Dòng chảy trong nghệ thuật và hội họa

CHỦ NGHĨA BIỂU HIỆN TRỪU TƯỢNG

J. Pollock. Moby Dick.1943

Một phong trào nghệ thuật trừu tượng xuất hiện ở Hoa Kỳ vào những năm 1940 và chủ yếu được thể hiện qua tác phẩm của các nghệ sĩ thuộc Trường phái New York. Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng tiếp tục "giải phóng" nghệ thuật khỏi mọi sự kiểm soát của lý trí và các quy luật logic, đặt mục tiêu là sự thể hiện tự phát thế giới nội tâm của nghệ sĩ, tiềm thức của anh ta dưới những hình thức hỗn loạn, trừu tượng và lấy nguyên tắc sáng tạo chính là việc áp dụng tự phát, tự động sơn lên vải, chỉ diễn ra dưới ảnh hưởng của trạng thái tinh thần và cảm xúc….

F.Klein. Đen trên nền xanh lá cây, đỏ và vàng.1948

Với nhịp điệu nhanh, các nghệ sĩ phủ lên bề mặt vải những nét cọ lớn, mạnh mẽ, thường sử dụng kỹ thuật nhỏ giọt (phun sơn hoặc bóp sơn ra khỏi ống). Quá trình tạo ra một bức tranh thường diễn ra ở nơi công cộng: toàn bộ một buổi biểu diễn được trình diễn trước khán giả, trong đó các cử chỉ và chuyển động của nghệ sĩ đóng vai trò tích cực như những dòng sơn rơi và tràn trên vải.

Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng thống trị nền văn hóa Mỹ cho đến đầu những năm 1960, trở thành một trong những phong trào nghiêm túc đầu tiên trong hội họa Mỹ và ảnh hưởng đến sự phát triển của nghệ thuật thế giới.

CHỦ NGHĨA TRỪU TƯỢNG

V. Kandinsky. Tác phẩm 8 1913.

Một trong những xu hướng nghệ thuật chính trong nghệ thuật thế kỷ 20, trong đó cấu trúc của tác phẩm chỉ dựa trên các yếu tố hình thức - đường nét, đốm màu, cấu hình trừu tượng. Các tác phẩm trừu tượng tách biệt khỏi các hình thức của chính cuộc sống: các tác phẩm phi khách quan thể hiện những ấn tượng và tưởng tượng chủ quan của nghệ sĩ, dòng chảy ý thức của anh ta, chúng tạo ra các liên tưởng tự do, chuyển động của suy nghĩ và sự đồng cảm về mặt cảm xúc.

Không thể nêu tên chính xác thời điểm xuất hiện của chủ nghĩa trừu tượng hoặc người sáng lập ra nó. Những người truyền cảm hứng được công nhận của chủ nghĩa trừu tượng được coi là các nghệ sĩ Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay, những người đã phác thảo các điều khoản chính của phong trào này trong các tác phẩm lý thuyết và tuyên bố chương trình của họ.

F. Leger Cô gái với một bông hoa. 1954

Chủ nghĩa trừu tượng bắt nguồn từ một xu hướng hẹp trong mỹ thuật. Vào đầu những năm 1930, các hiệp hội của những người theo chủ nghĩa trừu tượng bắt đầu xuất hiện ("nghệ thuật bê tông" - 1930, "hình tròn và hình vuông" - 1930, và những hiệp hội khác), tập hợp các nghệ sĩ có quốc tịch và xu hướng khác nhau dưới biểu ngữ của họ. Vào giữa những năm 1930, sự quan tâm đến chủ nghĩa trừu tượng đã giảm mạnh và các hiệp hội này tan rã. Nó đã tái sinh ở Hoa Kỳ, nơi chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng xuất hiện vào đầu những năm 1940, hoạt động với các hình thức phi vật thể để thể hiện tự phát thế giới nội tâm của nghệ sĩ.

Hình thức nghệ thuật trừu tượng phổ biến cuối cùng là nghệ thuật đại chúng, xuất hiện vào những năm 1960, sau đó nghệ thuật trừu tượng dần chìm vào quên lãng.

TIÊN PHONG

P. Picasso Ba nhạc sĩ 1921

Một tập hợp các xu hướng và hướng đi mang tính đổi mới, nổi loạn trong văn hóa nghệ thuật của thế kỷ 20. Ở các giai đoạn lịch sử khác nhau, vai trò của tiên phong được thể hiện qua các xu hướng liên tiếp: những năm 1900–1910 là thời kỳ xuất hiện của trường phái Dã thú, Lập thể, Vị lai, Chủ nghĩa biểu hiện, Chủ nghĩa Dada và nghệ thuật trừu tượng; trong những năm 1920–1930, chủ nghĩa siêu thực nổi lên; trong thời kỳ hậu chiến, các xu hướng mới trong chủ nghĩa trừu tượng xuất hiện: chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, chủ nghĩa tachisme, nghệ thuật phi chính thức, v.v.; những năm 1960–1970 là thời kỳ chuyển tiếp từ tiên phong “cổ điển” sang tân tiên phong, hay chủ nghĩa hậu hiện đại, với các thành phần của nó: chủ nghĩa hành động, nghệ thuật đại chúng, chủ nghĩa khái niệm, nghệ thuật động và các hoạt động nghệ thuật khác.

