, zložitým vnútorným svetom sa často ocitá na milosť a nemilosť iracionálnych síl.

Simon Vouet, Svätá Cecília s anjelom. Prvá polovica 17. storočia. Maďarské múzeum výtvarného umenia. Budapešť. Maďarsko.

Nie je náhoda, že baroko sa odkláňa od jasnosti a jednoduchosti, uprednostňuje elegantnú krivku pred geometrickou prísnosťou a priamkou; vír pred usporiadaným pohybom; trblietavé zlaté tóny meniace sa pod vplyvom svetla a tieňa, alebo jasné, slávnostné, nečakane disharmonické vo svojom víťaznom zvuku pred lokálnym koloritom.

Barok zaujme svojimi veľkolepými interiérmi, pripomínajúcimi divadelné kulisy, kontrastnou kombináciou materiálov a textúr použitých na ich výzdobu a niekedy aj šokujúcim zahrnutím „skutočných“ detailov v umeleckých dielach, ako sú skutočné zuby a vlasy v ženských sochách.

Barokový štýl vytvoril jedinečný súbor, syntézu architektúry, monumentálneho a dekoratívneho umenia, ktorá bola preň typická.

V každej európskej krajine má barok svoje špecifiká, pričom si zachováva hlavné črty štýlu. Vo svojej domovine, v Taliansku, sa teda tento štýl realizoval najživšie a skôr ako napríklad vo Francúzsku, kde vedúca úloha v 17. storočí patrila klasicizmu.

V Rusku pripadá rozvoj baroka na prvú polovicu a polovicu 18. storočia. Barokové umenie v Rusku, oslobodené od mystického povznesenia charakteristického pre tento štýl v katolíckych krajinách, oslavuje silnejúcu autokratickú moc.

V prvej polovici 18. storočia sa baroko všade vyvíjal smerom k pôvabnej ľahkosti rokokového štýlu, koexistoval a prepletal sa s ním a od 60. rokov 18. storočia ho nahradila klasicizmus.

BAUHAUS

Staroveký zvuk, abstraktné na čiernom od Paula Kleeho, 1925

Bauhaus (nem. Bauhaus – „stavebný dom“), Vyššia škola stavebníctva a umeleckého dizajnu, založená nemeckým architektom W. Gropiusom vo Weimare v roku 1919.

Podľa autorovej myšlienky bol Bauhaus vyzvaný, aby zjednotil „rozdielne“ umenie, remeslo a technológiu do „jedinej umeleckej produkcie“, prepojil ich vo forme stredovekých stavebných cechov, ale na novom vedecko-technickom základe. Najprv všetci študenti absolvovali 6-mesačný predbežný tréningový kurz, kde študovali vlastnosti materiálov a základy remesiel, ako aj teóriu formy a kresby. Potom im bolo umožnené pracovať v dielňach: kreatívnych a výrobných, kde sa dôraz kládol na prax danej hodiny. V závislosti od sklonov študentov boli vyškolení na architektov, umelcov-dizajnérov, fotografov, dizajnérov.

Paul Klee: Kleeova analýza rôznych zvráteností, 1922, Zbierka

V. Gropius venoval osobitnú pozornosť výberu učiteľov, ktorí zdieľali jeho presvedčenie: v rôznych rokoch tu pôsobili umelci V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, dizajnéri L. Moholy-Nagy a J. Itten.

Rozkvet Bauhausu sa spája s weimarským obdobím, ktoré bolo poznačené vplyvom neoromantizmu. V roku 1925 sa Bauhaus presťahoval do Dessau a sídlil v budove navrhnutej V. Gropiusom, ktorá sa považuje za jedno z majstrovských diel funkcionalistickej architektúry. Toto obdobie v Dessau sa vyznačuje posilnením technicko-utilitárnych tendencií, formovaním štýlu Bauhaus, ktorý sa vyznačuje jasnosťou foriem, minimalizmom prostriedkov, štandardným dizajnom a zdokonaľovaním priemyselných metód a materiálov.

Vasilij Kandinskij, Svätý Juraj a drak (1914-15).

V roku 1928 sa funkcie riaditeľa ujal švajčiarsky architekt H. Mayer. Inovácie, ktoré zaviedol (štúdium spoločenských vied), však vyvolali nespokojnosť učiteľov aj študentov a v roku 1930 viedol Bauhaus nemecký architekt L. Mies van der Rohe, ktorý zostal riaditeľom až do zatvorenia tejto vzdelávacej inštitúcie nacistami v roku 1933.

Vasilij Kandinskij. Bez názvu Prvý abstraktný akvarel. 1910 – 1913

Princípy a metódy výučby Bauhausu však boli prevzaté aj v iných krajinách a jeho myšlienky mali hlboký vplyv na rozvoj úžitkového a výtvarného umenia (od knižnej grafiky a reklamy až po nábytok a predmety pre domácnosť).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISM

D. Fattori. Na pobreží. 1893

Verizmus (taliansky verismo z vero - pravdivý, pravdivý) je hnutie v talianskej umeleckej kultúre poslednej tretiny 19. storočia, ktoré pôvodne vzniklo v literatúre a hudbe a potom sa rozšírilo do výtvarného umenia.

Princípy verizmu sa formovali najmä pod vplyvom francúzskeho naturalizmu. Na základe diel E. Zolu, G. Flauberta a G. de Maupassanta si veristi stanovili za hlavné úlohy svojej práce objektivitu a vedecký prístup k štúdiu faktov (z hľadiska pozitivizmu) pri zobrazovaní reálií života v modernej talianskej spoločnosti, života a psychológie bežných ľudí. Národná originalita tohto hnutia sa prejavovala v hlbokom súcite s utláčaným pracujúcim ľudom, ktorého život (najmä roľníkov a chudobných provincií) bol hlavným obsahom románov a poviedok teoretikov verizmu - G. Vergu, L. Capuanu, D. Ciampoliho, opier P. Mascagniho, R. Leoncavalla, G. Pucciniho.

S. Lega Taliansky Barsaglieri vedúci rakúski zajatci, 1861

Vo výtvarnom umení boli bezprostrednými predchodcami veristov umelci florentskej školy „Macchiaioli“, ktorí sa vo svojej tvorbe obracali k témam národnooslobodzovacieho boja talianskeho ľudu, mestského a vidieckeho života. V maľbe verizmus reprezentovali najmä neapolskí majstri, ktorí rozvíjali spoločensky kritické tendencie v umení (boj robotníckej triedy za jej práva, ťažký roľnícky život) a vytvorili celú galériu obrazov významných osobností talianskej histórie a kultúry.

Veristi však nevideli sociálnu možnosť odstránenia sociálnej nespravodlivosti, v ich tvorbe dominovali nálady pesimizmu a záhuby, pasívne-naturalistické vnímanie reality (v literatúre a maliarstve) alebo melodrámy, povrchná ilustratívnosť, prehnaná emocionalita (v hudbe). Hoci sa verizmus v talianskom výtvarnom umení nerozšíril, napriek tomu zohral dôležitú úlohu v rozvoji realistických tendencií vo svetovom umeleckom procese.

Masters of Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOUMENIE

Rodina robotov Nam June Paik, 1976

Videoart je smer vo výtvarnom umení poslednej tretiny 20. storočia, ktorý využíva možnosti videotechnológie. Na rozdiel od samotnej televízie, ktorá je určená na vysielanie pre masové publikum, videoart využíva televízne prijímače, videokamery a monitory v jedinečných happeningoch a tiež produkuje experimentálne filmy v duchu konceptuálneho umenia, ktoré sa premietajú v špeciálnych výstavných priestoroch. S pomocou modernej elektroniky ukazuje akoby „mozog v akcii“ – vizuálnu cestu od umeleckej myšlienky k jej stelesneniu. Hlavným zakladateľom videoartu je Američan kórejského pôvodu Nam June Paik. Umenie, ktoré využíva televíznu technológiu – videoart – vzniklo práve z protestu proti dominancii masovej kultúry, ktorej najvyšším stelesnením sa považuje televízne vysielanie. „Otcovia“ videoartu, Nam June Paik a Wolf Vostell, si každý svojím vlastným spôsobom robili srandu z vážených občanov, ktorí si každý večer sadnú relaxovať pred televízor.

V 60. rokoch Wolf Vostell organizoval happeningy, kde boli televízory zasypávané krémovými koláčmi, zviazané ostnatým drôtom, slávnostne pochovávané a dokonca strieľané z guľometov. Nam Jun Paik, hudobník vyštudovaním, konal jemnejšie. Začal s experimentmi v „vizualizácii hudby“ a prešiel k vytváraniu zdanie živých bytostí s hlavami, rukami a telami z monitorov rôznych veľkostí a zodpovedajúcich obrázkov, ktoré nazýval „mama“, „otec“, „dieťa“, „teta“, „ujo“ atď.

Nové dielo Nam June Paika, 1983

Videoart, ktorý vznikol v 60. rokoch, keď ešte neexistovali videokamery, sa považuje za mladú umeleckú formu. Ako vždy, spočiatku bol doménou osamelých nadšencov, ale koncom 80. rokov sa ukázalo, že video skrýva nespočetné možnosti obohatenia výrazových prostriedkov umenia. Významnú úlohu v tom zohrali diela Billa Violu, ktorý vytvoril celý svet úžasných a fascinujúcich obrazov, v ktorých sú realita a fantázia tak zložito prepojené, že sa z nich rodí akási „nová realita“. Teraz je každému jasné, že pre dvadsiate storočie sú mená videoumelcov Violu a Pikea rovnako významné ako mená Moneta a Van Gogha pre devätnáste. Dobré umenie má vždy silný vplyv na človeka - prebúdza v ňom city, myšlienky, predstavy a činy. Videoart má technické prostriedky ovplyvňovania, ktoré sú silnejšie ako maľba, grafika a sochárstvo. Snáď len samotný život môže s videoartom konkurovať v intenzite jeho vplyvu. Nie je náhoda, že toto najuveriteľnejšie zo všetkých umení Wolf Vostell nazval „únikom do reality“.

GEOMETRICKÁ ABSTRAKCIA

Skladba Lyubov Popova, 1917

Geometrická abstrakcia (iné názvy sú studená abstrakcia, logický, intelektuálny abstrakcionizmus) je smer v abstraktnom umení založený na vytváraní umeleckého priestoru kombináciou rôznych geometrických tvarov, farebných rovín, rovných a prerušovaných čiar.

Geometrická abstrakcia vyrástla z hľadaní Paula Cézanna a kubistov, ktorí ako prví kráčali cestou deformácie prírody pri hľadaní „novej reality“. Mala niekoľko odvetví. V Rusku to bol rayonizmus M. Larionova, ktorý vznikol ako zvláštna reakcia na najnovšie objavy vo fyzike; „neobjektivita“ O. Rozanovovej, L. Popovej a V. Tatlina, ktorá neskôr prerástla do konštruktivizmu; supermatizmus K. Maleviča, v ktorom sa neobjektivita považovala za „nový obrazový realizmus“; vo Francúzsku čiastočne orfizmus Roberta Delaunaya; jej hlavným predstaviteľom však bola holandská skupina „Style“ („De Stijl“) na čele s P. Mondrianom a T. Van Doesburgom, ktorá predložila koncept neoplasticizmu – umenia čistej plasticity, ktorého úlohou bolo očistiť prírodu od iluzórnej rozmanitosti a odhaliť primárnu schému v nej skrytú.

Michail Larionov Kúpajúci sa, 1909

Geometrická abstrakcia, ktorá mala významný vplyv na vývoj modernej architektúry, dizajnu, priemyselného, ​​dekoratívneho a úžitkového umenia, zostala dominantným trendom v umení až do konca...

Druhá svetová vojna. V 50. rokoch 20. storočia sa do popredia dostali „lyrické prúdy abstrakcionizmu“ (tašizmus, abstraktný expresionizmus).

Olga Rozanovová, Kompozícia s vlakom, 1911

Avšak v 60. rokoch 20. storočia, s nástupom minimalizmu a op artu na umeleckej scéne, geometrická abstrakcia dostala druhé narodenie.

Majstri geometrickej abstrakcie: Kazimir Malevich, Michail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALIZMUS

Ulica Richarda Estesa

Hyperrealizmus (iné názvy: superrealizmus, fotorealizmus, studený realizmus, radikálny realizmus) je umelecké hnutie v maliarstve a sochárstve, ktoré vzniklo v Spojených štátoch v 60. rokoch 20. storočia a v Európe sa rozšírilo v 70. rokoch 20. storočia.

Ako forma figuratívneho umenia je hyperrealizmus založený na precíznej presnosti a detailoch pri reprodukcii reality, napodobňujúc špecifiká fotografie. Diela hyperrealistov sú precízne kopírované fotografie, zväčšené na veľkosť veľkého plátna.

Don Eddy. Staré modely áut

Niektorí umelci pracujúci v tomto smere skutočne používali fotografie a farebné diapozitívy ako základ pre svoje diela. Zároveň však zachovali všetky vlastnosti fotografického obrazu, na čo umelci použili techniky mechanického kopírovania: projekciu diapozitívov, glazúrovanie, airbrush namiesto štetca, emulzný náter atď. Použitie takýchto technológií nebolo náhodné: zdôrazňovalo mechanickú podstatu, eliminovalo ľudskú prítomnosť z procesu tvorby, akoby sa snažilo zabrániť umelcovmu vlastnému, osobnému videniu sveta. Možno aj preto sa svet hyperrealizmu javí ako bez života, chladný a od diváka oddelený od superreality.

Ralph Goings. Letný deň

Cieľom hyperrealizmu je zobraziť každodenné reality a hlavnými témami sú neosobný mechanizovaný život moderného mesta, neosobný systém života v drsnom a surovom svete. Jeho námety sú zámerne banálne a obrazy sú dôrazne „objektívne“. Autá, obytné budovy, reštaurácie, čerpacie stanice, telefónne búdky, billboardy a zriedkavo živí ľudia – „postavy z ulice“, ktorých obrazy majú ironický nádych alebo sú plné beznádeje. Obrazy vytvárajú obraz reality, ale nie tej skutočnej, ale odrážajúcej sa v jej mnohosti v sklenených výkladoch obchodov, v leštených karosériách áut, v žule vyleštenej do lesku. Hra týchto odrazov, presne reprodukovaná umelcom, vytvára dojem prelínania priestorových zón, zložitého vzťahu plánov, dezorientujúceho diváka a vyvolávajúceho pocit neskutočnosti.

Majstri hyperrealizmu: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.