Arus dalam seni dan lukisan

ABSTRAK EKSPRESIONISME

J. Pollock. Moby Dick.1943

Pergerakan dalam seni abstrak yang muncul di Amerika Syarikat pada tahun 1940-an dan diwakili terutamanya oleh karya artis Sekolah New York. Ekspresionisme abstrak meneruskan "pembebasan" seni dari mana-mana kawalan akal dan undang-undang logik, menetapkan sebagai matlamatnya ekspresi spontan dunia dalaman artis, alam bawah sedarnya dalam bentuk abstrak yang huru-hara dan mengambil sebagai prinsip kreatif utamanya aplikasi cat secara spontan dan automatik pada kanvas, yang berlaku semata-mata di bawah pengaruh keadaan mental dan emosi….

F.Klein. Hitam pada hijau, merah dan kuning.1948

Dalam irama yang pantas, pelukis menutup permukaan kanvas dengan sapuan berus yang besar dan bertenaga, selalunya menggunakan teknik menitis (memercikkan cat atau memicitnya keluar dari tiub). Proses mencipta lukisan sering berlaku di khalayak ramai: keseluruhan persembahan dimainkan di hadapan penonton, di mana gerak isyarat dan pergerakan artis memainkan peranan aktif seperti aliran cat yang jatuh dan tumpah di atas kanvas.

Abstrak Ekspresionisme menguasai budaya Amerika sehingga awal 1960-an, menjadi salah satu gerakan serius pertama dalam lukisan Amerika dan mempengaruhi perkembangan seni dunia.

ABSTRAKSIONISME

V. Kandinsky. Komposisi 8 1913.

Salah satu trend artistik utama dalam seni abad ke-20, di mana struktur kerja berdasarkan secara eksklusif pada elemen formal - garis, bintik warna, konfigurasi abstrak. Karya abstrak dipisahkan daripada bentuk kehidupan itu sendiri: gubahan bukan objektif merangkumi tanggapan subjektif artis dan fantasi, aliran kesedarannya, mereka menjana persatuan bebas, pergerakan pemikiran dan empati emosi.

Adalah mustahil untuk menamakan sama ada masa tepat kemunculan abstraksionisme atau pengasasnya. Penginspirasi abstraksiisme yang diiktiraf dianggap sebagai artis Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka, Robert Delaunay, yang menggariskan peruntukan utama pergerakan ini dalam karya teori dan pernyataan program mereka.

F. Gadis Leger dengan Bunga. 1954

Abstraksiisme berasal sebagai aliran sempit dalam seni halus. Pada awal 1930-an, persatuan abstraksionis mula muncul ("seni konkrit" - 1930, "bulatan dan persegi" - 1930, dan lain-lain), yang mengumpulkan artis dari pelbagai bangsa dan trend di bawah sepanduk mereka. Menjelang pertengahan 1930-an, minat dalam abstraksiisme telah merosot dengan ketara, dan persatuan ini runtuh. Ia dilahirkan semula di Amerika Syarikat, di mana ekspresionisme abstrak muncul pada awal 1940-an, beroperasi dengan bentuk bukan objektif untuk ekspresi spontan dunia dalaman artis.

Bentuk seni abstrak terakhir yang popular ialah seni pop, yang muncul pada tahun 1960-an, selepas itu seni abstrak menjadi tidak jelas.

AVANT-GARDISM

P. Picasso Three Musicians 1921

Satu set trend dan hala tuju yang inovatif, memberontak dalam budaya seni abad ke-20. Pada peringkat sejarah yang berbeza, peranan avant-garde dimainkan oleh aliran berturut-turut: 1900-1910-an adalah masa kemunculan Fauvisme, Kubisme, Futurisme, Ekspresionisme, Dadaisme, dan seni abstrak; pada tahun 1920-an–1930-an, surealisme muncul di hadapan; dalam tempoh selepas perang, aliran baru dalam abstraksionisme muncul: ekspresionisme abstrak, tachisme, seni tidak formal, dll.; 1960-an–1970-an ialah era peralihan daripada avant-garde "klasik" kepada neo-avant-garde, atau pascamodenisme, dengan komponennya: aksiisme, seni pop, konseptualisme, seni kinetik dan amalan seni lain.

