Ρεύματα στην τέχνη και τη ζωγραφική

ΑΦΗΡΗΜΕΝΟΣ ΕΞΠΡΕΣΙΟΝΙΣΜΟΣ

Τζ. Πόλοκ. Μόμπι Ντικ. 1943

Ένα κίνημα στην αφηρημένη τέχνη που εμφανίστηκε στις Ηνωμένες Πολιτείες τη δεκαετία του 1940 και εκπροσωπήθηκε κυρίως από το έργο καλλιτεχνών της Σχολής της Νέας Υόρκης. Ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός συνέχισε την «απελευθέρωση» της τέχνης από κάθε έλεγχο της λογικής και των λογικών νόμων, θέτοντας ως στόχο την αυθόρμητη έκφραση του εσωτερικού κόσμου του καλλιτέχνη, του υποσυνείδητού του σε χαοτικές, αφηρημένες μορφές και λαμβάνοντας ως κύρια δημιουργική αρχή την αυθόρμητη, αυτόματη εφαρμογή χρώματος στον καμβά, που λαμβάνει χώρα αποκλειστικά υπό την επίδραση ψυχικών και συναισθηματικών καταστάσεων...

F.Klein. Μαύρο σε πράσινο, κόκκινο και κίτρινο. 1948

Σε γρήγορο ρυθμό, οι καλλιτέχνες κάλυπταν την επιφάνεια του καμβά με μεγάλες, ενεργητικές πινελιές, συχνά χρησιμοποιώντας την τεχνική του στάλαγματος (πιτσίλισμα χρώματος ή στύψιμο για να βγει από έναν σωλήνα). Η διαδικασία δημιουργίας ενός πίνακα συχνά λάμβανε χώρα δημόσια: μια ολόκληρη παράσταση παιζόταν μπροστά στο κοινό, στην οποία οι χειρονομίες και οι κινήσεις του καλλιτέχνη έπαιζαν τόσο ενεργό ρόλο όσο οι ροές χρώματος που έπεφταν και χύνονταν στον καμβά.

Ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός κυριάρχησε στην αμερικανική κουλτούρα μέχρι τις αρχές της δεκαετίας του 1960, καθιστώντας τον εαυτό του ένα από τα πρώτα σοβαρά κινήματα στην αμερικανική ζωγραφική και επηρεάζοντας την ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης.

ΑΦΑΙΡΕΣΗ

Β. Καντίνσκι. Σύνθεση 8 1913.

Μία από τις κύριες καλλιτεχνικές τάσεις στην τέχνη του 20ού αιώνα, στην οποία η δομή του έργου βασίζεται αποκλειστικά σε τυπικά στοιχεία - γραμμές, χρωματικές κηλίδες, αφηρημένη διαμόρφωση. Τα αφηρημένα έργα είναι αποκομμένα από τις μορφές της ίδιας της ζωής: οι μη αντικειμενικές συνθέσεις ενσαρκώνουν τις υποκειμενικές εντυπώσεις και φαντασιώσεις του καλλιτέχνη, τη ροή της συνείδησής του, δημιουργούν ελεύθερους συνειρμούς, κινήσεις σκέψης και συναισθηματική ενσυναίσθηση.

Είναι αδύνατο να κατονομάσουμε ούτε την ακριβή εποχή εμφάνισης του αφαιρετικού σχεδιαστή ούτε τον ιδρυτή του. Οι αναγνωρισμένοι εμπνευστές του αφαιρετικού σχεδιαστή θεωρούνται οι καλλιτέχνες Βασίλι Καντίνσκι, Καζίμιρ Μαλέβιτς, Πιετ Μοντριάν, Φράντισεκ Κούπκα, Ρόμπερτ Ντελονέ, οι οποίοι σκιαγράφησαν τις κύριες διατάξεις αυτού του κινήματος στα θεωρητικά τους έργα και στις προγραμματικές τους δηλώσεις.

