예술과 회화의 흐름

추상 표현주의

J. 폴록. 모비딕. 1943

1940년대 미국에서 시작된 추상 미술 운동으로, 주로 뉴욕 화파 작가들의 작품으로 대표되었습니다. 추상 표현주의는 이성과 논리 법칙의 통제로부터 예술을 "해방"하는 것을 지속하며, 예술가의 내면 세계, 즉 잠재의식을 혼돈스럽고 추상적인 형태로 자발적으로 표현하는 것을 목표로 삼았습니다. 또한, 정신적, 감정적 상태의 영향 하에서 캔버스에 물감을 자발적이고 자동적으로 칠하는 것을 주요 창작 원리로 삼았습니다.

F. 클라인. 녹색, 빨간색, 노란색 바탕에 검은색. 1948

예술가들은 빠른 리듬으로 캔버스 표면을 크고 강렬한 붓놀림으로 칠했는데, 주로 드리핑(물감을 튀기거나 튜브에서 짜내는 기법) 기법을 사용했습니다. 그림을 그리는 과정은 종종 대중 앞에서 진행되었습니다. 관객 앞에서 펼쳐지는 퍼포먼스였는데, 예술가의 몸짓과 움직임은 캔버스 위로 흘러내리는 물감의 흐름만큼이나 중요한 역할을 했습니다.

추상 표현주의는 1960년대 초까지 미국 문화를 지배하면서 미국 회화의 첫 번째 주요 운동 중 하나가 되었고 세계 미술의 발전에 영향을 미쳤습니다.

추상주의

V. 칸딘스키. 구성 8 1913.

20세기 미술의 주요 예술적 경향 중 하나로, 작품의 구조가 선, 색점, 추상적 구성과 같은 형식적 요소에만 기반을 둡니다. 추상 작품은 삶의 형태 자체에서 분리되어 있습니다. 비구상적인 구성은 작가의 주관적인 인상과 환상, 의식의 흐름을 구현하며, 자유로운 연상, 사고의 흐름, 그리고 감정적 공감을 불러일으킵니다.

추상주의가 등장한 정확한 시기나 창시자가 누구인지는 알 수 없습니다. 추상주의에 영감을 준 것으로 알려진 예술가로는 바실리 칸딘스키, 카지미르 말레비치, 피에트 모드리안, 프란티셰크 쿠프카, 로베르 들로네가 있습니다. 이들은 각자의 이론적 저작과 강령을 통해 추상주의 운동의 주요 내용을 제시했습니다.

F. 레거, 꽃을 든 소녀. ​​1954

추상주의는 미술계에서 좁은 흐름으로 시작되었습니다. 1930년대 초, 추상주의자들의 연합체("구체 미술" - 1930, "원과 사각형" - 1930 등)가 등장하여 다양한 국적과 경향의 예술가들을 자신들의 기치 아래 모았습니다. 1930년대 중반에 이르러 추상주의에 대한 관심은 급격히 쇠퇴했고, 이러한 연합체들은 해체되었습니다. 추상주의는 1940년대 초 미국에서 다시 부활했는데, 추상 표현주의는 비구상적인 형태를 통해 예술가의 내면 세계를 자발적으로 표현했습니다.

추상 미술의 마지막 대중적 형태는 1960년대에 등장한 팝 아트였는데, 그 이후로 추상 미술은 점점 잊혀졌습니다.

아방가르드주의

P. 피카소 세 명의 음악가 1921

20세기 예술 문화에서 나타난 혁신적이고 반항적인 경향과 방향의 집합. 각 역사적 단계에서 아방가르드는 연속적인 경향에 의해 역할을 수행했다. 1900년대부터 1910년대에는 야수파, 입체파, 미래파, 표현주의, 다다이즘, 그리고 추상미술이 등장했고, 1920년대부터 1930년대에는 초현실주의가 부상했다. 전후 시대에는 추상표현주의, 타시즘, 비공식 미술 등 새로운 추상주의 경향이 등장했다. 1960년대부터 1970년대는 "고전적" 아방가르드에서 네오 아방가르드, 즉 포스트모더니즘으로의 과도기였으며, 포스트모더니즘의 구성요소로는 행동주의, 팝아트, 개념주의, 키네틱 아트 등이 있다.

