Sanat ve resimdeki akımlar

SOYUT EKSPRESYONİZM

J. Pollock. Moby Dick.1943

1940'larda Amerika Birleşik Devletleri'nde ortaya çıkan ve esas olarak New York Okulu sanatçılarının eserleriyle temsil edilen soyut sanat akımı. Soyut dışavurumculuk, sanatın akıl ve mantık yasalarının her türlü kontrolünden "kurtuluşunu" sürdürerek, sanatçının iç dünyasının, bilinçaltının kaotik, soyut biçimlerde kendiliğinden ifade edilmesini hedef olarak belirlemiş ve başlıca yaratıcı ilkesi olarak tuvale kendiliğinden, otomatik boya uygulamasını, yalnızca zihinsel ve duygusal durumların etkisi altında meydana gelmesini ele almıştır….

F.Klein. Yeşil, kırmızı ve sarı üzerine siyah.1948

Hızlı bir ritimde, sanatçılar tuvalin yüzeyini büyük, enerjik fırça darbeleriyle kapladılar ve genellikle damlatma tekniğini (boya sıçratma veya bir tüpten sıkma) kullandılar. Bir resim yaratma süreci genellikle kamusal alanda gerçekleşti: izleyicilerin önünde, sanatçının jestleri ve hareketlerinin tuvale düşen ve dökülen boya akışları kadar aktif bir rol oynadığı bir performans sergilendi.

Soyut Ekspresyonizm, 1960'ların başına kadar Amerikan kültürüne egemen oldu, Amerikan resmindeki ilk ciddi hareketlerden biri oldu ve dünya sanatının gelişimini etkiledi.

SOYUTLAMACILIK

V. Kandinsky. Kompozisyon 8 1913.

20. yüzyıl sanatındaki ana sanatsal eğilimlerden biri, eserin yapısının yalnızca biçimsel öğelere - çizgilere, renk noktalarına, soyut yapılandırmaya - dayandığı. Soyut eserler, yaşamın biçimlerinden kopuktur: nesnel olmayan kompozisyonlar, sanatçının öznel izlenimlerini ve fantezilerini, bilincinin akışını somutlaştırır, özgür çağrışımlar, düşünce hareketleri ve duygusal empati yaratır.

Soyutlamacılığın ne tam olarak ortaya çıktığı zamanı ne de kurucusunu adlandırmak imkansızdır. Soyutlamacılığın tanınmış ilham kaynakları, teorik çalışmalarında ve programatik ifadelerinde bu hareketin ana hükümlerini ana hatlarıyla belirten sanatçılar Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay olarak kabul edilir.

F. Leger Çiçekli Kız. 1954

Soyutlamacılık, güzel sanatlarda dar bir eğilim olarak ortaya çıktı. 1930'ların başlarında, farklı milletlerden ve eğilimlerden sanatçıları kendi bayrakları altında toplayan soyutlamacı dernekleri ("somut sanat" - 1930, "daire ve kare" - 1930 ve diğerleri) ortaya çıkmaya başladı. 1930'ların ortalarına gelindiğinde, soyutlamaya olan ilgi keskin bir şekilde azaldı ve bu dernekler dağıldı. Soyut dışavurumculuğun 1940'ların başında ortaya çıktığı Amerika Birleşik Devletleri'nde yeniden doğdu ve sanatçının iç dünyasının kendiliğinden ifadesi için nesnel olmayan biçimlerle çalıştı.

Soyut sanatın son popüler biçimi 1960'larda ortaya çıkan pop art oldu ve bu tarihten sonra soyut sanat unutulup gitti.

AVANTAJ-GARDİZM

P. Picasso Üç Müzisyen 1921

20. yüzyılın sanat kültüründeki bir dizi yenilikçi, asi eğilim ve yönelim. Farklı tarihsel aşamalarda, avangardın rolü ardışık eğilimler tarafından oynandı: 1900'ler-1910'lar, Fovizm, Kübizm, Fütürizm, Ekspresyonizm, Dadaizm ve soyut sanatın ortaya çıktığı zamandı; 1920'ler-1930'larda sürrealizm ön plana çıktı; savaş sonrası dönemde soyutlamacılıkta yeni eğilimler ortaya çıktı: soyut dışavurumculuk, taşizm, gayrı resmi sanat, vb.; 1960'lar-1970'ler, "klasik" avangarddan neo-avangard veya aksiyonizm, pop art, kavramsalcılık, kinetik sanat ve diğer sanat uygulamaları bileşenleriyle postmodernizme geçiş dönemiydi.

