Courants dans l'art et la peinture

EXPRESSIONNISME ABSTRAIT

J. Pollock. Moby Dick. 1943

Mouvement d'art abstrait apparu aux États-Unis dans les années 1940 et représenté principalement par les œuvres des artistes de l'École de New York. L'expressionnisme abstrait poursuit la « libération » de l'art de toute emprise de la raison et des lois logiques, se fixant pour objectif l'expression spontanée du monde intérieur de l'artiste, de son subconscient, sous des formes chaotiques et abstraites. Son principe créatif principal est l'application spontanée et automatique de la peinture sur la toile, sous l'influence exclusive d'états mentaux et émotionnels.

F. Klein. Noir sur fond vert, rouge et jaune. 1948

À un rythme soutenu, les artistes couvraient la surface de la toile de larges coups de pinceau énergiques, souvent par la technique du dripping (éclaboussures ou extrusion de la peinture). Le processus de création d'un tableau se déroulait souvent en public : une performance complète se jouait devant le public, où les gestes et les mouvements de l'artiste jouaient un rôle aussi actif que les jets de peinture tombant et se déversant sur la toile.

L'expressionnisme abstrait a dominé la culture américaine jusqu'au début des années 1960, devenant l'un des premiers mouvements sérieux de la peinture américaine et influençant le développement de l'art mondial.

ABSTRACTIONNISME

V. Kandinsky. Composition 8 1913.

L'un des principaux courants artistiques du XXe siècle, dont la structure repose exclusivement sur des éléments formels – lignes, taches de couleur, configuration abstraite. Les œuvres abstraites se détachent des formes mêmes de la vie : les compositions non objectives incarnent les impressions et les fantasmes subjectifs de l'artiste, le flux de sa conscience, et génèrent des associations libres, des mouvements de pensée et une empathie émotionnelle.

Il est impossible de déterminer précisément l'époque d'émergence de l'abstractionnisme ni son fondateur. Ses inspirateurs reconnus sont les artistes Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch, Piet Modrian, František Kupka et Robert Delaunay, qui ont exposé les principales caractéristiques de ce mouvement dans leurs travaux théoriques et leurs déclarations programmatiques.

F. Leger La Jeune Fille à la Fleur. 1954

L'abstractionnisme est né comme un courant artistique restreint. Au début des années 1930, des associations d'abstractionnistes ont commencé à émerger (« art concret » – 1930, « cercle et carré » – 1930, et autres), regroupant sous leurs bannières des artistes de nationalités et de courants différents. Au milieu des années 1930, l'intérêt pour l'abstraction avait fortement décliné, et ces associations se sont dissoutes. Il a connu une renaissance aux États-Unis, où l'expressionnisme abstrait a émergé au début des années 1940, utilisant des formes non objectives pour l'expression spontanée du monde intérieur de l'artiste.

La dernière forme populaire d’art abstrait fut le pop art, apparu dans les années 1960, après quoi l’art abstrait tomba dans l’oubli.

AVANT-GARDISME

P. Picasso Trois musiciens 1921

Ensemble de tendances et d'orientations novatrices et rebelles dans la culture artistique du XXe siècle. À différentes époques historiques, le rôle de l'avant-garde a été joué par des courants successifs : les années 1900-1910 ont vu l'émergence du fauvisme, du cubisme, du futurisme, de l'expressionnisme, du dadaïsme et de l'art abstrait ; dans les années 1920-1930, le surréalisme a pris le dessus ; dans l'après-guerre, de nouvelles tendances de l'abstraction ont émergé : expressionnisme abstrait, tachisme, art informel, etc. ; les années 1960-1970 ont marqué la transition entre l'avant-garde « classique » et la néo-avant-garde, ou postmodernisme, avec ses composantes : actionnisme, pop art, conceptualisme, art cinétique et autres pratiques artistiques.

