Curente în artă și pictură

EXPRESIONISM ABSTRACT

J. Pollock. Moby Dick. 1943

O mișcare în arta abstractă care a apărut în Statele Unite în anii 1940 și a fost reprezentată în principal de lucrările artiștilor Școlii din New York. Expresionismul abstract a continuat „eliberarea” artei de orice control al rațiunii și al legilor logice, stabilindu-și ca scop exprimarea spontană a lumii interioare a artistului, a subconștientului său în forme haotice, abstracte și luând ca principiu creativ principal aplicarea spontană, automată a vopselei pe pânză, care are loc exclusiv sub influența stărilor mentale și emoționale…

F. Klein. Negru pe verde, roșu și galben. 1948

Într-un ritm rapid, artiștii au acoperit suprafața pânzei cu tușe mari și energice de pensulă, folosind adesea tehnica picurarei (stropirea cu vopsea sau stoarcerea acesteia dintr-un tub). Procesul de creare a unei picturi avea loc adesea în public: se desfășura în fața publicului un întreg spectacol, în care gesturile și mișcările artistului jucau un rol la fel de activ ca și șuvoaiele de vopsea care cădeau și se revărsau pe pânză.

Expresionismul abstract a dominat cultura americană până la începutul anilor 1960, devenind una dintre primele mișcări serioase din pictura americană și influențând dezvoltarea artei mondiale.

ABSTRACŢIONISM

V. Kandinsky. Compoziția 8 1913.

Una dintre principalele tendințe artistice din arta secolului XX, în care structura operei se bazează exclusiv pe elemente formale - linii, pete de culoare, configurație abstractă. Operele abstracte sunt desprinse de formele vieții în sine: compozițiile non-obiective întruchipează impresiile și fanteziile subiective ale artistului, fluxul conștiinței sale, generează asociații libere, mișcări de gândire și empatie emoțională.

Este imposibil să numim nici momentul exact al apariției abstracțiunii, nici fondatorul acesteia. Inspiratorii recunoscuți ai abstracțiunii sunt considerați artiștii Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay, care au subliniat principalele prevederi ale acestei mișcări în lucrările lor teoretice și în declarațiile programatice.

F. Leger Fata cu o floare. 1954

Abstracționismul a apărut ca un curent restrâns în arta plastică. La începutul anilor 1930, au început să apară asociații de abstraționiști („artă concretă” - 1930, „cerc și pătrat” - 1930 și altele), care au reunit sub steagurile lor artiști de diferite naționalități și tendințe. Până la mijlocul anilor 1930, interesul pentru abstraționism a scăzut brusc, iar aceste asociații s-au destrămat. Acesta a renascut în Statele Unite, unde expresionismul abstract a apărut la începutul anilor 1940, operând cu forme non-obiective pentru exprimarea spontană a lumii interioare a artistului.

Ultima formă populară de artă abstractă a fost arta pop, care a apărut în anii 1960, după care arta abstractă a dispărut în obscuritate.

AVANGARDISM

P. Picasso Trei muzicieni 1921

Un set de tendințe și direcții inovatoare, rebele în cultura artistică a secolului XX. În diferite etape istorice, rolul avangardei a fost jucat de tendințe succesive: anii 1900-1910 au fost perioada apariției fauvismului, cubismului, futurismului, expresionismului, dadaismului și artei abstracte; în anii 1920-1930, suprarealismul a intrat în prim-plan; în perioada postbelică, au apărut noi tendințe în abstracțiunism: expresionismul abstract, tachismul, arta informală etc.; anii 1960-1970 au fost epoca de tranziție de la avangarda „clasică” la neo-avangardă sau postmodernism, cu componentele sale: acționism, pop art, conceptualism, artă cinetică și alte practici artistice.