AKADEMİSYENLİK

A. Cabanel Phaedra. 1880

Güzel sanatlarda bir eğilim, gelişiminin temeli sanat akademileridir. Akademisyenliğin gelişim tarihi, Bologna'daki "Doğru Yola Girenler Akademisi" (yaklaşık 1585), Fransız Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi (1648) ve Rus Üç En Asil Sanat Akademisi (1757) ile ilişkilendirilir. Tüm kurumların faaliyetleri, önceki dönemlerin büyük başarılarına yönelik sıkı bir şekilde düzenlenmiş bir eğitim sistemine dayanıyordu - Antik Çağ ve İtalyan Rönesansı, klasik sanatın bireysel niteliklerinin bilinçli olarak seçildiği, ideal ve eşsiz olarak kabul edildiği.

Sanatta akademikliğin yolu herhangi bir büyük keşif veya başarı ile işaretlenmemiştir. Yapay ("yapılmış") ve eklektikliği nedeniyle sanatsal bir stil değildir.

A. Bouguereau Hasat sırasında dinlenme. 1865

Akademisyenlik 19. yüzyılda gelişti. Fransa'da bu eğilim, Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin gibi eserleri benzersiz icra ustalıklarıyla öne çıkan ünlü ustaların çalışmalarıyla ilişkilendirilir.

St. Petersburg Sanat Akademisi aynı zamanda dünyaca ünlü akademik sanatçılardan oluşan bir topluluğu da yetiştirmiştir: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky ve Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema Musa'nın Keşfi. 1904

Günümüzde “akademikizm” kavramı, bir sanat akımının kapsamını aşmış, ek bir anlam kazanmış ve yüksek teknik beceri gerektiren eserler yaratmada sistematik bir sanat eğitimi almış ve klasik becerilere sahip sanatçıların eserlerini ifade etmek için de kullanılır hale gelmiştir.

AKSİYONİZM

Christo ve Han-Claude. Kapı No. 53 2006

1960'larda avangart sanatta ortaya çıkan bir dizi formun genel adı.

Sanat ile gerçeklik arasındaki çizgiyi silme isteği, avangart sanatçıları, geleneksel (yani statik) biçimlerden farklı, esere dinamiklik kazandıran, onu bir eyleme (aksiyona) dahil eden yeni sanatsal ifade yolları aramaya yönlendirir. Eylem (veya eylem sanatı), vurgunun eserin kendisinden yaratım sürecine kaydırıldığı sanatsal uygulamalar için genel bir kavram haline gelir.

K. Oldenburg. Kiraz tutan kaşık köprüsü. 1985

Aksiyonculuğun kökenleri, Dadaistler ve Sürrealistlerin performanslarında, ifade edici yazı ilkesini - “aksiyon resmi”ni savunan soyut sanatçıların (özellikle D. Pollock) faaliyetlerinde aranmalıdır.

ANACHRONİZM

K.M. Mariani Zihnin Rehberliğindeki El.1983

Postmodernist resimdeki eğilimlerden biri, bir yazarın geçmişin sanatına dair yorumunu sunar. Modernizmin (yani sanattaki avangard eğilimin) reddedilmesinin bir sonucu olarak ortaya çıkan postmodernizm, amacını önceki yüzyıllara ait kültürün eski biçimlerine, tarihi geleneklerine ve stillerine geri dönmek olarak ilan etti. Yeni biçimler arayışında olan postmodernist sanatçılar, farklı dönem ve kültürlerden sanatsal stilleri bir araya getirerek, bu temelde yazarın kişisel deneyimiyle ilişkilendirilen bireysel bir mitoloji yaratırlar.

Anakronizm 1970'lerin sonlarında İtalya'da ortaya çıktı ve daha sonra Fransa'ya yayıldı. En önemli manevi kaynağı, "metafizik dönemi"nden sonra 1920'lerde klasik sanata yönelen Giorgio De Chirico'nun eseriydi. Anakronistler veya kendilerine dedikleri gibi "kültürel sanatçılar", Rönesans, Maniyerizm ve Barok ustalarının eserlerinden ilham alırlar ve onları parafraze ederek, parodileştirerek klasik geleneği postmodern kültürün mozaik bağlamına uydurmaya çalışırlar.

ANALİTİK SANAT

P. Filonov. Köylü Ailesi 1914

Analitik sanat, Pavel Filonov'un teorik çalışmalarında ("Kanon ve Hukuk", 1912; "Yapılmış Resimler", 1914; "Dünya Çiçeklenmesi" Bildirgesi, 1923) ve kendi resminde geliştirdiği ve doğruladığı bir sanatsal yöntemdir. Filonov, kübizmi rasyonalist ilkenin taşıyıcısı olarak ele alarak, onu sanatsal formun organik büyüme ilkesiyle (bir ağaç büyürken) ve resimlerin "yapılmış" niteliğiyle karşılaştırdı.