HỌC THUẬT

A. Cabanel Phaedra. 1880

Một xu hướng trong mỹ thuật, nền tảng cho sự phát triển của nó là các học viện nghệ thuật. Lịch sử phát triển của chủ nghĩa hàn lâm gắn liền với "Học viện của những người đã bước vào con đường đúng đắn" ở Bologna (khoảng năm 1585), Học viện hội họa và điêu khắc Hoàng gia Pháp (1648) và Học viện Ba nghệ thuật cao quý nhất của Nga (1757). Hoạt động của tất cả các tổ chức đều dựa trên một hệ thống giáo dục được quản lý chặt chẽ, hướng đến những thành tựu to lớn của các thời đại trước - Cổ đại và Phục hưng Ý, từ đó các phẩm chất riêng biệt của nghệ thuật cổ điển được lựa chọn một cách có ý thức, được chấp nhận là lý tưởng và vô song.

Con đường của chủ nghĩa hàn lâm trong nghệ thuật không được đánh dấu bằng bất kỳ khám phá hay thành tựu lớn nào. Do tính nhân tạo ("made") và chủ nghĩa chiết trung, nó không phải là một phong cách nghệ thuật.

A. Bouguereau Nghỉ ngơi trong quá trình thu hoạch. 1865

Chủ nghĩa hàn lâm phát triển mạnh mẽ vào thế kỷ 19. Ở Pháp, xu hướng này gắn liền với tác phẩm của những bậc thầy nổi tiếng như Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, những người có tác phẩm được phân biệt bởi trình độ thực hiện vô song.

Học viện Nghệ thuật St. Petersburg cũng đào tạo nên một nhóm các nghệ sĩ hàn lâm nổi tiếng thế giới: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky và Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema Phát hiện ra Moses. 1904

Ở thời đại chúng ta, khái niệm “chủ nghĩa hàn lâm” đã vượt ra ngoài phạm vi của một phong trào nghệ thuật: nó đã có thêm ý nghĩa và được áp dụng cho các tác phẩm của những nghệ sĩ có nền giáo dục nghệ thuật có hệ thống và kỹ năng cổ điển trong việc sáng tạo ra các tác phẩm có trình độ kỹ thuật cao.

CHỦ NGHĨA HÀNH ĐỘNG

Christo và Han-Claude. Cổng số 53 2006

Tên gọi chung cho một số hình thức xuất hiện trong nghệ thuật tiên phong vào những năm 1960.

Mong muốn xóa bỏ ranh giới giữa nghệ thuật và hiện thực dẫn dắt các nghệ sĩ tiên phong tìm kiếm những cách thức mới để thể hiện nghệ thuật, khác với các hình thức truyền thống (tức là tĩnh), mang lại động lực cho tác phẩm, đưa tác phẩm vào một hành động nào đó (action). Hành động (hay nghệ thuật của hành động) trở thành một khái niệm chung cho các hoạt động nghệ thuật trong đó trọng tâm được chuyển từ bản thân tác phẩm sang quá trình sáng tạo tác phẩm.

K. Oldenburg. Cầu thìa giữ quả anh đào. 1985

Nguồn gốc của Chủ nghĩa hành động có thể được tìm thấy trong các buổi biểu diễn của những người theo chủ nghĩa Dada và Chủ nghĩa siêu thực, trong các hoạt động của các nghệ sĩ trừu tượng (đặc biệt là D. Pollock), những người tuyên bố nguyên tắc của lối viết biểu cảm - “hội họa hành động”.

LỖI THỜI GIAN

K.M. Mariani Bàn tay dẫn dắt bởi tâm trí.1983

Một trong những xu hướng trong hội họa hậu hiện đại, đưa ra cách diễn giải của tác giả về nghệ thuật trong quá khứ. Xuất hiện như một kết quả của sự từ chối chủ nghĩa hiện đại (tức là xu hướng tiên phong trong nghệ thuật), chủ nghĩa hậu hiện đại tuyên bố mục tiêu của mình là quay trở lại với các hình thức cũ, truyền thống lịch sử và phong cách của nền văn hóa hàng thế kỷ trước. Trong quá trình tìm kiếm các hình thức mới, các nghệ sĩ hậu hiện đại kết hợp các phong cách nghệ thuật từ các thời đại và nền văn hóa khác nhau, tạo ra trên cơ sở này một thần thoại riêng, tương quan với trải nghiệm cá nhân của tác giả.

Chủ nghĩa phi thời gian xuất hiện vào cuối những năm 1970 ở Ý và sau đó lan sang Pháp. Nguồn gốc tinh thần quan trọng nhất của nó là tác phẩm của Giorgio De Chirico, người đã chuyển sang nghệ thuật cổ điển vào những năm 1920 sau "thời kỳ siêu hình" của mình. Những người theo chủ nghĩa phi thời gian hay "nghệ sĩ văn hóa", như họ tự gọi mình, lấy cảm hứng từ các tác phẩm của các bậc thầy thời Phục hưng, Chủ nghĩa kiểu cách và Baroque, những người mà họ diễn giải lại, nhại lại, tìm cách đưa truyền thống cổ điển vào bối cảnh khảm của văn hóa hậu hiện đại.