학문주의

A. 카바넬 파에드라. 1880

미술의 한 경향으로, 그 발전의 기반은 미술 아카데미입니다. 아카데미즘 발전의 역사는 볼로냐의 "정도 아카데미"(1585년경), 프랑스 왕립 회화 및 조각 아카데미(1648년), 그리고 러시아 3대 고귀 예술 아카데미(1757년)와 연관되어 있습니다. 모든 기관의 활동은 엄격하게 규제된 교육 시스템에 기반을 두었으며, 고대와 이탈리아 르네상스 시대와 같은 이전 시대의 위대한 업적을 지향했습니다. 이러한 시대적 배경에서 고전 예술의 개별적인 특징들이 의식적으로 선택되어 이상적이고 탁월한 것으로 받아들여졌습니다.

예술에서 아카데미즘의 길은 어떤 위대한 발견이나 업적으로 점철되지 않았습니다. 인위적인("만들어진") 것과 절충주의 때문에 예술적인 양식이라고 할 수 없습니다.

A. 부그로(Bouguereau) 수확 중 휴식. 1865년

아카데미즘은 19세기에 번성했습니다. 프랑스에서는 이러한 경향이 장 오귀스트 도미니크 앵그르, 아돌프 윌리엄 부게로, 알렉상드르 카브르넬, 폴 들라로슈, 장 레옹 제롬, 폴 조셉 자맹 등 저명한 거장들의 작품과 연관되어 있는데, 이들의 작품은 탁월한 표현력으로 유명합니다.

상트페테르부르크 예술 아카데미는 또한 칼 브률로프, 알렉산더 이바노프, 헨리크 세미라드스키, 표도르 브루니 등 세계적으로 유명한 학술 예술가들을 배출했습니다.

A. 알마-타데마 모세의 발견. 1904

우리 시대에 '학문주의'라는 개념은 예술 운동의 범위를 넘어섰습니다. 이 개념은 추가적인 의미를 갖게 되었고, 체계적인 예술 교육과 고도의 기술적 작품을 창작하는 고전적인 기술을 갖춘 예술가들의 작품에 적용되게 되었습니다.

행동주의

크리스토와 한-클로드. 53번 게이트 2006

1960년대 아방가르드 예술에서 등장한 여러 형태를 통틀어 이르는 말.

예술과 현실의 경계를 허물고자 하는 열망은 아방가르드 예술가들로 하여금 전통적인 (즉, 정적인) 형태와는 다른 새로운 예술적 표현 방식을 모색하게 합니다. 이는 작품에 역동성을 부여하고, 작품을 어떤 행위(행동)에 참여시키는 것입니다. 행위(또는 행위의 예술)는 작품 자체에서 창작 과정으로 강조점이 옮겨가는 예술적 실천의 일반적인 개념이 됩니다.

K. 올덴버그. 체리를 든 숟가락 다리. 1985

액션주의의 기원은 다다이스트와 초현실주의자의 활동, 표현적 글쓰기의 원칙인 "액션 페인팅"을 주장한 추상 예술가(특히 D. 폴록)의 활동에서 찾아볼 수 있습니다.

시대착오주의

K.M. 마리아니, 마음이 이끄는 손. 1983

포스트모더니즘 회화의 한 경향으로, 과거 미술에 대한 작가의 해석을 제시합니다. 모더니즘(즉, 예술계의 아방가르드 경향)을 거부한 결과 등장한 포스트모더니즘은 이전 수 세기 동안 이어져 온 문화의 옛 형식, 역사적 전통, 그리고 양식으로의 회귀를 목표로 삼았습니다. 새로운 형식을 모색하며 포스트모더니즘 예술가들은 다양한 시대와 문화의 예술 양식을 혼합하고, 이를 바탕으로 작가의 개인적 경험과 연관된 자신만의 신화를 창조합니다.

시대착오는 1970년대 후반 이탈리아에서 발생하여 이후 프랑스로 확산되었습니다. 시대착오주의의 가장 중요한 정신적 원천은 조르조 데 키리코의 작품이었는데, 그는 "형이상학적 시기"를 거쳐 1920년대에 고전 예술로 전향했습니다. 스스로를 "문화 예술가"라고 칭하는 시대착오주의자들은 르네상스, 매너리즘, 바로크 거장들의 작품에서 영감을 얻습니다. 그들은 이 거장들의 작품을 패러디, 즉 패러디라고 부르며, 고전적 전통을 포스트모던 문화의 모자이크적 맥락에 맞추려 합니다.

분석 예술

P. 필로노프. 농민 가족 1914

분석 예술은 파벨 필로노프가 그의 이론 저작("정전과 법칙", 1912; "인공 그림", 1914; "세계의 꽃" 선언, 1923)과 자신의 회화에서 발전시키고 실증한 예술적 방법입니다. 필로노프는 입체주의를 합리주의 원리의 계승자로 보고, 이를 예술 형식의 유기적 성장(나무가 자라듯이) 원리와 회화의 "인공적" 특성과 대비시켰습니다.

