Prądy w sztuce i malarstwie

EKSPRESJONIZM ABSTRAKCYJNY

J. Pollock. Moby Dick.1943

Ruch w sztuce abstrakcyjnej, który pojawił się w Stanach Zjednoczonych w latach 40. XX wieku i był reprezentowany głównie przez prace artystów z New York School. Ekspresjonizm abstrakcyjny kontynuował „wyzwolenie” sztuki spod jakiejkolwiek kontroli rozumu i praw logicznych, stawiając sobie za cel spontaniczną ekspresję wewnętrznego świata artysty, jego podświadomości w chaotycznych, abstrakcyjnych formach i przyjmując jako swoją główną zasadę twórczą spontaniczne, automatyczne nakładanie farby na płótno, zachodzące wyłącznie pod wpływem stanów psychicznych i emocjonalnych….

F. Klein. Czarny na zielonym, czerwonym i żółtym tle.1948

W szybkim rytmie artyści pokrywali powierzchnię płótna dużymi, energicznymi pociągnięciami pędzla, często stosując technikę kapania (rozpryskiwania farby lub wyciskania jej z tubki). Proces tworzenia obrazu często odbywał się publicznie: cały występ był odgrywany przed publicznością, w którym gesty i ruchy artysty odgrywały równie aktywną rolę, jak strumienie farby spadające i rozlewające się po płótnie.

Ekspresjonizm abstrakcyjny dominował w kulturze amerykańskiej aż do początku lat 60. XX wieku, stając się jednym z pierwszych poważnych nurtów w malarstwie amerykańskim i wywierając wpływ na rozwój sztuki światowej.

ABSTRAKCJONIZM

V. Kandinsky. Kompozycja 8 1913.

Jeden z głównych nurtów artystycznych w sztuce XX wieku, w którym struktura dzieła opiera się wyłącznie na elementach formalnych - liniach, plamach barwnych, abstrakcyjnej konfiguracji. Dzieła abstrakcyjne są oderwane od form samego życia: kompozycje nieprzedmiotowe ucieleśniają subiektywne wrażenia i fantazje artysty, przepływ jego świadomości, generują wolne skojarzenia, ruchy myśli i emocjonalną empatię.

Nie sposób wskazać ani dokładnego czasu powstania abstrakcjonizmu, ani jego założyciela. Za uznanych inspiratorów abstrakcjonizmu uważa się artystów Wasilija Kandinskiego, Kazimierza Malewicza, Pieta Modriana, Františka Kupkę, Roberta Delaunaya, którzy w swoich pracach teoretycznych i wypowiedziach programowych nakreślili główne założenia tego ruchu.

F. Leger Dziewczyna z kwiatem. 1954

Abstrakcjonizm narodził się jako wąski nurt w sztukach pięknych. Na początku lat 30. XX wieku zaczęły powstawać stowarzyszenia abstrakcjonistów („sztuka konkretna” – 1930, „koło i kwadrat” – 1930 i inne), które gromadziły pod swoimi sztandarami artystów różnych narodowości i nurtów. W połowie lat 30. XX wieku zainteresowanie abstrakcjonizmem gwałtownie spadło, a stowarzyszenia te rozpadły się. Odrodził się w Stanach Zjednoczonych, gdzie ekspresjonizm abstrakcyjny pojawił się na początku lat 40. XX wieku, operując formami nieprzedmiotowymi dla spontanicznej ekspresji wewnętrznego świata artysty.

Ostatnią popularną formą sztuki abstrakcyjnej był pop-art, który pojawił się w latach 60. XX wieku, po czym sztuka abstrakcyjna popadła w zapomnienie.

AWANGARDA

P. Picasso Trzej muzycy 1921

Zestaw nowatorskich, buntowniczych trendów i kierunków w kulturze artystycznej XX wieku. Na różnych etapach historycznych rolę awangardy odgrywały kolejne nurty: lata 1900–1910 to czas pojawienia się fowizmu, kubizmu, futuryzmu, ekspresjonizmu, dadaizmu i sztuki abstrakcyjnej; w latach 1920–1930 na pierwszy plan wysunął się surrealizm; w okresie powojennym pojawiły się nowe nurty w abstrakcjonizmie: ekspresjonizm abstrakcyjny, taszyzm, sztuka nieformalna itp.; lata 1960–1970 to okres przejściowy od „klasycznej” awangardy do neoawangardy, czyli postmodernizmu, z jego składnikami: akcjonizmem, pop-artem, konceptualizmem, sztuką kinetyczną i innymi praktykami artystycznymi.

AKADEMIZM

A. Cabanel Fedra. 1880

Nurt w sztukach pięknych, którego podstawą rozwoju są akademie sztuki. Historia rozwoju akademizmu wiąże się z „Akademią Tych, Którzy Weszli Na Właściwą Drogę” w Bolonii (około 1585 r.), francuską Królewską Akademią Malarstwa i Rzeźby (1648 r.) oraz rosyjską Akademią Trzech Najszlachetniejszych Sztuk (1757 r.). Działalność wszystkich instytucji opierała się na ściśle uregulowanym systemie edukacji, zorientowanym na wielkie osiągnięcia poprzednich epok – starożytności i włoskiego renesansu, z których świadomie wybierano poszczególne cechy sztuki klasycznej, przyjmowane jako idealne i niedoścignione.

Droga akademizmu w sztuce nie była naznaczona żadnymi wielkimi odkryciami ani osiągnięciami. Ze względu na swoją sztuczność („zrobioną”) i eklektyzm nie jest stylem artystycznym.

A. Bouguereau Odpoczynek podczas żniw. 1865

Akademizm rozkwitł w XIX wieku. We Francji nurt ten kojarzy się z twórczością takich znanych mistrzów jak Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, których dzieła wyróżniają się niezrównanym mistrzostwem wykonania.

Akademia Sztuk Pięknych w Petersburgu wychowała w swoich murach plejadę światowej sławy artystów akademickich, m.in.: Karla Briułłowa, Aleksandra Iwanowa, Henryka Semiradskiego i Fiodora Bruniego.

A. Alma-Tadema Odkrycie Mojżesza. 1904

W naszych czasach pojęcie „akademizmu” wyszło poza ramy ruchu artystycznego: nabrało dodatkowego znaczenia i zaczęło być stosowane do dzieł artystów, którzy mają systematyczne wykształcenie artystyczne i klasyczne umiejętności tworzenia dzieł o wysokim poziomie technicznym.

AKCJONIZM

Christo i Han-Claude. Brama nr 53 2006

Ogólna nazwa szeregu form, które pojawiły się w sztuce awangardowej w latach 60. XX wieku.

Chęć zatarcia granicy między sztuką a rzeczywistością prowadzi artystów awangardowych do poszukiwania nowych sposobów ekspresji artystycznej, odmiennych od form tradycyjnych (czyli statycznych), nadających dziełu dynamikę, angażujących je w jakąś akcję (action). Akcja (lub sztuka akcji) staje się ogólną koncepcją praktyk artystycznych, w których nacisk zostaje przeniesiony z samego dzieła na proces jego tworzenia.

K. Oldenburg. Mostek łyżkowy trzymający wiśnię. 1985

Początków akcjonizmu należy szukać w twórczości dadaistów i surrealistów, w działalności artystów abstrakcyjnych (szczególnie D. Pollocka), którzy wyznawali zasadę ekspresyjnego pisania – „action painting”.

ANACHRONIZM

K.M. Mariani Ręka prowadzona umysłem.1983

Jeden z trendów w malarstwie postmodernistycznym, oferujący autorską interpretację sztuki przeszłości. Powstały w wyniku odrzucenia modernizmu (tj. awangardowego nurtu w sztuce), postmodernizm ogłosił, że jego celem jest powrót do starych form, tradycji historycznych i stylów poprzedniej, wielowiekowej kultury. W poszukiwaniu nowych form artyści postmodernistyczni mieszają style artystyczne z różnych epok i kultur, tworząc na tej podstawie indywidualną mitologię, skorelowaną z osobistym doświadczeniem autora.

Anachronizm pojawił się pod koniec lat 70. we Włoszech, a później rozprzestrzenił się na Francję. Jego najważniejszym źródłem duchowym była twórczość Giorgio De Chirico, który zwrócił się ku sztuce klasycznej w latach 20. po swoim „okresie metafizycznym”. Anachroniści lub „artyści kultury”, jak sami siebie nazywają, inspirują się dziełami mistrzów renesansu, manieryzmu i baroku, których parafrazują, parodiują, starając się dopasować tradycję klasyczną do mozaikowego kontekstu kultury postmodernistycznej.

SZTUKA ANALITYCZNA

P. Filonov. Rodzina chłopska 1914

Sztuka analityczna to metoda artystyczna opracowana i uzasadniona przez Pawła Filonowa w jego pracach teoretycznych („Kanon i prawo”, 1912; „Obrazy zrobione”, 1914; „Deklaracja „Rozkwitu świata”, 1923) i w jego własnym malarstwie. Przyjmując kubizm za nosiciela zasady racjonalistycznej, Filonow przeciwstawił ją zasadzie organicznego wzrostu (jak drzewo) formy artystycznej i „stworzonej” jakości obrazów.

P. Salzman Potrójny autoportret. 1932

Zasada madeness jest główną pozycją sztuki analitycznej. Artysta „buduje” swój obraz, tak jak natura „tworzy” większe formacje z atomów i cząsteczek. Rozumiejąc, „że w każdym obiekcie nie ma dwóch predykatów, formy i koloru, ale cały świat zjawisk widzialnych i niewidzialnych, ich emanacji, reakcji, inkluzji, genezy, bytu, znanych lub ukrytych właściwości, które z kolei mają niekiedy niezliczone predykaty”, Filonow był przekonany, że całą tę różnorodność właściwości można plastycznie wyrazić w malarstwie.

Tworząc dzieło, artysta musi polegać nie tylko na tym, co oczywiste, widoczne („widzące oko”), ale także na tym, co niewidoczne („wiedzący gaz”, wychwytujący ukryte procesy) – wewnętrznych wzorcach struktury i funkcjonowania przedstawionego obiektu. Artysta przekształca swoją wewnętrzną „wizję” obiektu lub zjawiska w konstrukcje graficzne i obrazowe oparte na „prawie organicznego rozwoju formy”, zapożyczonym z natury (aby naśladować nie formy, które ona tworzy, ale metody, za pomocą których „działa”) i przeciwstawiającym się „kanonowi” (sztucznie skonstruowanym formom).

Tatyana Glebova Wyjście kolorowe

Po zrozumieniu tego prawa artysta jest w stanie „stworzyć” pewien obraz, tak organiczny, że ma on potencjał do samorozwoju, jakby bez udziału samego autora w tym procesie (rośnie i rozwija się jak wszystkie żywe istoty w naturze). P. Filonow uważał, że sztuka stworzona jego metodą jest sztuką przyszłości, która doprowadzi do „światowego rozkwitu”, ponieważ opiera się na harmonijnej interakcji człowieka i natury, na szeregu naukowych zasad skierowanych do intelektu widza i rozwijających go („być czynnikiem w ewolucji inteligencji”). Mistrzowie sztuki analitycznej: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

PODZIEMNY

Oscar Rabin, „Kąpiele (pachnij moskiewską wodą kolońską)”, 1966.

Underground (ang. underground – podziemny, loch) – w wąskim znaczeniu – każda niekomercyjna, eksperymentalna sztuka; w szerokim znaczeniu – pojęcie i zjawisko, które narodziło się w Stanach Zjednoczonych pod koniec lat 50. XX wieku i oznacza kulturę „undergroundową” jako integralną część tzw. kontrkultury, która przeciwstawiała się ograniczeniom i konwenansom dominującym w społeczeństwie kulturalnym. Sztuka undergroundowa przesiąknięta duchem dysydencji. Odrzuca i narusza polityczne, moralne i etyczne orientacje oraz typy zachowań akceptowane w społeczeństwie, wprowadzając zachowania antyspołeczne do codziennego życia. Typowymi tematami amerykańskiego i europejskiego undergroundu są „rewolucja seksualna” i narkotyki.

Lew Kropiwnicki

W okresie sowieckim koncepcja ta nabrała nieco innego znaczenia i bardziej upolitycznionych form: tutaj, ze względu na surowość reżimu, niemal każda nieoficjalna, tj. nieuznawana przez władze sztuka, w tym muzyka i literatura, okazała się być podziemna. Od połowy lat 50. do końca lat 80. „Opozycja artystyczna” była reprezentowana przez działalność wielu stowarzyszeń, wśród których najsłynniejsze były grupy „Lianozovskaya” (E. i L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin i inni (od 1956 do połowy lat 70.)), „Sretensky Boulevard” (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster i inni (od 1960 do połowy lat 70.)), „Collective Actions” (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko i inni (od 1975 r.)), „Fly Agarics” (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko i inni (od 1978 r.)). Ruch podziemny rozwijał twórczość artystów, którzy nie należeli do żadnych stowarzyszeń (W. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), lecz byli przedstawicielami sztuki społecznej (E. Bułatow, W. Komar i A. Melamid) i innych ruchów awangardowych (Grupa Artystów Awangardowych, Czempionów Świata).

Portret A. Zvereva 1969

Po upadku systemu politycznego Związku Radzieckiego, a wraz z nim zniesieniu ograniczeń i zakazów wolności twórczości artystycznej, underground jako zjawisko kulturowe upadł. Mistrzowie undergroundu: Lew Kropiwnicki, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Rysunek Antoniego Tapiesa - 4. Seria Rysunki berlińskie.

Art brut (fr. Art brut – surowa sztuka) to ruch w sztuce europejskiej połowy XX wieku, którego założycielem i liderem był francuski artysta Jean Dubuffet, który rozwinął koncepcję czystej sztuki, sztuki odrzucającej piękno i harmonię. Każdy człowiek jest artystą; dla człowieka rysowanie jest tak naturalne jak mówienie czy chodzenie. Nieobciążony tradycjami i wiedzą „duszącej kultury”, tworzy instynktownie i bezpośrednio.

Zespół jazzowy J. Dubuffeta, 1955

Według Dubuffeta Art Brut to kreatywność w najczystszej postaci: spontaniczny wybuch umysłu z głębi umysłu i świadomości, uchwycony na papierze lub ucieleśniony w materiale. Zwraca się on ku sztuce osób chorych psychicznie, ludzi odizolowanych od społeczeństwa, uważających tylko ich za prawdziwych artystów, posiadających tę podmiotowość, która daje człowiekowi autentyczną indywidualność.

Początkowo Dubuffet kopiował ich styl w swoich pracach, tworząc celowo prymitywne, „barbarzyńskie” formy i obrazy, figuralne i abstrakcyjne, uderzające nieoczekiwanymi rozwiązaniami kolorystycznymi i pozornie niezręcznym sposobem pisania. A w 1948 roku, wraz z surrealistycznym pisarzem André Bretonem i hiszpańskim artystą Antonim Tapiesem, założył w Paryżu „Company of Brute Art”, mającą na celu zachowanie i badanie sztuki marginalizowanych. Zgromadzona kolekcja, licząca około 5000 rysunków, obrazów, obiektów i rzeźb, stanowiła podstawę Muzeum Sztuki Brut, założonego w 1976 roku w Lozannie (Szwajcaria).

Autoportret J. Dubuffeta, 1958

W sztuce współczesnej pojęcie „art brut” obejmuje twórczość ludzi, którzy istnieją poza społeczeństwem – chorych psychicznie, niepełnosprawnych, wszelkiego rodzaju zmarginalizowanych ludzi, a także dzieła J. Dubuffeta, inspirowane tymi przykładami. Art brut jest częścią szerszego ruchu – „Outsider art” (sztuki outsiderów), który stał się poważnym ruchem w światowym procesie artystycznym w ciągu ostatniej dekady. W wielu aspektach jest to zasługa radykalnego i bojowego intelektualisty Jeana Dubuffeta, który spojrzał na świat w nowy sposób. Mistrzowie Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

SZTUKA BIEDNA

Mario Merz, projekt Chaty Petry, 1982

Arte Povera (wł. Arte povera – sztuka uboga) to ruch awangardowy, który pojawił się we włoskiej sztuce pod koniec lat 60. – na początku lat 70. i rozpowszechnił się w innych krajach europejskich. Opierał się na tworzeniu instalacji z obiektów przemysłowych i naturalnych, preferując najprostsze, „najuboższe” materiały (takie jak ziemia, piasek, węgiel, śmieci, podstawowe artykuły gospodarstwa domowego, stare, zużyte ubrania i buty itp.).

Mario Merz bez tytułu

Ruch Arte Povera powstał jako odpowiedź na podwyższony intelektualizm i racjonalizm minimalizmu i konceptualizmu, z ich drogimi materiałami i technologiami produkcji obiektów artystycznych. Artyści Arte Povera, tworząc swoje dzieła, zwrócili się ku „światowi prostych rzeczy”, które chwilowo otaczają człowieka, i starali się ujawnić szczególną poetykę zwyczajności, grając na kontrastach - wyrywając rzeczy z ich zwykłego kontekstu i umieszczając je w innej rzeczywistości, rzeczywistości luksusowych sal pałacowych i przestrzeni muzealnych.

L. Fontana Tytuł

Szczególną uwagę poświęcono heterogeniczności obiektów (odlewy gipsowe głów antycznych posągów i worków z węglem lub palnikami gazowymi), materiałom krótkotrwałym, zmieniającym się pod wpływem atmosfery lub ze względu na swoje właściwości chemiczne i fizyczne (takie jak wosk, gąbka, guma itp.). Nadało to dziełom Arte Povera pewną symbolikę artystyczną, która nie poddaje się jednoznacznej interpretacji. Sztuka, otaczająca nas wszędzie, jest ulotna i nieuchwytna, jak moment życia. Jest ulotna. I dlatego bezużyteczna, ale w tym tkwi jej piękno.

Mistrzowie Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROKOWY

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bachus.1593 - 1594. Galeria Uffizi. Florencja. Włochy

Barok jest jednym z wielkich stylów, który dominował w architekturze i sztuce krajów europejskich od końca XVI do połowy XVIII wieku.

Ojczyzną baroku (wł. barocco – dziwaczny, osobliwy) są Włochy, gdzie ustanowienie nowego stylu oznaczało koniec renesansu z jego harmonijnym światopoglądem, wiarą w nieograniczone możliwości ludzkiego umysłu i porządek uniwersalnej egzystencji.

Głównymi cechami baroku były rozmach, bogactwo dekoracji, burzliwa dynamika, dążenie do iluzorycznych efektów w organizacji przestrzeni wewnętrznej - zwiększanie rozmiarów pomieszczeń za pomocą luster; wysokość sal dzięki malowniczym abażurom, ze złożonym rozwiązaniem perspektywy.

Wszystko to odpowiadało nowemu obrazowi wszechświata - zmiennego, pełnego konfliktów, gdzie to, co umierające i to, co odradzające się, pozostają w nieustannej konfrontacji, a człowiek ze swoimi namiętnościami, zagmatwanym, skomplikowanym światem wewnętrznym często znajduje się na łasce irracjonalnych sił.

Simon Vouet, Święta Cecylia z Aniołem. Pierwsza połowa XVII wieku. Węgierskie Muzeum Sztuk Pięknych. Budapeszt. Węgry

Nie jest przypadkiem, że barok odchodzi od przejrzystości i prostoty, preferując elegancką krzywiznę od geometrycznej rygorystyczności i linii prostej; wir od uporządkowanego ruchu; lśniące złote tony zmieniające się pod wpływem światła i cienia lub jasne, świąteczne, niespodziewanie nieharmonijne w swoim zwycięskim brzmieniu wobec lokalnego kolorytu.

Barok zachwyca spektakularnymi wnętrzami, przypominającymi teatralne dekoracje, kontrastowym zestawieniem materiałów i faktur użytych do ich dekoracji, a niekiedy szokującym włączeniem „prawdziwych” szczegółów do dzieł sztuki, na przykład prawdziwych zębów i włosów w posągach kobiet.

Styl barokowy stworzył niepowtarzalny zespół, syntezę architektury, sztuki monumentalnej i dekoracyjnej, która była dla niego jedyna w swoim rodzaju.

W każdym kraju europejskim barok ma swoją specyfikę, zachowując jednocześnie główne cechy stylu. Tak więc w swojej ojczyźnie, Włoszech, styl ten został zrealizowany najżywiej i wcześniej niż na przykład we Francji, gdzie w XVII wieku wiodącą rolę odgrywał klasycyzm.

W Rosji rozwój baroku przypada na pierwszą połowę i połowę XVIII wieku. Wolna od mistycznego uniesienia charakterystycznego dla tego stylu w krajach katolickich, sztuka barokowa w Rosji gloryfikuje umacniającą się władzę autokratyczną.

W pierwszej połowie XVIII wieku barok wszędzie ewoluował w kierunku wdzięcznej lekkości stylu rokoko, współistniał z nim i przeplatał się z nim, a od lat 60. XVIII wieku został wyparty przez klasycyzm.

BAUHAUS

Ancient Sound, Abstrakcja na Czarnym, Paul Klee 1925

Bauhaus (niem. Bauhaus – „dom budowy”), Wyższa Szkoła Budownictwa i Projektowania Artystycznego, założona przez niemieckiego architekta W. Gropiusa w Weimarze w 1919 roku.

Zgodnie z ideą autora, Bauhaus został powołany do zjednoczenia „rozbieżnej” sztuki, rzemiosła i technologii w „jedną produkcję artystyczną”, do połączenia ich w formie średniowiecznych cechów budowlanych, ale na nowej podstawie naukowej i technicznej. Najpierw wszyscy studenci przeszli 6-miesięczny kurs przygotowawczy, na którym studiowali właściwości materiałów i podstawy rzemiosła, a także teorię formy i rysunku. Następnie pozwolono im pracować w warsztatach: kreatywnym i produkcyjnym, gdzie nacisk kładziono na praktykę lekcji. W zależności od upodobań studentów kształcono na architektów, artystów-projektantów, fotografów, projektantów.

Paul Klee: Analiza różnych perwersji autorstwa Klee, 1922, kolekcja

V. Gropius przywiązywał szczególną wagę do doboru nauczycieli podzielających jego poglądy: w różnych latach pracowali tu artyści V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, projektanci L. Moholy-Nagy i J. Itten.

Okres świetności Bauhausu wiąże się z okresem weimarskim, naznaczonym wpływem neoromantyzmu. W 1925 roku Bauhaus przeniósł się do Dessau i został umieszczony w budynku zaprojektowanym przez V. Gropiusa, uważanym za jedno z arcydzieł architektury funkcjonalistycznej. Okres w Dessau jest naznaczony wzmocnieniem tendencji techniczno-utylitarnych, ukształtowaniem stylu Bauhaus, charakteryzującego się klarownością form, minimalizmem środków, standardowym wzornictwem oraz doskonaleniem metod i materiałów przemysłowych.

Wasilij Kandinsky, Święty Jerzy i smok (1914-15).

W 1928 r. dyrektorem został szwajcarski architekt H. Mayer. Jednak innowacje, które wprowadził (studia nauk społecznych), wywołały niezadowolenie wśród nauczycieli i studentów, a w 1930 r. Bauhausem kierował niemiecki architekt L. Mies van der Rohe, który pozostał dyrektorem aż do zamknięcia tej placówki edukacyjnej przez nazistów w 1933 r.

Wassily Kandinsky. Bez tytułu, pierwsza abstrakcyjna akwarela. 1910-1913

Jednakże zasady i metody nauczania Bauhausu zostały przejęte przez inne kraje, a jego idee wywarły głęboki wpływ na rozwój sztuk stosowanych i pięknych (od grafiki książkowej i reklamy po meble i artykuły gospodarstwa domowego).

Mistrzowie Bauhausu: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

WERYZM

D. Fattori. Na wybrzeżu. 1893

Weryzm (wł. verismo od vero – prawdziwy, szczery) – kierunek we włoskiej kulturze artystycznej ostatniej tercji XIX wieku, który początkowo przejawiał się w literaturze i muzyce, a następnie rozprzestrzenił się na sztuki piękne.

Zasady weryzmu ukształtowały się głównie pod wpływem francuskiego naturalizmu. Opierając się na dziełach E. Zoli, G. Flauberta i G. de Maupassanta, weryści stawiali sobie za główne zadania swojej pracy obiektywizm i naukowe podejście do badania faktów (z punktu widzenia pozytywizmu) w przedstawianiu realiów życia we współczesnym społeczeństwie włoskim, życia i psychologii zwykłych ludzi. Narodowa oryginalność tego ruchu przejawiała się w głębokiej sympatii do uciskanego ludu pracującego, którego życie (głównie chłopstwa i biedoty prowincji) stanowiło główną treść powieści i opowiadań teoretyków weryzmu - G. Vergi, L. Capuany, D. Ciampoliego, oper P. Mascagniego, R. Leoncavalla, G. Pucciniego.

S. Lega Włoski Barsaglieri prowadzący austriackich więźniów, 1861

W sztukach wizualnych bezpośrednimi poprzednikami werystów byli artyści florenckiej szkoły „Macchiaioli”, którzy w swojej twórczości zwrócili się ku tematom walki narodowowyzwoleńczej ludu włoskiego, życia miejskiego i wiejskiego. W malarstwie weryzm reprezentowali głównie mistrzowie neapolitańscy, którzy rozwijali tendencje społeczno-krytyczne w sztuce (walka klasy robotniczej o swoje prawa, trudne życie chłopskie) i stworzyli całą galerię obrazów wybitnych postaci włoskiej historii i kultury.

Weryści nie widzieli jednak społecznej możliwości wyeliminowania niesprawiedliwości społecznej; w ich twórczości dominowały nastroje pesymizmu i zagłady, bierno-naturalistyczne postrzeganie rzeczywistości (w literaturze i malarstwie) lub melodramatyzm, powierzchowna ilustracyjność, przesadna emocjonalność (w muzyce). Chociaż weryzm nie rozpowszechnił się w sztukach pięknych Włoch, odegrał jednak ważną rolę w rozwoju realistycznych tendencji w światowym procesie artystycznym.

Mistrzowie weryzmu: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

SZTUKA WIDEO

Rodzina robotów Nam June Paik, 1976

Sztuka wideo to ruch w sztukach wizualnych ostatniej tercji XX wieku, który wykorzystuje możliwości technologii wideo. W przeciwieństwie do samej telewizji, która jest przeznaczona do nadawania do masowej publiczności, sztuka wideo wykorzystuje odbiorniki telewizyjne, kamery wideo i monitory w unikalnych wydarzeniach, a także produkuje filmy eksperymentalne w duchu sztuki konceptualnej, które są pokazywane w specjalnych przestrzeniach wystawowych. Za pomocą nowoczesnej elektroniki pokazuje niejako „mózg w akcji” — wizualną drogę od pomysłu artystycznego do jego ucieleśnienia. Głównym założycielem sztuki wideo jest Amerykanin koreańskiego pochodzenia Nam June Paik. Sztuka wykorzystująca technologię telewizyjną — sztuka wideo — powstała właśnie z protestu przeciwko dominacji kultury masowej, której najwyższym ucieleśnieniem jest nadawanie telewizyjne. „Ojcowie” sztuki wideo, Nam June Paik i Wolf Vostell, każdy na swój sposób wyśmiewali szanowanych obywateli, którzy każdego wieczoru siadają, aby zrelaksować się przed telewizorem.

W latach 60. Wolf Vostell organizował happeningi, w których telewizory były obrzucane kremówkami, wiązane drutem kolczastym, ceremonialnie zakopywane, a nawet ostrzeliwane z karabinów maszynowych. Nam Jun Paik, muzyk z wykształcenia, działał bardziej subtelnie. Zaczynając od eksperymentów z „wizualizacją muzyki”, przeszedł do tworzenia pozorów żywych istot z głowami, ramionami i ciałami z monitorów o różnych rozmiarach i odpowiadających im obrazów, nazywając je „Mamą”, „Tatą”, „Dzieckiem”, „Ciotką”, „Wujkiem” itd.

Nam June Paik Nowa praca, 1983

Sztuka wideo, która pojawiła się w latach 60., kiedy nie było jeszcze kamer wideo, jest uważana za młodą formę sztuki. Jak zawsze, początkowo była domeną samotnych entuzjastów, ale pod koniec lat 80. stało się jasne, że wideo kryje w sobie niezliczone możliwości wzbogacenia środków wyrazu sztuki. Prace Billa Violi, który stworzył cały świat niesamowitych i fascynujących obrazów, w których rzeczywistość i fantazja są tak misternie splecione, że rodzi się z nich pewna „nowa rzeczywistość”, odegrały w tym znaczącą rolę. Teraz dla każdego jest jasne, że dla XX wieku nazwiska artystów wideo Violi i Pike'a są tak samo znaczące, jak dla XIX wieku były nazwiska Moneta i Van Gogha. Dobra sztuka zawsze ma silny wpływ na człowieka - budzi w nim uczucia, myśli, idee i działania. Sztuka wideo ma techniczne środki oddziaływania, które są silniejsze niż malarstwo, grafika i rzeźba. Być może tylko samo życie może konkurować ze sztuką wideo pod względem intensywności oddziaływania. Nie jest przypadkiem, że tę najbardziej wiarygodną ze wszystkich sztuk Wolf Vostell nazwał „ucieczką w rzeczywistość”.

ABSTRAKCJA GEOMETRYCZNA

Kompozycja Ljubowa Popowej, 1917

Abstrakcja geometryczna (inne nazwy to abstrakcja zimna, abstrakcja logiczna, abstrakcjonizm intelektualny) – kierunek w sztuce abstrakcyjnej, opierający się na kreowaniu przestrzeni artystycznej poprzez łączenie różnych kształtów geometrycznych, płaszczyzn kolorowych, linii prostych i łamanych.

Abstrakcja geometryczna wyrosła z poszukiwań Paula Cezanne’a i kubistów, którzy jako pierwsi poszli drogą deformacji natury w poszukiwaniu „nowej rzeczywistości”. Miała szereg odgałęzień. W Rosji był to rajonizm M. Larionowa, który powstał jako swoista reakcja na najnowsze odkrycia fizyki; „nieprzedmiotowość” O. Rozanowej, L. Popowej i W. Tatlina, która później przerodziła się w konstruktywizm; supermatyzm K. Malewicza, w którym nieprzedmiotowość była uważana za „nowy realizm obrazowy”; we Francji częściowo orfizm Roberta Delaunaya; ale jego głównym przedstawicielem była holenderska grupa „Styl” („De Stijl”), kierowana przez P. Mondriana i T. Van Doesburga, która wysunęła koncepcję neoplastycyzmu – sztuki czystej plastyczności, której zadaniem było oczyszczenie natury z iluzorycznej różnorodności i ujawnienie ukrytego w niej pierwotnego schematu.

Michaił Larionow Kąpiący się, 1909

Abstrakcja geometryczna, która wywarła znaczący wpływ na rozwój nowoczesnej architektury, wzornictwa, sztuki przemysłowej, dekoracyjnej i stosowanej, pozostała dominującym nurtem w sztuce aż do końca XIX wieku.

II wojna światowa. W latach 50. XX wieku na pierwszy plan wysunęły się „liryczne nurty abstrakcjonizmu” (tachisme, abstrakcyjny ekspresjonizm).

Olga Rozanova Kompozycja z pociągiem, 1911

Jednak w latach 60. XX wieku, wraz z pojawieniem się minimalizmu i op-artu na scenie artystycznej, abstrakcja geometryczna przeżyła ponowne narodziny.

Mistrzowie abstrakcji geometrycznej: Kazimierz Malewicz, Michaił Larionow, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HIPERREALIZM

Richard Estes. Ulica

Hiperrealizm (inne nazwy: superrealizm, fotorealizm, zimny realizm, radykalny realizm) – ruch artystyczny w malarstwie i rzeźbie, który narodził się w Stanach Zjednoczonych w latach 60. XX wieku, a w latach 70. XX wieku rozprzestrzenił się w Europie.

Jako forma sztuki figuratywnej, hiperrealizm opiera się na drobiazgowej precyzji i szczegółach w reprodukcji rzeczywistości, naśladując specyfikę fotografii. Dzieła hiperrealistów to skrupulatnie kopiowane fotografie, powiększone do rozmiaru dużego płótna.

Don Eddy. Stare modele samochodów

Niektórzy artyści pracujący w tym kierunku faktycznie używali fotografii i kolorowych slajdów jako podstawy swoich prac. Jednocześnie zachowywano wszystkie cechy obrazu fotograficznego, do czego artyści stosowali mechaniczne techniki kopiowania: projekcję slajdów, szkliwienie, aerograf zamiast pędzla, powlekanie emulsją itp. Zastosowanie takich technologii nie było przypadkowe: podkreślało mechaniczną naturę, eliminowało ludzką obecność z procesu tworzenia, jakby próbując uniemożliwić artyście własną, osobistą wizję świata. Być może dlatego świat hiperrealizmu wydaje się martwy, zimny i oderwany od superrzeczywistości widza.

Ralph Goings. Letni dzień

Celem hiperrealizmu jest przedstawienie codziennych realiów, a głównymi tematami są bezosobowe zmechanizowane życie współczesnego miasta, bezosobowy system życia w surowym i prymitywnym świecie. Jego tematy są celowo banalne, a obrazy są zdecydowanie „obiektywne”. Samochody, budynki mieszkalne, restauracje, stacje benzynowe, budki telefoniczne, billboardy i rzadko żywi ludzie – „postacie z ulicy”, których obrazy mają ironiczny odcień lub są pełne beznadziei. Obrazy dają początek obrazowi rzeczywistości, ale nie rzeczywistej, ale odbitej w swojej wielości w szklanych witrynach sklepowych, w wypolerowanych karoseriach samochodów, w wypolerowanym na połysk granicie. Gra tych odbić, dokładnie odtworzona przez artystę, stwarza wrażenie przenikania się stref przestrzennych, zawiłej relacji planów, dezorientujących widza, wywołujących poczucie nierealności.

Mistrzowie hiperrealizmu: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.