ACADEMISM

A. Cabanel Phaedra. 1880

O tendință în artele plastice, a cărei bază pentru dezvoltarea acesteia sunt academiile de artă. Istoria dezvoltării academismului este asociată cu „Academia celor care au intrat pe calea cea dreaptă” din Bologna (în jurul anului 1585), Academia Regală Franceză de Pictură și Sculptură (1648) și Academia Rusă a celor Trei Cele Mai Nobile Arte (1757). Activitățile tuturor instituțiilor s-au bazat pe un sistem de educație strict reglementat, orientat spre marile realizări ale epocilor anterioare - Antichitatea și Renașterea italiană, din care au fost selectate în mod conștient calități individuale ale artei clasice, acceptate ca ideale și de neegalat.

Calea academismului în artă nu a fost marcată de descoperiri sau realizări mărețe. Datorită artificialității sale („făcute”) și eclecticismului, nu este un stil artistic.

A. Bouguereau Odihnă în timpul recoltării. 1865

Academismul a înflorit în secolul al XIX-lea. În Franța, această tendință este asociată cu opera unor maeștri renumiți precum Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, ale căror opere se disting prin măiestria lor de neegalat a execuției.

Academia de Arte din Sankt Petersburg a hrănit, de asemenea, între zidurile sale o serie de artiști academici de renume mondial: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky și Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema Descoperirea lui Moise. 1904

În zilele noastre, conceptul de „academism” a depășit sfera unei mișcări artistice: a căpătat o semnificație suplimentară și a ajuns să fie aplicat operelor artiștilor care au o educație artistică sistematică și abilități clasice în crearea de opere de înaltă calificare tehnică.

ACȚIUNISM

Christo și Han-Claude. Poarta nr. 53 2006

O denumire generală pentru o serie de forme care au apărut în arta avangardistă în anii 1960.

Dorința de a șterge linia dintre artă și realitate îi determină pe artiștii avangardiști să caute noi modalități de exprimare artistică, diferite de formele tradiționale (adică statice), dând dinamism operei, implicând-o într-o anumită acțiune (act). Acțiunea (sau arta acțiunii) devine un concept general pentru practicile artistice în care accentul este mutat de la opera în sine la procesul creației sale.

K. Oldenburg. Podul Spoon cu o cireșă. 1985

Originile acțiunii ar trebui căutate în performanțele dadaiștilor și suprarealiștilor, în activitățile artiștilor abstracți (în special D. Pollock), care susțineau principiul scrierii expresive - „pictura de acțiune”.

ANACRONISM

K.M. Mariani, Mâna călăuzită de minte, 1983

Una dintre tendințele picturii postmoderniste, care oferă o interpretare autorială a artei trecutului. Apărând ca urmare a respingerii modernismului (adică a curentului avangardist în artă), postmodernismul și-a declarat scopul de a fi o întoarcere la vechile forme, tradițiile istorice și stilurile culturii seculare precedente. În căutarea unor noi forme, artiștii postmoderniști combină stiluri artistice din diferite epoci și culturi, creând pe această bază o mitologie individuală, corelată cu experiența personală a autorului.

Anacronismul a apărut la sfârșitul anilor 1970 în Italia și s-a răspândit ulterior în Franța. Cea mai importantă sursă spirituală a sa a fost opera lui Giorgio De Chirico, care s-a orientat spre arta clasică în anii 1920, după „perioada metafizică”. Anacroniștii sau „artiștii culturali”, așa cum se autointitulează, se inspiră din operele maeștrilor Renașterii, manierismului și barocului, pe care îi parafrazează, îi parodiază, căutând să încadreze tradiția clasică în contextul mozaic al culturii postmoderne.

ARTA ANALITICĂ

P. Filonov. Familia țărănească 1914

Arta analitică este o metodă artistică dezvoltată și fundamentată de Pavel Filonov în lucrările sale teoretice („Canon și drept”, 1912; „Tablouri realizate”, 1914; „Declarația «Înfloririi lumii», 1923) și în propria pictură. Luând cubismul ca purtător al principiului raționalist, Filonov l-a contrastat cu principiul creșterii organice (așa cum crește un copac) a formei artistice și cu calitatea „realizată” a picturilor.