P. 잘츠만, 삼중 자화상. 1932

제작의 원리는 분석 예술의 핵심 입장입니다. 예술가는 자연이 원자와 분자로부터 더 큰 형태를 "창조"하듯이 자신의 그림을 "만든다". 필로노프는 "어떤 대상에도 형태와 색이라는 두 가지 술어가 있는 것이 아니라, 가시적이고 비가시적인 현상, 그 발산, 반응, 포함, 생성, 존재, 알려진 또는 비밀스러운 속성으로 이루어진 온전한 세계가 존재하며, 이러한 속성들은 때로는 무수한 술어를 갖는다"는 것을 이해하며, 이러한 모든 다양한 속성들이 회화에서 조형적으로 표현될 수 있다고 확신했습니다.

작품을 창작할 때, 예술가는 명백하고 눈에 보이는 것("보는 눈")뿐만 아니라 보이지 않는 것("알아가는 가스"), 즉 묘사된 대상의 구조와 기능의 내부 패턴에도 의존해야 합니다. 예술가는 대상이나 현상에 대한 자신의 내적 "비전"을 "형태의 유기적 발전 법칙"에 기반한 그래픽 및 회화적 구성으로 변형합니다. 이는 자연에서 차용한 것으로, 자연이 창조하는 형태가 아니라 자연이 "행동하는" 방식을 모방하는 것이며, "정전"(인위적으로 구성된 형태)과는 대조적입니다.

Tatyana Glebova 컬러 출력

이 법칙을 이해한 예술가는 마치 작가가 직접 참여하지 않아도 스스로 발전할 수 있는 잠재력을 지닌, 유기적인 그림을 "만들" 수 있습니다(자연의 모든 생명체처럼 성장하고 발전합니다). P. 필로노프는 자신의 방식으로 창조된 예술이 미래의 예술이며, 인간과 자연의 조화로운 상호작용, 관람객의 지성에 초점을 맞춘 여러 과학적 원리, 그리고 이를 발전시키는 것("지성 진화의 요소가 되도록")에 기반을 두고 있기 때문에 "세계의 전성기"로 이어질 것이라고 믿었습니다. 분석 예술의 거장: 파벨 필로노프, 타티아나 글레보바, 알리사 포레트, 미하일 치바소프, 소피아 자클리노프스카야, 파벨 잘츠만, 파벨 콘드라티예프, 보리스 구르비치, 니콜라이 에브그라포프, 프세볼로드 술리모-사무이요, 유리 흐르자노프스키

지하철

오스카 라빈, "목욕탕(모스크바 오드코롱 냄새)", 1966년.

언더그라운드(영어: Underground - 언더그라운드, 던전)는 좁은 의미로는 비상업적이고 실험적인 예술을 의미하며, 넓은 의미로는 1950년대 후반 미국에서 발생한 개념이자 현상으로, 문화 사회를 지배하던 제약과 관습에 저항했던 소위 반문화의 필수적인 부분으로서 "언더그라운드" 문화를 의미합니다. 반체제 정신이 깃든 언더그라운드 예술은 사회에서 용인되는 정치적, 도덕적, 윤리적 지향과 행동 유형을 거부하고 위반하며, 반사회적 행동을 일상생활에 도입합니다. 미국과 유럽 언더그라운드의 전형적인 주제는 "성 혁명"과 마약입니다.

레프 크로피브니츠키

소련 시대에 이 개념은 다소 다른 의미와 더욱 정치화된 형태를 띠게 되었습니다. 당시에는 정권의 엄격함으로 인해 음악과 문학을 포함한 거의 모든 비공식 예술, 즉 당국의 인정을 받지 못한 예술이 언더그라운드 예술로 전락했습니다. 1950년대 중반부터 1980년대 후반까지 이어졌습니다. "예술적 반대"는 많은 협회의 활동을 통해 표현되었는데, 그중 가장 유명한 그룹은 "리아노조프스카야"(E. 및 L. 크로피우니츠키, L. 마스터코바, O. 라빈 외(1956년부터 1970년대 중반까지)), "스레텐스키 대로"(I. 카바코프, E. 네이즈베스트니, 유. 소볼레프, 유. 수스터 외(1960년부터 1970년대 중반까지)), "집단 행동"(A. 모나스티르스키, G. 키젤바테르, I. 마카레비치, S. 로마슈코 외(1975년부터)), "파리버섯"(S. 군들라흐, K. 즈베즈도체토프, V. 미로넨코 외(1978년부터))입니다. 언더그라운드 운동은 어떤 협회에도 가입하지 않았지만(V. 시두르, A. 즈베레프, M. 셰먀킨) 사회 예술을 대표하는 예술가들(E. 불라토프, V. 코마르, A. 멜라미드)과 다른 아방가르드 운동(아방가르드 예술가 그룹, 세계 챔피언)의 창의성을 발전시켰습니다.