Φ. Λεζέρ Κορίτσι με ένα Λουλούδι. 1954

Ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός προήλθε ως μια στενή τάση στις καλές τέχνες. Στις αρχές της δεκαετίας του 1930, άρχισαν να εμφανίζονται ενώσεις αφηρημένων καλλιτεχνών («τέχνη από σκυρόδεμα» - 1930, «κύκλος και τετράγωνο» - 1930, και άλλοι), οι οποίοι συγκέντρωσαν καλλιτέχνες διαφορετικών εθνικοτήτων και τάσεων κάτω από τα λάβαρά τους. Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του 1930, το ενδιαφέρον για τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό είχε μειωθεί απότομα και αυτές οι ενώσεις διαλύθηκαν. Αναγεννήθηκε στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός εμφανίστηκε στις αρχές της δεκαετίας του 1940, λειτουργώντας με μη αντικειμενικές μορφές για την αυθόρμητη έκφραση του εσωτερικού κόσμου του καλλιτέχνη.

Η τελευταία δημοφιλής μορφή αφηρημένης τέχνης ήταν η ποπ αρτ, η οποία εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1960, μετά την οποία η αφηρημένη τέχνη ξεθώριασε στην αφάνεια.

ΠΡΩΤΟΠΟΡΙΑ

Π. Πικάσο, Τρεις Μουσικοί, 1921

Ένα σύνολο καινοτόμων, επαναστατικών τάσεων και κατευθύνσεων στην καλλιτεχνική κουλτούρα του 20ού αιώνα. Σε διαφορετικά ιστορικά στάδια, ο ρόλος της πρωτοπορίας έπαιξε διαδοχικές τάσεις: οι δεκαετίες του 1900-1910 ήταν η εποχή της εμφάνισης του Φωβισμού, του Κυβισμού, του Φουτουρισμού, του Εξπρεσιονισμού, του Ντανταϊσμού και της αφηρημένης τέχνης. στις δεκαετίες του 1920-1930, ο σουρεαλισμός ήρθε στο προσκήνιο. στη μεταπολεμική περίοδο, εμφανίστηκαν νέες τάσεις στον αφηρημένο χαρακτήρα: αφηρημένος εξπρεσιονισμός, ταχισμός, άτυπη τέχνη κ.λπ. οι δεκαετίες του 1960-1970 ήταν η μεταβατική εποχή από την «κλασική» πρωτοπορία στη νεο-πρωτοπορία ή μεταμοντερνισμό, με τα συστατικά της: ακτσιονισμός, ποπ αρτ, εννοιολογισμός, κινητική τέχνη και άλλες καλλιτεχνικές πρακτικές.

ΑΚΑΔΗΜΑΪΚΙΣΜΟΣ

Α. Καμπανέλ Φαίδρα. 1880

Μια τάση στις καλές τέχνες, η βάση για την ανάπτυξη της οποίας είναι οι ακαδημίες τέχνης. Η ιστορία της ανάπτυξης του ακαδημαϊσμού συνδέεται με την «Ακαδημία Όσων Έχουν Εισέλθει στο Σωστό Μονοπάτι» στη Μπολόνια (γύρω στο 1585), τη Γαλλική Βασιλική Ακαδημία Ζωγραφικής και Γλυπτικής (1648) και τη Ρωσική Ακαδημία των Τριών Ευγενέστερων Τεχνών (1757). Οι δραστηριότητες όλων των ιδρυμάτων βασίζονταν σε ένα αυστηρά ρυθμιζόμενο σύστημα εκπαίδευσης, προσανατολισμένο στα μεγάλα επιτεύγματα προηγούμενων εποχών - Αρχαιότητα και Ιταλική Αναγέννηση, από το οποίο επιλέχθηκαν συνειδητά οι μεμονωμένες ιδιότητες της κλασικής τέχνης, οι οποίες έγιναν δεκτές ως ιδανικές και αξεπέραστες.

Η πορεία του ακαδημαϊσμού στην τέχνη δεν σημαδεύτηκε από καμία μεγάλη ανακάλυψη ή επίτευγμα. Λόγω της τεχνητότητάς του («κατασκευασμένου») και του εκλεκτικισμού του, δεν αποτελεί καλλιτεχνικό ύφος.

