Agos sa sining at pagpipinta

ABSTRACT EXPRESSIONISMO

J. Pollock. Moby Dick.1943

Isang kilusan sa abstract na sining na lumitaw sa Estados Unidos noong 1940s at pangunahing kinakatawan ng mga gawa ng mga artista ng New York School. Ang abstract expressionism ay nagpatuloy sa "pagpapalaya" ng sining mula sa anumang kontrol ng katwiran at lohikal na mga batas, na itinakda bilang layunin nito ang kusang pagpapahayag ng panloob na mundo ng artist, ang kanyang hindi malay sa magulong, abstract na mga anyo at kinuha bilang pangunahing malikhaing prinsipyo nito ang kusang, awtomatikong aplikasyon ng pintura sa canvas, na nagaganap lamang sa ilalim ng impluwensya ng mental at emosyonal na mga estado.

F.Klein. Itim sa berde, pula at dilaw.1948

Sa isang mabilis na ritmo, tinakpan ng mga artista ang ibabaw ng canvas ng malalaking, masiglang brushstroke, kadalasang gumagamit ng pamamaraan ng pagtulo (pagsaboy ng pintura o pagpisil nito mula sa isang tubo). Ang proseso ng paglikha ng isang pagpipinta ay madalas na naganap sa publiko: ang isang buong pagtatanghal ay nilalaro sa harap ng madla, kung saan ang mga kilos at galaw ng artist ay gumaganap bilang aktibong papel bilang mga daloy ng pintura na bumabagsak at tumapon sa canvas.

Ang Abstract Expressionism ay nangibabaw sa kulturang Amerikano hanggang sa unang bahagi ng 1960s, naging isa sa mga unang seryosong paggalaw sa pagpipinta ng Amerika at naiimpluwensyahan ang pag-unlad ng sining sa mundo.

ABSTRAKSYONISMO

V. Kandinsky. Komposisyon 8 1913.

Isa sa mga pangunahing artistikong uso sa sining ng ika-20 siglo, kung saan ang istraktura ng trabaho ay nakabatay lamang sa mga pormal na elemento - mga linya, mga spot ng kulay, abstract na pagsasaayos. Ang mga abstract na gawa ay hiwalay sa mga anyo ng buhay mismo: ang mga di-layunin na komposisyon ay naglalaman ng mga subjective na impression at pantasya ng artist, ang daloy ng kanyang kamalayan, bumubuo sila ng mga libreng asosasyon, paggalaw ng pag-iisip at emosyonal na empatiya.

Imposibleng pangalanan ang alinman sa eksaktong oras ng paglitaw ng abstractionism o ang nagtatag nito. Ang kinikilalang mga inspirasyon ng abstractionism ay itinuturing na mga artista na sina Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay, na binalangkas ang mga pangunahing probisyon ng kilusang ito sa kanilang mga teoretikal na gawa at programmatic na pahayag.

F. Leger Girl na may Bulaklak. 1954

Nagmula ang abstractionism bilang isang makitid na kalakaran sa fine art. Noong unang bahagi ng 1930s, nagsimulang lumitaw ang mga asosasyon ng mga abstractionist ("concrete art" - 1930, "circle and square" - 1930, at iba pa), na nagtipon ng mga artist ng iba't ibang nasyonalidad at uso sa ilalim ng kanilang mga banner. Noong kalagitnaan ng 1930s, ang interes sa abstractionism ay biglang nabawasan, at ang mga asosasyong ito ay bumagsak. Ito ay muling isinilang sa Estados Unidos, kung saan lumitaw ang abstract expressionism noong unang bahagi ng 1940s, na kumikilos gamit ang mga non-objective na anyo para sa kusang pagpapahayag ng panloob na mundo ng artist.

Ang huling sikat na anyo ng abstract na sining ay pop art, na lumitaw noong 1960s, pagkatapos kung saan ang abstract art ay nawala sa kalabuan.

AVANT-GARDISM

P. Picasso Tatlong Musikero 1921

Isang hanay ng mga makabago, mapanghimagsik na mga uso at direksyon sa artistikong kultura ng ika-20 siglo. Sa iba't ibang makasaysayang yugto, ang papel ng avant-garde ay ginampanan ng sunud-sunod na uso: ang 1900s–1910s ay ang panahon ng paglitaw ng Fauvism, Cubism, Futurism, Expressionism, Dadaism, at abstract art; noong 1920s–1930s, sumikat ang surrealismo; sa panahon pagkatapos ng digmaan, lumitaw ang mga bagong uso sa abstractionism: abstract expressionism, tachisme, impormal na sining, atbp.; ang 1960s–1970s ay ang transisyonal na panahon mula sa "klasikal" na avant-garde tungo sa neo-avant-garde, o postmodernism, kasama ang mga bahagi nito: actionism, pop art, conceptualism, kinetic art, at iba pang kasanayan sa sining.