A. 즈베레프 초상화 1969

소련 정치 체제가 붕괴되고 예술적 창작의 자유에 대한 제한과 금지가 해제되면서, 문화 현상으로서의 언더그라운드는 무산되었습니다. 언더그라운드의 거장들: 레프 크로피우니츠키, 류보프 마스테코바, 오스카 라빈, 일리야 카바코프, 에른스트 네이즈베스트니, 유리 소볼레프, 율로 수스터, 키릴 즈베즈도체토프, 미하일 셰먀킨, 아나톨리 즈베레프, 바딤 시두르, 비탈리 코마르, 알렉산더 멜라미드.

AR 브뤼트

Antoni Tapies 드로잉 - 4. 시리즈 베를린 드로잉.

아르 브뤼(프랑스어: Art brut – 거칠고 날것의 예술)는 20세기 중반 유럽 미술 운동으로, 프랑스 예술가 장 뒤뷔페가 창시자이자 주도적인 역할을 했습니다. 그는 아름다움과 조화를 거부하는 순수 예술이라는 개념을 발전시켰습니다. 모든 사람은 예술가입니다. 인간에게 그림 그리기는 말하거나 걷는 것만큼이나 자연스러운 행위입니다. "숨 막히는 문화"의 전통과 지식에 얽매이지 않고, 그는 본능적이고 직접적인 방식으로 창작합니다.

J. 듀버펫 재즈 밴드, 1955

뒤뷔페에 따르면, 아르 브뤼는 가장 순수한 형태의 창의성, 즉 마음과 의식의 깊은 곳에서 우러나오는 자발적인 정신적 분출이며, 종이에 담기거나 물질로 구현된 것입니다. 그는 정신 질환자, 사회에서 소외된 사람들의 예술에 주목하며, 그들만이 진정한 예술가이며, 인간에게 진정한 개성을 부여하는 주관성을 지닌 존재라고 여겼습니다.

뒤뷔페는 처음에 그들의 스타일을 자신의 작품에 그대로 옮겨와 의도적으로 원시적이고 "야만적인" 형태와 이미지, 구상적, 추상적 표현을 만들어냈으며, 예상치 못한 색채 구도와 어색해 보이는 필체로 강렬한 인상을 남겼습니다. 1948년, 그는 초현실주의 작가 앙드레 브르통, 스페인 화가 안토니 타피에스와 함께 파리에 "브뤼트 아트 컴퍼니(Company of Brute Art)"를 설립했습니다. 이 회사는 소외된 계층의 예술을 보존하고 연구하기 위한 목적으로 설립되었습니다. 약 5,000점의 드로잉, 회화, 오브제, 조각으로 구성된 이 컬렉션은 1976년 스위스 로잔에 설립된 브뤼 미술관(Museum de Art Brut)의 토대가 되었습니다.

J. Dubuffet 자화상, 1958

현대 미술에서 "아르 브뤼"라는 개념은 사회 밖에 존재하는 사람들, 즉 정신 질환자, 장애인, 온갖 소외 계층의 사람들, 그리고 이러한 사례에서 영감을 받은 J. 뒤뷔페의 작품을 포함합니다. 아르 브뤼는 지난 10년 동안 세계 예술계에서 중요한 흐름으로 자리 잡은 "아웃사이더 아트"(Outsider Art)라는 더 광범위한 운동의 일부입니다. 여러모로 이는 세상을 새로운 방식으로 바라본 급진적이고 전투적인 지식인 장 뒤뷔페의 공적입니다. 아르 브뤼의 거장: 장 뒤뷔페, 안토니 타피에스, 아돌프 뵐플리, 앙리 댕저, 모튼 바틀릿, 로즈마리 코치, 폴 험프리. 외젠 폰 브뤼헨하인.

아르테 포베라

마리오 메르츠, 페트라의 오두막 프로젝트, 1982

아르테 포베라(이탈리아어: Arte povera – 가난한 예술)는 1960년대 후반에서 1970년대 초 이탈리아 미술계에서 시작된 아방가르드 운동으로, 다른 유럽 국가들로 확산되었습니다. 산업 및 자연물을 이용한 설치 미술을 기반으로 했으며, 흙, 모래, 석탄, 쓰레기, 기본적인 생활용품, 낡고 헌 옷과 신발 등 가장 단순하고 "가난한" 재료를 선호했습니다.

