Áramlatok a művészetben és a festészetben

ABSZTRAKT EXPRESSZIONIZMUS

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Az absztrakt művészet egy irányzata, amely az Egyesült Államokban alakult ki az 1940-es években, és amelyet elsősorban a New York-i iskola művészeinek munkái képviseltek. Az absztrakt expresszionizmus folytatta a művészet „felszabadítását” az értelem és a logikai törvények mindenféle ellenőrzése alól, célul tűzve ki a művész belső világának, tudatalattijának spontán kifejezését kaotikus, absztrakt formákban, és fő alkotói elvének a festék spontán, automatikus felvitelét a vászonra, amely kizárólag mentális és érzelmi állapotok hatására történik...

F. Klein. Fekete zöld, piros és sárga alapon. 1948

A művészek gyors ritmusban, nagy, energikus ecsetvonásokkal borították be a vászon felületét, gyakran a csepegtetés (festék fröccsenése vagy tubusból való kinyomása) technikáját alkalmazva. Egy festmény létrehozásának folyamata gyakran nyilvánosan zajlott: egy egész performansz zajlott le a közönség előtt, amelyben a művész gesztusai és mozdulatai ugyanolyan aktív szerepet játszottak, mint a vásznon hulló és ömlő festéksugarak.

Az absztrakt expresszionizmus az 1960-as évek elejéig uralta az amerikai kultúrát, az amerikai festészet egyik első komoly mozgalmává vált, és befolyásolta a világművészet fejlődését.

ABSZTRAKCIÓZMUS

V. Kandinszkij. Kompozíció 8 1913.

A 20. századi művészet egyik fő művészeti irányzata, amelyben a mű szerkezete kizárólag formai elemekre - vonalakra, színfoltokra, absztrakt konfigurációra - épül. Az absztrakt művek elszakadnak magától az élet formáitól: a nem tárgyias kompozíciók a művész szubjektív benyomásait és fantáziáit, tudatának áramlását testesítik meg, szabad asszociációkat, gondolati mozgásokat és érzelmi empátiát generálnak.

Lehetetlen megnevezni sem az absztrakcionizmus megjelenésének pontos idejét, sem alapítóját. Az absztrakcionizmus elismert inspirátorainak Vaszilij Kandinszkij, Kazimir Malevics, Piet Modrian, František Kupka és Robert Delaunay művészeket tekintik, akik elméleti munkáikban és programnyilatkozataikban vázolták fel a mozgalom főbb rendelkezéseit.

F. Leger Lány virággal. 1954

Az absztrakcionizmus a képzőművészet egy szűk irányzataként keletkezett. Az 1930-as évek elején kezdtek megjelenni az absztrakcionisták egyesületei („betonművészet” - 1930, „kör és négyzet” - 1930, és mások), amelyek különböző nemzetiségű és irányzatú művészeket gyűjtöttek zászlajuk alá. Az 1930-as évek közepére az absztrakcionizmus iránti érdeklődés meredeken csökkent, és ezek az egyesületek szétestek. Az Egyesült Államokban született újjá, ahol az 1940-es évek elején megjelent az absztrakt expresszionizmus, amely nem tárgyias formákkal operált a művész belső világának spontán kifejezésére.

Az absztrakt művészet utolsó népszerű formája a pop art volt, amely az 1960-as években jelent meg, majd az absztrakt művészet a feledés homályába vész.

AVANTGARDIZMUS

P. Picasso Három zenész 1921

A 20. század művészeti kultúrájának innovatív, lázadó trendjei és irányai. A történelmi korszak különböző szakaszaiban az avantgárd szerepét egymást követő irányzatok játszották: az 1900–1910-es évek a fauvizmus, a kubizmus, a futurizmus, az expresszionizmus, a dadaizmus és az absztrakt művészet megjelenésének időszaka volt; az 1920–1930-as években a szürrealizmus került előtérbe; a háború utáni időszakban új trendek jelentek meg az absztrakcionizmusban: absztrakt expresszionizmus, tachisme, informális művészet stb.; az 1960–1970-es évek az átmeneti korszakot jelentették a „klasszikus” avantgárdtól a neoavantgárdig, vagy posztmodernizmusig, annak összetevőivel: akcionizmus, pop art, konceptualizmus, kinetikus művészet és más művészeti gyakorlatok.