AKADEMISMO

A. Cabanel Phaedra. 1880

Isang trend sa fine arts, ang batayan ng pag-unlad nito ay mga art academies. Ang kasaysayan ng pag-unlad ng akademya ay nauugnay sa "Academy of those Who Have Entered the Right Landes" sa Bologna (mga 1585), ang French Royal Academy of Painting and Sculpture (1648), at ang Russian Academy of the Three Most Noble Arts (1757). Ang mga aktibidad ng lahat ng mga institusyon ay batay sa isang mahigpit na kinokontrol na sistema ng edukasyon, na nakatuon sa mahusay na mga nagawa ng mga nakaraang panahon - Antiquity at ang Italian Renaissance, kung saan ang mga indibidwal na katangian ng klasikal na sining ay sinasadya na napili, tinanggap bilang perpekto at hindi maunahan.

Ang landas ng akademya sa sining ay hindi minarkahan ng anumang magagandang tuklas o tagumpay. Dahil sa artificiality nito ("made") at eclecticism, hindi ito isang artistikong istilo.

A. Bouguereau Magpahinga sa panahon ng pag-aani. 1865

Ang akademya ay umunlad noong ika-19 na siglo. Sa France, ang kalakaran na ito ay nauugnay sa gawain ng mga kilalang master tulad nina Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, na ang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang walang kapantay na kahusayan sa pagpapatupad.

Inalagaan din ng St. Petersburg Academy of Arts sa loob ng mga pader nito ang isang kalawakan ng mga sikat na artista sa mundo: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky, at Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema Ang Pagtuklas kay Moses. 1904

Sa ating panahon, ang konsepto ng "akademiko" ay lumampas sa saklaw ng isang masining na kilusan: ito ay nakakuha ng karagdagang kahulugan at nailapat sa mga gawa ng mga artista na may sistematikong artistikong edukasyon at mga klasikal na kasanayan sa paglikha ng mga gawa ng mataas na teknikal na kasanayan.

ACTIONISMO

Christo at Han-Claude. Gate No. 53 2006

Isang pangkalahatang pangalan para sa isang bilang ng mga anyo na lumitaw sa avant-garde art noong 1960s.

Ang pagnanais na burahin ang linya sa pagitan ng sining at katotohanan ay humahantong sa mga avant-garde artist na maghanap ng mga bagong paraan ng artistikong pagpapahayag, na naiiba sa tradisyonal (i.e. static) na mga anyo, na nagbibigay ng dinamika sa trabaho, na kinasasangkutan nito sa ilang aksyon (aksyon). Ang aksyon (o ang sining ng pagkilos) ay nagiging isang pangkalahatang konsepto para sa mga masining na kasanayan kung saan ang diin ay inililipat mula sa mismong gawa patungo sa proseso ng paglikha nito.

K. Oldenburg. Spoon bridge na may hawak na cherry. 1985

Ang mga pinagmulan ng Aksyonismo ay dapat hanapin sa mga pagtatanghal ng Dadaists at Surrealists, sa mga aktibidad ng mga abstract artist (sa partikular na D. Pollock), na nagpahayag ng prinsipyo ng pagpapahayag ng pagsulat - "pagpipinta ng aksyon".

ANACHRONISMO

K.M. Mariani The Hand Guided by the Mind.1983

Isa sa mga uso sa postmodernistang pagpipinta, na nag-aalok ng interpretasyon ng may-akda sa sining ng nakaraan. Nang lumitaw bilang resulta ng pagtanggi sa modernismo (i.e. ang avant-garde na kalakaran sa sining), idineklara ng postmodernism ang layunin nito na maging isang pagbabalik sa mga lumang anyo, makasaysayang tradisyon, at mga istilo ng mga naunang siglong lumang kultura. Sa paghahanap ng mga bagong anyo, ang mga postmodernistang artista ay naghahalo ng mga istilong masining mula sa iba't ibang panahon at kultura, na lumilikha sa batayan na ito ng isang indibidwal na mitolohiya, na nauugnay sa personal na karanasan ng may-akda.

Ang anachronism ay lumitaw noong huling bahagi ng 1970s sa Italya at kalaunan ay kumalat sa France. Ang pinakamahalagang espirituwal na mapagkukunan nito ay ang gawa ni Giorgio De Chirico, na bumaling sa klasikal na sining noong 1920s pagkatapos ng kanyang "metaphysical period". Ang mga anachronist o "mga artistang pangkultura", ayon sa kanilang tawag sa kanilang sarili, ay inspirasyon ng mga gawa ng mga masters ng Renaissance, Mannerism at Baroque, na kanilang paraphrase, parody, na naglalayong ibagay ang klasikal na tradisyon sa mosaic na konteksto ng postmodern na kultura.

ANALYTICAL ART

P. Filonov. Pamilyang Magsasaka 1914

Ang analitikal na sining ay isang masining na pamamaraan na binuo at pinatunayan ni Pavel Filonov sa kanyang mga teoretikal na gawa ("Canon and Law", 1912; "Made Pictures", 1914; "Deklarasyon ng "World Bloom", 1923) at sa kanyang sariling pagpipinta. Ang pagkuha ng cubism bilang isang tagapagdala ng rationalistic na prinsipyo, Filonov na tumutubo ito sa isang prinsipyo ng organikong pag-unlad "ginawa" ang kalidad ng mga painting.