마리오 메르츠 제목 없음

아르테 포베라 운동은 값비싼 재료와 예술 작품 제작 기술을 앞세운 미니멀리즘과 개념주의의 고조된 지성주의와 합리주의에 대한 반발로 시작되었습니다. 아르테 포베라 예술가들은 작품을 만들면서 잠시나마 인간을 둘러싼 "단순한 것들의 세계"에 주목하고, 평범한 것의 특별한 시적 세계를 드러내고자 했습니다. 사물을 일상적인 맥락에서 떼어내어 다른 현실, 즉 호화로운 궁궐과 박물관 공간이라는 현실에 위치시키는 대조적인 기법을 활용했습니다.

L. 폰타나 타이틀

특히 유물의 이질성(고대 조각상의 두상 석고 모형, 석탄이나 가스 버너 자루), 대기의 영향이나 화학적, 물리적 특성에 따라 변하는 수명이 짧은 재료(예: 왁스, 스펀지, 고무 등)에 주목했습니다. 이러한 특징은 아르테 포베라 작품에 명확한 해석을 내리기 어려운 특정한 예술적 상징성을 부여했습니다. 우리 주변에 도처에 존재하는 예술은 삶의 한 순간처럼 덧없고 포착하기 어렵습니다. 덧없으며, 따라서 쓸모없지만, 바로 이것이 예술의 아름다움입니다.

Arte Povera의 대가: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

바로크

미켈란젤로 메리시 데 카라바조(Bacchus.1593 - 1594). 우피치 갤러리. 피렌체. 이탈리아

바로크는 16세기 말부터 18세기 중반까지 유럽 국가의 건축과 예술을 지배했던 위대한 양식 중 하나입니다.

바로크(이탈리아어: barocco - 기괴하고 이상한)의 발상지는 이탈리아입니다. 이곳에서 새로운 양식이 확립되면서 조화로운 세계관, 인간 정신의 무한한 가능성에 대한 믿음, 우주적 존재의 질서를 중시하는 르네상스가 종식되었습니다.

바로크 양식의 주요 특징은 규모, 풍부한 장식, 격동적인 역동성, 실내 공간 구성에서 환상적 효과를 추구한 것(거울을 이용해 방의 크기를 키운 것, 원근법에 대한 복잡한 해결책을 적용한 그림 같은 갓을 이용해 홀의 높이를 높인 것)입니다.

이 모든 것은 우주에 대한 새로운 그림과 일치합니다. 우주는 변화하고 갈등하며, 죽어가는 것과 새로 태어나는 것이 끊임없이 대립하고, 열정과 혼란스럽고 복잡한 내면 세계를 지닌 인간은 종종 비이성적인 힘에 휘둘리게 됩니다.

시몽 부에, 천사와 함께 있는 성녀 체칠리아. 17세기 전반. 헝가리 미술관, 부다페스트, 헝가리

바로크가 명료성과 단순성에서 벗어나 기하학적 엄격성과 직선보다 우아한 곡선을, 질서 있는 움직임보다 소용돌이를, 빛과 그림자의 영향으로 반짝이는 황금빛 톤이 변하거나, 지역적 색채보다 밝고 축제적이며 예상치 못한 불협화음을 내는 승리의 사운드를 선호하는 것은 우연이 아닙니다.

바로크 양식은 연극적 배경을 연상시키는 화려한 실내 장식, 장식에 사용된 재료와 질감의 대조적인 조합, 때로는 여성 조각상의 실제 이빨과 머리카락 등 예술 작품에 '실제' 디테일을 충격적으로 삽입하는 방식 등으로 인상적입니다.

바로크 양식은 건축, 기념물, 장식 예술이 종합된 독특한 앙상블을 만들어냈는데, 이는 바로크 양식에서만 볼 수 있는 특징이었습니다.

바로크 양식은 각 유럽 국가에서 주요 특징을 유지하면서도 고유한 특징을 지닙니다. 따라서 바로크 양식의 본고장인 이탈리아에서는 17세기 고전주의가 주도적인 역할을 했던 프랑스보다 훨씬 일찍, 그리고 가장 생생하게 실현되었습니다.

러시아에서 바로크 양식은 18세기 전반과 중반에 발전했습니다. 가톨릭 국가에서 바로크 양식 특유의 신비로운 고양과는 달리, 러시아 바로크 예술은 점차 강화되는 독재 권력을 찬양합니다.

18세기 전반에 바로크는 전 세계적으로 로코코 양식의 우아한 가벼움으로 발전하여 로코코 양식과 공존하고 얽히게 되었으며, 1760년대부터 고전주의로 대체되었습니다.