ACADÉMISME

A. Cabanel Phèdre. 1880

Un courant des beaux-arts dont le développement repose sur les académies d'art. L'histoire du développement de l'académisme est associée à l'Académie de ceux qui ont suivi le droit chemin de Bologne (vers 1585), à l'Académie royale française de peinture et de sculpture (1648) et à l'Académie russe des trois plus nobles arts (1757). Les activités de toutes ces institutions reposaient sur un système d'enseignement strictement réglementé, axé sur les grandes réalisations des époques précédentes – l'Antiquité et la Renaissance italienne –, d'où les qualités individuelles de l'art classique étaient soigneusement sélectionnées, considérées comme idéales et inégalées.

Le parcours de l'académisme en art n'a pas été marqué par de grandes découvertes ou réalisations. En raison de son côté artificiel (« fait maison ») et de son éclectisme, il ne constitue pas un style artistique.

A. Bouguereau Repos pendant les vendanges. 1865

L'académisme s'épanouit au XIXe siècle. En France, ce courant est associé à l'œuvre de maîtres aussi renommés que Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme et Paul Joseph Jamin, dont les œuvres se distinguent par une maîtrise d'exécution inégalée.

L'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg a également nourri dans ses murs une galaxie d'artistes académiques de renommée mondiale : Karl Bryullov, Alexandre Ivanov, Henryk Semiradsky et Fiodor Bruni.

A. Alma-Tadema La découverte de Moïse. 1904

À notre époque, le concept d’« académisme » a dépassé le cadre d’un mouvement artistique : il a acquis une signification supplémentaire et s’applique désormais aux œuvres d’artistes qui ont une formation artistique systématique et des compétences classiques dans la création d’œuvres de haute technicité.

ACTIONNISME

Christo et Han-Claude. Porte n° 53, 2006

Nom général désignant un certain nombre de formes apparues dans l’art d’avant-garde dans les années 1960.

Le désir d'effacer la frontière entre art et réalité conduit les artistes d'avant-garde à rechercher de nouvelles formes d'expression artistique, différentes des formes traditionnelles (c'est-à-dire statiques), dynamisant l'œuvre et l'impliquant dans une action. L'action (ou l'art de l'action) devient un concept général pour les pratiques artistiques où l'accent est déplacé de l'œuvre elle-même vers son processus de création.

K. Oldenburg. Pont en cuillère tenant une cerise. 1985

Les origines de l'actionnisme doivent être recherchées dans les performances des dadaïstes et des surréalistes, dans les activités des artistes abstraits (en particulier D. Pollock), qui professaient le principe de l'écriture expressive - « action painting ».

ANACHRONISME

K.M. Mariani La Main guidée par l'esprit.1983

L'un des courants de la peinture postmoderne, proposant une interprétation de l'art du passé par l'auteur. Né du rejet du modernisme (c'est-à-dire du courant artistique d'avant-garde), le postmodernisme se fixe comme objectif un retour aux formes, traditions et styles anciens de la culture séculaire précédente. En quête de nouvelles formes, les artistes postmodernes mélangent des styles artistiques de différentes époques et cultures, créant ainsi une mythologie singulière, en corrélation avec l'expérience personnelle de l'auteur.

L'anachronisme est apparu à la fin des années 1970 en Italie et s'est ensuite répandu en France. Sa principale source spirituelle fut l'œuvre de Giorgio De Chirico, qui se tourna vers l'art classique dans les années 1920 après sa « période métaphysique ». Les anachronistes, ou « artistes culturels », comme ils se qualifient eux-mêmes, s'inspirent des œuvres des maîtres de la Renaissance, du maniérisme et du baroque, qu'ils paraphrasent, parodient, cherchant à intégrer la tradition classique au contexte mosaïque de la culture postmoderne.

ART ANALYTIQUE

P. Filonov. Famille paysanne, 1914

L'art analytique est une méthode artistique développée et étayée par Pavel Filonov dans ses œuvres théoriques (« Canon et Loi », 1912 ; « Tableaux réalisés », 1914 ; « Déclaration de la « floraison mondiale », 1923) » et dans sa propre peinture. Considérant le cubisme comme porteur du principe rationaliste, Filonov l'opposait au principe de croissance organique (comme un arbre) de la forme artistique et à la qualité « réalisée » des peintures.