AKADEMISME

A. Cabanel Phaedra. 1880

Trend dalam seni halus, asas pembangunannya adalah akademi seni. Sejarah perkembangan akademikisme dikaitkan dengan "Akademi Mereka yang Telah Memasuki Jalan Yang Benar" di Bologna (sekitar 1585), Akademi Lukisan dan Arca Diraja Perancis (1648), dan Akademi Tiga Seni Paling Mulia Rusia (1757). Aktiviti semua institusi didasarkan pada sistem pendidikan yang dikawal ketat, berorientasikan kepada pencapaian hebat era sebelumnya - Antikuiti dan Renaissance Itali, dari mana kualiti individu seni klasik dipilih secara sedar, diterima sebagai ideal dan tiada tandingan.

Laluan akademikisme dalam seni tidak ditandai dengan sebarang penemuan atau pencapaian yang hebat. Oleh kerana ketiruannya ("dibuat") dan eklektikisme, ia bukan gaya artistik.

A. Bouguereau Rehat semasa musim menuai. 1865

Akademik berkembang pesat pada abad ke-19. Di Perancis, trend ini dikaitkan dengan karya sarjana terkenal seperti Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin, yang karyanya dibezakan oleh penguasaan pelaksanaan yang tiada tandingannya.

Akademi Seni St. Petersburg juga memupuk dalam dindingnya galaksi artis akademik terkenal di dunia: Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky, dan Fyodor Bruni.

A. Alma-Tadema Penemuan Musa. 1904

Pada zaman kita, konsep "akademik" telah melangkaui skop pergerakan artistik: ia telah memperoleh makna tambahan dan telah digunakan untuk karya artis yang mempunyai pendidikan seni yang sistematik dan kemahiran klasik dalam mencipta karya kemahiran teknikal yang tinggi.

ACTIONISME

Christo dan Han-Claude. Pintu No. 53 2006

Nama umum untuk beberapa bentuk yang muncul dalam seni avant-garde pada tahun 1960-an.

Keinginan untuk memadamkan garis antara seni dan realiti menyebabkan artis avant-garde mencari cara baharu ekspresi artistik, berbeza daripada bentuk tradisional (iaitu statik), memberikan dinamik kepada karya, melibatkannya dalam beberapa tindakan (tindakan). Tindakan (atau seni tindakan) menjadi konsep umum untuk amalan artistik di mana penekanan dialihkan daripada karya itu sendiri kepada proses penciptaannya.

K. Oldenburg. Jambatan sudu memegang ceri. 1985

Asal-usul Actionism harus dicari dalam persembahan Dadaists dan Surrealists, dalam aktiviti artis abstrak (khususnya D. Pollock), yang menganut prinsip penulisan ekspresif - "lukisan tindakan".

ANACHRONISME

K.M. Mariani The Hand Guided by the Mind.1983

Salah satu trend dalam lukisan pascamodenisme, menawarkan tafsiran pengarang tentang seni masa lalu. Setelah muncul akibat penolakan modenisme (iaitu aliran avant-garde dalam seni), postmodernisme mengisytiharkan matlamatnya untuk kembali kepada bentuk lama, tradisi sejarah, dan gaya budaya berabad-abad sebelumnya. Dalam mencari bentuk baru, artis pascamodenisme mencampurkan gaya artistik dari era dan budaya yang berbeza, mencipta atas dasar ini mitologi individu, dikaitkan dengan pengalaman peribadi pengarang.

Anakronisme muncul pada akhir 1970-an di Itali dan kemudiannya merebak ke Perancis. Sumber rohani yang paling penting ialah karya Giorgio De Chirico, yang beralih kepada seni klasik pada tahun 1920-an selepas "masa metafizik"nya. Anakronis atau "artis budaya", seperti yang mereka panggil diri mereka sendiri, diilhamkan oleh karya-karya sarjana Renaissance, Mannerism dan Baroque, yang mereka parafrasa, parodi, berusaha untuk menyesuaikan tradisi klasik ke dalam konteks mozek budaya pascamoden.

SENI ANALITIK

P. Filonov. Keluarga Petani 1914

Seni analitik adalah kaedah artistik yang dibangunkan dan dibuktikan oleh Pavel Filonov dalam karya teorinya ("Canon and Law", 1912; "Made Pictures", 1914; "Declaration of "World Bloom", 1923) dan dalam lukisannya sendiri. Mengambil kubisme sebagai pembawa prinsip rasionalistik, Filonov berbeza dengan pertumbuhan pokok dan organik (dengan bentuk pertumbuhan organik) kualiti "buatan" lukisan.