바우하우스

파울 클레의 1925년작 <고대의 소리, 검은색에 추상화>

바우하우스(독일어: Bauhaus – "건축의 집")는 독일 건축가 W. 그로피우스가 1919년 바이마르에 설립한 고등 건축 및 예술 디자인 학교입니다.

저자의 생각에 따르면, 바우하우스는 "분산된" 예술, 공예, 기술을 "단일한 예술 작품"으로 통합하고, 중세 건축 조합 형태로 연결하되 새로운 과학적·기술적 토대를 마련하라는 요구를 받았습니다. 처음에는 모든 학생들이 6개월간의 예비 교육 과정을 이수하여 재료의 특성과 공예의 기본, 그리고 형태와 드로잉 이론을 배웠습니다. 그 후, 학생들은 창작 및 제작 워크숍에서 실습을 할 수 있었는데, 이 워크숍에서는 수업 내용의 실습에 중점을 두었습니다. 학생들의 성향에 따라 건축가, 예술가 겸 디자이너, 사진작가, 디자이너로 성장하도록 훈련받았습니다.

파울 클레: 다양한 변태성에 대한 클레 분석, 1922, 컬렉션

V. 그로피우스는 자신의 신념을 공유하는 교사를 선택하는 데 특별한 주의를 기울였습니다. 여러 해에 걸쳐 예술가 V. 칸딘스키, P. 클레, O. 슐레머, L. 파이닝거, 디자이너 L. 모홀리나기, J. 이텐이 이곳에서 일했습니다.

바우하우스의 전성기는 신낭만주의의 영향으로 특징지어지는 바이마르 시대와 관련이 있습니다. 1925년 바우하우스는 데사우로 이전하여 기능주의 건축의 걸작 중 하나로 손꼽히는 V. 그로피우스가 설계한 건물에 자리 잡았습니다. 데사우의 이 시기는 기술적·실용주의적 경향이 강화되고, 형태의 명확성, 수단의 미니멀리즘, 표준적인 디자인, 그리고 산업적 방법과 재료의 개선을 특징으로 하는 바우하우스 양식이 형성되는 시기였습니다.

바실리 칸딘스키, 성 조지와 용(1914-15).

1928년 스위스 건축가 H. 마이어가 교장으로 취임했습니다. 그러나 그가 도입한 혁신(사회과학 연구)은 교사와 학생들의 불만을 샀고, 1930년에는 독일 건축가 L. 미스 반 데르 로에가 교장으로 취임했습니다. 미스 반 데르는 1933년 나치에 의해 바우하우스가 폐쇄될 때까지 교장으로 재직했습니다.

바실리 칸딘스키. 무제, 첫 번째 추상 수채화. 1910-1913

그러나 바우하우스의 원칙과 교육 방법은 다른 나라에서도 받아들여졌으며, 그 사상은 응용 예술과 미술(책의 그래픽과 광고부터 가구와 가정용품까지)의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.

바우하우스 마스터: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Herbert Bayer, Hans Mayer.

베리즘

D. 파토리. 해안에서. 1893

베리즘(이탈리아어 verismo는 vero에서 유래: 진실, 참된)은 19세기 후반에 일어난 이탈리아 예술 문화 운동으로, 처음에는 문학과 음악 분야에서 발생했다가 이후 미술 분야로 확산되었습니다.

베리스모의 원리는 주로 프랑스 자연주의의 영향으로 형성되었습니다. E. Zola, G. Flaubert, G. de Maupassant의 작품에 기초한 베리스모는 현대 이탈리아 사회의 삶의 현실, 즉 평범한 사람들의 삶과 심리를 묘사하는 데 있어 객관성과 사실 연구에 대한 과학적 접근(실증주의의 관점에서)을 작업의 주요 과제로 설정했습니다. 이 운동의 민족적 독창성은 억압받는 노동자들에 대한 깊은 연민에서 드러났습니다. 그들의 삶(주로 농민과 지방의 빈민)은 베리스모 이론가 G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli의 소설과 단편 소설, 그리고 P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini의 오페라의 주요 내용이었습니다.

S. Lega 오스트리아 포로들을 이끌고 있는 이탈리아인 Barsaglieri, 1861년

시각 예술에서 베리즘의 직접적인 선구자는 피렌체의 "마키아이올리" 화파 화가들이었는데, 이들은 이탈리아 인민의 민족 해방 투쟁, 도시와 농촌의 삶을 주제로 작품을 제작했습니다. 회화에서는 베리즘이 주로 나폴리의 거장들에 의해 대표되었는데, 이들은 예술에 사회 비판적 경향(노동계급의 권리 투쟁, 고된 농민 생활)을 발전시켜 이탈리아 역사와 문화의 저명한 인물들을 담은 거대한 화랑을 만들어냈습니다.