P. Salzman Triple Self-Portrait. 1932

Ang prinsipyo ng pagiging gawa ay ang pangunahing posisyon ng Analytical Art. "Ginagawa" ng artista ang kanyang larawan, dahil ang kalikasan ay "lumilikha" ng mas malalaking pormasyon mula sa mga atomo at molekula. Ang pag-unawa "na sa anumang bagay ay walang dalawang predicate, anyo at kulay, ngunit isang buong mundo ng nakikita at hindi nakikitang mga phenomena, ang kanilang mga emanations, reaksyon, inklusyon, genesis, pagiging, kilala o lihim na pag-aari, na kung minsan ay may hindi mabilang na mga predicate," kumbinsido si Filonov na ang lahat ng pagkakaiba-iba ng mga katangian na ito ay maaaring maipahayag sa pagpipinta.

Kapag lumilikha ng isang gawa, ang artist ay dapat umasa hindi lamang sa halata, ang nakikita ("nakakakita ng mata"), kundi pati na rin sa hindi nakikita ("pag-alam ng gas", pagkuha ng mga nakatagong proseso) - ang mga panloob na pattern ng istraktura at paggana ng itinatanghal na bagay. Binabago ng artista ang kanyang panloob na "pangitain" ng bagay o kababalaghan sa mga graphic at pictorial na mga konstruksyon batay sa "batas ng organikong pag-unlad ng anyo", na hiniram mula sa kalikasan (upang gayahin hindi ang mga anyo na nililikha nito, ngunit ang mga pamamaraan kung saan ito "kumikilos") at sumasalungat sa "canon" (artipisyal na itinayo na mga anyo).

Output ng Kulay ng Tatyana Glebova

Ang pagkakaroon ng pag-unawa sa batas na ito, ang artist ay magagawang "gumawa" ng isang tiyak na larawan, kaya organic na ito ay may potensyal para sa pag-unlad ng sarili na parang walang pakikilahok mismo ng may-akda sa prosesong ito (ito ay lumalaki at umuunlad tulad ng lahat ng nabubuhay na bagay sa kalikasan). Naniniwala si P. Filonov na ang sining na nilikha ng kanyang pamamaraan ay ang sining ng hinaharap, na hahantong sa "World Heyday", dahil ito ay batay sa maayos na pakikipag-ugnayan ng tao at kalikasan, sa isang bilang ng mga pang-agham na prinsipyo na tinutugunan sa talino ng manonood, at pagbuo nito ("upang maging isang kadahilanan sa ebolusyon ng katalinuhan"). Masters of Analytical Art: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

UNDERGROUND

Oscar Rabin, "Mga Paligo (Amoy ang Moscow Eau de Cologne)", 1966.

Underground (Ingles sa ilalim ng lupa - underground, piitan) - sa isang makitid na kahulugan - anumang di-komersyal, pang-eksperimentong sining; sa isang malawak na kahulugan - isang konsepto at kababalaghan na lumitaw sa Estados Unidos noong huling bahagi ng 1950s at nangangahulugang "sa ilalim ng lupa" na kultura bilang isang mahalagang bahagi ng tinatawag na counterculture, na sumasalungat sa sarili sa mga paghihigpit at kumbensyon na nangingibabaw sa kultural na lipunan. Ang sining sa ilalim ng lupa na puno ng diwa ng dissidence. Tinatanggihan at nilalabag ang mga oryentasyong pampulitika, moral at etikal at mga uri ng pag-uugali na tinatanggap sa lipunan, na nagpapakilala ng antisosyal na pag-uugali sa pang-araw-araw na buhay. Ang mga karaniwang tema ng American at European underground ay ang "sexual revolution" at droga.

Lev Kropivnitsky

Sa panahon ng Sobyet, ang konsepto na ito ay nakakuha ng medyo iba't ibang kahulugan at mas politicized na mga anyo: dito, dahil sa pagiging mahigpit ng rehimen, halos anumang hindi opisyal, i.e. hindi kinikilala ng mga awtoridad, sining, kabilang ang musika at panitikan, ay naging underground. Mula sa kalagitnaan ng 1950s hanggang sa huling bahagi ng 1980s. Ang "masining na pagsalungat" ay kinakatawan ng mga aktibidad ng maraming asosasyon, bukod sa kung saan ang pinakasikat ay ang mga grupong "Lianozovskaya" (E. at L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin at iba pa (mula 1956 hanggang kalagitnaan ng 1970s)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabavestlev, Yu. Soovestlev, E. (mula 1960 hanggang kalagitnaan ng 1970s)), "Collective Actions" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko at iba pa (mula noong 1975)), "Fly Agarics" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironceenko 197 at iba pa). Ang kilusan sa ilalim ng lupa ay bumuo ng pagkamalikhain ng mga artista na hindi sumali sa anumang mga asosasyon (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), ngunit mga kinatawan ng panlipunang sining (E. Bulatov, V. Komar at A. Melamid), at iba pang mga kilusang avant-garde (Group of Avant-garde Artists, Champions of the World).