P. Salzman Triple Self-Portrait. 1932

Prinsip pembuatan adalah kedudukan utama Seni Analitik. Artis "membina" gambarnya, kerana alam semula jadi "mencipta" formasi yang lebih besar daripada atom dan molekul. Memahami "bahawa dalam mana-mana objek tidak ada dua predikat, bentuk dan warna, tetapi seluruh dunia fenomena yang kelihatan dan tidak kelihatan, pancaran, tindak balas, kemasukan, genesis, makhluk, diketahui atau sifat rahsia, yang kadang-kadang mempunyai predikat yang tidak terkira banyaknya," Filonov yakin bahawa semua kepelbagaian sifat ini boleh dinyatakan secara plastik dalam lukisan.

Apabila mencipta karya, artis mesti bergantung bukan sahaja pada yang jelas, yang kelihatan ("melihat mata"), tetapi juga pada yang tidak kelihatan ("gas mengetahui", menangkap proses tersembunyi) - corak dalaman struktur dan fungsi objek yang digambarkan. Artis mengubah "penglihatan" dalaman objek atau fenomena ke dalam binaan grafik dan bergambar berdasarkan "undang-undang perkembangan bentuk organik", yang dipinjam dari alam semula jadi (untuk meniru bukan bentuk yang ia cipta, tetapi kaedah yang "bertindak") dan menentang "kanon" (bentuk yang dibina secara buatan).

Tatyana Glebova Output warna

Setelah memahami undang-undang ini, artis dapat "membuat" gambar tertentu, begitu organik sehingga berpotensi untuk pembangunan diri seolah-olah tanpa penyertaan pengarang sendiri dalam proses ini (ia tumbuh dan berkembang seperti semua makhluk hidup di alam semula jadi). P. Filonov percaya bahawa seni yang dicipta oleh kaedahnya adalah seni masa depan, yang akan membawa kepada "Hari Kegemilangan Dunia", kerana ia berdasarkan interaksi harmoni manusia dan alam semula jadi, berdasarkan beberapa prinsip saintifik yang ditujukan kepada intelek penonton, dan mengembangkannya ("menjadi faktor dalam evolusi kecerdasan"). Sarjana Seni Analitik: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

BAWAH TANAH

Oscar Rabin, "Baths (Smell the Moscow Eau de Cologne)", 1966.

Bawah tanah (Bawah tanah Inggeris - bawah tanah, penjara bawah tanah) - dalam erti kata sempit - mana-mana seni eksperimen bukan komersial; dalam erti kata yang luas - satu konsep dan fenomena yang timbul di Amerika Syarikat pada akhir 1950-an dan bermaksud budaya "bawah tanah" sebagai sebahagian daripada apa yang dipanggil counterculture, yang menentang dirinya dengan sekatan dan konvensyen yang menguasai masyarakat budaya. Seni bawah tanah yang disemai dengan semangat perpecahan. Menolak dan melanggar orientasi politik, moral dan etika dan jenis tingkah laku yang diterima dalam masyarakat, memperkenalkan tingkah laku antisosial ke dalam kehidupan seharian. Tema biasa bawah tanah Amerika dan Eropah ialah "revolusi seksual" dan dadah.

Lev Kropivnitsky

Semasa zaman Soviet, konsep ini memperoleh makna yang agak berbeza dan bentuk yang lebih dipolitikkan: di sini, kerana ketegasan rejim, hampir mana-mana tidak rasmi, iaitu tidak diiktiraf oleh pihak berkuasa, seni, termasuk muzik dan kesusasteraan, ternyata berada di bawah tanah. Dari pertengahan 1950-an hingga akhir 1980-an. "Pembangkang artistik" diwakili oleh aktiviti banyak persatuan, di antaranya yang paling terkenal ialah kumpulan "Lianozovskaya" (E. dan L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin dan lain-lain (dari 1956 hingga pertengahan 1970-an)), "Sretensky Boulevard" (I. Ne. Kabavestlev, Yu. Soovestlev, E. (dari 1960 hingga pertengahan 1970-an)), "Tindakan Kolektif" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko dan lain-lain (sejak 1975)), "Fly Agarics" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironceenko 197). Pergerakan bawah tanah mengembangkan kreativiti artis yang tidak menyertai mana-mana persatuan (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), tetapi merupakan wakil seni sosial (E. Bulatov, V. Komar dan A. Melamid), dan pergerakan avant-garde lain (Kumpulan Seniman Avant-garde, Juara Dunia).