그러나 베리스모는 사회적 불의를 근절할 수 있는 사회적 가능성을 보지 못했다. 그들의 작품은 비관주의와 암울함, 현실에 대한 수동적이고 자연주의적인 인식(문학과 회화에서는)이나 멜로드라마, 피상적인 묘사주의, 과장된 감정(음악에서는)에 지배적이었다. 베리스모는 이탈리아 미술계에서 널리 퍼지지는 않았지만, 세계 예술 과정에서 사실주의적 경향의 발전에 중요한 역할을 했다.

Verismo의 대가: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

비디오 아트

백남준 로봇 가족, 1976

비디오 아트는 20세기 후반에 등장한 시각 예술 운동으로, 비디오 기술의 힘을 활용합니다. 대중에게 방송하기 위한 텔레비전과는 달리, 비디오 아트는 텔레비전 수신기, 비디오 카메라, 모니터를 활용하여 독특한 사건을 연출하고, 개념 예술의 정신을 담아 실험 영화를 제작하여 특별 전시 공간에서 상영합니다. 현대 전자 기술의 도움을 받아, 예술적 아이디어에서 구체화까지의 시각적 경로인 "활동하는 뇌"를 보여줍니다. 비디오 아트의 주요 창시자는 한국계 미국인 백남준입니다. 텔레비전 기술을 사용하는 예술, 즉 비디오 아트는 대중 문화의 지배에 대한 저항에서 비롯되었으며, 그 가장 뛰어난 구현체는 텔레비전 방송으로 여겨집니다. 비디오 아트의 "아버지"인 백남준과 볼프 포스텔은 각자의 방식으로 매일 저녁 텔레비전 앞에 앉아 휴식을 취하는 존경받는 시민들을 조롱했습니다.

1960년대에 볼프 포스텔은 텔레비전에 크림 케이크를 던지고, 철조망으로 묶고, 의식적으로 매장하고, 심지어 기관총으로 쏘는 등 해프닝을 연출했습니다. 음악가로 훈련받은 백남준은 더욱 미묘하게 행동했습니다. "음악 시각화" 실험으로 시작한 그는 다양한 크기의 모니터와 그에 상응하는 이미지에서 머리, 팔, 몸을 가진 생명체의 모습을 만들어내고, 이들을 "엄마", "아빠", "아이", "이모", "삼촌" 등으로 불렀습니다.

백남준 신작, 1983

비디오 카메라가 없던 60년대에 등장한 비디오 아트는 젊은 예술 형태로 여겨집니다. 언제나 그렇듯 처음에는 열광적인 팬들의 영역이었지만, 80년대 말에는 비디오가 예술의 표현 방식을 풍부하게 할 수 있는 무수한 가능성을 숨기고 있다는 것이 분명해졌습니다. 현실과 환상이 너무나 복잡하게 얽혀 어떤 "새로운 현실"을 탄생시키는 놀랍고 매혹적인 이미지의 세계를 창조한 빌 비올라의 작품은 이러한 흐름에 중요한 역할을 했습니다. 이제 20세기에 비디오 아티스트 비올라와 파이크의 이름이 19세기에 모네와 반 고흐의 이름만큼이나 중요하다는 것은 누구나 알고 있습니다. 좋은 예술은 항상 사람에게 강한 영향을 미칩니다. 감정, 생각, 아이디어, 그리고 행동을 일깨워줍니다. 비디오 아트는 회화, 그래픽, 조각보다 더 강력한 기술적 영향력을 가지고 있습니다. 아마도 삶 그 자체만이 비디오 아트의 강렬한 영향력에 필적할 수 있을 것입니다. 모든 예술 가운데 가장 믿을 만한 이 예술을 울프 포스텔이 "현실로의 탈출"이라고 부른 것은 우연이 아닙니다.

기하학적 추상화

류보프 포포바 작곡, 1917

기하학적 추상(다른 이름으로는 콜드 추상, 논리적 추상, 지적인 추상주의)은 다양한 기하학적 모양, 색면, 직선과 파선을 결합하여 예술적 공간을 창조하는 것을 기반으로 하는 추상 예술의 한 운동입니다.