AKADÉMIZMUS

A. Cabanel Phaedra. 1880

A képzőművészetben egy olyan irányzat, amelynek fejlődésének alapját a művészeti akadémiák képezik. Az akadémizmus fejlődésének története a bolognai "Jó Útra Lépők Akadémiájához" (kb. 1585), a Francia Királyi Festészeti és Szobrász Akadémiához (1648), valamint az Orosz Három Legnemesebb Művészet Akadémiájához (1757) kapcsolódik. Minden intézmény tevékenysége szigorúan szabályozott oktatási rendszeren alapult, amely a korábbi korszakok - az ókor és az olasz reneszánsz - nagy eredményeire irányult, amelyekből tudatosan kiválasztották a klasszikus művészet egyéni tulajdonságait, amelyeket ideálisnak és felülmúlhatatlannak fogadtak el.

A művészetben az akadémizmus útját nem jellemezték nagy felfedezések vagy eredmények. Mesterségessége („kitalált”) és eklektikus jellege miatt nem művészeti stílus.

A. Bouguereau Pihenés aratás közben. 1865

A 19. században virágzott az akadémizmus. Franciaországban ez az irányzat olyan neves mesterek munkásságához kapcsolódik, mint Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, akiknek műveit páratlan kivitelezési tudásuk jellemzi.

A szentpétervári Művészeti Akadémia falai között világhírű akadémiai művészek egész sorát nevelte: Karl Brjulovot, Alekszandr Ivanovot, Henrik Szemiradszkijt és Fjodor Brunit.

A. Alma-Tadema: Mózes felfedezése. 1904

Korunkban az „akadémizmus” fogalma túllépett egy művészeti mozgalom keretein: további jelentést kapott, és olyan művészek alkotásaira alkalmazzák, akik szisztematikus művészeti képzettséggel és klasszikus készségekkel rendelkeznek a magas technikai képzettségű művek létrehozásában.

AKCIÓZMUS

Christo és Han-Claude. 53. kapu, 2006

Az avantgárd művészetben az 1960-as években megjelent számos forma gyűjtőneve.

A művészet és a valóság közötti határvonal eltörlésének vágya arra készteti az avantgárd művészeket, hogy a művészi kifejezés új módjait keressék, amelyek eltérnek a hagyományos (azaz statikus) formáktól, dinamikát adnak a műnek, valamilyen cselekvésbe (akcióba) vonják be. A cselekvés (vagy a cselekvés művészete) általános fogalommá válik a művészeti gyakorlatokban, amelyekben a hangsúly magáról a műről az alkotás folyamatára helyeződik át.

K. Oldenburg. Kanalas híd egy cseresznyével a kezében. 1985

Az akcionizmus eredetét a dadaisták és a szürrealisták előadásaiban, az absztrakt művészek (különösen D. Pollock) tevékenységében kell keresni, akik az expresszív írás - „akciófestészet” - elvét vallották.

ANAKRONIZMUS

K.M. Mariani: Az elme által vezetett kéz. 1983

A posztmodern festészet egyik irányzata a múlt művészetének szerzői értelmezését kínálja. A modernizmus (azaz avantgárd művészeti irányzat) elutasításának eredményeként létrejött posztmodernizmus céljául a korábbi évszázados kultúra régi formáihoz, történelmi hagyományaihoz és stílusaihoz való visszatérést tűzte ki. Új formák keresése során a posztmodern művészek különböző korok és kultúrák művészeti stílusait ötvözik, ennek alapján egyéni mitológiát teremtve, amely összefüggésben áll a szerző személyes tapasztalataival.

Az anakronizmus az 1970-es évek végén jelent meg Olaszországban, majd később Franciaországban is elterjedt. Legfontosabb szellemi forrása Giorgio De Chirico munkássága volt, aki „metafizikai korszaka” után az 1920-as években a klasszikus művészet felé fordult. Az anakronizmust, vagy ahogy magukat nevezik, „kultúrművészeket” a reneszánsz, a manierizmus és a barokk mestereinek művei inspirálják, akiket parafrázissal, parodizálással próbálnak a klasszikus hagyományt a posztmodern kultúra mozaikos kontextusába illeszteni.