A. Potret Zverev 1969

Selepas keruntuhan sistem politik Kesatuan Soviet, dan dengan itu penarikan sekatan dan larangan terhadap kebebasan kreativiti artistik, bawah tanah sebagai fenomena budaya menjadi sia-sia. Sarjana bawah tanah: Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid.

AR BRUT

Lukisan Antoni Tapies - 4. Lukisan Bersiri Berlin.

Art brut (Bahasa Perancis: Art brut – kasar, seni mentah) ialah pergerakan dalam seni Eropah pada pertengahan abad ke-20, pengasas dan ketuanya ialah artis Perancis Jean Dubuffet, yang mengembangkan konsep seni tulen, seni yang menolak keindahan dan keharmonian. Setiap orang adalah artis; bagi seorang manusia, melukis adalah semula jadi seperti bercakap atau berjalan. Tidak terbebani oleh tradisi dan pengetahuan tentang "budaya yang menyesakkan," dia mencipta secara naluri dan langsung.

J. Dubuffet Jazz band, 1955

Menurut Dubuffet, Art Brut ialah kreativiti dalam bentuk yang paling tulen: cetusan mental spontan dari kedalaman minda dan kesedaran, ditangkap di atas kertas atau dijelmakan dalam bahan. Dia beralih kepada seni orang sakit mental, orang yang terasing daripada masyarakat, menganggap hanya mereka sebagai artis sejati, memiliki subjektiviti yang memberikan seseorang keperibadian yang tulen.

Pada mulanya, Dubuffet menyalin gaya mereka dalam karyanya, mencipta bentuk dan imej "biadab" yang sengaja primitif, kiasan dan abstrak, menarik dengan penyelesaian warna yang tidak dijangka dan cara penulisan yang kelihatan janggal. Dan pada tahun 1948, bersama-sama dengan penulis surealis André Breton dan artis Sepanyol Antoni Tapies, beliau mengasaskan "Syarikat Seni Brute" di Paris, yang direka untuk memelihara dan mengkaji seni golongan terpinggir. Koleksi yang dikumpul, berjumlah kira-kira 5,000 lukisan, lukisan, objek dan arca, membentuk asas kepada Muzium Seni Brut, yang diasaskan pada tahun 1976 di Lausanne (Switzerland).

Potret Diri J. Dubuffet, 1958

Dalam seni kontemporari, konsep "art brut" merangkumi karya orang yang wujud di luar masyarakat - orang sakit mental, orang kurang upaya, semua jenis orang terpinggir, serta karya J. Dubuffet, yang diilhamkan oleh contoh-contoh ini. Art brut adalah sebahagian daripada pergerakan yang lebih luas - "Outsider art" (seni luar), yang telah menjadi pergerakan serius dalam proses seni dunia sejak sedekad yang lalu. Dalam banyak cara, ini adalah merit intelektual radikal dan militan Jean Dubuffet, yang melihat dunia dengan cara yang baharu. Sarjana Seni Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Mario Merz, projek Petra's Hut, 1982

Arte Povera (Bahasa Itali: Arte povera – seni miskin) ialah gerakan avant-garde yang muncul dalam seni Itali pada akhir 1960-an - awal 1970-an dan tersebar luas di negara-negara Eropah yang lain. Ia berdasarkan penciptaan pemasangan daripada objek perindustrian dan semula jadi, dengan keutamaan diberikan kepada bahan yang paling mudah, "termiskin" (seperti tanah, pasir, arang batu, sampah, barangan rumah asas, pakaian dan kasut usang lama, dsb.).

Mario Merz tanpa tajuk

Pergerakan Arte Povera timbul sebagai tindak balas terhadap peningkatan intelektualisme dan rasionalisme minimalisme dan konseptualisme, dengan bahan dan teknologi mahal mereka untuk menghasilkan objek seni. Seniman Arte Povera, mencipta karya mereka, beralih ke "dunia perkara mudah" yang mengelilingi seseorang seketika, dan berusaha untuk mendedahkan puisi istimewa yang biasa, bermain pada kontras - mengoyakkan perkara daripada konteks biasa mereka dan meletakkannya dalam realiti yang berbeza, realiti dewan istana dan ruang muzium yang mewah.