P. Salzman Triple autoportrait. 1932

Le principe de création est la position principale de l'art analytique. L'artiste « construit » son tableau, comme la nature « crée » des formations plus vastes à partir d'atomes et de molécules. Comprenant « que dans tout objet il n'y a pas deux prédicats, la forme et la couleur, mais tout un monde de phénomènes visibles et invisibles, leurs émanations, réactions, inclusions, genèse, existence, propriétés connues ou secrètes, qui à leur tour possèdent parfois d'innombrables prédicats », Filonov était convaincu que toute cette diversité de propriétés pouvait s'exprimer plastiquement en peinture.

Lors de la création d'une œuvre, l'artiste doit s'appuyer non seulement sur l'évident, le visible (« œil qui voit »), mais aussi sur l'invisible (« gaz connaisseur », capturant les processus cachés) – les schémas internes de la structure et du fonctionnement de l'objet représenté. L'artiste transforme sa « vision » intérieure de l'objet ou du phénomène en constructions graphiques et picturales fondées sur la « loi du développement organique de la forme », empruntée à la nature (imiter non pas les formes qu'elle crée, mais les méthodes par lesquelles elle « agit ») et opposée au « canon » (formes artificiellement construites).

Tatyana Glebova Sortie couleur

Ayant compris cette loi, l'artiste est capable de « créer » une image si organique qu'elle possède un potentiel d'auto-développement, comme si l'auteur lui-même n'y participait pas (elle grandit et se développe comme tous les êtres vivants de la nature). P. Filonov considérait que l'art créé selon sa méthode était l'art du futur, celui qui mènerait à l'apogée du monde, car il reposait sur l'interaction harmonieuse de l'homme et de la nature, sur un ensemble de principes scientifiques s'adressant à l'intellect du spectateur et le développant (« pour être un facteur d'évolution de l'intelligence »). Maîtres de l'art analytique : Pavel Filonov, Tatiana Glebova, Alisa Poret, Mikhaïl Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratiev, Boris Gurvich, Nikolaï Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Iouri Khrzhanovsky

SOUTERRAIN

Oscar Rabin, « Bains (Sentez l'eau de Cologne de Moscou) », 1966.

Underground (en anglais underground – underground, donjon) – au sens strict, tout art expérimental non commercial ; au sens large, concept et phénomène apparu aux États-Unis à la fin des années 1950 et désignant la culture « underground » comme partie intégrante de la contre-culture, s'opposant aux restrictions et conventions qui dominaient la société culturelle. L'art underground est imprégné d'un esprit dissident. Il rejette et viole les orientations politiques, morales et éthiques ainsi que les comportements acceptés dans la société, introduisant des comportements antisociaux dans la vie quotidienne. Les thèmes typiques de l'underground américain et européen sont la « révolution sexuelle » et la drogue.

Lev Kropivnitsky

Durant la période soviétique, ce concept a acquis une signification quelque peu différente et des formes plus politisées : en raison de la rigueur du régime, presque tout art non officiel, c'est-à-dire non reconnu par les autorités, y compris la musique et la littérature, est devenu clandestin. Du milieu des années 1950 à la fin des années 1980. « L'opposition artistique » était représentée par les activités de nombreuses associations, parmi lesquelles les plus célèbres étaient les groupes « Lianozovskaya » (E. et L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin et autres (de 1956 au milieu des années 1970)), « Sretensky Boulevard » (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster et autres (de 1960 au milieu des années 1970)), « Collective Actions » (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko et autres (depuis 1975)), « Fly Amanics » (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko et autres (depuis 1978)). Le mouvement underground a développé la créativité d'artistes qui n'ont adhéré à aucune association (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), mais qui étaient des représentants de l'art social (E. Bulatov, V. Komar et A. Melamid), et d'autres mouvements d'avant-garde (Groupe d'artistes d'avant-garde, Champions du monde).

Portrait d'A. Zverev 1969

Après l'effondrement du système politique de l'Union soviétique, et avec lui la levée des restrictions et interdictions à la liberté de création artistique, l'underground en tant que phénomène culturel a disparu. Les maîtres de l'underground sont : Lev Kropivnitsky, Lioubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Iouri Sobolev, Ioulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhaïl Chemyakine, Anatoli Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexandre Melamid.

AR BRUT

Dessin d'Antoni Tapies - 4. Série de dessins de Berlin.

L'Art brut est un mouvement artistique européen du milieu du XXe siècle, fondé et dirigé par l'artiste français Jean Dubuffet, qui a développé le concept d'art pur, un art qui rejette la beauté et l'harmonie. Chaque personne est un artiste ; pour un être humain, dessiner est aussi naturel que parler ou marcher. Libéré des traditions et du savoir d'une « culture étouffante », il crée de manière instinctive et directe.

Orchestre de jazz de J. Dubuffet, 1955

Selon Dubuffet, l'Art Brut est la créativité à l'état pur : une explosion mentale spontanée, venue des profondeurs de l'esprit et de la conscience, capturée sur papier ou incarnée dans la matière. Il se tourne vers l'art des malades mentaux, des personnes isolées de la société, les considérant comme les seuls véritables artistes, dotés de cette subjectivité qui confère à chacun une véritable individualité.

Au début, Dubuffet s'est inspiré de leur style dans ses œuvres, créant des formes et des images délibérément primitives, « barbares », figuratives et abstraites, frappantes par des solutions chromatiques inattendues et une écriture apparemment maladroite. En 1948, avec l'écrivain surréaliste André Breton et l'artiste espagnol Antoni Tápiès, il fonda à Paris la « Compagnie d'Art Brut », destinée à préserver et à étudier l'art des marginalisés. La collection, riche d'environ 5 000 dessins, peintures, objets et sculptures, constitua la base du Musée d'Art Brut, fondé en 1976 à Lausanne (Suisse).

Autoportrait de J. Dubuffet, 1958

Dans l'art contemporain, le concept d'« art brut » englobe les œuvres de personnes marginalisées – malades mentaux, personnes handicapées, personnes marginalisées de toutes sortes – ainsi que les œuvres de J. Dubuffet, inspirées par ces exemples. L'art brut s'inscrit dans un mouvement plus large, l'« art outsider », devenu un mouvement majeur dans le processus artistique mondial au cours de la dernière décennie. À bien des égards, c'est le mérite de l'intellectuel radical et militant Jean Dubuffet, qui a porté un regard nouveau sur le monde. Maîtres de l'art brut : Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey et Eugène von Brunchenhain.

ART PAUVRE

Mario Merz, projet de la cabane de Petra, 1982

L'Arte Povera (en italien : Arte povera – art pauvre) est un mouvement d'avant-garde né dans l'art italien à la fin des années 1960 et au début des années 1970, et qui s'est répandu dans d'autres pays européens. Il reposait sur la création d'installations à partir d'objets industriels et naturels, privilégiant les matériaux les plus simples et les plus « pauvres » (tels que la terre, le sable, le charbon, les déchets, les objets ménagers de première nécessité, les vieux vêtements et chaussures usés, etc.).

Mario Merz sans titre

Le mouvement Arte Povera est né en réponse à l'intellectualisme et au rationalisme exacerbés du minimalisme et du conceptualisme, avec leurs matériaux et technologies coûteux pour la production d'objets d'art. Les artistes de l'Arte Povera, en créant leurs œuvres, se sont tournés vers le « monde des choses simples » qui entourent momentanément l'homme et ont cherché à révéler la poétique particulière de l'ordinaire, jouant sur les contrastes – extrayant les objets de leur contexte habituel pour les placer dans une réalité différente, celle des somptueux palais et des espaces muséaux.

Titre de L. Fontana

Une attention particulière a été portée à l'hétérogénéité des objets (moulages en plâtre de têtes de statues antiques et sacs de charbon ou de brûleurs à gaz), matériaux éphémères qui se modifient sous l'influence de l'atmosphère ou en raison de leurs propriétés chimiques et physiques (comme la cire, l'éponge, le caoutchouc, etc.). Cela confère aux œuvres de l'Arte Povera un symbolisme artistique particulier qui ne se prête pas à une interprétation univoque. L'art, qui nous entoure partout, est fugace et insaisissable, comme un instant de vie. Il est éphémère. Et donc inutile, mais c'est là sa beauté.

Maîtres de l'Arte Povera : Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROQUE

Michel-Ange Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Galerie des Offices. Florence. Italie

Le baroque est l’un des grands styles qui ont dominé l’architecture et l’art des pays européens de la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle.

Le berceau du baroque (en italien : barocco - bizarre, étrange) est l'Italie, où l'établissement du nouveau style a signifié la fin de la Renaissance avec sa vision du monde harmonieuse, sa foi dans les possibilités illimitées de l'esprit humain et l'ordre de l'existence universelle.

Les principales caractéristiques du baroque étaient l'échelle, l'abondance du décor, la dynamique orageuse, la recherche d'effets illusoires dans l'organisation de l'espace intérieur - augmentation de la taille des pièces à l'aide de miroirs; la hauteur des salles grâce à des abat-jour pittoresques avec une solution complexe de la perspective.

Tout cela correspondait à une nouvelle image de l'univers - changeant, conflictuel, où les mourants et les émergents sont en confrontation constante, et l'homme avec ses passions, son monde intérieur confus et complexe se retrouve souvent à la merci de forces irrationnelles.

Simon Vouet, Sainte Cécile avec un ange. Première moitié du XVIIe siècle. Musée hongrois des Beaux-Arts. Budapest. Hongrie.

Ce n'est pas un hasard si le baroque s'éloigne de la clarté et de la simplicité, préférant une courbe élégante à la rigueur géométrique et à la ligne droite ; un tourbillon à un mouvement ordonné ; des tons dorés chatoyants changeant sous l'influence de la lumière et de l'ombre, ou brillants, festifs, étonnamment disharmonieux dans leur sonorité victorieuse à la couleur locale.

Le baroque impressionne par ses intérieurs spectaculaires, rappelant des décors de théâtre, la combinaison contrastée de matériaux et de textures utilisés pour leur décoration, et parfois l'inclusion choquante de détails « réels » dans les œuvres d'art, comme de vraies dents et de vrais cheveux dans les statues féminines.

Le style baroque a créé un ensemble unique, une synthèse d'architecture, d'arts monumentaux et décoratifs qui lui était propre.

Dans chaque pays européen, le baroque possède ses propres spécificités tout en conservant ses principales caractéristiques. Ainsi, dans son pays d'origine, l'Italie, ce style s'est imposé plus fortement et plus tôt que, par exemple, en France, où le classicisme occupait une place prépondérante au XVIIe siècle.

En Russie, le développement du baroque se situe entre la première moitié et le milieu du XVIIIe siècle. Libéré de l'exaltation mystique caractéristique de ce style dans les pays catholiques, l'art baroque en Russie glorifie le renforcement du pouvoir autocratique.

Dans la première moitié du XVIIIe siècle, le baroque évolue partout vers la légèreté gracieuse du style rococo, coexiste et s'entremêle avec lui, et à partir des années 1760, il est supplanté par le classicisme.

BAUHAUS

Son ancien, abstrait sur fond noir par Paul Klee 1925

Bauhaus (en allemand : Bauhaus – « maison de construction »), école supérieure de construction et de conception artistique, fondée par l'architecte allemand W. Gropius à Weimar en 1919.

Selon l'idée de l'auteur, le Bauhaus avait pour vocation d'unifier l'art, l'artisanat et la technologie « divergents » en une seule production artistique, de les relier à l'image des guildes de construction médiévales, mais sur une base scientifique et technique nouvelle. Au départ, tous les étudiants suivaient une formation préliminaire de six mois, au cours de laquelle ils étudiaient les propriétés des matériaux et les bases de l'artisanat, ainsi que la théorie de la forme et du dessin. Ensuite, ils étaient autorisés à travailler dans des ateliers de création et de production, où l'accent était mis sur la pratique. Selon leurs aspirations, les étudiants étaient formés pour devenir architectes, artistes-designers, photographes ou designers.

Paul Klee : Analyse kleenienne de diverses perversités, 1922, Collection

V. Gropius a accordé une attention particulière à la sélection des enseignants qui partageaient ses convictions : au fil des années, les artistes V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, les designers L. Moholy-Nagy et J. Itten ont travaillé ici.

L'apogée du Bauhaus est associée à la période de Weimar, marquée par l'influence du néo-romantisme. En 1925, le Bauhaus s'installe à Dessau dans un bâtiment conçu par V. Gropius, considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de l'architecture fonctionnaliste. Cette période à Dessau est marquée par le renforcement des tendances technico-utilitaires et la formation du style Bauhaus, caractérisé par la clarté des formes, le minimalisme des moyens, la standardisation du design et l'amélioration des méthodes et des matériaux industriels.

Vassily Kandinsky, Saint Georges et le Dragon (1914-15).

En 1928, l'architecte suisse H. Mayer prit la direction de l'établissement. Cependant, les innovations qu'il introduisit (l'étude des sciences sociales) suscitèrent le mécontentement des enseignants et des étudiants. En 1930, le Bauhaus fut dirigé par l'architecte allemand L. Mies van der Rohe, qui resta directeur jusqu'à la fermeture de cet établissement d'enseignement par les nazis en 1933.

Vassily Kandinsky. Sans titre, première aquarelle abstraite. 1910-1913

Cependant, les principes et les méthodes d'enseignement du Bauhaus ont été repris dans d'autres pays et ses idées ont eu un impact profond sur le développement des arts appliqués et des beaux-arts (depuis le graphisme des livres et la publicité jusqu'aux meubles et aux articles ménagers).

Maîtres du Bauhaus : Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VÉRISME

D. Fattori. Sur la côte. 1893

Le vérisme (de l'italien verismo de vero - véridique, vrai) est un mouvement de la culture artistique italienne du dernier tiers du XIXe siècle, qui est né initialement dans la littérature et la musique, puis s'est étendu aux beaux-arts.

Les principes du vérisme se sont principalement formés sous l'influence du naturalisme français. S'appuyant sur les œuvres d'E. Zola, G. Flaubert et G. de Maupassant, les véristes ont fixé comme objectifs principaux de leur travail l'objectivité et une approche scientifique de l'étude des faits (du point de vue du positivisme) dans la description des réalités de la société italienne moderne, de la vie et de la psychologie des gens ordinaires. L'originalité nationale de ce mouvement se manifestait par une profonde sympathie pour les travailleurs opprimés, dont la vie (principalement la paysannerie et les pauvres des provinces) constituait le sujet principal des romans et des nouvelles des théoriciens du vérisme – G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, et des opéras de P. Mascagni, R. Leoncavallo et G. Puccini.

S. Lega Barsaglieri italien menant des prisonniers autrichiens, 1861

Dans les arts visuels, les prédécesseurs immédiats des véristes furent les artistes de l'école florentine « Macchiaioli », dont les œuvres abordaient les thèmes de la lutte de libération nationale du peuple italien et de la vie urbaine et rurale. En peinture, le vérisme fut principalement représenté par les maîtres napolitains, qui développèrent des tendances sociales critiques dans l'art (la lutte de la classe ouvrière pour ses droits, la vie paysanne difficile) et créèrent toute une galerie d'images de figures marquantes de l'histoire et de la culture italiennes.

Cependant, les véristes ne voyaient pas de possibilité sociale d'éliminer l'injustice sociale ; leur œuvre était dominée par des humeurs pessimistes et pessimistes, une perception passive-naturaliste de la réalité (en littérature et en peinture) ou mélodramatique, une illustration superficielle et une émotivité exagérée (en musique). Bien que le vérisme ne se soit pas répandu dans les beaux-arts italiens, il a néanmoins joué un rôle important dans le développement des tendances réalistes dans le processus artistique mondial.

Maîtres du vérisme : Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

ART VIDÉO

Famille de robots Nam June Paik, 1976

L'art vidéo est un mouvement des arts visuels du dernier tiers du XXe siècle qui exploite les capacités de la technologie vidéo. Contrairement à la télévision, destinée à un public de masse, l'art vidéo utilise des récepteurs de télévision, des caméras vidéo et des moniteurs pour des performances uniques, et produit également des films expérimentaux dans l'esprit de l'art conceptuel, présentés dans des espaces d'exposition dédiés. Grâce à l'électronique moderne, il montre, pour ainsi dire, le « cerveau en action » – un chemin visuel qui mène d'une idée artistique à sa concrétisation. Le principal fondateur de l'art vidéo est l'Américain d'origine coréenne Nam June Paik. L'art utilisant la technologie télévisuelle – l'art vidéo – est né précisément d'une protestation contre la domination de la culture de masse, dont la diffusion télévisuelle est considérée comme l'incarnation suprême. Les « pères » de l'art vidéo, Nam June Paik et Wolf Vostell, se moquaient chacun à leur manière des citoyens respectables qui s'asseyaient chaque soir pour se détendre devant la télévision.

Dans les années 60, Wolf Vostell organisait des happenings où les téléviseurs étaient bombardés de gâteaux à la crème, attachés avec des barbelés, enterrés cérémonieusement et même mitraillés. Nam Jun Paik, musicien de formation, jouait avec plus de subtilité. Après avoir commencé par des expériences de « visualisation musicale », il créa des imitations d'êtres vivants dotés de têtes, de bras et de corps à partir d'écrans de différentes tailles et d'images correspondantes, les appelant « Maman », « Papa », « Enfant », « Tante », « Oncle », etc.

Nouvelle œuvre de Nam June Paik, 1983

Apparu dans les années 60, alors que les caméras n'existaient pas encore, l'art vidéo est considéré comme une forme d'art jeune. Comme toujours, il était d'abord l'apanage de passionnés isolés, mais à la fin des années 80, il est devenu évident que la vidéo recèle d'innombrables possibilités d'enrichir les moyens d'expression artistique. Les œuvres de Bill Viola, créateur d'un univers d'images étonnantes et fascinantes où réalité et imaginaire s'entremêlent si étroitement qu'une certaine « nouvelle réalité » en naît, y ont joué un rôle majeur. Il est désormais évident que pour le XXe siècle, les noms des vidéastes Viola et Pike sont aussi importants que ceux de Monet et Van Gogh pour le XIXe. L'art de qualité exerce toujours un impact profond sur l'individu : il éveille en lui sentiments, pensées, idées et actions. L'art vidéo dispose de moyens techniques d'influence plus puissants que la peinture, le graphisme et la sculpture. Seule la vie elle-même peut peut-être rivaliser avec l'art vidéo par son intensité d'impact. Ce n’est pas un hasard si cet art, le plus crédible de tous, a été appelé par Wolf Vostell « évasion dans la réalité ».

ABSTRACTION GÉOMÉTRIQUE

Composition de Lioubov Popova, 1917

L'abstraction géométrique (d'autres noms sont abstraction froide, abstraction logique, abstractionnisme intellectuel) est un mouvement de l'art abstrait basé sur la création d'espaces artistiques en combinant diverses formes géométriques, plans colorés, lignes droites et brisées.

L'abstraction géométrique est née des recherches de Paul Cézanne et des cubistes, qui furent les premiers à emprunter la voie de la déformation de la nature en quête d'une « nouvelle réalité ». Elle connut plusieurs branches. En Russie, ce fut le rayonnisme de M. Larionov, né en réaction aux dernières découvertes de la physique ; la « non-objectivité » d'O. Rozanova, L. Popova et V. Tatline, qui devint plus tard le constructivisme ; le supermatisme de K. Malevitch, où la non-objectivité était considérée comme un « nouveau réalisme pictural » ; en France, en partie l'orphisme de Robert Delaunay ; mais son principal représentant fut le groupe néerlandais « De Stijl », dirigé par P. Mondrian et T. Van Doesburg, qui proposa le concept de néoplasticisme – l'art de la plasticité pure, dont la tâche était de purifier la nature de sa diversité illusoire et de révéler le schéma originel qu'elle recèle.

Mikhaïl Larionov Les baigneurs, 1909

L'abstraction géométrique, ayant eu une influence significative sur le développement de l'architecture moderne, du design, des arts industriels, décoratifs et appliqués, est restée la tendance dominante dans l'art jusqu'à la fin

Seconde Guerre mondiale. Dans les années 1950, les « courants lyriques de l'abstractionnisme » (tachisme, expressionnisme abstrait) prennent le dessus.

Olga Rozanova Composition avec un train, 1911

Cependant, dans les années 1960, avec l’émergence du minimalisme et de l’op art sur la scène artistique, l’abstraction géométrique connaît une seconde naissance.

Maîtres de l'abstraction géométrique : Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERRÉALISME

Richard Estes. Rue

L'hyperréalisme (autres noms : surréalisme, photoréalisme, réalisme froid, réalisme radical) est un mouvement artistique en peinture et en sculpture qui a émergé aux États-Unis dans les années 1960 et s'est répandu en Europe dans les années 1970.

En tant que forme d'art figuratif, l'hyperréalisme repose sur une précision et un souci du détail méticuleux dans la reproduction de la réalité, imitant les spécificités de la photographie. Les œuvres des hyperréalistes sont des photographies méticuleusement copiées, agrandies à la taille d'une grande toile.

Don Eddy. Voitures anciennes

Certains artistes travaillant dans ce domaine ont utilisé des photographies et des diapositives couleur comme base de leurs œuvres. Parallèlement, toutes les caractéristiques de l'image photographique ont été préservées, grâce à des techniques de copie mécanique : projection de diapositives, glacis, aérographe au lieu d'un pinceau, enduction d'émulsion, etc. L'utilisation de ces technologies n'était pas fortuite : elle soulignait la nature mécanique, éliminait la présence humaine du processus de création, comme pour empêcher l'artiste d'accéder à sa propre vision du monde. C'est peut-être pourquoi le monde de l'hyperréalisme paraît inerte, froid et détaché de la surréalité du spectateur.

Ralph Goings. Journée d'été

L'objectif de l'hyperréalisme est de représenter la réalité quotidienne. Ses thèmes principaux sont la vie mécanisée et impersonnelle de la ville moderne, le mode de vie impersonnel d'un monde rude et brut. Ses sujets sont volontairement banals et ses images résolument « objectives ». Voitures, immeubles d'habitation, restaurants, stations-service, cabines téléphoniques, panneaux publicitaires et, plus rarement, des personnes vivantes – des « personnages de la rue » – dont les images ont une teinte ironique ou sont empreintes de désespoir. Les peintures donnent naissance à une image de la réalité, certes non réelle, mais reflétée dans sa multiplicité par les vitrines, les carrosseries polies des voitures et le granit poli jusqu'à l'éclat. Le jeu de ces reflets, fidèlement reproduit par l'artiste, crée l'impression d'une interpénétration des zones spatiales, d'une relation complexe des plans, désorientant le spectateur et créant un sentiment d'irréalité.

Maîtres de l'hyperréalisme : Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.