ANALITIKUS MŰVÉSZET

P. Filonov. Parasztcsalád 1914

Az analitikus művészet egy művészeti módszer, amelyet Pavel Filonov fejlesztett ki és támasztott alá elméleti munkáiban („Kánon és jog”, 1912; „Készített képek”, 1914; „A »Világvirágzás« nyilatkozata”, 1923) és saját festményeiben. A kubizmust a racionalista elv hordozójának tekintve Filonov szembeállította azt a művészi forma szerves növekedésének (ahogy a fa nő) elvével és a festmények „készített” minőségével.

P. Salzman Hármas önarckép. 1932

Az analitikus művészet fő álláspontja a létrehozottság elve. A művész „felépíti” a képét, ahogyan a természet „alkot” nagyobb képződményeket atomokból és molekulákból. Megértve, hogy „bármely tárgyban nincs két predikátum, forma és szín, hanem egy egész világ látható és láthatatlan jelenségekből, azok kisugárzásából, reakcióiból, zárványaiból, keletkezéséből, létezéséből, ismert vagy titkos tulajdonságaiból, amelyeknek viszont néha számtalan predikátumuk van”, Filonov meg volt győződve arról, hogy a tulajdonságok mindezen sokfélesége plasztikusan kifejezhető a festészetben.

Egy mű létrehozásakor a művésznek nemcsak a nyilvánvalóra, a láthatóra („látó szem”), hanem a láthatatlanra („ismerő gáz”, rejtett folyamatok rögzítése) is támaszkodnia kell - az ábrázolt tárgy szerkezetének és működésének belső mintázataira. A művész a tárgyról vagy jelenségről alkotott belső „látását” grafikus és képi konstrukciókká alakítja át a „forma szerves fejlődésének törvénye” alapján, a természettől kölcsönözve (nem az általa létrehozott formákat, hanem a „hatódásának” módszereit utánozva), és a „kánonnal” (mesterségesen konstruált formák) szemben.

Tatyana Glebova Színkimenet

Miután megértette ezt a törvényt, a művész képes „alkotni” egy bizonyos képet, olyan organikusan, hogy az önfejlesztésre képes, mintha maga a szerző nem is venne részt ebben a folyamatban (a természetben minden élőlényhez hasonlóan növekszik és fejlődik). P. Filonov úgy vélte, hogy az általa létrehozott művészet a jövő művészete, amely a „világvirágkorhoz” vezet, mivel az ember és a természet harmonikus kölcsönhatásán, számos, a néző értelméhez intézett tudományos elven és annak fejlesztésén alapul ("hogy tényező legyen az intelligencia evolúciójában"). Az analitikus művészet mesterei: Pavel Filonov, Tatjana Glebova, Alisa Poret, Mihail Cibasov, Szófia Zaklinovszkaja, Pavel Zalcman, Pavel Kondratyev, Borisz Gurvics, Nyikolaj Jevgrafov, Vszevolod Szulimo-Szamuillo, Jurij Hrzsanovszkij

FÖLDALATTI

Oscar Rabin, „Fürdők (Szagláljuk meg a moszkvai kölni vizet)”, 1966.

Underground (angol underground - underground, dungeon) - szűkebb értelemben - bármilyen nem kereskedelmi célú, kísérleti művészet; tágabb értelemben - az Egyesült Államokban az 1950-es évek végén felmerült fogalom és jelenség, amely az úgynevezett ellenkultúra szerves részét képező "underground" kultúrát jelenti, amely szembeszállt a kulturális társadalmat uraló korlátozásokkal és konvenciókkal. Az underground művészet, amelyet áthat a disszidens szellem. Elutasítja és megsérti a társadalomban elfogadott politikai, erkölcsi és etikai irányultságokat és viselkedési típusokat, antiszociális viselkedést vezet be a mindennapi életbe. Az amerikai és európai underground tipikus témái a "szexuális forradalom" és a drogok.