L. Tajuk Fontana

Perhatian khusus diberikan kepada kepelbagaian objek (plaster kepala dari patung antik dan beg arang batu atau pembakar gas), bahan jangka pendek yang berubah di bawah pengaruh atmosfera atau disebabkan oleh sifat kimia dan fizikalnya (seperti lilin, span, getah, dll.). Ini memberikan karya Arte Povera simbolisme artistik tertentu yang tidak sesuai dengan tafsiran yang tidak jelas. Seni, mengelilingi kita di mana-mana, adalah sekejap dan sukar difahami, seperti detik kehidupan. Ia adalah fana. Dan oleh itu tidak berguna, tetapi ini adalah keindahannya.

Sarjana Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

BAROK

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Galeri Uffizi. Florence. Itali

Baroque adalah salah satu gaya hebat yang menguasai seni bina dan seni negara Eropah dari akhir abad ke-16 hingga pertengahan abad ke-18.

Tempat kelahiran Baroque (Itali: barocco - pelik, pelik) adalah Itali, di mana penubuhan gaya baru bermakna berakhirnya Renaissance dengan pandangan dunianya yang harmoni, kepercayaan pada kemungkinan tanpa had minda manusia dan keteraturan kewujudan sejagat.

Ciri-ciri utama Baroque adalah skala, banyak hiasan, dinamik ribut, berusaha untuk kesan ilusi dalam organisasi ruang dalaman - meningkatkan saiz bilik dengan bantuan cermin; ketinggian dewan terima kasih kepada tudung lampu yang indah dengan penyelesaian yang kompleks untuk perspektif.

Semua ini sepadan dengan gambaran baru alam semesta - berubah-ubah, konflik, di mana yang mati dan yang muncul berada dalam konfrontasi yang berterusan, dan manusia dengan nafsunya, dunia dalaman yang keliru dan kompleks sering mendapati dirinya berada di bawah belas kasihan kuasa yang tidak rasional.

Simon Vouet, Saint Cecilia dengan Malaikat. Separuh pertama abad ke-17. Muzium Seni Halus Hungary. Budapest. Hungary

Bukan kebetulan bahawa Baroque beralih daripada kejelasan dan kesederhanaan, lebih suka lengkung elegan daripada ketegasan geometri dan garis lurus; pusaran kepada pergerakan yang teratur; ton keemasan yang berkilauan berubah di bawah pengaruh cahaya dan bayang-bayang, atau cerah, meriah, tanpa diduga tidak harmoni dalam bunyi kemenangannya kepada warna tempatan.

Baroque mengagumkan dengan bahagian dalamannya yang menakjubkan, mengingatkan pemandangan teater, gabungan bahan dan tekstur yang berbeza yang digunakan untuk hiasannya, dan kadangkala kemasukan butiran "sebenar" yang mengejutkan dalam karya seni, seperti gigi dan rambut asli dalam patung wanita.

Gaya Baroque mencipta ensembel yang unik, sintesis seni bina, seni monumental dan hiasan yang unik untuknya.

Di setiap negara Eropah, Baroque mempunyai ciri tersendiri sambil mengekalkan ciri utama gaya. Oleh itu, di tanah airnya, Itali, gaya ini direalisasikan dengan paling jelas dan lebih awal daripada, sebagai contoh, di Perancis, di mana peranan utama pada abad ke-17 adalah milik klasikisme.

Di Rusia, pembangunan Baroque jatuh pada separuh pertama dan pertengahan abad ke-18. Bebas daripada ciri kemuliaan mistik gaya ini di negara-negara Katolik, seni Baroque di Rusia memuliakan kuasa autokratik yang semakin kukuh.

Pada separuh pertama abad ke-18, Baroque di mana-mana berkembang ke arah gaya Rococo yang anggun, wujud bersama dan terjalin dengannya, dan dari tahun 1760-an telah digantikan oleh Klasikisme.

BAUHAUS

Bunyi Purba, Abstrak pada Hitam oleh Paul Klee 1925

Bauhaus (Bahasa Jerman: Bauhaus – "rumah pembinaan"), Sekolah Tinggi Pembinaan dan Reka Bentuk Artistik, yang diasaskan oleh arkitek Jerman W. Gropius di Weimar pada tahun 1919.