P. Salzman Üçlü Otoportre. 1932

Madeness ilkesi Analitik Sanatın temel konumudur. Sanatçı resmini "inşa eder", tıpkı doğanın atomlardan ve moleküllerden daha büyük oluşumlar "yaratması" gibi. "Herhangi bir nesnede iki yüklem, biçim ve renk değil, görünür ve görünmez fenomenlerin, bunların yayılmalarının, tepkilerinin, dahil olmalarının, oluşumlarının, varoluşlarının, bilinen veya gizli özelliklerinin bütün bir dünyasının" olduğunu anlayan Filonov, bu özelliklerin tüm bu çeşitliliğinin resimde plastik olarak ifade edilebileceğine ikna olmuştu.

Bir eser yaratırken, sanatçı yalnızca apaçık olana, görünür olana ("görme gözü") değil, aynı zamanda görünmeyene ("gizli süreçleri yakalayan" bilen gaz) - tasvir edilen nesnenin yapısının ve işleyişinin içsel kalıplarına da güvenmelidir. Sanatçı, nesnenin veya olgunun içsel "görüşünü", doğadan ödünç alınan (yarattığı formları değil, "etkilediği" yöntemleri taklit etmek için) ve "kanona" (yapay olarak oluşturulmuş formlar) karşı çıkan "organik form gelişimi yasasına" dayalı grafik ve resimsel yapılara dönüştürür.

Tatyana Glebova Renkli çıktı

Bu yasayı kavrayan sanatçı, yazarın bu sürece katılımı olmadan kendi kendini geliştirme potansiyeline sahip olacak kadar organik bir resim "yapabilir" (doğadaki tüm canlılar gibi büyür ve gelişir). P. Filonov, yöntemiyle yarattığı sanatın, insan ve doğanın uyumlu etkileşimine, izleyicinin zekasına hitap eden bir dizi bilimsel ilkeye ve onu geliştirmeye ("zekanın evriminde bir faktör olmak") dayandığı için "Dünya Altın Çağı"na yol açacak olan geleceğin sanatı olduğuna inanıyordu. Analitik Sanatın Ustaları: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

YERALTI

Oscar Rabin, "Hamamlar (Moskova Eau de Cologne'un Kokusu)", 1966.

Yeraltı (İngilizce underground - underground, dungeon) - dar anlamda - ticari olmayan, deneysel bir sanat; geniş anlamda - 1950'lerin sonlarında Amerika Birleşik Devletleri'nde ortaya çıkan ve kültürel topluma egemen olan kısıtlamalara ve geleneklere karşı çıkan sözde karşı kültürün ayrılmaz bir parçası olarak "yeraltı" kültürünü ifade eden bir kavram ve olgu. Muhaliflik ruhuyla dolu yeraltı sanatı. Toplumda kabul gören politik, ahlaki ve etik yönelimleri ve davranış türlerini reddeder ve ihlal eder, günlük hayata antisosyal davranışları sokar. Amerikan ve Avrupa yeraltının tipik temaları "cinsel devrim" ve uyuşturuculardır.

Lev Kropivnitski

Sovyet döneminde bu kavram biraz farklı bir anlam ve daha siyasallaştırılmış biçimler kazandı: burada, rejimin katılığı nedeniyle, neredeyse her türlü resmi olmayan, yani yetkililer tarafından tanınmayan sanat, müzik ve edebiyat dahil, yeraltına çıktı. 1950'lerin ortasından 1980'lerin sonuna kadar. "Sanatsal muhalefet" birçok derneğin faaliyetleriyle temsil ediliyordu. Bunların arasında en ünlüleri "Lianozovskaya" (E. ve L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin ve diğerleri (1956'dan 1970'lerin ortasına kadar)), "Sretensky Bulvarı" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster ve diğerleri (1960'tan 1970'lerin ortasına kadar)), "Toplu Eylemler" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko ve diğerleri (1975'ten beri)), "Sinek Mantarları" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko ve diğerleri (1978'den beri)) gruplarıydı. Yeraltı hareketi, herhangi bir derneğe katılmayan (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin) ancak toplumsal sanatın (E. Bulatov, V. Komar ve A. Melamid) ve diğer avangart hareketlerin (Avangard Sanatçılar Grubu, Dünya Şampiyonları) temsilcileri olan sanatçıların yaratıcılığını geliştirdi.

A. Zverev Portresi 1969

Sovyetler Birliği'nin siyasi sisteminin çöküşünden ve bununla birlikte sanatsal yaratıcılık özgürlüğüne getirilen kısıtlamaların ve yasakların kaldırılmasından sonra, kültürel bir olgu olarak yeraltı yok oldu. Yeraltının ustaları: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRÜT

Antoni Tapies Çizimi - 4. Seri Berlin Çizimleri.

Art brut (Fransızca: Art brut – kaba, ham sanat) 20. yüzyılın ortalarında Avrupa sanatında bir harekettir. Kurucusu ve lideri, güzelliği ve uyumu reddeden sanat olan saf sanat kavramını geliştiren Fransız sanatçı Jean Dubuffet'dir. Her insan bir sanatçıdır; bir insan için çizim yapmak, konuşmak veya yürümek kadar doğaldır. "Boğucu bir kültürün" gelenekleri ve bilgisiyle yükümlü olmayan sanatçı, içgüdüsel ve doğrudan bir şekilde yaratır.

J. Dubuffet Caz grubu, 1955

Dubuffet'ye göre Art Brut, en saf haliyle yaratıcılıktır: zihnin ve bilincin derinliklerinden gelen, kağıt üzerinde yakalanan veya maddede somutlaştırılan kendiliğinden bir zihinsel patlama. Akıl hastalarının, toplumdan izole edilmiş, yalnızca onları gerçek sanatçılar olarak gören, bir kişiye gerçek bir bireysellik veren o öznelliğe sahip insanların sanatına yönelir.

İlk başta Dubuffet, eserlerinde onların tarzını kopyaladı, kasıtlı olarak ilkel, "barbar" biçimler ve imgeler yarattı, figüratif ve soyut, beklenmedik renk çözümleriyle ve görünüşte beceriksiz bir yazım tarzıyla dikkat çekti. Ve 1948'de, sürrealist yazar André Breton ve İspanyol sanatçı Antoni Tapies ile birlikte, dışlanmışların sanatını korumak ve incelemek için tasarlanmış "Company of Brute Art"ı Paris'te kurdu. Yaklaşık 5.000 çizim, resim, nesne ve heykelden oluşan toplanan koleksiyon, 1976'da Lozan'da (İsviçre) kurulan Museum of Art Brut'un temelini oluşturdu.

J. Dubuffet Otoportresi, 1958

Çağdaş sanatta "art brut" kavramı, toplumun dışında var olan insanların - akıl hastaları, engelliler, her türden dışlanmış insan - ve bu örneklerden esinlenen J. Dubuffet'nin eserlerini içerir. Art brut, son on yılda dünya sanat sürecinde ciddi bir hareket haline gelen daha geniş bir hareketin - "Outsider art"ın (dışarıdan sanat) bir parçasıdır. Birçok yönden, bu, dünyaya yeni bir şekilde bakan radikal ve militan entelektüel Jean Dubuffet'nin meziyetidir. Art Brut'un ustaları: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ZENGİN SANAT

Mario Merz, Petra'nın Kulübesi projesi, 1982

Arte Povera (İtalyanca: Arte povera – yoksul sanatı) 1960'ların sonu - 1970'lerin başında İtalyan sanatında ortaya çıkan ve diğer Avrupa ülkelerinde yaygınlaşan bir avangart harekettir. Endüstriyel ve doğal nesnelerden enstalasyonlar yaratmaya dayanıyordu ve en basit, "en yoksul" malzemelere (toprak, kum, kömür, çöp, temel ev eşyaları, eski, yıpranmış giysiler ve ayakkabılar vb.) öncelik veriliyordu.

Mario Merz başlıksız

Arte Povera hareketi, pahalı malzemeler ve sanat objeleri üretme teknolojileriyle minimalizm ve kavramsalcılığın artan entelektüalizmine ve rasyonalizmine bir yanıt olarak ortaya çıktı. Arte Povera sanatçıları, eserlerini yaratırken, bir insanı anlık olarak çevreleyen "basit şeylerin dünyasına" yöneldiler ve sıradanlığın özel şiirselliğini ortaya çıkarmaya çalıştılar, zıtlıklarla oynadılar - şeyleri olağan bağlamlarından koparıp farklı bir gerçekliğe, lüks saray salonlarının ve müze alanlarının gerçekliğine yerleştirdiler.

L. Fontana Başlığı

Nesnelerin heterojenliğine (antik heykellerin başlarının alçı kalıpları ve kömür veya gaz sobası torbaları), atmosferin etkisi altında veya kimyasal ve fiziksel özellikleri nedeniyle değişen kısa ömürlü malzemelere (balmumu, sünger, kauçuk vb.) özel dikkat gösterildi. Bu, Arte Povera'nın eserlerine belirsiz yorumlamaya izin vermeyen belirli bir sanatsal sembolizm kazandırdı. Her yerde bizi çevreleyen sanat, bir yaşam anı gibi geçici ve anlaşılması güçtür. Geçicidir. Ve bu nedenle işe yaramaz, ancak güzelliği budur.

Arte Povera'nın Ustaları: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizi Galerisi. Floransa. İtalya

Barok, 16. yüzyılın sonundan 18. yüzyılın ortalarına kadar Avrupa ülkelerinin mimari ve sanatına egemen olan büyük üsluplardan biridir.

Barok'un (İtalyanca: barocco - tuhaf, garip) doğum yeri İtalya'dır. Burada yeni bir üslubun ortaya çıkması, uyumlu dünya görüşü, insan zihninin sınırsız olanaklarına olan inanç ve evrensel varoluşun düzenliliği ile Rönesans'ın sonu anlamına gelmiştir.

Barok'un temel özellikleri ölçek, dekor bolluğu, fırtınalı dinamikler, iç mekan organizasyonunda yanıltıcı etkiler yaratma çabasıydı - aynaların yardımıyla odaların boyutunu artırmak; perspektife karmaşık bir çözüm sağlayan pitoresk abajurlar sayesinde salonların yüksekliği.

Bütün bunlar evrenin yeni bir resmine tekabül ediyordu - değişken, çatışmalı, ölenlerle yeni doğanların sürekli karşı karşıya geldiği, tutkuları, karışık, karmaşık iç dünyası olan insanın kendini çoğu zaman irrasyonel güçlerin insafına kalmış bulduğu bir resim.

Simon Vouet, Melekli Aziz Cecilia. 17. yüzyılın ilk yarısı. Macaristan Güzel Sanatlar Müzesi. Budapeşte. Macaristan

Barok'un berraklıktan ve sadelikten uzaklaşıp, geometrik titizliğe ve düz çizgiye zarif bir eğriyi; düzenli harekete bir girdabı; ışık ve gölgenin etkisi altında değişen titrek altın tonlarını ya da yerel renge parlak, şenlikli, zafer dolu sesleriyle beklenmedik şekilde uyumsuz olanı tercih etmesi tesadüf değildir.

Barok, tiyatro sahnelerini andıran gösterişli iç mekanları, dekorasyonda kullanılan malzeme ve dokuların zıt kombinasyonları ve bazen sanat eserlerinde kadın heykellerindeki gerçek dişler ve saçlar gibi şaşırtıcı "gerçek" detayların yer almasıyla etkileyicidir.

Barok üslubu, kendine özgü mimari, anıtsal ve dekoratif sanatların bir sentezi olan eşsiz bir topluluk yaratmıştır.

Her Avrupa ülkesinde Barok, stilin ana özelliklerini korurken kendine özgü özelliklere sahiptir. Bu nedenle, anavatanı İtalya'da bu stil, örneğin 17. yüzyıldaki öncü rolün klasisizme ait olduğu Fransa'dan daha canlı ve daha erken bir zamanda gerçekleştirilmiştir.

Rusya'da Barok'un gelişimi 18. yüzyılın ilk yarısına ve ortasına denk gelir. Katolik ülkelerde bu tarzın karakteristik özelliği olan mistik yüceltmeden uzak olan Rusya'daki Barok sanatı, güçlenen otokratik gücü yüceltir.

18. yüzyılın ilk yarısında Barok her yerde Rokoko üslubunun zarif hafifliğine doğru evrildi, onunla bir arada var oldu ve iç içe geçti, 1760'lardan itibaren yerini Klasisizm'e bıraktı.

BAUHAUS

Paul Klee'nin Siyah Üzerine Soyut, Antik Ses 1925

Bauhaus (Almanca: Bauhaus – “inşaat evi”), Alman mimar W. Gropius tarafından 1919 yılında Weimar’da kurulan İnşaat ve Sanatsal Tasarım Yüksek Okulu.

Yazarın fikrine göre, Bauhaus'tan "farklı" sanat, zanaat ve teknolojiyi "tek bir sanatsal üretim"de birleştirmesi, bunları ortaçağ yapı loncaları biçiminde, ancak yeni bir bilimsel ve teknik temelde birbirine bağlaması istendi. İlk başta, tüm öğrenciler malzemelerin özelliklerini ve zanaatların temellerini ve ayrıca form ve çizim teorisini öğrendikleri 6 aylık bir ön eğitim kursuna katıldılar. Bundan sonra, vurgu dersin pratiğine yapılan yaratıcı ve üretim atölyelerinde çalışmalarına izin verildi. Öğrencilerin eğilimlerine bağlı olarak, mimar, sanatçı-tasarımcı, fotoğrafçı, tasarımcı olmak üzere eğitildiler.

Paul Klee: Çeşitli Sapkınlıkların Klee Analizi, 1922, Koleksiyon

V. Gropius, inançlarını paylaşan öğretmenlerin seçimine özel önem vermiştir: farklı yıllarda sanatçılar V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, tasarımcılar L. Moholy-Nagy ve J. Itten burada çalışmıştır.

Bauhaus'un altın çağı, neo-romantizm etkisi ile işaretlenen Weimar dönemi ile ilişkilendirilir. Bauhaus, 1925'te Dessau'ya taşındı ve işlevselci mimarinin başyapıtlarından biri olarak kabul edilen V. Gropius tarafından tasarlanan bir binada yer aldı. Dessau'daki dönem, teknik-faydacı eğilimlerin güçlenmesi, formların netliği, araçların minimalizmi, standart tasarım ve endüstriyel yöntemlerin ve malzemelerin iyileştirilmesi ile karakterize edilen Bauhaus stilinin oluşumu ile işaretlenmiştir.

Vasili Kandinsky, Aziz George ve Ejderha (1914-15).

1928'de İsviçreli mimar H. Mayer müdürlüğü devraldı. Ancak getirdiği yenilikler (sosyal bilimler çalışması) öğretmenler ve öğrenciler arasında hoşnutsuzluğa yol açtı ve 1930'da Bauhaus'a, 1933'te Naziler tarafından bu eğitim kurumunun kapatılmasına kadar müdür olarak kalan Alman mimar L. Mies van der Rohe başkanlık etti.

Wassily Kandinsky. İsimsiz İlk Soyut Suluboya. 1910 -1913

Ancak Bauhaus ilkeleri ve öğretim yöntemleri diğer ülkelerde de benimsendi ve fikirleri uygulamalı ve güzel sanatların (kitap grafiklerinden reklamcılığa, mobilyadan ev eşyalarına kadar) gelişimi üzerinde derin bir etki yarattı.

Bauhaus Ustaları: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

GERÇEKÇİLİK

D. Fattori. Kıyıda. 1893

Verizm (İtalyanca verismo, doğru, hakiki) 19. yüzyılın son üçte birinde İtalyan sanat kültüründe ortaya çıkan, başlangıçta edebiyat ve müzikte ortaya çıkan, daha sonra güzel sanatlara yayılan bir harekettir.

Verismo ilkeleri esas olarak Fransız natüralizminin etkisi altında oluşmuştur. E. Zola, G. Flaubert ve G. de Maupassant'ın eserlerine dayanan veristler, çalışmalarının temel görevlerini nesnellik ve gerçeklerin incelenmesine bilimsel bir yaklaşım (pozitivizm bakış açısından) olarak modern İtalyan toplumundaki yaşam gerçekliklerinin, sıradan insanların yaşamlarının ve psikolojilerinin tasviri olarak belirlemişlerdir. Bu hareketin ulusal özgünlüğü, ezilen emekçi insanlara duyulan derin sempatide kendini göstermiştir; bu insanların yaşamları (çoğunlukla köylülük ve taşradaki yoksullar) verismo teorisyenlerinin romanlarının ve kısa öykülerinin ana içeriğini oluşturmuştur - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini'nin operaları.

S. Lega İtalyan Barsaglieri'nin Avusturyalı mahkumlara liderlik etmesi, 1861

Görsel sanatlarda, veristlerin doğrudan öncülleri, eserlerinde İtalyan halkının ulusal kurtuluş mücadelesi, kentsel ve kırsal yaşam temalarına yönelen Floransa okulu "Macchiaioli" sanatçılarıydı. Resimde, verizm esas olarak sanatta toplumsal olarak eleştirel eğilimler geliştiren (işçi sınıfının hakları için mücadelesi, zor köylü hayatı) ve İtalyan tarihi ve kültürünün seçkin figürlerinin görüntülerinden oluşan bir galeri yaratan Napoliten ustalar tarafından temsil edildi.

Ancak, veristler toplumsal adaletsizliği ortadan kaldırmanın toplumsal bir olasılığını görmediler; çalışmalarına karamsarlık ve kıyamet ruh halleri, gerçekliğin pasif-natüralist algısı (edebiyat ve resimde) veya melodram, yüzeysel betimlemecilik, abartılı duygusallık (müzikte) hakimdi. Verismo, İtalya'nın güzel sanatlarında yaygınlaşmasa da, yine de dünya sanatsal sürecinde gerçekçi eğilimlerin gelişiminde önemli bir rol oynadı.

Verismo'nun Ustaları: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VİDEO SANATI

Nam June Paik Robot Ailesi, 1976

Video sanatı, 20. yüzyılın son üçte birinde video teknolojisinin olanaklarını kullanan görsel sanatlarda bir harekettir. Geniş kitlelere yayın yapmak üzere tasarlanmış televizyonun aksine, video sanatı benzersiz olaylarda televizyon alıcıları, video kameralar ve monitörler kullanır ve ayrıca özel sergi alanlarında gösterilen kavramsal sanat ruhuyla deneysel filmler üretir. Modern elektroniğin yardımıyla, bir bakıma "eylem halindeki beyni" gösterir - sanatsal bir fikirden onun somutlaşmasına giden görsel bir yol. Video sanatının başlıca kurucusu Kore kökenli Amerikalı Nam June Paik'tir. Televizyon teknolojisini kullanan sanat - video sanatı - tam olarak kitle kültürünün egemenliğine karşı bir protestodan doğmuştur ve bunun en yüksek somutlaşması televizyon yayıncılığı olarak kabul edilir. Video sanatının "babaları" Nam June Paik ve Wolf Vostell, her biri kendi tarzında, her akşam televizyonun önünde dinlenmek için oturan saygın vatandaşlarla dalga geçmiştir.

60'larda Wolf Vostell, televizyonların kremalı keklerle vurulduğu, dikenli tellerle bağlandığı, törensel olarak gömüldüğü ve hatta makineli tüfeklerle vurulduğu olaylar sahneledi. Eğitimli bir müzisyen olan Nam Jun Paik daha incelikli hareket ediyordu. "Müzik görselleştirme" deneyleriyle başladıktan sonra, farklı boyutlardaki monitörlerden ve karşılık gelen görüntülerden kafaları, kolları ve vücutları olan canlı varlıkların benzerlerini yaratmaya geçti ve bunlara "Anne", "Baba", "Çocuk", "Teyze", "Amca" vb. dedi.

Nam June Paik Yeni Çalışma, 1983

Video kameraların henüz olmadığı 60'lı yıllarda ortaya çıkan video sanatı, genç bir sanat formu olarak kabul edilir. Her zaman olduğu gibi, ilk başta yalnız meraklıların ilgi alanıydı, ancak 80'lerin sonuna doğru videonun sanatın ifade araçlarını zenginleştirmek için sayısız fırsat barındırdığı ortaya çıktı. Gerçeklik ve fantezinin o kadar iç içe geçtiği, onlardan belirli bir "yeni gerçeklik" doğan muhteşem ve büyüleyici görüntülerden oluşan bir dünya yaratan Bill Viola'nın eserleri bunda önemli bir rol oynadı. Artık herkes için yirminci yüzyıl için video sanatçıları Viola ve Pike'ın isimlerinin Monet ve Van Gogh'un isimlerinin on dokuzuncu yüzyıl için olduğu kadar önemli olduğu açıktır. İyi sanat her zaman bir kişi üzerinde güçlü bir etkiye sahiptir - onda duyguları, düşünceleri, fikirleri ve eylemleri uyandırır. Video sanatının, resimden, grafiklerden ve heykelden daha güçlü teknik etki araçları vardır. Belki de yalnızca hayatın kendisi, etki yoğunluğunda video sanatıyla rekabet edebilir. Tüm sanatların en inandırıcısı olan bu sanatın Wolf Vostell tarafından "gerçeğe kaçış" olarak adlandırılması tesadüf değildir.

GEOMETRİK SOYUTLAMA

Lyubov Popova Kompozisyonu, 1917

Geometrik soyutlama (diğer adları soğuk soyutlama, mantıksal, düşünsel soyutlamadır) çeşitli geometrik şekillerin, renkli düzlemlerin, düz ve kırık çizgilerin bir araya getirilmesiyle sanatsal mekan yaratılmasına dayanan soyut sanatta bir akımdır.

Geometrik soyutlama, doğanın deformasyon yolunu ilk izleyen ve “yeni bir gerçeklik” arayışında olan Paul Cezanne ve Kübistlerin arayışlarından doğmuştur. Birkaç dalı vardı. Rusya'da, fizikteki son keşiflere özgü bir tepki olarak ortaya çıkan M. Larionov'un Rayonizm'i; daha sonra yapılandırmacılığa dönüşen O. Rozanova, L. Popova ve V. Tatlin'in “nesnel olmayanlığı”; nesnel olmayanlığın “yeni resimsel gerçekçilik” olarak kabul edildiği K. Malevich'in süpermatizmi; Fransa'da kısmen Robert Delaunay'ın Orfizmi; ancak başlıca temsilcisi, P. Mondrian ve T. Van Doesburg başkanlığındaki Hollandalı “Style” (“De Stijl”) grubuydu ve neoplastisizm kavramını ortaya attılar - görevi doğayı yanıltıcı çeşitlilikten arındırmak ve içinde gizli olan birincil şemaları açığa çıkarmak olan saf plastiklik sanatı.

Mikhail Larionov Yıkananlar, 1909

Modern mimari, tasarım, endüstriyel, dekoratif ve uygulamalı sanatların gelişiminde önemli bir etkiye sahip olan geometrik soyutlama, 19. yüzyılın sonuna kadar sanatta baskın eğilim olarak kaldı.

II. Dünya Savaşı. 1950'lerde "soyutlamacılığın lirik akımları" (taşizm, soyut dışavurumculuk) ön plana çıktı.

Olga Rozanova Trenli Kompozisyon, 1911

Ancak 1960'larda minimalizm ve op art'ın sanat sahnesinde yer almaya başlamasıyla geometrik soyutlama ikinci kez doğuşunu yaşadı.

Geometrik soyutlamanın ustaları: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HİPERGERÇEKÇİLİK

Richard Estes. Sokak

Hiperrealizm (diğer adları: süperrealizm, fotorealizm, soğuk realizm, radikal realizm) 1960'larda Amerika Birleşik Devletleri'nde ortaya çıkan ve 1970'lerde Avrupa'ya yayılan bir resim ve heykel sanatı hareketidir.

Figüratif sanatın bir biçimi olarak hiperrealizm, fotoğrafın özelliklerini taklit ederek gerçekliğin yeniden üretiminde titiz bir kesinlik ve ayrıntıya dayanır. Hiperrealistlerin eserleri, büyük bir tuvalin boyutuna büyütülmüş, titizlikle kopyalanmış fotoğraflardır.

Don Eddy. Eski Model Arabalar

Bu yönde çalışan bazı sanatçılar aslında çalışmalarının temeli olarak fotoğraf ve renkli slaytlar kullandılar. Aynı zamanda, sanatçıların mekanik kopyalama tekniklerini kullandığı fotoğrafik görüntünün tüm özellikleri korundu: slayt projeksiyonu, camlama, fırça yerine airbrush, emülsiyon kaplama, vb. Bu tür teknolojilerin kullanımı tesadüfi değildi: mekanik doğayı vurguladı, yaratma sürecinden insan varlığını ortadan kaldırdı, sanki sanatçının dünyaya dair kendi kişisel vizyonunu engellemeye çalışıyormuş gibi. Belki de bu yüzden hiperrealizm dünyası cansız, soğuk ve izleyicinin süpergerçekliğinden kopuk görünüyor.

Ralph Goings. Yaz Günü

Hiperrealizmin amacı günlük gerçeklikleri tasvir etmektir ve ana temalar modern şehrin kişiliksiz mekanize yaşamı, sert ve kaba bir dünyadaki kişiliksiz yaşam sistemidir. Konuları kasıtlı olarak banaldir ve görüntüleri kesinlikle "nesneldir". Arabalar, konut binaları, restoranlar, benzin istasyonları, telefon kulübeleri, reklam panoları ve nadiren yaşayan insanlar - "sokaktan karakterler", görüntüleri ironik bir tona sahip veya umutsuzlukla doludur. Resimler gerçekliğin bir görüntüsünü ortaya çıkarır, ancak gerçek olanı değil, cam dükkan vitrinlerinde, arabaların cilalı gövdelerinde, parıldayana kadar cilalanmış granitte çokluğuna yansır. Sanatçı tarafından doğru bir şekilde yeniden üretilen bu yansımaların oyunu, mekansal bölgelerin iç içe geçmesi, planların karmaşık bir ilişkisi izlenimi yaratır, izleyiciyi şaşırtarak gerçek dışılık hissine yol açar.

Hiperrealizmin ustaları: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.