Autoportretul triplu al lui P. Salzman. 1932

Principiul creației este poziția principală a Artei Analitice. Artistul își „construiește” tabloul, așa cum natura „creează” formațiuni mai mari din atomi și molecule. Înțelegând „că în orice obiect nu există două predicate, forma și culoarea, ci o întreagă lume de fenomene vizibile și invizibile, emanațiile, reacțiile, incluziunile, geneza, ființa, proprietățile lor cunoscute sau secrete, care la rândul lor au uneori nenumărate predicate”, Filonov era convins că toată această diversitate de proprietăți poate fi exprimată plastic în pictură.

Atunci când creează o operă, artistul trebuie să se bazeze nu doar pe evident, vizibil („ochiul văzător”), ci și pe invizibil („gazul cunoscător”, surprinderea proceselor ascunse) - tiparele interne ale structurii și funcționării obiectului înfățișat. Artistul își transformă „viziunea” internă asupra obiectului sau fenomenului în construcții grafice și picturale bazate pe „legea dezvoltării organice a formei”, împrumutate din natură (pentru a imita nu formele pe care le creează, ci metodele prin care „acționează”) și opuse „canonului” (forme construite artificial).

Rezultat de culoare Tatyana Glebova

Înțelegând această lege, artistul este capabil să „creeze” o anumită imagine, atât de organică încât aceasta are potențialul de autodezvoltare ca și cum ar fi fără participarea autorului însuși în acest proces (crește și se dezvoltă ca toate ființele vii din natură). P. Filonov credea că arta creată prin metoda sa este arta viitorului, care va duce la „Glorile lumii”, deoarece se bazează pe interacțiunea armonioasă dintre om și natură, pe o serie de principii științifice adresate intelectului privitorului și dezvoltându-l („pentru a fi un factor în evoluția inteligenței”). Maeștri ai artei analitice: Pavel Filonov, Tatiana Glebova, Alisa Poret, Mihail Țibasov, Sofia Zaklinovskaia, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratiev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Hrzhanovsky

SUBTERAN

Oscar Rabin, „Baths (Smell the Moscow Eau de Cologne)”, 1966.

Underground (engleză underground - subteran, temniță) - în sens restrâns - orice artă necomercială, experimentală; în sens larg - un concept și fenomen care a apărut în Statele Unite la sfârșitul anilor 1950 și înseamnă cultură „underground” ca parte integrantă a așa-numitei contraculturi, care s-a opus restricțiilor și convențiilor care dominau societatea culturală. Arta underground impregnată de spiritul disidenței. Respinge și încalcă orientările politice, morale și etice și tipurile de comportament acceptate în societate, introducând comportamente antisociale în viața de zi cu zi. Temele tipice ale underground-ului american și european sunt „revoluția sexuală” și drogurile.

Lev Kropivnițki

În perioada sovietică, acest concept a căpătat un sens oarecum diferit și forme mai politizate: aici, din cauza stricteții regimului, aproape orice artă neoficială, adică nerecunoscută de autorități, inclusiv muzica și literatura, s-a dovedit a fi underground. De la mijlocul anilor 1950 până la sfârșitul anilor 1980. „Opoziția artistică” a fost reprezentată de activitățile multor asociații, printre care cele mai cunoscute au fost grupurile „Lianozovskaya” (E. și L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin și alții (din 1956 până la mijlocul anilor 1970)), „Bulevardul Sretensky” (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster și alții (din 1960 până la mijlocul anilor 1970)), „Acțiuni colective” (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko și alții (din 1975)), „Amanita musculița” (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko și alții (din 1978)). Mișcarea underground a dezvoltat creativitatea artiștilor care nu au aderat la nicio asociație (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), dar au fost reprezentanți ai artei sociale (E. Bulatov, V. Komar și A. Melamid), precum și ai altor mișcări avangardiste (Grupul Artiștilor Avangardiști, Campionii Lumii).

Portretul lui A. Zverev, 1969

După prăbușirea sistemului politic al Uniunii Sovietice și, odată cu aceasta, ridicarea restricțiilor și interdicțiilor privind libertatea creativității artistice, underground-ul ca fenomen cultural a dispărut. Maeștri ai underground-ului: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mihail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Desen Antoni Tapies - 4. Seria Desene Berlin.

Art brut (în franceză: Art brut – artă brută, brută) este o mișcare artistică europeană de la mijlocul secolului al XX-lea, al cărei fondator și lider a fost artistul francez Jean Dubuffet, care a dezvoltat conceptul de artă pură, o artă ce respinge frumusețea și armonia. Fiecare persoană este un artist; pentru o ființă umană, desenul este la fel de natural ca vorbitul sau mersul. Neîmpovărat de tradițiile și cunoștințele unei „culturi sufocante”, el creează instinctiv și direct.

Trupa de jazz J. Dubuffet, 1955

Conform lui Dubuffet, Art Brut este creativitate în forma sa cea mai pură: o izbucnire mentală spontană din adâncurile minții și conștiinței, surprinsă pe hârtie sau întruchipată în material. El se adresează artei bolnavilor mintal, oamenilor izolați de societate, considerându-i doar pe aceștia adevărați artiști, posesori ai acelei subiectivități care conferă unei persoane o individualitate autentică.

La început, Dubuffet le-a copiat stilul în lucrările sale, creând forme și imagini deliberat primitive, „barbare”, figurative și abstracte, izbitoare prin soluții de culoare neașteptate și un mod de scriere aparent stângaci. Iar în 1948, împreună cu scriitorul suprarealist André Breton și artistul spaniol Antoni Tapies, a fondat la Paris „Compania de Artă Brută”, menită să conserve și să studieze arta marginalizaților. Colecția adunată, care număra aproximativ 5.000 de desene, picturi, obiecte și sculpturi, a stat la baza Muzeului de Artă Brută, fondat în 1976 la Lausanne (Elveția).

J. Dubuffet Autoportret, 1958

În arta contemporană, conceptul de „art brut” include opera unor oameni care există în afara societății - bolnavi mintal, persoane cu dizabilități, tot felul de persoane marginalizate, precum și lucrările lui J. Dubuffet, inspirate de aceste exemple. Art brut face parte dintr-o mișcare mai amplă - „Outsider art” (art outsider), care a devenit o mișcare serioasă în procesul artistic mondial în ultimul deceniu. În multe privințe, acesta este meritul intelectualului radical și militant Jean Dubuffet, care a privit lumea într-un mod nou. Maeștri ai Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, proiectul Coliba Petrei, 1982

Arte Povera (în italiană Arte povera – artă săracă) este o mișcare avangardistă care a apărut în arta italiană la sfârșitul anilor 1960 – începutul anilor 1970 și s-a răspândit în alte țări europene. Se baza pe crearea de instalații din obiecte industriale și naturale, cu preferință acordată celor mai simple, mai „sărace” materiale (cum ar fi pământul, nisipul, cărbunele, gunoiul, articolele de uz casnic de bază, hainele și încălțămintea vechi și uzate etc.).

Mario Merz fără titlu

Mișcarea Arte Povera a apărut ca răspuns la intelectualismul și raționalismul accentuat al minimalismului și conceptualismului, cu materialele și tehnologiile lor scumpe pentru producerea obiectelor de artă. Artiștii Arte Povera, creându-și operele, s-au îndreptat către „lumea lucrurilor simple” care înconjoară momentan o persoană și au căutat să dezvăluie poetica specială a cotidianului, jucându-se pe contraste - smulgând lucrurile din contextul lor obișnuit și plasându-le într-o realitate diferită, realitatea sălilor luxoase ale palatelor și a spațiilor muzeale.

Titlu L. Fontana

O atenție deosebită a fost acordată eterogenității obiectelor (mulaje din ipsos ale capetelor din statui antice și saci cu cărbune sau arzătoare pe gaz), materiale cu viață scurtă care se schimbă sub influența atmosferei sau datorită proprietăților lor chimice și fizice (cum ar fi ceara, buretele, cauciucul etc.). Acest lucru a conferit operelor de Arte Povera un anumit simbolism artistic care nu se pretează la o interpretare lipsită de ambiguitate. Arta, care ne înconjoară pretutindeni, este trecătoare și evazivă, ca o clipă a vieții. Este efemeră. Și, prin urmare, inutilă, dar aceasta este frumusețea ei.

Maeștri ai Artei Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

STIL BAROC

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Galeria Uffizi. Florenţa. Italia

Barocul este unul dintre marile stiluri care au dominat arhitectura și arta țărilor europene de la sfârșitul secolului al XVI-lea până la mijlocul secolului al XVIII-lea.

Locul de naștere al Barocului (italiană: barocco - bizar, straniu) este Italia, unde stabilirea noului stil a însemnat sfârșitul Renașterii cu viziunea sa armonioasă asupra lumii, credința în posibilitățile nelimitate ale minții umane și ordinea existenței universale.

Principalele caracteristici ale barocului au fost amploarea, abundența decorului, dinamica furtunoasă, căutarea unor efecte iluzorii în organizarea spațiului interior - creșterea dimensiunii camerelor cu ajutorul oglinzilor; înălțimea holurilor datorită abajururilor pitorești cu o soluție complexă a perspectivei.

Toate acestea corespundeau unei noi imagini a universului - schimbător, conflictual, în care muribundul și cel care apare se confruntă constant, iar omul, cu pasiunile sale, lumea interioară confuză și complexă, se află adesea la mila forțelor iraționale.

Simon Vouet, Sfânta Cecilia cu un înger. Prima jumătate a secolului al XVII-lea. Muzeul Maghiar de Arte Frumoase. Budapesta. Ungaria

Nu este o coincidență faptul că barocul se îndepărtează de claritate și simplitate, preferând o curbă elegantă rigorii geometrice și o linie dreaptă; un vârtej unei mișcări ordonate; tonuri aurii sclipitoare care se schimbă sub influența luminii și a umbrei, sau luminoase, festive, neașteptat de dizarmonice în sunetul lor victorios față de culoarea locală.

Barocul impresionează prin interioarele sale spectaculoase, care amintesc de peisajele teatrale, prin combinația contrastantă de materiale și texturi folosite pentru decorarea lor și, uneori, prin includerea șocantă a detaliilor „reale” în operele de artă, cum ar fi dinții și părul adevărați în statuile feminine.

Stilul baroc a creat un ansamblu unic, o sinteză de arhitectură, arte monumentale și decorative care i-a fost specifică.

În fiecare țară europeană, barocul are propriile sale specificități, păstrând în același timp principalele caracteristici ale stilului. Astfel, în patria sa, Italia, acest stil a fost realizat cel mai viu și mai devreme decât, de exemplu, în Franța, unde rolul principal în secolul al XVII-lea a aparținut clasicismului.

În Rusia, dezvoltarea barocului se situează în prima jumătate și mijlocul secolului al XVIII-lea. Lipsită de exaltarea mistică caracteristică acestui stil în țările catolice, arta barocă din Rusia glorifică consolidarea puterii autocratice.

În prima jumătate a secolului al XVIII-lea, barocul a evoluat pretutindeni spre ușurința grațioasă a stilului rococo, a coexistat și s-a împletit cu acesta, iar din anii 1760 a fost înlocuit de clasicism.

BAUHAUS

Sunet antic, abstract pe negru de Paul Klee 1925

Bauhaus (în germană Bauhaus – „casă a construcțiilor”), Școală Superioară de Construcții și Design Artistic, fondată de arhitectul german W. Gropius la Weimar în 1919.

Conform ideii autorului, Bauhaus a fost chemat să unească arta, meșteșugurile și tehnologia „divergente” într-o „producție artistică unică”, să le conecteze sub forma breslelor de constructori medievali, dar pe o bază științifică și tehnică nouă. La început, toți studenții au urmat un curs preliminar de pregătire de 6 luni, în care au studiat proprietățile materialelor și elementele de bază ale meșteșugurilor, precum și teoria formei și desenul. După aceea, li s-a permis să lucreze în ateliere: creative și de producție, unde accentul se punea pe practica lecției. În funcție de înclinațiile studenților, aceștia erau instruiți să devină arhitecți, artiști-designeri, fotografi, designeri.

Paul Klee: Analiza lui Klee a diferitelor perversități, 1922, Colecție

V. Gropius a acordat o atenție deosebită selecției profesorilor care i-au împărtășit convingerile: în diferiți ani, aici au lucrat artiștii V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, designerii L. Moholy-Nagy și J. Itten.

Perioada de glorie a Bauhaus este asociată cu perioada de la Weimar, marcată de influența neoromantismului. În 1925, Bauhaus s-a mutat la Dessau și a fost găzduit într-o clădire proiectată de V. Gropius, considerată una dintre capodoperele arhitecturii funcționaliste. Perioada din Dessau este marcată de consolidarea tendințelor tehnico-utilitariste, de formarea stilului Bauhaus, caracterizat prin claritatea formelor, minimalismul mijloacelor, design standardizat și îmbunătățirea metodelor și materialelor industriale.

Vasili Kandinski, Sfântul Gheorghe și dragonul (1914-15).

În 1928, arhitectul elvețian H. Mayer a preluat funcția de director. Cu toate acestea, inovațiile pe care le-a introdus (studiul științelor sociale) au provocat nemulțumire în rândul profesorilor și studenților, iar în 1930, Bauhaus a fost condus de arhitectul german L. Mies van der Rohe, care a rămas director până la închiderea acestei instituții de învățământ de către naziști în 1933.

Vasili Kandinsky. Prima acuarelă abstractă fără titlu. 1910-1913

Cu toate acestea, principiile și metodele de predare Bauhaus au fost preluate în alte țări, iar ideile lor au avut un impact profund asupra dezvoltării artelor aplicate și plastice (de la grafică de carte și publicitate la mobilă și articole de uz casnic).

Maeștri Bauhaus: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISM

D. Fattori. Pe coastă. 1893

Verismul (verismo italian din vero - adevărat, adevărat) este o mișcare în cultura artistică italiană din ultima treime a secolului al XIX-lea, care a apărut inițial în literatură și muzică, apoi s-a răspândit în artele plastice.

Principiile verismului s-au format în principal sub influența naturalismului francez. Bazându-se pe operele lui E. Zola, G. Flaubert și G. de Maupassant, veriștii și-au stabilit ca principale sarcini ale operei lor obiectivitatea și o abordare științifică a studiului faptelor (din punctul de vedere al pozitivismului) în descrierea realităților vieții în societatea italiană modernă, a vieții și psihologiei oamenilor de rând. Originalitatea națională a acestei mișcări s-a manifestat în profunda simpatie pentru oamenii muncii asupriți, a căror viață (în principal țărănimea și săracii din provincii) a fost conținutul principal al romanelor și povestirilor teoreticienilor verismului - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, operelor de P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega italian Barsaglieri care conduce prizonieri austrieci, 1861

În artele vizuale, predecesorii imediați ai veriștilor au fost artiștii școlii florentine „Macchiaioli”, care s-au orientat în lucrările lor către temele luptei de eliberare națională a poporului italian, ale vieții urbane și rurale. În pictură, verismul a fost reprezentat în principal de maeștri napolitani care au dezvoltat tendințe social-critice în artă (lupta clasei muncitoare pentru drepturile sale, viața dificilă a țărănilor) și au creat o întreagă galerie de imagini ale unor figuri marcante ale istoriei și culturii italiene.

Cu toate acestea, veriștii nu au văzut o posibilitate socială de eliminare a nedreptății sociale; opera lor a fost dominată de stări de pesimism și pesimism, o percepție pasiv-naturalistă a realității (în literatură și pictură) sau melodramă, ilustrativitate superficială, emoționalitate exagerată (în muzică). Deși verismul nu s-a răspândit în artele plastice din Italia, a jucat totuși un rol important în dezvoltarea tendințelor realiste în procesul artistic mondial.

Maeștri ai verismului: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

ARTĂ VIDEO

Familia de roboți Nam June Paik, 1976

Arta video este o mișcare în artele vizuale din ultima treime a secolului XX care utilizează capacitățile tehnologiei video. Spre deosebire de televiziunea în sine, care este destinată difuzării către un public larg, arta video folosește receptoare de televiziune, camere video și monitoare în evenimente unice și produce, de asemenea, filme experimentale în spiritul artei conceptuale, care sunt prezentate în spații expoziționale speciale. Cu ajutorul electronicii moderne, aceasta prezintă, cum ar spune, „creierul în acțiune” - o cale vizuală de la o idee artistică la întruchiparea ei. Principalul fondator al artei video este americanul de origine coreeană Nam June Paik. Arta care folosește tehnologia televiziunii - arta video - a apărut tocmai dintr-un protest împotriva dominației culturii de masă, a cărei cea mai înaltă întruchipare este considerată a fi transmisiunea televiziunii. „Părinții” artei video, Nam June Paik și Wolf Vostell, fiecare în felul său au râs de cetățenii respectabili care se așează în fiecare seară să se relaxeze în fața televizorului.

În anii '60, Wolf Vostell a pus în scenă evenimente în care televizoarele erau bombardate cu prăjituri cu cremă, legate cu sârmă ghimpată, îngropate ceremonios și chiar împușcate cu mitraliere. Nam Jun Paik, muzician de formație, a acționat mai subtil. După ce a început cu experimente de „vizualizare muzicală”, a trecut la crearea unor asemănări de ființe vii cu capete, brațe și corpuri de pe monitoare de diferite dimensiuni și imagini corespunzătoare, numindu-le „Mamă”, „Tată”, „Copil”, „Mătușă”, „Unchi” etc.

Lucrări noi ale lui Nam June Paik, 1983

Apărută în anii '60, când încă nu existau camere video, arta video este considerată o formă de artă tânără. Ca întotdeauna, la început a fost domeniul unor entuziaști solitari, dar până la sfârșitul anilor '80 a devenit clar că video-ul ascunde nenumărate oportunități de îmbogățire a mijloacelor expresive ale artei. Operele lui Bill Viola, care a creat o întreagă lume de imagini uimitoare și fascinante în care realitatea și fantezia sunt atât de strâns împletite încât din ele se naște o anumită „nouă realitate”, au jucat un rol semnificativ în acest sens. Acum este clar pentru toată lumea că pentru secolul al XX-lea numele artiștilor video Viola și Pike sunt la fel de semnificative precum au fost numele lui Monet și Van Gogh pentru secolul al XIX-lea. Arta bună are întotdeauna un impact puternic asupra unei persoane - trezește în ea sentimente, gânduri, idei și acțiuni. Arta video are mijloace tehnice de influență mai puternice decât pictura, grafica și sculptura. Poate că doar viața însăși poate concura cu arta video în intensitatea impactului său. Nu este o coincidență faptul că această artă, cea mai credibilă dintre toate, a fost numită „evadare în realitate” de Wolf Vostell.

ABSTRACȚIE GEOMETRICĂ

Compoziție Lyubov Popova, 1917

Abstracția geometrică (alte denumiri sunt abstracție rece, abstracționism logic, abstracționism intelectual) este o mișcare în arta abstractă bazată pe crearea spațiului artistic prin combinarea diverselor forme geometrice, planuri colorate, linii drepte și frânte.

Abstracția geometrică a apărut din căutările lui Paul Cézanne și ale cubiștilor, care au fost primii care au urmat calea deformării naturii în căutarea unei „noi realități”. A avut o serie de ramificații. În Rusia, a fost raionismul lui M. Larionov, care a apărut ca o reacție particulară la cele mai recente descoperiri din fizică; „non-obiectivitatea” lui O. Rozanova, L. Popova și V. Tatlin, care ulterior a evoluat în constructivism; supermatismul lui K. Malevich, în care non-obiectivitatea era considerată un „nou realism pictural”; în Franța, parțial orfismul lui Robert Delaunay; dar principalul său reprezentant a fost grupul olandez „Stil” („De Stijl”), condus de P. Mondrian și T. Van Doesburg, care a propus conceptul de neoplasticism - arta plasticității pure, a cărei sarcină era de a curăța natura de diversitatea iluzorie și de a expune schema primară ascunsă în ea.

Mihail Larionov, Scăldători, 1909

Abstracția geometrică, având o influență semnificativă asupra dezvoltării arhitecturii moderne, designului, artelor industriale, decorative și aplicate, a rămas tendința dominantă în artă până la sfârșitul

Al Doilea Război Mondial. În anii 1950, „curențele lirice ale abstracțiunii” (tahismul, expresionismul abstract) au ieșit în evidență.

Olga Rozanova Compoziție cu tren, 1911

Totuși, în anii 1960, odată cu apariția minimalismului și a op art-ului pe scena artistică, abstracția geometrică a primit o a doua naștere.

Maeștri ai abstracției geometrice: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HIPERREALISM

Strada Richard Estes

Hiperrealismul (alte denumiri: superrealism, fotorealism, realism rece, realism radical) este o mișcare artistică în pictură și sculptură care a apărut în Statele Unite în anii 1960 și s-a răspândit în Europa în anii 1970.

Ca formă de artă figurativă, hiperrealismul se bazează pe precizia și detaliile meticuloase în reproducerea realității, imitând specificul fotografiei. Operele hiperrealiștilor sunt fotografii copiate meticulos, mărite la dimensiunea unei pânze mari.

Don Eddy. Mașini vechi

Unii artiști care lucrează în această direcție au folosit de fapt fotografii și diapozitive color ca bază pentru lucrările lor. În același timp, toate caracteristicile imaginii fotografice au fost păstrate, pentru care artiștii au folosit tehnici mecanice de copiere: proiecția diapozitivelor, glazurarea, aerograful în loc de pensulă, acoperirea cu emulsie etc. Utilizarea unor astfel de tehnologii nu a fost întâmplătoare: a accentuat natura mecanică, a eliminat prezența umană din procesul de creație, ca și cum ar încerca să împiedice propria viziune personală a artistului asupra lumii. Poate acesta este motivul pentru care lumea hiperrealismului pare lipsită de viață, rece și detașată de suprarealitatea privitorului.

Ralph Goings. Zi de vară

Scopul hiperrealismului este de a înfățișa realitățile cotidiene, iar temele principale sunt viața mecanizată impersonală a orașului modern, sistemul de locuit impersonal într-o lume dură și crudă. Subiectele sale sunt deliberat banale, iar imaginile sunt în mod evident „obiective”. Mașini, clădiri rezidențiale, restaurante, benzinării, cabine telefonice, panouri publicitare și, rareori, oameni vii - „personaje de pe stradă”, ale căror imagini au o tentă ironică sau sunt pline de deznădejde. Picturile dau naștere unei imagini a realității, dar nu a celei reale, ci reflectată în multiplicitatea sa în vitrine, în caroseriile lustruite ale mașinilor, în granitul lustruit până la strălucire. Jocul acestor reflexii, reprodus cu acuratețe de artist, creează impresia de întrepătrundere a zonelor spațiale, o relație complexă de planuri, dezorientând privitorul, dând naștere unui sentiment de irealitate.

Maeștri ai hiperrealismului: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.