Menurut idea pengarang, Bauhaus telah dipanggil untuk menyatukan seni, kraf dan teknologi "berbeza" menjadi "pengeluaran artistik tunggal", untuk menghubungkannya dalam bentuk persatuan bangunan zaman pertengahan, tetapi berdasarkan asas saintifik dan teknikal yang baru. Pada mulanya, semua pelajar menjalani kursus latihan awal selama 6 bulan, di mana mereka mempelajari sifat bahan dan asas kraf, serta teori bentuk dan lukisan. Selepas itu, mereka dibenarkan bekerja di bengkel: kreatif dan pengeluaran, di mana penekanan adalah pada amalan pelajaran. Bergantung pada kecenderungan pelajar, mereka dilatih untuk menjadi arkitek, pereka artis, jurugambar, pereka.

Paul Klee: Klee Analysis of Various Perversities, 1922, Koleksi

V. Gropius memberi perhatian khusus kepada pemilihan guru yang berkongsi kepercayaannya: pada tahun yang berbeza, artis V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, pereka L. Moholy-Nagy dan J. Itten bekerja di sini.

Zaman kegemilangan Bauhaus dikaitkan dengan zaman Weimar, ditandai dengan pengaruh neo-romantikisme. Pada tahun 1925, Bauhaus berpindah ke Dessau dan ditempatkan di sebuah bangunan yang direka oleh V. Gropius, yang dianggap sebagai salah satu karya seni bina fungsionalis. Tempoh di Dessau ditandai dengan pengukuhan kecenderungan teknikal-utilitarian, pembentukan gaya Bauhaus, dicirikan oleh kejelasan bentuk, cara minimalism, reka bentuk standard, dan penambahbaikan kaedah dan bahan industri.

Vasily Kandinsky, St. George dan Naga (1914-15).

Pada tahun 1928, arkitek Switzerland H. Mayer mengambil alih sebagai pengarah. Walau bagaimanapun, inovasi yang diperkenalkannya (kajian sains sosial) menyebabkan rasa tidak puas hati di kalangan guru dan pelajar, dan pada tahun 1930, Bauhaus diketuai oleh arkitek Jerman L. Mies van der Rohe, yang kekal sebagai pengarah sehingga penutupan institusi pendidikan ini oleh Nazi pada tahun 1933.

Wassily Kandinsky. Cat Air Abstrak Pertama Tanpa Tajuk. 1910 -1913

Walau bagaimanapun, prinsip dan kaedah pengajaran Bauhaus telah diambil di negara lain, dan idea-ideanya mempunyai kesan yang mendalam terhadap pembangunan seni gunaan dan halus (dari grafik buku dan pengiklanan kepada perabot dan barangan rumah).

Sarjana Bauhaus: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

VERISM

D. Fattori. Di pantai. 1893

Verism (Verismo Itali daripada vero - benar, benar) ialah pergerakan dalam budaya seni Itali pada sepertiga terakhir abad ke-19, yang pada mulanya timbul dalam kesusasteraan dan muzik, dan kemudian merebak ke seni halus.

Prinsip verismo dibentuk terutamanya di bawah pengaruh naturalisme Perancis. Berdasarkan karya E. Zola, G. Flaubert dan G. de Maupassant, para verists menetapkan tugas utama kerja mereka sebagai objektiviti dan pendekatan saintifik untuk mengkaji fakta (dari sudut pandangan positivisme) dalam penggambaran realiti kehidupan dalam masyarakat Itali moden, kehidupan dan psikologi orang biasa. Keaslian nasional gerakan ini ditunjukkan dalam simpati yang mendalam terhadap pekerja yang tertindas, yang hidupnya (terutamanya kaum tani dan kaum miskin di wilayah) adalah kandungan utama novel dan cerpen para ahli teori verismo - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, opera oleh P. Mascagni, R. Puccinilo, G. Leoncavallo.

S. Lega Itali Barsaglieri mengetuai tahanan Austria, 1861

Dalam seni visual, pendahulu langsung dari verists adalah artis sekolah Florentine "Macchiaioli", yang menyerahkan karya mereka kepada tema perjuangan pembebasan nasional rakyat Itali, kehidupan bandar dan luar bandar. Dalam lukisan, verisme diwakili terutamanya oleh tuan Neapolitan yang mengembangkan kecenderungan kritis sosial dalam seni (perjuangan kelas pekerja untuk haknya, kehidupan petani yang sukar) dan mencipta keseluruhan galeri imej tokoh-tokoh terkenal dalam sejarah dan budaya Itali.