A. Zverev Portrait 1969

Matapos ang pagbagsak ng sistemang pampulitika ng Unyong Sobyet, at kasama nito ang pag-alis ng mga paghihigpit at pagbabawal sa kalayaan ng artistikong pagkamalikhain, ang underground bilang isang kultural na kababalaghan ay nauwi sa wala. Masters ng underground: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Antoni Tapies Drawing - 4. Series Berlin Drawings.

Ang art brut (Pranses: Art brut – magaspang, hilaw na sining) ay isang kilusan sa sining ng Europa noong kalagitnaan ng ika-20 siglo, ang nagtatag at pinuno nito ay ang Pranses na artista na si Jean Dubuffet, na bumuo ng konsepto ng purong sining, sining na tumatanggi sa kagandahan at pagkakaisa. Ang bawat tao ay isang artista; para sa isang tao, ang pagguhit ay kasing natural ng pagsasalita o paglalakad. Hindi nabibigatan ng mga tradisyon at kaalaman ng isang "nakasusuffocate na kultura," siya ay lumilikha nang likas at direkta.

J. Dubuffet Jazz band, 1955

Ayon kay Dubuffet, ang Art Brut ay pagkamalikhain sa pinakadalisay nitong anyo: isang kusang paglabas ng kaisipan mula sa kaibuturan ng isip at kamalayan, nakuha sa papel o nakapaloob sa materyal. Bumaling siya sa sining ng mga may sakit sa pag-iisip, mga taong nakahiwalay sa lipunan, isinasaalang-alang lamang sila bilang mga tunay na artista, na nagtataglay ng subjectivity na nagbibigay sa isang tao ng isang tunay na sariling katangian.

Sa una, kinopya ni Dubuffet ang kanilang istilo sa kanyang mga gawa, na lumilikha ng sadyang primitive, "barbaric" na mga anyo at larawan, matalinghaga at abstract, na kapansin-pansin sa mga hindi inaasahang solusyon sa kulay at isang tila awkward na paraan ng pagsulat. At noong 1948, kasama ang surrealist na manunulat na si André Breton at ang Spanish artist na si Antoni Tapies, itinatag niya ang "Company of Brute Art" sa Paris, na idinisenyo upang pangalagaan at pag-aralan ang sining ng marginalized. Ang nakolektang koleksyon, na may bilang na humigit-kumulang 5,000 mga guhit, mga kuwadro na gawa, mga bagay at mga eskultura, ang naging batayan ng Museum of Art Brut, na itinatag noong 1976 sa Lausanne (Switzerland).

J. Dubuffet Self-Portrait, 1958

Sa kontemporaryong sining, ang konsepto ng "art brut" ay kinabibilangan ng gawain ng mga taong umiiral sa labas ng lipunan - ang may sakit sa pag-iisip, may kapansanan, lahat ng uri ng marginalized na tao, pati na rin ang mga gawa ni J. Dubuffet, na inspirasyon ng mga halimbawang ito. Ang art brut ay bahagi ng isang mas malawak na kilusan - "Outsider art" (outsider art), na naging isang seryosong kilusan sa proseso ng artistikong mundo sa nakalipas na dekada. Sa maraming paraan, ito ang merito ng radikal at militanteng intelektwal na si Jean Dubuffet, na tumingin sa mundo sa isang bagong paraan. Masters of Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, proyekto ng Petra's Hut, 1982

Ang Arte Povera (Italyano: Arte povera – mahirap na sining) ay isang kilusang avant-garde na umusbong sa sining ng Italyano noong huling bahagi ng dekada 1960 – unang bahagi ng dekada 1970 at naging laganap sa ibang mga bansa sa Europa. Ito ay batay sa paglikha ng mga instalasyon mula sa pang-industriya at natural na mga bagay, na may kagustuhan na ibinibigay sa pinakasimpleng, "pinakahirap" na materyales (tulad ng lupa, buhangin, karbon, basura, pangunahing mga gamit sa bahay, lumang mga damit at sapatos, atbp.).

Mario Merz walang pamagat

Ang kilusang Arte Povera ay bumangon bilang tugon sa tumaas na intelektwalismo at rasyonalismo ng minimalismo at konseptwalismo, kasama ang kanilang mga mamahaling materyales at teknolohiya para sa paggawa ng mga bagay na sining. Ang mga artista ng Arte Povera, na lumilikha ng kanilang mga gawa, ay bumaling sa "mundo ng mga simpleng bagay" na panandaliang pumapalibot sa isang tao, at hinahangad na ipakita ang mga espesyal na poetics ng karaniwan, na naglalaro sa mga kaibahan - pinupunit ang mga bagay sa kanilang karaniwang konteksto at inilalagay ang mga ito sa ibang realidad, ang realidad ng marangyang mga bulwagan ng palasyo at mga espasyo sa museo.