NGHỆ THUẬT PHÂN TÍCH

P. Filonov. Gia đình nông dân 1914

Nghệ thuật phân tích là một phương pháp nghệ thuật được Pavel Filonov phát triển và chứng minh trong các tác phẩm lý thuyết của ông (“Canon and Law”, 1912; “Made Pictures”, 1914; “Declaration of “World Bloom”, 1923) và trong chính bức tranh của ông. Lấy chủ nghĩa lập thể làm người mang nguyên lý duy lý, Filonov đối chiếu nó với nguyên lý tăng trưởng hữu cơ (như một cái cây lớn lên) của hình thức nghệ thuật và chất lượng “made” của các bức tranh.

P. Salzman Ba ​​bức chân dung tự họa. 1932

Nguyên lý của sự sáng tạo là vị trí chính của Nghệ thuật Phân tích. Nghệ sĩ "xây dựng" bức tranh của mình, giống như thiên nhiên "tạo ra" những hình khối lớn hơn từ các nguyên tử và phân tử. Hiểu rằng "trong bất kỳ vật thể nào không có hai vị ngữ, hình dạng và màu sắc, mà là toàn bộ thế giới các hiện tượng hữu hình và vô hình, sự phát ra, phản ứng, sự bao hàm, sự hình thành, sự tồn tại, các đặc tính đã biết hoặc bí mật của chúng, đôi khi có vô số vị ngữ", Filonov tin rằng tất cả sự đa dạng về các đặc tính này có thể được thể hiện một cách uyển chuyển trong hội họa.

Khi sáng tạo một tác phẩm, nghệ sĩ không chỉ dựa vào cái hiển nhiên, cái hữu hình ("mắt thấy"), mà còn dựa vào cái vô hình ("khí biết", nắm bắt các quá trình ẩn) - các mô hình bên trong của cấu trúc và hoạt động của đối tượng được mô tả. Nghệ sĩ biến "tầm nhìn" bên trong của mình về đối tượng hoặc hiện tượng thành các cấu trúc đồ họa và hình ảnh dựa trên "quy luật phát triển hữu cơ của hình thức", mượn từ thiên nhiên (để bắt chước không phải các hình thức mà nó tạo ra, mà là các phương pháp mà nó "hoạt động") và trái ngược với "chuẩn mực" (các hình thức được xây dựng một cách nhân tạo).

Tatyana Glebova Đầu ra màu

Hiểu được quy luật này, nghệ sĩ có thể "làm" một bức tranh nào đó, hữu cơ đến mức nó có tiềm năng tự phát triển như thể không có sự tham gia của chính tác giả vào quá trình này (nó phát triển và phát triển như mọi sinh vật sống trong tự nhiên). P. Filonov tin rằng nghệ thuật được tạo ra theo phương pháp của ông là nghệ thuật của tương lai, sẽ dẫn đến "Thời kỳ hoàng kim của thế giới", vì nó dựa trên sự tương tác hài hòa giữa con người và thiên nhiên, trên một số nguyên tắc khoa học hướng đến trí tuệ của người xem và phát triển nó ("trở thành một yếu tố trong quá trình tiến hóa của trí thông minh"). Các bậc thầy về nghệ thuật phân tích: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

BÍ MẬT

Oscar Rabin, "Nhà tắm (Ngửi mùi nước hoa Moscow)", 1966.

Underground (tiếng Anh underground - underground, dungeon) - theo nghĩa hẹp - bất kỳ nghệ thuật phi thương mại, thử nghiệm nào; theo nghĩa rộng - một khái niệm và hiện tượng xuất hiện ở Hoa Kỳ vào cuối những năm 1950 và có nghĩa là văn hóa "ngầm" như một phần không thể thiếu của cái gọi là phản văn hóa, phản đối chính nó với những hạn chế và quy ước thống trị xã hội văn hóa. Nghệ thuật ngầm thấm nhuần tinh thần bất đồng chính kiến. Từ chối và vi phạm các định hướng chính trị, đạo đức và luân lý và các loại hành vi được chấp nhận trong xã hội, đưa hành vi phản xã hội vào cuộc sống hàng ngày. Các chủ đề tiêu biểu của underground ở Mỹ và châu Âu là "cách mạng tình dục" và ma túy.

Lev Kropivnitsky

Trong thời kỳ Xô Viết, khái niệm này có một ý nghĩa hơi khác và các hình thức chính trị hóa hơn: ở đây, do sự nghiêm ngặt của chế độ, hầu như bất kỳ nghệ thuật không chính thức nào, tức là không được chính quyền công nhận, bao gồm cả âm nhạc và văn học, đều trở thành nghệ thuật ngầm. Từ giữa những năm 1950 đến cuối những năm 1980. "Phản đối nghệ thuật" được đại diện bởi các hoạt động của nhiều hiệp hội, trong đó nổi tiếng nhất là các nhóm "Lianozovskaya" (E. và L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin và những người khác (từ năm 1956 đến giữa những năm 1970)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster và những người khác (từ năm 1960 đến giữa những năm 1970)), "Hành động tập thể" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko và những người khác (từ năm 1975)), "Fly Agarics" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko và những người khác (từ năm 1978)). Phong trào underground phát triển khả năng sáng tạo của những nghệ sĩ không tham gia bất kỳ hiệp hội nào (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), nhưng là đại diện của nghệ thuật xã hội (E. Bulatov, V. Komar và A. Melamid), và các phong trào tiên phong khác (Nhóm nghệ sĩ tiên phong, Nhà vô địch thế giới).