Lev Kropivnickij

A szovjet időszakban ez a fogalom némileg más jelentést és politizáltabb formákat öltött: itt a rezsim szigora miatt szinte minden nem hivatalos, azaz a hatóságok által el nem ismert művészet, beleértve a zenét és az irodalmat is, földalattinak bizonyult. Az 1950-es évek közepétől az 1980-as évek végéig. A „művészeti ellenállást” számos egyesület tevékenysége képviselte, amelyek közül a leghíresebbek a „Lianozovskaya” (E. és L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin és mások (1956-tól az 1970-es évek közepéig)), a „Sretensky Boulevard” (I. Kabakov, E. Nyeizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster és mások (1960-tól az 1970-es évek közepéig)), a „Kollektív Akciók” (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko és mások (1975 óta)), a „Légyölő galócák” (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko és mások (1978 óta)) csoportok voltak. Az underground mozgalom olyan művészek kreativitását fejlesztette ki, akik nem csatlakoztak semmilyen egyesülethez (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), hanem a társadalmi művészet (E. Bulatov, V. Komar és A. Melamid), valamint más avantgárd mozgalmak (Avantgárd Művészek Csoportja, Világbajnokok) képviselői voltak.

A. Zverev portréja 1969

A Szovjetunió politikai rendszerének összeomlása, és ezzel együtt a művészi alkotótevékenység szabadságát korlátozó intézkedések és tilalmak feloldása után az underground mint kulturális jelenség semmivé vált. Az underground mesterei: Lev Kropivnickij, Ljubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilja Kabakov, Ernst Nyejzvestnij, Jurij Szobolev, Julo Sooster, Kirill Zvezdocsetov, Mihail Semjakin, Anatolij Zverev, Vadim Szidur, Vitalij Komar, Alekszandr Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies rajz - 4. Berlini rajzok sorozata.

Az art brut (franciául: Art brut – durva, nyers művészet) a 20. század közepének európai művészeti irányzata, melynek alapítója és vezetője a francia Jean Dubuffet művész volt, aki kidolgozta a tiszta művészet, a szépséget és a harmóniát elutasító művészet fogalmát. Minden ember művész; az ember számára a rajzolás olyan természetes, mint a beszéd vagy a járás. A „fojtogató kultúra” hagyományai és ismeretei által mentesen, ösztönösen és közvetlenül alkot.

J. Dubuffet dzsesszegyüttes, 1955

Dubuffet szerint az Art Brut a kreativitás legtisztább formájában: a tudat és az elme mélyéről fakadó spontán szellemi kitörés, papíron rögzítve vagy anyagban megtestesülve. Az elmebetegek, a társadalomtól elzárkózott emberek művészetéhez fordul, csak őket tekintve igazi művészeknek, akik rendelkeznek azzal a szubjektivitással, amely valódi individualitást kölcsönöz az embernek.

Dubuffet eleinte másolta a stílusukat műveiben, szándékosan primitív, "barbár" formákat és képeket alkotva, figuratív és absztrakt módon, váratlan színmegoldásokkal és látszólag esetlen írásmóddal. 1948-ban pedig a szürrealista íróval, André Bretonnal és a spanyol művész Antoni Tapiesszel közösen megalapította a "Company of Brute Art"-ot Párizsban, amelynek célja a marginalizáltak művészetének megőrzése és tanulmányozása volt. Az összegyűjtött, mintegy 5000 rajzot, festményt, tárgyat és szobrot tartalmazó gyűjtemény képezte az 1976-ban Lausanne-ban (Svájc) alapított Art Brut Múzeum alapját.

J. Dubuffet önarckép, 1958

A kortárs művészetben az „art brut” fogalma magában foglalja a társadalmon kívül létező emberek – mentálisan betegek, fogyatékkal élők, mindenféle marginalizált ember – munkáit, valamint J. Dubuffet műveit, amelyeket ezek a példák ihlettek. Az art brut egy szélesebb körű mozgalom – az „Outsider art” (outsider art) – része, amely az elmúlt évtizedben komoly mozgalommá vált a világművészeti folyamatában. Sok szempontból ez a radikális és militáns értelmiségi, Jean Dubuffet érdeme, aki új módon tekintett a világra. Az Art Brut mesterei: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, Petra kunyhója projekt, 1982

Az Arte Povera (olaszul: Arte povera – szegény művészet) egy avantgárd irányzat, amely az 1960-as évek végén – az 1970-es évek elején jelent meg az olasz művészetben, és más európai országokban is elterjedt. Alapja az ipari és természeti tárgyakból készült installációk létrehozása volt, előnyben részesítve a legegyszerűbb, „legszegényebb” anyagokat (például föld, homok, szén, szemét, alapvető háztartási cikkek, régi, elhasználódott ruhák és cipők stb.).