기하학적 추상은 폴 세잔과 입체파의 탐구에서 비롯되었는데, 이들은 "새로운 현실"을 추구하며 자연의 변형 경로를 따라간 최초의 인물들이었습니다. 이 추상은 여러 갈래로 나뉘었습니다. 러시아에서는 물리학의 최신 발견에 대한 독특한 반응으로 등장한 M. 라리오노프의 레이오니즘, 나중에 구성주의로 발전한 O. 로자노바, L. 포포바, V. 타틀린의 "비구상성", 비구상성을 "새로운 회화적 사실주의"로 여겼던 K. 말레비치의 초유성주의, 프랑스에서는 로베르 들로네의 오르피즘이 부분적으로 영향을 미쳤습니다. 그러나 기하학적 추상의 주요 대표자는 P. 몬드리안과 T. 판 되스뷔르흐가 이끄는 네덜란드의 "스타일"("데 스틸") 그룹으로, 신조형주의라는 개념을 제시했습니다. 신조형주의는 순수한 조형성의 예술로, 자연의 허상적 다양성을 정화하고 그 안에 숨겨진 원초적 체계를 드러내는 것이 그 과제였습니다.

미하일 라리오노프 목욕하는 사람들, 1909

기하학적 추상은 현대 건축, 디자인, 산업, 장식 및 응용 예술의 발전에 상당한 영향을 미쳤으며 끝까지 예술의 지배적인 경향으로 남았습니다.

제2차 세계 대전. 1950년대에는 "추상주의의 서정적 흐름"(타시즘, 추상 표현주의)이 부상했습니다.

올가 로자노바, 기차가 있는 작곡, 1911

그러나 1960년대에 미니멀리즘과 옵 아트가 예술계에 등장하면서 기하학적 추상은 두 번째 탄생을 맞이하게 되었습니다.

기하학적 추상화의 대가: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

하이퍼리얼리즘

리처드 에스테스. 스트리트

하이퍼리얼리즘(다른 이름: 초현실주의, 포토리얼리즘, 콜드 리얼리즘, 급진적 리얼리즘)은 1960년대 미국에서 시작하여 1970년대 유럽으로 퍼진 회화 및 조각 분야의 예술 운동입니다.

구상 예술의 한 형태인 극사실주의는 현실을 재현하는 데 있어 세심한 정밀함과 디테일을 기반으로 하며, 사진의 특성을 모방합니다. 극사실주의 작가들의 작품은 정교하게 복사된 사진을 큰 캔버스 크기로 확대한 것입니다.

돈 에디. 구형 모델 자동차

이 방향으로 작업하는 일부 작가들은 실제로 사진과 컬러 슬라이드를 작품의 기반으로 사용했습니다. 동시에 사진 이미지의 모든 특징을 그대로 보존하기 위해 작가들은 슬라이드 프로젝션, 글레이징, 붓 대신 에어브러시, 에멀전 코팅 등 기계적 복제 기법을 사용했습니다. 이러한 기술 사용은 우연이 아니었습니다. 기계적 본질을 강조하고, 창작 과정에서 인간의 존재를 배제함으로써 마치 작가 자신의 개인적 세계관을 방해하려는 듯했습니다. 아마도 이것이 극사실주의의 세계가 관객의 초현실과 동떨어져 생명력 없고 차갑게 느껴지는 이유일 것입니다.

랄프 고잉스. 여름날

극사실주의의 목표는 일상적인 현실을 묘사하는 것이며, 주요 주제는 현대 도시의 비인격적이고 기계화된 삶, 거칠고 조잡한 세상 속의 비인격적인 생활 체계입니다. 대상은 의도적으로 진부하며, 이미지는 단호하게 "객관적"입니다. 자동차, 주택, 식당, 주유소, 전화 부스, 광고판, 그리고 드물게는 "거리의 인물"이라 불리는 살아있는 사람들까지 등장하는데, 이들의 이미지는 아이러니한 색조를 띠거나 절망으로 가득 차 있습니다. 이 그림들은 현실의 이미지를 만들어내지만, 실제 현실은 아닙니다. 유리 가게의 진열창, 윤이 나는 자동차 차체, 윤이 나도록 닦인 화강암에 비친 현실의 다양성 속에서 그 모습이 반사됩니다. 작가가 정확하게 재현한 이러한 반사의 유희는 공간적 영역들이 서로 침투하는 듯한 인상, 즉 평면도의 복잡한 관계를 만들어내며, 보는 이를 혼란스럽게 하고 비현실적인 느낌을 불러일으킵니다.

초현실주의의 거장: 돈 에디, 리처드 에스테스, 척 클로즈, 랄프 고잉스, 맬컴 몰리, 멜 라모스, 오드리 플랙, 로버트 코팅엄, 벤 쇤차이트, J.D. 드 안드레아, 듀안 핸슨, 그레이엄 딘, 마이클 잉글리시, 마이클 레너드.