A. Zverev Chân dung 1969

Sau khi hệ thống chính trị của Liên Xô sụp đổ, và cùng với đó là việc dỡ bỏ các hạn chế và lệnh cấm đối với quyền tự do sáng tạo nghệ thuật, hoạt động ngầm như một hiện tượng văn hóa đã trở nên vô nghĩa. Những bậc thầy của hoạt động ngầm: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Bản vẽ Antoni Tapies - 4. Bản vẽ loạt Berlin.

Art brut (tiếng Pháp: Art brut – nghệ thuật thô, thô sơ) là một phong trào nghệ thuật châu Âu vào giữa thế kỷ 20, người sáng lập và lãnh đạo là nghệ sĩ người Pháp Jean Dubuffet, người đã phát triển khái niệm nghệ thuật thuần túy, nghệ thuật từ chối cái đẹp và sự hài hòa. Mỗi người là một nghệ sĩ; đối với một con người, vẽ cũng tự nhiên như nói hoặc đi bộ. Không bị gánh nặng bởi các truyền thống và kiến ​​thức của một "nền văn hóa ngột ngạt", anh ấy sáng tạo theo bản năng và trực tiếp.

Ban nhạc Jazz J. Dubuffet, 1955

Theo Dubuffet, Art Brut là sự sáng tạo ở dạng tinh khiết nhất: một sự bùng nổ tinh thần tự phát từ sâu thẳm tâm trí và ý thức, được ghi lại trên giấy hoặc hiện thân trong vật chất. Ông hướng đến nghệ thuật của những người mắc bệnh tâm thần, những người bị cô lập khỏi xã hội, chỉ coi họ là những nghệ sĩ thực thụ, sở hữu tính chủ quan mang lại cho một người một cá tính đích thực.

Lúc đầu, Dubuffet sao chép phong cách của họ trong các tác phẩm của mình, cố tình tạo ra các hình thức và hình ảnh "man rợ", mang tính tượng trưng và trừu tượng, gây ấn tượng với các giải pháp màu sắc bất ngờ và cách viết có vẻ vụng về. Và vào năm 1948, cùng với nhà văn siêu thực André Breton và nghệ sĩ người Tây Ban Nha Antoni Tapies, ông đã thành lập "Công ty Brute Art" tại Paris, được thiết kế để bảo tồn và nghiên cứu nghệ thuật của những người bị thiệt thòi. Bộ sưu tập được thu thập, bao gồm khoảng 5.000 bản vẽ, tranh vẽ, đồ vật và tác phẩm điêu khắc, đã hình thành nên cơ sở của Bảo tàng Nghệ thuật Brut, được thành lập vào năm 1976 tại Lausanne (Thụy Sĩ).

Chân dung tự họa của J. Dubuffet, 1958

Trong nghệ thuật đương đại, khái niệm "art brut" bao gồm tác phẩm của những người tồn tại bên ngoài xã hội - người bệnh tâm thần, người khuyết tật, đủ loại người bị thiệt thòi, cũng như các tác phẩm của J. Dubuffet, lấy cảm hứng từ những ví dụ này. Art brut là một phần của phong trào rộng lớn hơn - "Outsider art" (nghệ thuật bên ngoài), đã trở thành một phong trào nghiêm túc trong quá trình nghệ thuật thế giới trong thập kỷ qua. Theo nhiều cách, đây là công lao của nhà trí thức cấp tiến và hiếu chiến Jean Dubuffet, người đã nhìn thế giới theo một cách mới. Những bậc thầy của Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

NGHỆ THUẬT NGHÈO ĐÓI

Mario Merz, Dự án Petra's Hut, 1982

Arte Povera (tiếng Ý: Arte povera – nghệ thuật nghèo) là một phong trào tiên phong xuất hiện trong nghệ thuật Ý vào cuối những năm 1960 – đầu những năm 1970 và trở nên phổ biến ở các nước châu Âu khác. Nó dựa trên việc tạo ra các tác phẩm sắp đặt từ các vật thể công nghiệp và tự nhiên, ưu tiên các vật liệu đơn giản nhất, “nghèo” nhất (như đất, cát, than, rác, đồ gia dụng cơ bản, quần áo và giày dép cũ mòn, v.v.).

Mario Merz chưa có tiêu đề

Phong trào Arte Povera nảy sinh như một phản ứng đối với chủ nghĩa duy lý và trí tuệ gia tăng của chủ nghĩa tối giản và chủ nghĩa khái niệm, với các vật liệu và công nghệ đắt tiền của họ để sản xuất các tác phẩm nghệ thuật. Các nghệ sĩ Arte Povera, khi sáng tạo ra các tác phẩm của mình, đã hướng đến "thế giới của những thứ giản đơn" bao quanh một người trong chốc lát, và tìm cách bộc lộ chất thơ đặc biệt của sự bình thường, chơi đùa với sự tương phản - tách mọi thứ ra khỏi bối cảnh thông thường của chúng và đặt chúng vào một thực tế khác, thực tế của các cung điện xa hoa và không gian bảo tàng.