Walau bagaimanapun, para verists tidak melihat kemungkinan sosial untuk menghapuskan ketidakadilan sosial; karya mereka dikuasai oleh perasaan pesimisme dan azab, persepsi pasif-naturalistik realiti (dalam kesusasteraan dan lukisan) atau melodrama, ilustrasi dangkal, emosi yang berlebihan (dalam muzik). Walaupun verismo tidak menjadi meluas dalam seni halus Itali, namun ia memainkan peranan penting dalam pembangunan kecenderungan realistik dalam proses seni dunia.

Sarjana Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

SENI VIDEO

Keluarga Robot Nam June Paik, 1976

Seni video ialah pergerakan dalam seni visual sepertiga terakhir abad ke-20 yang menggunakan keupayaan teknologi video. Tidak seperti televisyen itu sendiri, yang bertujuan untuk penyiaran kepada khalayak ramai, seni video menggunakan penerima televisyen, kamera video dan monitor dalam kejadian unik, dan juga menghasilkan filem eksperimen dalam semangat seni konseptual, yang ditayangkan di ruang pameran khas. Dengan bantuan elektronik moden, ia menunjukkan, seolah-olah, "otak dalam tindakan" - laluan visual daripada idea artistik kepada penjelmaannya. Pengasas utama seni video ialah warga Amerika keturunan Korea Nam June Paik. Seni yang menggunakan teknologi televisyen — seni video — timbul tepat daripada protes terhadap dominasi budaya massa, penjelmaan tertinggi yang dianggap sebagai penyiaran televisyen. "Bapa" seni video, Nam June Paik dan Wolf Vostell, masing-masing dengan cara mereka sendiri mempersendakan warga yang dihormati yang duduk setiap petang untuk berehat di hadapan televisyen.

Pada tahun 60-an, Wolf Vostell mengadakan kejadian di mana televisyen dibaling dengan kek krim, diikat dengan dawai berduri, dikebumikan secara istiadat, dan juga ditembak dengan mesingan. Nam Jun Paik, seorang pemuzik dengan latihan, bertindak lebih halus. Setelah bermula dengan eksperimen dalam "visualisasi muzik," dia beralih kepada mencipta kemiripan makhluk hidup dengan kepala, lengan, dan badan daripada monitor dengan saiz yang berbeza dan imej yang sepadan, memanggil mereka "Ibu," "Ayah," "Anak," "Mak Cik," "Pak Cik," dll.

Kerja Baru Nam June Paik, 1983

Setelah muncul pada tahun 60-an, ketika belum ada kamera video, seni video dianggap sebagai bentuk seni muda. Seperti biasa, pada mulanya ia adalah domain peminat keseorangan, tetapi pada penghujung tahun 80-an menjadi jelas bahawa video menyembunyikan banyak peluang untuk memperkayakan cara seni ekspresif. Karya Bill Viola, yang mencipta seluruh dunia imej yang menakjubkan dan menarik di mana realiti dan fantasi saling berkait rapat sehingga "realiti baharu" tertentu lahir daripadanya, memainkan peranan penting dalam hal ini. Kini jelas kepada semua orang bahawa untuk abad kedua puluh nama artis video Viola dan Pike adalah sama pentingnya dengan nama Monet dan Van Gogh untuk yang kesembilan belas. Seni yang baik sentiasa memberi impak yang kuat kepada seseorang - ia membangkitkan perasaan, pemikiran, idea dan tindakan dalam dirinya. Seni video mempunyai pengaruh teknikal yang lebih kuat daripada lukisan, grafik dan arca. Mungkin hanya kehidupan itu sendiri boleh bersaing dengan seni video dalam keamatan impaknya. Bukan kebetulan bahawa seni yang paling boleh dipercayai ini dipanggil "melarikan diri ke realiti" oleh Wolf Vostell.

ABSTRAKSI GEOMETRI

Komposisi Lyubov Popova, 1917

Abstraksi geometri (nama lain ialah abstraksi sejuk, logik, abstraksi intelek) ialah pergerakan dalam seni abstrak berdasarkan penciptaan ruang artistik dengan menggabungkan pelbagai bentuk geometri, satah berwarna, garis lurus dan patah.