Mario Merz cím nélkül

Az Arte Povera mozgalom a minimalizmus és a konceptualizmus fokozott intellektualizmusára és racionalizmusára adott válaszként született, drága anyagaikkal és technológiáikkal a műtárgyak előállításához. Az Arte Povera művészei alkotásaik megalkotásakor az embert pillanatnyilag körülvevő „egyszerű dolgok világa” felé fordultak, és a hétköznapok különleges poétikáját igyekeztek feltárni, kontrasztokkal játszva – kiszakítva a dolgokat megszokott kontextusukból, és egy másik valóságba, a fényűző palotacsarnokok és múzeumi terek valóságába helyezve őket.

L. Fontana cím

Különös figyelmet fordítottak a tárgyak heterogenitására (antik szobrok fejeinek gipszmásolatai és szén- vagy gáztüzelésű zacskók), a rövid életű anyagokra, amelyek a légkör hatása alatt vagy kémiai és fizikai tulajdonságaik miatt változnak (például viasz, szivacs, gumi stb.). Ez adott Arte Povera műveinek egyfajta művészi szimbolikát, amely nem alkalmas egyértelmű értelmezésre. A művészet, amely mindenhol körülvesz minket, múlandó és megfoghatatlan, mint az élet egy pillanata. Tisztán maradandó. És ezért haszontalan, de ez a szépsége.

Az Arte Povera mesterei: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROKK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizi Képtár. Firenze. Olaszország

A barokk az egyik legnagyobb stílus, amely a 16. század végétől a 18. század közepéig uralta az európai országok építészetét és művészetét.

A barokk (olaszul: barocco - bizarr, különös) szülőhelye Olaszország, ahol az új stílus meghonosodása a reneszánsz végét jelentette harmonikus világképével, az emberi elme határtalan lehetőségeibe vetett hitével és az egyetemes létezés rendezettségével.

A barokk fő jellemzői a lépték, a dekoráció bősége, a viharos dinamika, az illuzórikus hatások elérésére való törekvés a belső tér szervezésében - a szobák méretének növelése tükrök segítségével; a csarnokok magassága a festői lámpaernyőknek köszönhetően, a perspektíva komplex megoldásával.

Mindez a világegyetem egy új képének felelt meg - változónak, konfliktusosnak, ahol a haldokló és a feltörekvő állandó konfrontációban áll, és az ember szenvedélyeivel, zavaros, összetett belső világával gyakran irracionális erők kényére-kedvére van.

Simon Vouet, Szent Cecília angyallal. 17. század első fele. Magyar Szépművészeti Múzeum. Budapest. Magyarország

Nem véletlen, hogy a barokk eltávolodik a tisztaságtól és az egyszerűségtől, az elegáns ívet részesíti előnyben a geometrikus szigorúsággal és az egyenes vonallal szemben; az örvényt a rendezett mozgással szemben; a csillogó arany tónusokat, amelyek fény és árnyék hatására változnak, vagy a fényes, ünnepi, győzedelmes hangzásukban váratlanul diszharmonikusak a helyi színekkel szemben.

A barokk lenyűgöző belső tereivel lenyűgözi a színházi díszletekre emlékeztető látványos belső tereket, a díszítésükhöz használt anyagok és textúrák kontrasztos kombinációját, és néha a „valódi” részletek megdöbbentő beépítését a műalkotásokba, például a valódi fogakat és hajat a női szobrokban.

A barokk stílus egyedi együttest hozott létre, az építészet, a monumentális és a díszítőművészet szintézisét, amely csak rá jellemző volt.

Minden európai országban a barokk stílusnak megvannak a maga sajátosságai, miközben megőrzi a stílus főbb jellemzőit. Így hazájában, Olaszországban ez a stílus a legélénkebben és időben korábban valósult meg, mint például Franciaországban, ahol a 17. században a klasszicizmusé volt a vezető szerep.

Oroszországban a barokk fejlődése a 18. század első felére és közepére esik. Mentesülve a katolikus országokban erre a stílusra jellemző misztikus felmagasztalástól, az oroszországi barokk művészet az erősödő autokratikus hatalmat dicsőíti.

A 18. század első felében a barokk mindenhol a rokokó stílus kecses könnyedsége felé fejlődött, együtt létezett és összefonódott vele, majd az 1760-as évektől a klasszicizmus váltotta fel.

BAUHAUS

Ősi hang, absztrakt feketén, Paul Klee, 1925

Bauhaus (németül: Bauhaus – „építőipar”), Építőipari és Művészeti Tervező Főiskola, amelyet a német építész, W. Gropius alapított Weimarban 1919-ben.

A szerző elképzelése szerint a Bauhaus feladata az volt, hogy a „divergens” művészetet, kézművességet és technológiát egyetlen „művészeti produkcióvá” egyesítse, középkori építőcéhek formájában összekapcsolja őket, de új tudományos és technikai alapokon. Először minden diák egy 6 hónapos előzetes képzésen vett részt, ahol az anyagok tulajdonságait és a kézművesség alapjait, valamint a forma- és rajzelméletet tanulmányozták. Ezt követően műhelyekben dolgozhattak: kreatív és produkciós, ahol a hangsúly a lecke gyakorlatán volt. A diákok hajlamaitól függően építészekké, művész-tervezőkké, fotósokká, tervezőkké képezték őket.

Paul Klee: Klee elemzése a különféle perverzitásokról, 1922, Gyűjtemény

V. Gropius különös figyelmet fordított a hitét osztozó tanárok kiválasztására: különböző években V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger művészek, L. Moholy-Nagy és J. Itten tervezők dolgoztak itt.

A Bauhaus fénykora a weimari korszakhoz köthető, amelyet a neoromantizmus hatása jellemzett. 1925-ben a Bauhaus Dessauba költözött, és egy V. Gropius által tervezett épületben kapott helyet, amelyet a funkcionalista építészet egyik remekművének tartanak. A dessaui időszakot a technikai-utilitarista tendenciák megerősödése, a Bauhaus stílus kialakulása jellemzi, amelyet a formák tisztasága, az eszközök minimalizmusa, a szabványos formatervezés, valamint az ipari módszerek és anyagok fejlődése jellemez.

Vaszilij Kandinszkij, Szent György és a sárkány (1914-15).

1928-ban a svájci építész, H. Mayer vette át az igazgatói posztot. Az általa bevezetett újítások (a társadalomtudományok tanulmányozása) azonban elégedetlenséget váltottak ki a tanárok és a diákok körében, és 1930-ban a Bauhaus élére a német építész, L. Mies van der Rohe került, aki az oktatási intézmény 1933-as, a nácik általi bezárásáig igazgató maradt.

Vaszilij Kandinszkij. Cím nélküli első absztrakt akvarell. 1910-1913

A Bauhaus alapelveit és oktatási módszereit azonban más országokban is átvették, és eszméi mélyreható hatást gyakoroltak az alkalmazott és képzőművészet fejlődésére (a könyvgrafikától és a reklámoktól kezdve a bútorokig és a háztartási cikkekig).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Moholy-Nagy László, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERIZMUS

D. Fattori. A tengerparton. 1893

A verizmus (olaszul verismo, szóból vero - igazmondó, igaz) a 19. század utolsó harmadának olasz művészeti kultúrájában kialakult mozgalom, amely kezdetben az irodalomban és a zenében keletkezett, majd a képzőművészetre is átterjedt.

A verizmus alapelvei főként a francia naturalizmus hatására alakultak ki. E. Zola, G. Flaubert és G. de Maupassant műveire építve a veristák munkájuk fő feladataiként az objektivitást és a tények tanulmányozásának tudományos megközelítését (a pozitivizmus szempontjából) tűzték ki a modern olasz társadalom életének valóságának, az átlagemberek életének és pszichológiájának ábrázolásában. E mozgalom nemzeti eredetisége az elnyomott munkások iránti mély szimpátiában nyilvánult meg, akiknek élete (főleg a parasztság és a vidéki szegények) a verizmus teoretikusainak - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli - regényeinek és novelláinak, valamint P. Mascagni, R. Leoncavallo és G. Puccini operáinak fő tartalma volt.

S. Lega olasz Barsaglieri vezető osztrák foglyok, 1861

A képzőművészetben a veristák közvetlen elődei a firenzei "Macchiaioli" iskola művészei voltak, akik munkájukban az olasz nép nemzeti felszabadító harcának, a városi és vidéki életnek a témái felé fordultak. A festészetben a verizmust főként nápolyi mesterek képviselték, akik társadalomkritikus tendenciákat fejlesztettek ki a művészetben (a munkásosztály küzdelme a jogaiért, a nehéz paraszti élet), és az olasz történelem és kultúra kiemelkedő alakjainak képeinek egész galériáját alkották meg.

A veristák azonban nem látták a társadalmi igazságtalanság felszámolásának társadalmi lehetőségét; munkásságukat a pesszimizmus és a lehangoló hangulatok, a valóság passzív-naturalisztikus felfogása (irodalomban és festészetben) vagy melodráma, a felszínes illusztratív stílus, a túlzott érzelmesség (zenében) uralta. Bár a verizmus nem terjedt el széles körben az olasz képzőművészetben, ennek ellenére fontos szerepet játszott a realista tendenciák kialakulásában a világ művészeti folyamatában.

A Verismo mesterei: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEÓMŰVÉSZET

Nam June Paik, Robotcsalád, 1976

A videóművészet a 20. század utolsó harmadának vizuális művészeti irányzata, amely a videotechnika lehetőségeit használja ki. Magával a televízióval ellentétben, amely tömeges közönségnek szól, a videóművészet televíziós vevőkészülékeket, videokamerákat és monitorokat használ egyedi eseményekben, valamint kísérleti filmeket is készít a konceptuális művészet szellemében, amelyeket különleges kiállítóterekben mutatnak be. A modern elektronika segítségével mintegy „működésben lévő agyat” mutat be – egy vizuális utat egy művészi ötlettől a megvalósításáig. A videóművészet fő megalapítója a koreai származású amerikai Nam June Paik. A televíziós technológiát alkalmazó művészet – a videóművészet – éppen a tömegkultúra dominanciája elleni tiltakozásból született, amelynek legmagasabb megtestesülésének a televíziós műsorszórást tekintik. A videóművészet „atyái”, Nam June Paik és Wolf Vostell, mindketten a maguk módján gúnyt űztek a tiszteletreméltó polgárokból, akik minden este leülnek a televízió elé pihenni.

A 60-as években Wolf Vostell olyan happeningeket rendezett, amelyekben televíziókat dobáltak krémes sütikkel, szögesdróttal kötötték át, ünnepélyesen eltemették, sőt géppuskákkal is lövöldöztek rájuk. Nam Jun Paik, aki zenész végzettségű volt, finomabban cselekedett. Miután a „zenei vizualizáció” kísérleteivel kezdte, különböző méretű monitorokból és a hozzájuk tartozó képekből élőlények fejjel, karokkal és testtel ellátott látszatát keltette, „Anyának”, „Apunak”, „Gyereknek”, „Nagynéninek”, „Bácsinak” stb. nevezve őket.

Nam June Paik Új műve, 1983

A 60-as években, videokamerák nélkül megjelent videóművészet fiatal művészeti formának számít. Mint mindig, eleinte a magányos rajongók területe volt, de a 80-as évek végére világossá vált, hogy a videó számtalan lehetőséget rejt magában a művészet kifejezőeszközeinek gazdagítására. Ebben jelentős szerepet játszottak Bill Viola alkotásai, aki lenyűgöző és lenyűgöző képek egész világát teremtette meg, amelyben a valóság és a fantázia annyira bonyolultan összefonódik, hogy egyfajta „új valóság” születik belőlük. Ma már mindenki számára világos, hogy a huszadik században Viola és Pike videóművészek neve ugyanolyan jelentős, mint Monet és Van Gogh neve volt a tizenkilencedikben. A jó művészet mindig erős hatással van az emberre – érzéseket, gondolatokat, ötleteket és cselekedeteket ébreszt benne. A videóművészet olyan technikai befolyásoló eszközökkel rendelkezik, amelyek erősebbek, mint a festészet, a grafika és a szobrászat. Talán csak maga az élet versenyezhet a videóművészettel a hatás intenzitásában. Nem véletlen, hogy ezt a leghihetőbb művészetet Wolf Vostell „menekülés a valóságba”-nak nevezte.

GEOMETRIAI ABSZTRAKCIÓ

Lyubov Popova kompozíció, 1917

A geometrikus absztrakció (más nevek hideg absztrakció, logikai, intellektuális absztrakcionizmus) az absztrakt művészet egy olyan irányzata, amely a művészi tér létrehozásán alapul különféle geometriai alakzatok, színes síkok, egyenes és törött vonalak kombinálásával.

A geometrikus absztrakció Paul Cézanne és a kubisták kereséseiből nőtte ki magát, akik elsőként követték a természet deformációjának útját egy „új valóság” keresése során. Számos ága volt. Oroszországban M. Larionov rayonizmusa volt az, amely a fizika legújabb felfedezéseire adott sajátos reakcióként született; O. Rozanova, L. Popova és V. Tatlin „nem-objektivitása”, amely később konstruktivizmussá nőtte ki magát; K. Malevics szupermatizmusa, amelyben a nem-objektivitást „új képi realizmusnak” tekintették; Franciaországban részben Robert Delaunay orfizmusa; de fő képviselője a P. Mondrian és T. Van Doesburg vezette holland „Style” („De Stijl”) csoport volt, amely a neoplasztikusság – a tiszta plaszticitás művészete – koncepcióját vetette fel, amelynek feladata a természet megtisztítása az illuzórikus sokféleségtől és a benne rejlő elsődleges séma leleplezése volt.

Mihail Larionov Fürdőzők, 1909

A geometrikus absztrakció, amely jelentős hatással volt a modern építészet, formatervezés, ipari, dekoratív és alkalmazott művészetek fejlődésére, a művészet domináns irányzata maradt a század végéig.

II. világháború. Az 1950-es években az „absztraktizmus lírai áramlatai” (tachizmus, absztrakt expresszionizmus) kerültek előtérbe.

Olga Rozanova Kompozíció vonattal, 1911

Az 1960-as években azonban, a minimalizmus és az op art megjelenésével a művészeti színtéren, a geometrikus absztrakció második születést kapott.

A geometriai absztrakció mesterei: Kazimir Malevics, Mihail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HIPERREALIZMUS

Richard Estes utca

A hiperrealizmus (más nevei: szuperrealizmus, fotorealizmus, hideg realizmus, radikális realizmus) egy művészeti irányzat a festészetben és a szobrászatban, amely az 1960-as években alakult ki az Egyesült Államokban, és az 1970-es években terjedt el Európában.

A figuratív művészet egyik formájaként a hiperrealizmus a valóság reprodukálásának aprólékos precizitásán és részletességén alapul, a fényképezés sajátosságait utánozva. A hiperrealisták alkotásai aprólékosan másolt fényképek, amelyeket egy nagy vászon méretére nagyítottak fel.

Don Eddy. Régi modellautók

Néhány, ebben az irányban alkotó művész ténylegesen fényképeket és színes diákat használt művei alapjául. Ugyanakkor megőrizték a fotografikus kép minden jellemzőjét, amihez a művészek mechanikus másolási technikákat alkalmaztak: diavetítés, üvegezés, ecset helyett airbrush, emulziós bevonat stb. Az ilyen technológiák alkalmazása nem volt véletlen: hangsúlyozta a mechanikus jelleget, kiiktatta az emberi jelenlétet az alkotás folyamatából, mintha meg akarta volna akadályozni a művész saját, személyes világképét. Talán ezért tűnik a hiperrealizmus világa élettelennek, hidegnek és a néző szupervalóságától elszakadtnak.

Ralph Goings: Nyári nap

A hiperrealizmus célja a mindennapi valóság ábrázolása, fő témái pedig a modern város személytelen, gépesített élete, a személytelen élő rendszer egy zord és durva világban. Témái szándékosan banálisak, képei hangsúlyozottan "objektívek". Autók, lakóépületek, éttermek, benzinkutak, telefonfülkék, hirdetőtáblák és ritkán élő emberek - "utcai karakterek", amelyek képei ironikus árnyalatúak vagy reménytelenséggel teltek. A festmények a valóság képét keltik, de nem a valódit, hanem sokaságában tükröződnek az üveg kirakatokban, a csiszolt autókarosszériákban, a fényesre polírozott gránitban. Ezeknek a tükröződéseknek a játéka, amelyet a művész pontosan reprodukál, a térbeli zónák összefonódásának, a tervek bonyolult kapcsolatának benyomását kelti, elzavarja a nézőt, és valószerűtlenség érzetét kelti.

A hiperrealizmus mesterei: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.