Tiêu đề L. Fontana

Sự chú ý đặc biệt được dành cho tính không đồng nhất của các vật thể (các khuôn thạch cao của đầu từ các bức tượng cổ và các túi than hoặc bếp gas), các vật liệu tồn tại trong thời gian ngắn thay đổi dưới tác động của khí quyển hoặc do các đặc tính hóa học và vật lý của chúng (như sáp, bọt biển, cao su, v.v.). Điều này đã mang lại cho các tác phẩm của Arte Povera một biểu tượng nghệ thuật nhất định không phù hợp với cách diễn giải rõ ràng. Nghệ thuật, bao quanh chúng ta ở khắp mọi nơi, là phù du và khó nắm bắt, giống như một khoảnh khắc của cuộc sống. Nó phù du. Và do đó vô dụng, nhưng đây chính là vẻ đẹp của nó.

Bậc thầy nghệ thuật Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROQUE

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Phòng trưng bày Uffizi. Florence. Ý

Baroque là một trong những phong cách kiến ​​trúc và nghệ thuật vĩ đại thống trị các nước châu Âu từ cuối thế kỷ 16 đến giữa thế kỷ 18.

Nơi khai sinh ra phong cách Baroque (tiếng Ý: barocco - kỳ lạ, lạ lùng) là Ý, nơi sự ra đời của phong cách mới này đồng nghĩa với sự kết thúc của thời kỳ Phục hưng với thế giới quan hài hòa, niềm tin vào khả năng vô hạn của trí óc con người và tính trật tự của sự tồn tại phổ quát.

Đặc điểm chính của phong cách Baroque là quy mô, sự phong phú về trang trí, động lực mạnh mẽ, nỗ lực tạo ra hiệu ứng ảo ảnh trong việc tổ chức không gian nội thất - tăng kích thước phòng bằng gương; tăng chiều cao của hành lang nhờ chụp đèn đẹp như tranh vẽ với giải pháp phối cảnh phức tạp.

Tất cả những điều này tương ứng với một bức tranh mới về vũ trụ - thay đổi, xung đột, nơi cái chết và cái mới nổi luôn đối đầu nhau, và con người với những đam mê, thế giới nội tâm phức tạp, hỗn loạn thường thấy mình chịu sự chi phối của những thế lực phi lý.

Simon Vouet, Thánh Cecilia với một Thiên thần. Nửa đầu thế kỷ 17. Bảo tàng Mỹ thuật Hungary. Budapest. Hungary

Không phải ngẫu nhiên mà phong cách Baroque lại tránh xa sự rõ ràng và đơn giản, ưa chuộng đường cong thanh lịch hơn là sự nghiêm ngặt về mặt hình học và đường thẳng; ưa chuộng sự xoáy nước hơn là chuyển động có trật tự; ưa chuộng tông màu vàng lấp lánh thay đổi dưới tác động của ánh sáng và bóng tối, hoặc ưa chuộng sự tươi sáng, vui tươi, bất ngờ không hài hòa trong âm thanh chiến thắng hơn là màu sắc địa phương.

Phong cách Baroque gây ấn tượng với nội thất ngoạn mục, gợi nhớ đến bối cảnh sân khấu, sự kết hợp tương phản giữa vật liệu và kết cấu được sử dụng để trang trí, và đôi khi là sự đưa vào các chi tiết "thực" gây sốc trong các tác phẩm nghệ thuật, chẳng hạn như răng và tóc thật trong các bức tượng phụ nữ.

Phong cách Baroque đã tạo nên một quần thể độc đáo, sự tổng hợp của kiến ​​trúc, nghệ thuật tượng đài và trang trí mang nét riêng biệt của nó.

Ở mỗi quốc gia châu Âu, Baroque có những nét riêng biệt trong khi vẫn giữ được những nét chính của phong cách. Do đó, ở quê hương của nó, Ý, phong cách này được hiện thực hóa một cách sống động và sớm hơn so với, ví dụ, ở Pháp, nơi chủ nghĩa cổ điển đóng vai trò chủ đạo vào thế kỷ 17.

Ở Nga, sự phát triển của phong cách Baroque rơi vào nửa đầu và giữa thế kỷ 18. Không có sự tôn sùng huyền bí đặc trưng của phong cách này ở các nước Công giáo, nghệ thuật Baroque ở Nga tôn vinh quyền lực chuyên quyền đang được củng cố.

Trong nửa đầu thế kỷ 18, phong cách Baroque ở khắp mọi nơi đều phát triển theo hướng nhẹ nhàng, duyên dáng của phong cách Rococo, cùng tồn tại và đan xen với nó, và từ những năm 1760 đã bị thay thế bởi chủ nghĩa cổ điển.

BAUHAUS

Âm thanh cổ xưa, trừu tượng trên nền đen của Paul Klee năm 1925

Bauhaus (tiếng Đức: Bauhaus – “ngôi nhà xây dựng”), Trường Cao đẳng Xây dựng và Thiết kế Nghệ thuật, được thành lập bởi kiến ​​trúc sư người Đức W. Gropius tại Weimar vào năm 1919.

Theo ý tưởng của tác giả, Bauhaus được kêu gọi hợp nhất nghệ thuật, thủ công và công nghệ "phân kỳ" thành một "sản phẩm nghệ thuật duy nhất", để kết nối chúng dưới hình thức các hội xây dựng thời trung cổ, nhưng trên cơ sở khoa học và kỹ thuật mới. Lúc đầu, tất cả sinh viên đều trải qua khóa đào tạo sơ bộ kéo dài 6 tháng, trong đó họ nghiên cứu các đặc tính của vật liệu và những điều cơ bản của nghề thủ công, cũng như lý thuyết về hình thức và bản vẽ. Sau đó, họ được phép làm việc trong các xưởng: sáng tạo và sản xuất, nơi tập trung vào thực hành bài học. Tùy thuộc vào khuynh hướng của sinh viên, họ được đào tạo để trở thành kiến ​​trúc sư, nghệ sĩ-nhà thiết kế, nhiếp ảnh gia, nhà thiết kế.

Paul Klee: Phân tích của Klee về nhiều sự đồi trụy khác nhau, 1922, Bộ sưu tập

V. Gropius đặc biệt chú trọng đến việc lựa chọn giáo viên chia sẻ niềm tin của ông: trong những năm khác nhau, các nghệ sĩ V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, nhà thiết kế L. Moholy-Nagy và J. Itten đã làm việc ở đây.

Thời kỳ hoàng kim của Bauhaus gắn liền với thời kỳ Weimar, được đánh dấu bằng ảnh hưởng của chủ nghĩa tân lãng mạn. Năm 1925, Bauhaus chuyển đến Dessau và được đặt trong một tòa nhà do V. Gropius thiết kế, được coi là một trong những kiệt tác của kiến ​​trúc chức năng. Thời kỳ ở Dessau được đánh dấu bằng sự củng cố các khuynh hướng kỹ thuật-thực dụng, sự hình thành của phong cách Bauhaus, đặc trưng bởi sự rõ ràng của các hình thức, chủ nghĩa tối giản của phương tiện, thiết kế chuẩn mực và sự cải tiến các phương pháp và vật liệu công nghiệp.

Vasily Kandinsky, Thánh George và con rồng (1914-15).

Năm 1928, kiến ​​trúc sư người Thụy Sĩ H. Mayer tiếp quản vị trí giám đốc. Tuy nhiên, những đổi mới mà ông đưa ra (nghiên cứu khoa học xã hội) đã gây ra sự bất mãn trong giáo viên và sinh viên, và vào năm 1930, Bauhaus được kiến ​​trúc sư người Đức L. Mies van der Rohe lãnh đạo, ông vẫn là giám đốc cho đến khi Đức Quốc xã đóng cửa cơ sở giáo dục này vào năm 1933.

Wassily Kandinsky. Bức tranh trừu tượng đầu tiên không có tiêu đề màu nước. 1910 -1913

Tuy nhiên, các nguyên lý và phương pháp giảng dạy của Bauhaus đã được du nhập vào các quốc gia khác và những ý tưởng của trường đã có tác động sâu sắc đến sự phát triển của mỹ thuật ứng dụng (từ đồ họa sách và quảng cáo đến đồ nội thất và đồ gia dụng).

Bậc thầy Bauhaus: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

CHÂN LÝ

D. Fattori. Trên bờ biển. 1893

Chủ nghĩa Verism (tiếng Ý là verismo xuất phát từ vero - chân thực, đúng đắn) là một phong trào trong văn hóa nghệ thuật Ý vào cuối thế kỷ 19, ban đầu xuất hiện trong văn học và âm nhạc, sau đó lan rộng sang mỹ thuật.

Các nguyên tắc của verismo được hình thành chủ yếu dưới ảnh hưởng của chủ nghĩa tự nhiên Pháp. Dựa trên các tác phẩm của E. Zola, G. Flaubert và G. de Maupassant, những người theo chủ nghĩa verismo đặt ra các nhiệm vụ chính của công việc của họ là tính khách quan và cách tiếp cận khoa học để nghiên cứu các sự kiện (theo quan điểm của chủ nghĩa thực chứng) trong việc mô tả thực tế cuộc sống trong xã hội Ý hiện đại, cuộc sống và tâm lý của những người bình thường. Tính độc đáo dân tộc của phong trào này được thể hiện ở sự đồng cảm sâu sắc với những người lao động bị áp bức, những người mà cuộc sống (chủ yếu là nông dân và người nghèo ở các tỉnh) là nội dung chính của các tiểu thuyết và truyện ngắn của các nhà lý thuyết của verismo - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, các vở opera của P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega người Ý Barsaglieri dẫn đầu tù nhân người Áo, 1861

Trong nghệ thuật thị giác, những người tiền nhiệm trực tiếp của trường phái verist là các nghệ sĩ của trường phái Florentine "Macchiaioli", những người đã chuyển hướng tác phẩm của mình sang các chủ đề về cuộc đấu tranh giải phóng dân tộc của người dân Ý, cuộc sống thành thị và nông thôn. Trong hội họa, chủ nghĩa verism chủ yếu được đại diện bởi các bậc thầy người Neapolitan, những người đã phát triển các khuynh hướng phê phán xã hội trong nghệ thuật (cuộc đấu tranh của giai cấp công nhân vì quyền lợi của mình, cuộc sống nông dân khó khăn) và tạo ra toàn bộ một bộ sưu tập hình ảnh về những nhân vật nổi bật của lịch sử và văn hóa Ý.