Abstraksi geometri berkembang daripada carian Paul Cezanne dan Cubists, yang merupakan orang pertama yang mengikuti laluan ubah bentuk alam semula jadi untuk mencari "realiti baharu". Ia mempunyai beberapa cawangan. Di Rusia, ia adalah Rayonisme M. Larionov, yang timbul sebagai reaksi pelik terhadap penemuan terkini dalam fizik; "bukan objektiviti" O. Rozanova, L. Popova dan V. Tatlin, yang kemudiannya berkembang menjadi konstruktivisme; supermatisme K. Malevich, di mana bukan objektiviti dianggap sebagai "realisme bergambar baharu"; di Perancis, sebahagiannya Orphism of Robert Delaunay; tetapi wakil utamanya ialah kumpulan Belanda "Style" ("De Stijl"), yang diketuai oleh P. Mondrian dan T. Van Doesburg, yang mengemukakan konsep neoplastik - seni keplastikan tulen, tugasnya adalah untuk membersihkan sifat kepelbagaian ilusi dan mendedahkan skema utama yang tersembunyi di dalamnya.

Mikhail Larionov Bathers, 1909

Abstraksi geometri, mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap perkembangan seni bina moden, reka bentuk, industri, hiasan dan seni gunaan, kekal sebagai trend dominan dalam seni sehingga akhir.

Perang Dunia Kedua. Pada tahun 1950-an, "aliran lirik abstraksiisme" (tachisme, ekspresionisme abstrak) muncul di hadapan.

Komposisi Olga Rozanova dengan Kereta Api, 1911

Walau bagaimanapun, pada tahun 1960-an, dengan kemunculan minimalism dan seni op pada senario artistik, abstraksi geometri menerima kelahiran kedua.

Sarjana abstraksi geometri: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

HIPERREALISME

Richard Estes. Jalan

Hiperrealisme (nama lain: superrealisme, fotorealisme, realisme dingin, realisme radikal) ialah gerakan artistik dalam lukisan dan arca yang muncul di Amerika Syarikat pada 1960-an dan tersebar di Eropah pada 1970-an.

Sebagai satu bentuk seni kiasan, hiperrealisme adalah berdasarkan ketepatan dan perincian yang teliti dalam penghasilan semula realiti, meniru spesifik fotografi. Karya hyperrealists adalah gambar yang disalin dengan teliti, diperbesarkan kepada saiz kanvas yang besar.

Don Eddy. Kereta Model Lama

Sesetengah artis yang bekerja ke arah ini sebenarnya menggunakan gambar dan slaid berwarna sebagai asas untuk karya mereka. Pada masa yang sama, semua ciri imej fotografi telah dipelihara, yang mana artis menggunakan teknik penyalinan mekanikal: unjuran slaid, kaca, berus udara dan bukannya berus, salutan emulsi, dll. Penggunaan teknologi sedemikian tidak disengajakan: ia menekankan sifat mekanikal, menghapuskan kehadiran manusia daripada proses penciptaan, seolah-olah cuba menghalang dunia artis itu sendiri, peribadi. Mungkin inilah sebabnya dunia hiperrealisme kelihatan tidak bermaya, dingin, dan terpisah daripada realiti ghaib penonton.

Ralph Goings. Hari Musim Panas

Matlamat hiperrealisme adalah untuk menggambarkan realiti seharian, dan tema utama ialah kehidupan mekanis impersonal bandar moden, sistem hidup impersonal dalam dunia yang keras dan kasar. Subjeknya sengaja cetek, dan imejnya secara tegas "objektif". Kereta, bangunan kediaman, restoran, stesen minyak, pondok telefon, papan iklan dan, jarang sekali, orang yang masih hidup - "watak dari jalanan", imej yang mempunyai warna ironis atau penuh dengan keputusasaan. Lukisan itu menimbulkan imej realiti, tetapi bukan yang sebenar, tetapi tercermin dalam kepelbagaiannya di tingkap kedai kaca, dalam badan kereta yang digilap, dalam granit yang digilap untuk bersinar. Permainan pantulan ini, diterbitkan semula dengan tepat oleh artis, mewujudkan kesan interpenetrasi zon spatial, hubungan rancangan yang rumit, mengelirukan penonton, menimbulkan perasaan tidak realiti.

Sarjana hiperrealisme: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard.