Correntes em arte e pintura

EXPRESSIONISMO ABSTRATO

J. Pollock. Moby Dick.1943

Um movimento da arte abstrata que surgiu nos Estados Unidos na década de 1940 e foi representado principalmente pela obra de artistas da Escola de Nova York. O expressionismo abstrato deu continuidade à "libertação" da arte de qualquer controle da razão e das leis lógicas, estabelecendo como objetivo a expressão espontânea do mundo interior do artista, seu subconsciente, em formas abstratas e caóticas, e tomando como principal princípio criativo a aplicação espontânea e automática de tinta à tela, ocorrendo unicamente sob a influência de estados mentais e emocionais.

F.Klein. Preto sobre verde, vermelho e amarelo.1948

Em ritmo acelerado, os artistas cobriam a superfície da tela com pinceladas amplas e enérgicas, muitas vezes utilizando a técnica de gotejamento (respingos de tinta ou a espremiam para fora de um tubo). O processo de criação de uma pintura frequentemente acontecia em público: uma performance inteira era encenada diante do público, na qual os gestos e movimentos do artista desempenhavam um papel tão ativo quanto os jatos de tinta caindo e se espalhando pela tela.

O expressionismo abstrato dominou a cultura americana até o início da década de 1960, tornando-se um dos primeiros movimentos sérios na pintura americana e influenciando o desenvolvimento da arte mundial.

ABSTRACIONISMO

V. Kandinsky. Composição 8 1913.

Uma das principais tendências artísticas do século XX, na qual a estrutura da obra se baseia exclusivamente em elementos formais – linhas, manchas de cor, configuração abstrata. Obras abstratas se distanciam das formas da vida em si: composições não objetivas incorporam as impressões e fantasias subjetivas do artista, o fluxo de sua consciência, gerando associações livres, movimentos de pensamento e empatia emocional.

É impossível nomear a época exata do surgimento do abstracionismo ou seu fundador. Os inspiradores reconhecidos do abstracionismo são considerados os artistas Vassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka e Robert Delaunay, que delinearam as principais disposições desse movimento em suas obras teóricas e declarações programáticas.

F. Leger Garota com uma Flor. 1954

O abstracionismo surgiu como uma corrente restrita nas belas-artes. No início da década de 1930, começaram a surgir associações de abstracionistas ("arte concreta" - 1930, "círculo e quadrado" - 1930, e outras), que reuniam artistas de diferentes nacionalidades e tendências sob suas bandeiras. Em meados da década de 1930, o interesse pelo abstracionismo havia declinado drasticamente, e essas associações se desfizeram. O abstracionismo renasceu nos Estados Unidos, onde o expressionismo abstrato emergiu no início da década de 1940, operando com formas não objetivas para a expressão espontânea do mundo interior do artista.

A última forma popular de arte abstrata foi a pop art, que surgiu na década de 1960, após a qual a arte abstrata caiu na obscuridade.

VANTAGEM

P. Picasso Três Músicos 1921

Um conjunto de tendências e direções inovadoras e rebeldes na cultura artística do século XX. Em diferentes estágios históricos, o papel da vanguarda foi desempenhado por tendências sucessivas: as décadas de 1900 a 1910 foram a época do surgimento do fauvismo, cubismo, futurismo, expressionismo, dadaísmo e arte abstrata; nas décadas de 1920 a 1930, o surrealismo ganhou destaque; no pós-guerra, surgiram novas tendências no abstracionismo: expressionismo abstrato, tachismo, arte informal etc.; as décadas de 1960 a 1970 foram a era de transição da vanguarda "clássica" para a neovanguarda, ou pós-modernismo, com seus componentes: acionismo, pop art, conceitualismo, arte cinética e outras práticas artísticas.

ACADEMISMO

A. Cabanel Fedra. 1880

Uma tendência nas belas artes, cuja base para o desenvolvimento são as academias de arte. A história do desenvolvimento do academicismo está associada à "Academia dos que Entraram no Caminho Certo" em Bolonha (por volta de 1585), à Real Academia Francesa de Pintura e Escultura (1648) e à Academia Russa das Três Nobres Artes (1757). As atividades de todas as instituições baseavam-se em um sistema de educação rigorosamente regulamentado, voltado para as grandes conquistas de eras anteriores – a Antiguidade e o Renascimento italiano –, das quais qualidades individuais da arte clássica eram conscientemente selecionadas, aceitas como ideais e insuperáveis.

O caminho do academicismo na arte não foi marcado por grandes descobertas ou conquistas. Devido à sua artificialidade ("fabricado") e ecletismo, não é um estilo artístico.

A. Bouguereau Descanso durante a colheita. 1865

O academicismo floresceu no século XIX. Na França, essa tendência está associada à obra de mestres renomados como Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme e Paul Joseph Jamin, cujas obras se distinguem por sua maestria de execução incomparável.

A Academia de Artes de São Petersburgo também abrigou dentro de suas paredes uma galáxia de artistas acadêmicos mundialmente famosos: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky e Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema A descoberta de Moisés. 1904

Em nossa época, o conceito de “academicismo” ultrapassou o escopo de um movimento artístico: adquiriu um significado adicional e passou a ser aplicado às obras de artistas que têm uma educação artística sistemática e habilidades clássicas na criação de obras de alta habilidade técnica.

ACCIONISMO

Christo e Han-Claude. Portão nº 53, 2006

Nome genérico para uma série de formas que surgiram na arte de vanguarda na década de 1960.

O desejo de apagar a linha entre arte e realidade leva artistas de vanguarda a buscar novas formas de expressão artística, diferentes das formas tradicionais (ou seja, estáticas), dinamizando a obra e envolvendo-a em alguma ação (ação). Ação (ou a arte da ação) torna-se um conceito geral para práticas artísticas em que a ênfase é deslocada da obra em si para o processo de sua criação.

K. Oldenburg. Ponte de colher segurando uma cereja. 1985

As origens do Acionismo devem ser buscadas nas performances dos dadaístas e surrealistas, nas atividades de artistas abstratos (em particular D. Pollock), que professavam o princípio da escrita expressiva - “action painting”.

ANACRONISMO

K.M. Mariani A Mão Guiada pela Mente.1983

Uma das tendências da pintura pós-modernista, que oferece a interpretação de um autor sobre a arte do passado. Tendo surgido como resultado da rejeição do modernismo (ou seja, a tendência de vanguarda na arte), o pós-modernismo declarou que seu objetivo era o retorno às antigas formas, tradições históricas e estilos da cultura secular anterior. Em busca de novas formas, os artistas pós-modernistas misturam estilos artísticos de diferentes épocas e culturas, criando, a partir disso, uma mitologia individual, correlacionada à experiência pessoal do autor.

O anacronismo surgiu no final da década de 1970 na Itália e, posteriormente, se espalhou para a França. Sua fonte espiritual mais importante foi a obra de Giorgio De Chirico, que se voltou para a arte clássica na década de 1920, após seu "período metafísico". Os anacrônicos, ou "artistas culturais", como se autodenominam, inspiram-se nas obras dos mestres do Renascimento, do Maneirismo e do Barroco, a quem parafraseiam, parodiam, buscando encaixar a tradição clássica no contexto mosaico da cultura pós-moderna.

ARTE ANALÍTICA

P. Filonov. Família camponesa, 1914

A arte analítica é um método artístico desenvolvido e fundamentado por Pavel Filonov em suas obras teóricas ("Cânone e Direito", 1912; "Quadros Feitos", 1914; "Declaração de "Florescimento Mundial", 1923) e em sua própria pintura. Tomando o cubismo como portador do princípio racionalista, Filonov o contrastou com o princípio do crescimento orgânico (como uma árvore cresce) da forma artística e com a qualidade "feita" das pinturas.

P. Salzman Triplo Autorretrato. 1932

O princípio da "fabricação" é a principal posição da Arte Analítica. O artista "constrói" sua pintura, assim como a natureza "cria" formações maiores a partir de átomos e moléculas. Compreendendo "que em qualquer objeto não existem dois predicados, forma e cor, mas todo um mundo de fenômenos visíveis e invisíveis, suas emanações, reações, inclusões, gênese, existência, propriedades conhecidas ou secretas, que por sua vez, às vezes, possuem inúmeros predicados", Filonov estava convencido de que toda essa diversidade de propriedades pode ser expressa plasticamente na pintura.

Ao criar uma obra, o artista deve confiar não apenas no óbvio, no visível ("olho que vê"), mas também no invisível ("gás que sabe", que captura processos ocultos) – os padrões internos da estrutura e do funcionamento do objeto retratado. O artista transforma sua "visão" interna do objeto ou fenômeno em construções gráficas e pictóricas baseadas na "lei do desenvolvimento orgânico da forma", emprestada da natureza (para imitar não as formas que ela cria, mas os métodos pelos quais ela "age") e em oposição ao "cânone" (formas construídas artificialmente).

Tatyana Glebova Saída de cor

Ao compreender essa lei, o artista é capaz de "criar" uma determinada pintura, tão orgânica que tenha potencial para o autodesenvolvimento, como se não houvesse a participação do próprio autor nesse processo (cresce e se desenvolve como todos os seres vivos na natureza). P. Filonov acreditava que a arte criada por seu método é a arte do futuro, que levará ao "Apogeu Mundial", pois se baseia na interação harmoniosa entre o homem e a natureza, em uma série de princípios científicos voltados para o intelecto do observador e em seu desenvolvimento ("ser um fator na evolução da inteligência"). Mestres da Arte Analítica: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratiev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky.

SUBTERRÂNEO

Oscar Rabin, "Banhos (cheiro da Eau de Colônia de Moscou)", 1966.

Underground (subterrâneo inglês - subterrâneo, masmorra) - em sentido estrito - qualquer arte experimental não comercial; em sentido amplo - um conceito e fenômeno que surgiu nos Estados Unidos no final da década de 1950 e significa cultura "underground" como parte integrante da chamada contracultura, que se opunha às restrições e convenções que dominavam a sociedade cultural. Arte underground imbuída do espírito de dissidência. Rejeita e viola as orientações e os tipos de comportamento políticos, morais e éticos aceitos na sociedade, introduzindo comportamentos antissociais na vida cotidiana. Temas típicos do underground americano e europeu são a "revolução sexual" e as drogas.

Lev Kropivnitsky

Durante o período soviético, esse conceito adquiriu um significado um tanto diferente e formas mais politizadas: aqui, devido ao rigor do regime, quase toda arte não oficial, ou seja, não reconhecida pelas autoridades, incluindo música e literatura, acabou se tornando clandestina. De meados da década de 1950 ao final da década de 1980. A "oposição artística" foi representada pelas atividades de muitas associações, entre as quais as mais famosas foram os grupos "Lianozovskaya" (E. e L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin e outros (de 1956 a meados da década de 1970)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster e outros (de 1960 a meados da década de 1970)), "Ações Coletivas" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko e outros (desde 1975)), "Fly Agarics" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko e outros (desde 1978)). O movimento underground desenvolveu a criatividade de artistas que não se filiavam a nenhuma associação (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), mas eram representantes da arte social (E. Bulatov, V. Komar e A. Melamid) e outros movimentos de vanguarda (Grupo de Artistas de Vanguarda, Campeões do Mundo).

Retrato de A. Zverev 1969

Após o colapso do sistema político da União Soviética, e com ele o levantamento das restrições e proibições à liberdade de criação artística, o underground como fenômeno cultural decaiu. Mestres do underground: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Desenho de Antoni Tapies - 4. Série Desenhos de Berlim.

Art brut (em francês: Art brut – arte bruta, crua) é um movimento artístico europeu de meados do século XX, cujo fundador e líder foi o artista francês Jean Dubuffet, que desenvolveu o conceito de arte pura, arte que rejeita a beleza e a harmonia. Cada pessoa é um artista; para um ser humano, desenhar é tão natural quanto falar ou caminhar. Livre das tradições e do conhecimento de uma "cultura sufocante", ele cria instintiva e diretamente.

Banda de jazz J. Dubuffet, 1955

Segundo Dubuffet, a Art Brut é a criatividade em sua forma mais pura: uma explosão mental espontânea vinda das profundezas da mente e da consciência, capturada no papel ou materializada. Ele se volta para a arte dos doentes mentais, pessoas isoladas da sociedade, considerando apenas eles verdadeiros artistas, possuidores daquela subjetividade que confere à pessoa uma individualidade genuína.

A princípio, Dubuffet copiou o estilo deles em suas obras, criando formas e imagens deliberadamente primitivas e "bárbaras", figurativas e abstratas, marcantes com soluções de cores inesperadas e uma escrita aparentemente desajeitada. E em 1948, juntamente com o escritor surrealista André Breton e o artista espanhol Antoni Tapies, fundou a "Companhia de Arte Bruta" em Paris, destinada a preservar e estudar a arte dos marginalizados. O acervo, com cerca de 5.000 desenhos, pinturas, objetos e esculturas, formou a base do Museu de Arte Bruta, fundado em 1976 em Lausanne (Suíça).

Auto-retrato de J. Dubuffet, 1958

Na arte contemporânea, o conceito de "art brut" inclui a obra de pessoas que vivem fora da sociedade – doentes mentais, deficientes, todos os tipos de pessoas marginalizadas, bem como as obras de J. Dubuffet, inspiradas nesses exemplos. A art brut faz parte de um movimento mais amplo – a "outsider art" (arte outsider), que se tornou um movimento importante no processo artístico mundial na última década. Em muitos aspectos, esse é o mérito do intelectual radical e militante Jean Dubuffet, que olhou para o mundo de uma nova maneira. Mestres da art brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey e Eugène von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, projeto Cabana de Petra, 1982

Arte Povera (em italiano: Arte povera – arte pobre) é um movimento de vanguarda que surgiu na arte italiana no final dos anos 1960 e início dos anos 1970 e se espalhou por outros países europeus. Baseava-se na criação de instalações a partir de objetos industriais e naturais, com preferência pelos materiais mais simples e "pobres" (como terra, areia, carvão, lixo, utensílios domésticos básicos, roupas e sapatos velhos e desgastados, etc.).

Mario Merz sem título

O movimento Arte Povera surgiu como resposta ao intelectualismo e racionalismo exacerbados do minimalismo e do conceitualismo, com seus materiais e tecnologias caros para a produção de objetos de arte. Os artistas da Arte Povera, ao criarem suas obras, voltaram-se para o "mundo das coisas simples" que momentaneamente cercam uma pessoa e buscaram revelar a poética especial do cotidiano, brincando com contrastes – arrancando as coisas de seu contexto habitual e colocando-as em uma realidade diferente, a realidade dos luxuosos salões de palácios e espaços de museus.

Título L. Fontana

Foi dada especial atenção à heterogeneidade dos objetos (moldes de gesso de cabeças de estátuas antigas e sacos de carvão ou queimadores a gás), materiais de vida curta que se alteram sob a influência da atmosfera ou devido às suas propriedades químicas e físicas (como cera, esponja, borracha, etc.). Isso conferiu às obras da Arte Povera um certo simbolismo artístico que não se presta a uma interpretação inequívoca. A arte, que nos rodeia por toda a parte, é fugaz e elusiva, como um momento da vida. É efémera. E, portanto, inútil, mas esta é a sua beleza.

Mestres da Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BARROCO

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Baco.1593 - 1594. Galeria Uffizi. Florença. Itália

O barroco é um dos grandes estilos que dominaram a arquitetura e a arte dos países europeus do final do século XVI até meados do século XVIII.

O berço do Barroco (em italiano: barocco - bizarro, estranho) é a Itália, onde o estabelecimento do novo estilo significou o fim do Renascimento com sua visão de mundo harmoniosa, fé nas possibilidades ilimitadas da mente humana e na ordem da existência universal.

As principais características do Barroco eram a escala, a abundância de decoração, a dinâmica tempestuosa, a busca por efeitos ilusórios na organização do espaço interior - aumentando o tamanho dos cômodos com a ajuda de espelhos; a altura dos corredores graças a abajures pitorescos com uma solução complexa de perspectiva.

Tudo isso correspondia a uma nova imagem do universo - mutável, conflituoso, onde o moribundo e o emergente estão em constante confronto, e o homem, com suas paixões, seu mundo interior confuso e complexo, muitas vezes se encontra à mercê de forças irracionais.

Simon Vouet, Santa Cecília com um Anjo. Primeira metade do século XVII. Museu Húngaro de Belas Artes. Budapeste. Hungria.

Não é por acaso que o Barroco se afasta da clareza e da simplicidade, preferindo uma curva elegante ao rigor geométrico e à linha reta; um vórtice a um movimento ordenado; tons dourados brilhantes que mudam sob a influência da luz e da sombra, ou brilhantes, festivos, inesperadamente desarmônicos em seu som vitorioso para a cor local.

O barroco impressiona por seus interiores espetaculares, que lembram cenários teatrais, pela combinação contrastante de materiais e texturas usadas em sua decoração e, às vezes, pela inclusão chocante de detalhes “reais” em obras de arte, como dentes e cabelos reais em estátuas femininas.

O estilo barroco criou um conjunto único, uma síntese de arquitetura, artes monumentais e decorativas que lhe era exclusiva.

Em cada país europeu, o Barroco tem suas próprias especificidades, preservando as principais características do estilo. Assim, em sua terra natal, a Itália, esse estilo foi concretizado de forma mais vívida e precoce do que, por exemplo, na França, onde o papel principal no século XVII coube ao Classicismo.

Na Rússia, o desenvolvimento do Barroco ocorreu na primeira metade e meados do século XVIII. Livre da exaltação mística característica desse estilo nos países católicos, a arte barroca na Rússia glorifica o fortalecimento do poder autocrático.

Na primeira metade do século XVIII, o barroco evoluiu em toda parte para a leveza graciosa do estilo rococó, coexistiu e se entrelaçou com ele e, a partir da década de 1760, foi suplantado pelo classicismo.

BAUHAUS

Som Antigo, Abstrato em Preto por Paul Klee 1925

Bauhaus (alemão: Bauhaus – “casa de construção”), Escola Superior de Construção e Design Artístico, fundada pelo arquiteto alemão W. Gropius em Weimar em 1919.

Segundo a ideia do autor, a Bauhaus foi convocada a unir a arte, o artesanato e a tecnologia "divergentes" em uma "produção artística única", conectando-os na forma de guildas de construtores medievais, mas sobre uma nova base científica e técnica. Inicialmente, todos os alunos passaram por um curso de formação preliminar de seis meses, no qual estudaram as propriedades dos materiais e os fundamentos do artesanato, bem como a teoria da forma e do desenho. Em seguida, puderam trabalhar em oficinas de criação e produção, com ênfase na prática. Dependendo das inclinações dos alunos, eles eram treinados para se tornarem arquitetos, designers artísticos, fotógrafos e designers.

Paul Klee: Análise Klee de Várias Perversidades, 1922, Coleção

V. Gropius dedicou atenção especial à seleção de professores que compartilhavam suas crenças: em anos diferentes, os artistas V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, os designers L. Moholy-Nagy e J. Itten trabalharam aqui.

O auge da Bauhaus está associado ao período de Weimar, marcado pela influência do neorromantismo. Em 1925, a Bauhaus mudou-se para Dessau e instalou-se num edifício projetado por V. Gropius, considerado uma das obras-primas da arquitetura funcionalista. O período em Dessau é marcado pelo fortalecimento das tendências técnico-utilitárias, pela formação do estilo Bauhaus, caracterizado pela clareza das formas, minimalismo dos meios, design padronizado e pelo aprimoramento dos métodos e materiais industriais.

Vasily Kandinsky, São Jorge e o Dragão (1914-15).

Em 1928, o arquiteto suíço H. Mayer assumiu a direção. No entanto, as inovações que ele introduziu (o estudo das ciências sociais) causaram descontentamento entre professores e alunos e, em 1930, a Bauhaus foi chefiada pelo arquiteto alemão L. Mies van der Rohe, que permaneceu como diretor até o fechamento desta instituição educacional pelos nazistas em 1933.

Wassily Kandinsky. Primeira aquarela abstrata sem título. 1910-1913

No entanto, os princípios e métodos de ensino da Bauhaus foram adotados em outros países, e suas ideias tiveram um profundo impacto no desenvolvimento das artes aplicadas e belas artes (de gráficos de livros e publicidade a móveis e utensílios domésticos).

Mestres da Bauhaus: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISMO

D. Fattori. Na costa. 1893

Verismo (verismo italiano de vero - verdadeiro, verdadeiro) é um movimento na cultura artística italiana do último terço do século XIX, que surgiu inicialmente na literatura e na música, e depois se espalhou para as artes plásticas.

Os princípios do verismo foram formados principalmente sob a influência do naturalismo francês. Baseados nas obras de E. Zola, G. Flaubert e G. de Maupassant, os veristas estabeleceram como principais objetivos de seu trabalho a objetividade e uma abordagem científica ao estudo dos fatos (do ponto de vista do positivismo) na representação das realidades da vida na sociedade italiana moderna, a vida e a psicologia das pessoas comuns. A originalidade nacional desse movimento se manifestou na profunda simpatia pelos trabalhadores oprimidos, cuja vida (principalmente o campesinato e os pobres das províncias) era o conteúdo principal dos romances e contos dos teóricos do verismo - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, óperas de P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega Italian Barsaglieri liderando prisioneiros austríacos, 1861

Nas artes visuais, os predecessores imediatos dos veristas foram os artistas da escola florentina "Macchiaioli", que se voltaram em suas obras para os temas da luta de libertação nacional do povo italiano, da vida urbana e rural. Na pintura, o verismo foi representado principalmente por mestres napolitanos que desenvolveram tendências socialmente críticas na arte (a luta da classe trabalhadora por seus direitos, a difícil vida camponesa) e criaram toda uma galeria de imagens de figuras proeminentes da história e da cultura italianas.

No entanto, os veristas não viam uma possibilidade social de eliminar a injustiça social; sua obra era dominada por estados de espírito pessimistas e catastróficos, uma percepção passivo-naturalista da realidade (na literatura e na pintura) ou melodrama, ilustratividade superficial e emocionalidade exagerada (na música). Embora o verismo não tenha se difundido nas belas-artes da Itália, desempenhou um papel importante no desenvolvimento de tendências realistas no processo artístico mundial.

Mestres do Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

VIDEOARTE

Família de robôs Nam June Paik, 1976

A videoarte é um movimento nas artes visuais do último terço do século XX que utiliza as capacidades da tecnologia do vídeo. Ao contrário da televisão em si, que se destina à transmissão para um público de massa, a videoarte utiliza receptores de televisão, câmeras de vídeo e monitores em acontecimentos únicos, e também produz filmes experimentais no espírito da arte conceitual, que são exibidos em espaços expositivos especiais. Com a ajuda da eletrônica moderna, mostra, por assim dizer, o "cérebro em ação" — um caminho visual de uma ideia artística até sua concretização. O principal fundador da videoarte é o americano de ascendência coreana Nam June Paik. A arte que utiliza a tecnologia da televisão — a videoarte — surgiu precisamente de um protesto contra o domínio da cultura de massa, cuja mais alta materialização é considerada a transmissão televisiva. Os "pais" da videoarte, Nam June Paik e Wolf Vostell, cada um à sua maneira zombavam dos cidadãos respeitáveis ​​que se sentavam todas as noites para relaxar em frente à televisão.

Nos anos 60, Wolf Vostell encenou happenings em que televisores eram atingidos por bolos de creme, amarrados com arame farpado, enterrados cerimoniosamente e até mesmo alvejados com metralhadoras. Nam Jun Paik, músico de formação, agiu de forma mais sutil. Tendo começado com experimentos de "visualização musical", passou a criar semblantes de seres vivos com cabeças, braços e corpos a partir de monitores de diferentes tamanhos e imagens correspondentes, chamando-os de "Mãe", "Pai", "Filho", "Tia", "Tio", etc.

Nam June Paik Nova Obra, 1983

Surgindo na década de 60, quando ainda não existiam câmeras de vídeo, a videoarte é considerada uma forma de arte jovem. Como sempre, a princípio era domínio de entusiastas solitários, mas no final da década de 80 ficou claro que o vídeo oferece inúmeras oportunidades para enriquecer os meios expressivos da arte. As obras de Bill Viola, que criou um mundo inteiro de imagens incríveis e fascinantes nas quais realidade e fantasia estão tão intrinsecamente interligadas que delas nasce uma certa "nova realidade", desempenharam um papel significativo nisso. Agora está claro para todos que, para o século XX, os nomes dos videoartistas Viola e Pike são tão significativos quanto os nomes de Monet e Van Gogh foram para o século XIX. A boa arte sempre tem um forte impacto sobre uma pessoa - desperta nela sentimentos, pensamentos, ideias e ações. A videoarte possui meios técnicos de influência mais fortes do que a pintura, a arte gráfica e a escultura. Talvez apenas a própria vida possa competir com a videoarte em sua intensidade de impacto. Não é coincidência que a mais crível de todas as artes tenha sido chamada de "fuga para a realidade" por Wolf Vostell.

ABSTRAÇÃO GEOMÉTRICA

Composição de Lyubov Popova, 1917

Abstração geométrica (outros nomes são abstração fria, abstracionismo lógico e intelectual) é um movimento na arte abstrata baseado na criação de espaço artístico pela combinação de várias formas geométricas, planos coloridos, linhas retas e quebradas.

A abstração geométrica surgiu das buscas de Paul Cézanne e dos cubistas, que foram os primeiros a seguir o caminho da deformação da natureza em busca de uma "nova realidade". Ela teve várias ramificações. Na Rússia, foi o raionismo de M. Larionov, que surgiu como uma reação peculiar às últimas descobertas da física; a "não objetividade" de O. Rozanova, L. Popova e V. Tatlin, que mais tarde se transformou em construtivismo; o supermatismo de K. Malevich, no qual a não objetividade era considerada um "novo realismo pictórico"; na França, em parte o orfismo de Robert Delaunay; mas seu principal representante foi o grupo holandês "Style" ("De Stijl"), liderado por P. Mondrian e T. Van Doesburg, que propôs o conceito de neoplasticismo - a arte da plasticidade pura, cuja tarefa era limpar a natureza da diversidade ilusória e expor o esquema primário oculto nela.

Mikhail Larionov Banhistas, 1909

A abstração geométrica, tendo tido uma influência significativa no desenvolvimento da arquitetura moderna, do design, das artes industriais, decorativas e aplicadas, permaneceu como a tendência dominante na arte até o final

Segunda Guerra Mundial. Na década de 1950, as "correntes líricas do abstracionismo" (tachisme, expressionismo abstrato) ganharam destaque.

Composição de Olga Rozanova com um trem, 1911

Entretanto, na década de 1960, com o surgimento do minimalismo e da op art no cenário artístico, a abstração geométrica recebeu um segundo nascimento.

Mestres da abstração geométrica: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HIPERREALISMO

Rua Richard Estes

Hiperrealismo (outros nomes: superrealismo, fotorrealismo, realismo frio, realismo radical) é um movimento artístico em pintura e escultura que surgiu nos Estados Unidos na década de 1960 e se espalhou pela Europa na década de 1970.

Como forma de arte figurativa, o hiper-realismo baseia-se na precisão e no detalhamento meticulosos na reprodução da realidade, imitando as especificidades da fotografia. As obras dos hiper-realistas são fotografias copiadas meticulosamente, ampliadas para o tamanho de uma tela grande.

Don Eddy. Carros Modelo Antigos

Alguns artistas que trabalharam nessa direção utilizaram fotografias e slides coloridos como base para suas obras. Ao mesmo tempo, todas as características da imagem fotográfica foram preservadas, para as quais os artistas utilizaram técnicas de cópia mecânica: projeção de slides, vitrificação, aerógrafo em vez de pincel, revestimento por emulsão, etc. O uso dessas tecnologias não foi acidental: enfatizou a natureza mecânica, eliminou a presença humana do processo criativo, como se tentasse impedir a visão de mundo pessoal e pessoal do artista. Talvez seja por isso que o mundo do hiper-realismo parece sem vida, frio e distante da super-realidade do observador.

Ralph Goings. Dia de Verão

O objetivo do hiper-realismo é retratar realidades cotidianas, e os temas principais são a vida mecanizada e impessoal da cidade moderna, o sistema de vida impessoal em um mundo áspero e bruto. Seus temas são deliberadamente banais e suas imagens são enfaticamente "objetivas". Carros, prédios residenciais, restaurantes, postos de gasolina, cabines telefônicas, outdoors e, raramente, pessoas vivas – "personagens da rua", cujas imagens têm um tom irônico ou são repletas de desesperança. As pinturas dão origem a uma imagem da realidade, mas não a real, mas refletida em sua multiplicidade nas vitrines de vidro, nas carrocerias polidas dos carros, no granito polido até brilhar. O jogo desses reflexos, reproduzidos com precisão pelo artista, cria a impressão de interpenetração de zonas espaciais, uma intrincada relação de planos, desorientando o observador, dando origem a uma sensação de irrealidade.

Mestres do hiperrealismo: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.