Tuy nhiên, những người theo chủ nghĩa verismo không thấy khả năng xã hội nào để xóa bỏ bất công xã hội; tác phẩm của họ bị chi phối bởi tâm trạng bi quan và bi quan, nhận thức thụ động-tự nhiên về thực tế (trong văn học và hội họa) hoặc kịch tính, minh họa hời hợt, cảm xúc cường điệu (trong âm nhạc). Mặc dù verismo không trở nên phổ biến trong mỹ thuật Ý, nhưng nó vẫn đóng một vai trò quan trọng trong sự phát triển của các khuynh hướng hiện thực trong quá trình nghệ thuật thế giới.

Bậc thầy của Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEO NGHỆ THUẬT

Gia đình Robot Nam June Paik, 1976

Nghệ thuật video là một phong trào nghệ thuật thị giác của phần ba cuối thế kỷ 20 sử dụng khả năng của công nghệ video. Không giống như truyền hình, vốn được dùng để phát sóng cho khán giả đại chúng, nghệ thuật video sử dụng máy thu truyền hình, máy quay video và màn hình trong các sự kiện độc đáo, đồng thời sản xuất các bộ phim thử nghiệm theo tinh thần nghệ thuật ý niệm, được trình chiếu tại các không gian triển lãm đặc biệt. Với sự trợ giúp của các thiết bị điện tử hiện đại, nghệ thuật video cho thấy, như thể, "bộ não đang hoạt động" — một con đường trực quan từ ý tưởng nghệ thuật đến hiện thân của nó. Người sáng lập chính của nghệ thuật video là người Mỹ gốc Hàn Nam June Paik. Nghệ thuật sử dụng công nghệ truyền hình — nghệ thuật video — nảy sinh chính xác từ cuộc biểu tình chống lại sự thống trị của văn hóa đại chúng, mà hiện thân cao nhất của nó được coi là phát sóng truyền hình. "Cha đẻ" của nghệ thuật video, Nam June Paik và Wolf Vostell, mỗi người theo cách riêng của mình đã chế giễu những công dân đáng kính ngồi xuống mỗi buổi tối để thư giãn trước tivi.

Vào những năm 60, Wolf Vostell đã dàn dựng các sự kiện mà tivi bị ném bánh kem, buộc bằng dây thép gai, chôn cất một cách long trọng và thậm chí bị bắn bằng súng máy. Nam Jun Paik, một nhạc sĩ được đào tạo, đã hành động tinh tế hơn. Bắt đầu bằng các thí nghiệm về “hình ảnh âm nhạc”, ông chuyển sang tạo ra hình ảnh giống như các sinh vật sống có đầu, tay và cơ thể từ các màn hình có kích thước khác nhau và hình ảnh tương ứng, gọi chúng là “Mẹ”, “Bố”, “Con”, “Cô”, “Chú”, v.v.

Nam June Paik Tác phẩm mới, 1983

Ra đời vào những năm 60, khi chưa có máy quay phim, nghệ thuật video được coi là một loại hình nghệ thuật trẻ. Như thường lệ, lúc đầu nó là lĩnh vực của những người đam mê đơn độc, nhưng đến cuối những năm 80, rõ ràng là video ẩn chứa vô số cơ hội để làm phong phú thêm phương tiện biểu đạt của nghệ thuật. Các tác phẩm của Bill Viola, người đã tạo ra cả một thế giới hình ảnh tuyệt vời và hấp dẫn, trong đó thực tế và tưởng tượng đan xen phức tạp đến mức một "thực tế mới" nào đó được sinh ra từ chúng, đã đóng một vai trò quan trọng trong việc này. Bây giờ, mọi người đều thấy rõ rằng đối với thế kỷ XX, tên tuổi của các nghệ sĩ video Viola và Pike cũng quan trọng như tên tuổi của Monet và Van Gogh đối với thế kỷ XIX. Nghệ thuật hay luôn có tác động mạnh mẽ đến một người - nó đánh thức cảm xúc, suy nghĩ, ý tưởng và hành động trong người đó. Nghệ thuật video có các phương tiện kỹ thuật ảnh hưởng mạnh hơn hội họa, đồ họa và điêu khắc. Có lẽ chỉ có bản thân cuộc sống mới có thể cạnh tranh với nghệ thuật video về cường độ tác động của nó. Không phải ngẫu nhiên mà nghệ thuật đáng tin cậy nhất này được Wolf Vostell gọi là "thoát khỏi thực tế".

TRỪU TƯỢNG HÌNH HỌC

Sáng tác Lyubov Popova, 1917

Trừu tượng hình học (tên gọi khác là trừu tượng lạnh, trừu tượng logic, trừu tượng trí tuệ) là một trào lưu trong nghệ thuật trừu tượng dựa trên việc sáng tạo không gian nghệ thuật bằng cách kết hợp nhiều hình dạng hình học, mặt phẳng màu, đường thẳng và đường gãy.

Trừu tượng hình học phát triển từ các cuộc tìm kiếm của Paul Cezanne và những người theo trường phái Lập thể, những người đầu tiên đi theo con đường biến dạng tự nhiên để tìm kiếm một “thực tại mới”. Nó có một số nhánh. Ở Nga, đó là chủ nghĩa Tia sáng của M. Larionov, nảy sinh như một phản ứng kỳ lạ đối với những khám phá mới nhất trong vật lý; “phi khách quan” của O. Rozanova, L. Popova và V. Tatlin, sau này phát triển thành chủ nghĩa kiến ​​tạo; chủ nghĩa siêu hình của K. Malevich, trong đó phi khách quan được coi là “chủ nghĩa hiện thực hình ảnh mới”; ở Pháp, một phần là chủ nghĩa Orphism của Robert Delaunay; nhưng đại diện chính của nó là nhóm “Phong cách” (“De Stijl”) của Hà Lan, đứng đầu là P. Mondrian và T. Van Doesburg, đưa ra khái niệm về chủ nghĩa tân tạo hình – nghệ thuật của tính dẻo thuần túy, nhiệm vụ của nó là thanh lọc bản chất khỏi sự đa dạng ảo tưởng và phơi bày sơ đồ chính ẩn giấu trong đó.

Mikhail Larionov Người tắm, 1909

Trừu tượng hình học, có ảnh hưởng đáng kể đến sự phát triển của kiến ​​trúc hiện đại, thiết kế, công nghiệp, nghệ thuật trang trí và ứng dụng, vẫn là xu hướng chủ đạo trong nghệ thuật cho đến cuối

Chiến tranh thế giới thứ II. Vào những năm 1950, "xu hướng trữ tình của chủ nghĩa trừu tượng" (tachisme, chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng) nổi lên.

Olga Rozanova Sáng tác với một chuyến tàu, 1911

Tuy nhiên, vào những năm 1960, với sự xuất hiện của chủ nghĩa tối giản và nghệ thuật thị giác trong nghệ thuật, chủ nghĩa trừu tượng hình học đã được tái sinh.

Bậc thầy về trừu tượng hình học: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

CHỦ NGHĨA SIÊU THỰC TẾ

Richard Estes. Đường phố

Chủ nghĩa siêu thực (tên gọi khác: chủ nghĩa siêu thực, chủ nghĩa hiện thực ảnh, chủ nghĩa hiện thực lạnh lùng, chủ nghĩa hiện thực cấp tiến) là một phong trào nghệ thuật trong hội họa và điêu khắc xuất hiện ở Hoa Kỳ vào những năm 1960 và lan rộng khắp châu Âu vào những năm 1970.

Là một hình thức nghệ thuật tượng hình, chủ nghĩa siêu thực dựa trên sự chính xác và chi tiết tỉ mỉ trong việc tái tạo thực tế, bắt chước các chi tiết cụ thể của nhiếp ảnh. Các tác phẩm của chủ nghĩa siêu thực là những bức ảnh được sao chép tỉ mỉ, được phóng to đến kích thước của một tấm vải lớn.

Don Eddy. Xe mô hình cũ

Một số nghệ sĩ làm việc theo hướng này thực sự đã sử dụng ảnh chụp và slide màu làm cơ sở cho các tác phẩm của họ. Đồng thời, tất cả các đặc điểm của hình ảnh nhiếp ảnh đều được bảo tồn, trong đó các nghệ sĩ đã sử dụng các kỹ thuật sao chép cơ học: chiếu slide, tráng men, phun sơn thay vì cọ, phủ nhũ tương, v.v. Việc sử dụng các công nghệ như vậy không phải là ngẫu nhiên: nó nhấn mạnh bản chất cơ học, loại bỏ sự hiện diện của con người khỏi quá trình sáng tạo, như thể cố gắng ngăn cản tầm nhìn cá nhân của nghệ sĩ về thế giới. Có lẽ đây là lý do tại sao thế giới của chủ nghĩa siêu thực có vẻ vô hồn, lạnh lẽo và tách biệt khỏi siêu thực của người xem.

Ralph Goings. Ngày hè

Mục tiêu của chủ nghĩa siêu thực là mô tả thực tế hàng ngày, và chủ đề chính là cuộc sống cơ giới phi nhân cách của thành phố hiện đại, hệ thống sống phi nhân cách trong một thế giới khắc nghiệt và thô sơ. Chủ đề của nó là tầm thường một cách cố ý, và hình ảnh của nó nhấn mạnh là "khách quan". Ô tô, tòa nhà dân cư, nhà hàng, trạm xăng, buồng điện thoại, biển quảng cáo và hiếm khi, người sống - "nhân vật từ đường phố", hình ảnh của chúng có sắc thái mỉa mai hoặc đầy vô vọng. Các bức tranh tạo ra một hình ảnh của thực tế, nhưng không phải là thực tế, mà được phản ánh trong sự đa dạng của nó trong các cửa sổ kính của cửa hàng, trong thân xe được đánh bóng, trong đá granit được đánh bóng sáng bóng. Sự chơi đùa của những phản chiếu này, được nghệ sĩ tái hiện chính xác, tạo ra ấn tượng về sự thâm nhập lẫn nhau của các vùng không gian, mối quan hệ phức tạp của các kế hoạch, làm người xem mất phương hướng, tạo ra cảm giác không thực.

Những bậc thầy của trường phái siêu thực: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.