L. Fontana Pamagat

Ang partikular na atensyon ay binabayaran sa heterogeneity ng mga bagay (plaster cast ng mga ulo mula sa mga antigong estatwa at mga bag ng karbon o gas burner), mga materyal na panandaliang nagbabago sa ilalim ng impluwensya ng atmospera o dahil sa kanilang mga kemikal at pisikal na katangian (tulad ng wax, espongha, goma, atbp.). Nagbigay ito sa mga gawa ni Arte Povera ng isang tiyak na simbolismong masining na hindi nagbibigay ng sarili sa hindi malabo na interpretasyon. Ang sining, na nakapalibot sa atin sa lahat ng dako, ay panandalian at mailap, tulad ng isang sandali ng buhay. Ito ay panandalian. At samakatuwid ay walang silbi, ngunit ito ang kagandahan nito.

Masters of Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROQUE

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Uffizi Gallery. Florence. Italya

Ang Baroque ay isa sa mga magagaling na istilo na nangibabaw sa arkitektura at sining ng mga bansang Europeo mula sa katapusan ng ika-16 hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Ang lugar ng kapanganakan ng Baroque (Italyano: barocco - kakaiba, kakaiba) ay Italya, kung saan ang pagtatatag ng bagong istilo ay nangangahulugan ng pagtatapos ng Renaissance kasama ang maayos na pananaw sa mundo, pananampalataya sa walang limitasyong mga posibilidad ng pag-iisip ng tao at ang kaayusan ng unibersal na pag-iral.

Ang mga pangunahing katangian ng Baroque ay sukat, kasaganaan ng palamuti, mabagyo na dinamika, nagsusumikap para sa mga ilusyon na epekto sa samahan ng panloob na espasyo - pagtaas ng laki ng mga silid sa tulong ng mga salamin; ang taas ng mga bulwagan salamat sa mga nakamamanghang lampshade na may kumplikadong solusyon sa pananaw.

Ang lahat ng ito ay tumutugma sa isang bagong larawan ng sansinukob - nababago, magkasalungat, kung saan ang namamatay at ang umuusbong ay nasa patuloy na paghaharap, at ang tao kasama ang kanyang mga hilig, nalilito, kumplikadong panloob na mundo ay madalas na nahahanap ang kanyang sarili sa awa ng hindi makatwiran na mga puwersa.

Simon Vouet, Saint Cecilia kasama ang isang Anghel. Unang kalahati ng ika-17 siglo. Hungarian Museum of Fine Arts. Budapest. Hungary

Ito ay hindi nagkataon na ang Baroque ay lumayo mula sa kalinawan at pagiging simple, mas pinipili ang isang eleganteng curve sa geometric rigor at isang tuwid na linya; isang puyo ng tubig sa isang iniutos na paggalaw; kumikislap na ginintuang tono na nagbabago sa ilalim ng impluwensya ng liwanag at anino, o maliwanag, maligaya, hindi inaasahang hindi nagkakasundo sa kanilang matagumpay na tunog sa lokal na kulay.

Ang Baroque ay humahanga sa mga nakamamanghang interior nito, na nakapagpapaalaala sa mga teatro na tanawin, ang magkakaibang kumbinasyon ng mga materyales at mga texture na ginamit para sa kanilang dekorasyon, at kung minsan ang nakakagulat na pagsasama ng "tunay" na mga detalye sa mga gawa ng sining, tulad ng mga tunay na ngipin at buhok sa mga babaeng estatwa.

Ang istilong Baroque ay lumikha ng isang natatanging grupo, isang synthesis ng arkitektura, monumental at pandekorasyon na sining na kakaiba dito.

Sa bawat bansa sa Europa, ang Baroque ay may sariling mga detalye habang pinapanatili ang mga pangunahing tampok ng estilo. Kaya, sa kanyang tinubuang-bayan, Italya, ang istilong ito ay natanto nang mas malinaw at mas maaga kaysa sa, halimbawa, sa Pransya, kung saan ang nangungunang papel noong ika-17 siglo ay kabilang sa klasisismo.

Sa Russia, ang pag-unlad ng Baroque ay bumagsak sa unang kalahati at kalagitnaan ng ika-18 siglo. Malaya mula sa mystical exaltation na katangian ng istilong ito sa mga Katolikong bansa, ang Baroque art sa Russia ay niluluwalhati ang pagpapalakas ng autokratikong kapangyarihan.

Sa unang kalahati ng ika-18 siglo, ang Baroque sa lahat ng dako ay umunlad tungo sa kaaya-ayang liwanag ng istilong Rococo, magkakasamang nabubuhay at nakipag-ugnay dito, at mula noong 1760s ay pinalitan ng Klasisismo.

BAUHAUS

Sinaunang Tunog, Abstract on Black ni Paul Klee 1925

Bauhaus (Aleman: Bauhaus – “bahay ng konstruksiyon”), Mas Mataas na Paaralan ng Konstruksyon at Masining na Disenyo, na itinatag ng arkitekto ng Aleman na si W. Gropius sa Weimar noong 1919.

Ayon sa ideya ng may-akda, tinawag ang Bauhaus na pag-isahin ang "divergent" na sining, craft at teknolohiya sa isang "solong artistikong produksyon", upang ikonekta ang mga ito sa anyo ng medieval building guilds, ngunit sa isang bagong siyentipiko at teknikal na batayan. Sa una, ang lahat ng mga mag-aaral ay sumailalim sa isang 6 na buwang paunang kurso sa pagsasanay, kung saan pinag-aralan nila ang mga katangian ng mga materyales at ang mga pangunahing kaalaman ng mga crafts, pati na rin ang teorya ng form at pagguhit. Pagkatapos nito, pinahintulutan silang magtrabaho sa mga workshop: malikhain at produksyon, kung saan ang diin ay sa pagsasanay ng aralin. Depende sa mga hilig ng mga mag-aaral, sila ay sinanay na maging mga arkitekto, artist-designer, photographer, designer.

Paul Klee: Klee Analysis of Various Perversities, 1922, Collection

Si V. Gropius ay nagbigay ng espesyal na pansin sa pagpili ng mga guro na nagbahagi ng kanyang mga paniniwala: sa iba't ibang taon, ang mga artista na sina V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, mga taga-disenyo na sina L. Moholy-Nagy at J. Itten ay nagtrabaho dito.

Ang kasagsagan ng Bauhaus ay nauugnay sa panahon ng Weimar, na minarkahan ng impluwensya ng neo-romanticism. Noong 1925, lumipat ang Bauhaus sa Dessau at inilagay sa isang gusaling dinisenyo ni V. Gropius, na itinuturing na isa sa mga obra maestra ng functionalist architecture. Ang panahon sa Dessau ay minarkahan ng pagpapalakas ng mga teknikal-utilitarian na tendensya, ang pagbuo ng istilo ng Bauhaus, na nailalarawan sa pamamagitan ng kalinawan ng mga anyo, minimalism ng mga paraan, karaniwang disenyo, at pagpapabuti ng mga pang-industriyang pamamaraan at materyales.

Vasily Kandinsky, St. George at ang Dragon (1914-15).

Noong 1928, ang Swiss architect na si H. Mayer ang pumalit bilang direktor. Gayunpaman, ang mga inobasyon na kanyang ipinakilala (ang pag-aaral ng mga agham panlipunan) ay nagdulot ng kawalang-kasiyahan sa mga guro at estudyante, at noong 1930, ang Bauhaus ay pinamumunuan ng Aleman na arkitekto na si L. Mies van der Rohe, na nanatiling direktor hanggang sa pagsasara ng institusyong pang-edukasyon na ito ng mga Nazi noong 1933.

Wassily Kandinsky. Untitled First Abstract Watercolor. 1910 -1913

Gayunpaman, ang mga prinsipyo at pamamaraan ng pagtuturo ng Bauhaus ay kinuha sa ibang mga bansa, at ang mga ideya nito ay nagkaroon ng malalim na epekto sa pag-unlad ng inilapat at pinong sining (mula sa mga graphics ng libro at advertising hanggang sa mga kasangkapan at mga gamit sa bahay).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISM

D. Fattori. Sa dalampasigan. 1893

Ang Verism (Italian verismo mula sa vero - totoo, totoo) ay isang kilusan sa kulturang artistikong Italyano noong huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, na unang umusbong sa panitikan at musika, at pagkatapos ay kumalat sa sining.

Ang mga prinsipyo ng verismo ay nabuo pangunahin sa ilalim ng impluwensya ng naturalismong Pranses. Batay sa mga gawa ni E. Zola, G. Flaubert at G. de Maupassant, itinakda ng mga verista ang mga pangunahing gawain ng kanilang trabaho bilang objectivity at isang siyentipikong diskarte sa pag-aaral ng mga katotohanan (mula sa pananaw ng positivism) sa paglalarawan ng mga katotohanan ng buhay sa modernong lipunang Italyano, ang buhay at sikolohiya ng mga ordinaryong tao. Ang pambansang pagka-orihinal ng kilusang ito ay ipinakita sa malalim na pakikiramay para sa mga inaaping manggagawa, na ang buhay (pangunahin ang mga magsasaka at ang mahihirap sa mga lalawigan) ay ang pangunahing nilalaman ng mga nobela at maikling kuwento ng mga theorists ng verismo - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, opera ni P. Mascagni, R. Puccinilo, G.

S. Lega Italian Barsaglieri na nangunguna sa mga bilanggo ng Austrian, 1861

Sa visual arts, ang mga nauna sa mga verists ay ang mga artist ng Florentine school na "Macchiaioli", na ibinalik ang kanilang trabaho sa mga tema ng pambansang pakikibaka sa pagpapalaya ng mga Italyano, urban at rural na buhay. Sa pagpipinta, ang verism ay pangunahing kinakatawan ng mga Neapolitan na masters na bumuo ng panlipunang kritikal na mga tendensya sa sining (ang pakikibaka ng uring manggagawa para sa mga karapatan nito, ang mahirap na buhay ng magsasaka) at lumikha ng isang buong gallery ng mga larawan ng mga natitirang figure ng kasaysayan at kultura ng Italyano.

Gayunpaman, ang mga verista ay hindi nakakita ng panlipunang posibilidad na maalis ang panlipunang kawalan ng katarungan; ang kanilang trabaho ay pinangungunahan ng mga mood ng pesimismo at kapahamakan, isang passive-naturalistic na persepsyon ng realidad (sa panitikan at pagpipinta) o melodrama, mababaw na paglalarawan, labis na emosyonalidad (sa musika). Bagama't hindi naging laganap ang verismo sa sining ng Italya, gayunpaman ay may mahalagang papel ito sa pagbuo ng mga makatotohanang tendensya sa proseso ng sining ng mundo.

Masters of Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEO ART

Nam June Paik Robot Family, 1976

Ang video art ay isang kilusan sa visual arts ng huling ikatlong bahagi ng ika-20 siglo na gumagamit ng mga kakayahan ng teknolohiya ng video. Hindi tulad ng telebisyon mismo, na nilayon para sa pagsasahimpapawid sa mass audience, ang video art ay gumagamit ng mga receiver ng telebisyon, mga video camera at mga monitor sa mga kakaibang pangyayari, at gumagawa din ng mga eksperimentong pelikula sa diwa ng konseptong sining, na ipinapakita sa mga espesyal na espasyo ng eksibisyon. Sa tulong ng modernong electronics, ipinapakita nito, kumbaga, ang "utak sa pagkilos" - isang visual na landas mula sa isang masining na ideya hanggang sa sagisag nito. Ang pangunahing tagapagtatag ng video art ay ang Amerikanong may lahing Korean na si Nam June Paik. Ang sining na gumagamit ng teknolohiya sa telebisyon — sining ng video — ay tiyak na bumangon mula sa isang protesta laban sa pangingibabaw ng kulturang masa, ang pinakamataas na sagisag nito ay itinuturing na pagsasahimpapawid sa telebisyon. Ang "mga ama" ng video art, sina Nam June Paik at Wolf Vostell, bawat isa sa kani-kanilang paraan ay pinagtatawanan ang mga kagalang-galang na mamamayan na umuupo tuwing gabi upang magpahinga sa harap ng telebisyon.

Noong dekada 60, nagtanghal si Wolf Vostell ng mga pangyayari kung saan ang mga telebisyon ay binato ng mga cream cake, tinalian ng barbed wire, seremonyal na inilibing, at binaril pa gamit ang mga machine gun. Si Nam Jun Paik, isang musikero sa pamamagitan ng pagsasanay, ay kumilos nang mas banayad. Sa pagsisimula sa mga eksperimento sa "visualization ng musika," lumipat siya sa paglikha ng mga pagkakahawig ng mga nabubuhay na nilalang na may mga ulo, braso, at katawan mula sa mga monitor na may iba't ibang laki at kaukulang mga imahe, na tinatawag silang "Nanay," "Tatay," "Anak," "Tita," "Tito," atbp.

Nam June Paik Bagong Trabaho, 1983

Ang pagkakaroon ng lumitaw noong 60s, noong wala pang mga video camera, ang video art ay itinuturing na isang batang anyo ng sining. Gaya ng nakasanayan, sa una ito ay domain ng mga nag-iisang mahilig, ngunit sa pagtatapos ng 80s ay naging malinaw na ang video ay nagtatago ng hindi mabilang na mga pagkakataon para sa pagpapayaman ng nagpapahayag na paraan ng sining. Ang mga gawa ni Bill Viola, na lumikha ng isang buong mundo ng mga kamangha-manghang at kamangha-manghang mga imahe kung saan ang katotohanan at pantasya ay napakasalimuot na ang isang tiyak na "bagong katotohanan" ay ipinanganak mula sa kanila, ay may mahalagang papel dito. Ngayon ay malinaw na sa lahat na para sa ikadalawampu siglo ang mga pangalan ng mga video artist na sina Viola at Pike ay kasingkahulugan ng mga pangalan nina Monet at Van Gogh para sa ikalabinsiyam. Ang mabuting sining ay palaging may malakas na epekto sa isang tao - ito ay gumising sa kanyang damdamin, pag-iisip, ideya, at pagkilos. Ang sining ng video ay may mga teknikal na paraan ng impluwensya na mas malakas kaysa sa pagpipinta, graphics, at eskultura. Marahil ang buhay lamang mismo ang maaaring makipagkumpitensya sa sining ng video sa tindi ng epekto nito. Ito ay hindi nagkataon na ang pinakakapani-paniwala sa lahat ng sining ay tinawag na "escape into reality" ni Wolf Vostell.

HEOMETRIK ABSTRACTION

Komposisyon ng Lyubov Popova, 1917

Ang geometric abstraction (iba pang mga pangalan ay malamig na abstraction, lohikal, intelektwal na abstractionism) ay isang kilusan sa abstract na sining batay sa paglikha ng artistikong espasyo sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng iba't ibang geometric na hugis, kulay na eroplano, tuwid at putol na mga linya.

Ang geometric abstraction ay lumago mula sa mga paghahanap ni Paul Cezanne at ng mga Cubists, na unang sumunod sa landas ng pagpapapangit ng kalikasan sa paghahanap ng isang "bagong katotohanan". Nagkaroon ito ng maraming sangay. Sa Russia, ito ay ang Rayonism ng M. Larionov, na lumitaw bilang isang kakaibang reaksyon sa pinakabagong mga pagtuklas sa pisika; ang "non-objectivity" ni O. Rozanova, L. Popova at V. Tatlin, na kalaunan ay lumago sa constructivism; ang supermatism ni K. Malevich, kung saan ang hindi pagiging objectivity ay itinuturing na isang "bagong pictorial realism"; sa France, bahagyang ang Orphism ni Robert Delaunay; ngunit ang pangunahing kinatawan nito ay ang Dutch group na "Style" ("De Stijl"), na pinamumunuan ni P. Mondrian at T. Van Doesburg, na naglagay ng konsepto ng neoplasticism - ang sining ng purong plasticity, ang gawain kung saan ay upang linisin ang likas na katangian ng illusory na pagkakaiba-iba at ilantad ang pangunahing pamamaraan na nakatago dito.

Mikhail Larionov Bathers, 1909

Ang geometric abstraction, na nagkaroon ng makabuluhang impluwensya sa pag-unlad ng modernong arkitektura, disenyo, pang-industriya, pandekorasyon at inilapat na sining, ay nanatiling nangingibabaw na kalakaran sa sining hanggang sa katapusan.

Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Noong 1950s, ang "lyrical currents of abstractionism" (tachisme, abstract expressionism) ay dumating sa unahan.

Komposisyon ng Olga Rozanova na may Tren, 1911

Gayunpaman, noong 1960s, sa paglitaw ng minimalism at op art sa artistikong eksena, ang geometric abstraction ay nakatanggap ng pangalawang kapanganakan.

Masters ng geometric abstraction: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HYPERREALISM

Richard Estes. kalye

Ang hyperrealism (iba pang pangalan: superrealism, photorealism, cold realism, radical realism) ay isang masining na kilusan sa pagpipinta at eskultura na umusbong sa Estados Unidos noong 1960s at kumalat sa Europe noong 1970s.

Bilang isang anyo ng matalinghagang sining, ang hyperrealism ay batay sa maselang katumpakan at detalye sa pagpaparami ng realidad, na ginagaya ang mga detalye ng litrato. Ang mga gawa ng hyperrealists ay masusing kinopya na mga litrato, pinalaki sa laki ng isang malaking canvas.

Don Eddy. Mga Lumang Modelong Kotse

Ang ilang mga artist na nagtatrabaho sa direksyon na ito ay aktwal na gumamit ng mga litrato at color slide bilang batayan para sa kanilang mga gawa. Kasabay nito, ang lahat ng mga tampok ng photographic na imahe ay napanatili, kung saan ang mga artist ay gumamit ng mekanikal na mga diskarte sa pagkopya: slide projection, glazing, airbrush sa halip na isang brush, emulsion coating, atbp. Ang paggamit ng naturang mga teknolohiya ay hindi sinasadya: binibigyang diin nito ang mekanikal na kalikasan, inalis ang presensya ng tao mula sa proseso ng paglikha, na parang sinusubukang pigilan ang sariling mundo ng artist, personal na mundo. Marahil ito ang dahilan kung bakit ang mundo ng hyperrealism ay tila walang buhay, malamig, at hiwalay sa superreality ng manonood.

Ralph Goings. Araw ng Tag-init

Ang layunin ng hyperrealism ay upang ilarawan ang pang-araw-araw na katotohanan, at ang mga pangunahing tema ay ang impersonal na mekanisadong buhay ng modernong lungsod, ang impersonal na sistema ng pamumuhay sa isang malupit at magaspang na mundo. Ang mga paksa nito ay sadyang banal, at ang mga larawan nito ay mariin na "layunin". Mga kotse, mga gusali ng tirahan, mga restawran, mga istasyon ng gasolina, mga booth ng telepono, mga billboard at, bihira, mga buhay na tao - "mga character mula sa kalye", ang mga imahe nito ay may kabalintunaan na kulay o puno ng kawalan ng pag-asa. Ang mga kuwadro na gawa ay nagbibigay ng isang imahe ng katotohanan, ngunit hindi ang tunay na isa, ngunit makikita sa maraming bagay sa mga bintana ng tindahan ng salamin, sa makintab na katawan ng mga kotse, sa granite na pinakintab hanggang sa ningning. Ang paglalaro ng mga pagmumuni-muni na ito, na tumpak na ginawa ng artista, ay lumilikha ng impresyon ng interpenetration ng mga spatial zone, isang masalimuot na relasyon ng mga plano, nakakagambala sa manonood, na nagbubunga ng isang pakiramdam ng hindi katotohanan.

Masters ng hyperrealism: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.