A. Bouguereau Ανάπαυση κατά τη συγκομιδή. 1865

Ο ακαδημαϊσμός άκμασε τον 19ο αιώνα. Στη Γαλλία, αυτή η τάση συνδέεται με το έργο φημισμένων δασκάλων όπως ο Jean Auguste Dominique Ingres, ο Adolphe William Bouguereau, ο Alexandre Cabrnel, ο Paul Delaroche, ο Jean-Léon Gérôme, ο Paul Joseph Jamin, των οποίων τα έργα διακρίνονται για την απαράμιλλη μαεστρία τους στην εκτέλεση.

Η Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης γαλούχησε επίσης εντός των τειχών της έναν γαλαξία παγκοσμίου φήμης ακαδημαϊκών καλλιτεχνών: τον Καρλ Μπριουλόφ, τον Αλεξάντερ Ιβάνοφ, τον Χένρικ Σεμιράντσκι και τον Φιοντόρ Μπρούνι.

Α. Άλμα-Τάντεμα Η ανακάλυψη του Μωυσή. 1904

Στην εποχή μας, η έννοια του «ακαδημαϊσμού» έχει ξεπεράσει τα όρια ενός καλλιτεχνικού κινήματος: έχει αποκτήσει πρόσθετο νόημα και έχει εφαρμοστεί στα έργα καλλιτεχνών που διαθέτουν συστηματική καλλιτεχνική εκπαίδευση και κλασικές δεξιότητες στη δημιουργία έργων υψηλής τεχνικής δεξιοτεχνίας.

ΑΚΤΙΟΝΙΣΜΟΣ

Κρίστο και Χαν-Κλοντ. Πύλη αρ. 53 2006

Μια γενική ονομασία για μια σειρά από μορφές που εμφανίστηκαν στην πρωτοποριακή τέχνη τη δεκαετία του 1960.

Η επιθυμία να σβηστεί η γραμμή μεταξύ τέχνης και πραγματικότητας οδηγεί τους πρωτοποριακούς καλλιτέχνες στην αναζήτηση νέων τρόπων καλλιτεχνικής έκφρασης, διαφορετικών από τις παραδοσιακές (δηλαδή στατικές) μορφές, δίνοντας δυναμική στο έργο, εμπλέκοντάς το σε κάποια δράση (δράση). Η δράση (ή η τέχνη της δράσης) γίνεται μια γενική έννοια για τις καλλιτεχνικές πρακτικές στις οποίες η έμφαση μετατοπίζεται από το ίδιο το έργο στη διαδικασία της δημιουργίας του.

Κ. Όλντενμπουργκ. Γέφυρα κουταλιού που κρατάει ένα κεράσι. 1985

Η προέλευση του Ακτιονισμού θα πρέπει να αναζητηθεί στις παραστάσεις των Ντανταϊστών και των Σουρεαλιστών, στις δραστηριότητες των αφηρημένων καλλιτεχνών (ιδιαίτερα του Ντ. Πόλοκ), οι οποίοι δήλωσαν την αρχή της εκφραστικής γραφής - «ζωγραφική δράσης».

ΑΝΑΧΡΟΝΙΣΜΟΣ

K.M. Mariani Το χέρι καθοδηγούμενο από το μυαλό. 1983

Μία από τις τάσεις στη μεταμοντέρνα ζωγραφική, που προσφέρει μια ερμηνεία του συγγραφέα για την τέχνη του παρελθόντος. Έχοντας αναδυθεί ως αποτέλεσμα της απόρριψης του μοντερνισμού (δηλαδή της πρωτοποριακής τάσης στην τέχνη), ο μεταμοντερνισμός διακήρυξε ως στόχο του την επιστροφή στις παλιές μορφές, τις ιστορικές παραδόσεις και τα στυλ του προηγούμενου αιώνιου πολιτισμού. Αναζητώντας νέες μορφές, οι μεταμοντέρνοι καλλιτέχνες αναμειγνύουν καλλιτεχνικά στυλ από διαφορετικές εποχές και πολιτισμούς, δημιουργώντας σε αυτή τη βάση μια ατομική μυθολογία, συσχετισμένη με την προσωπική εμπειρία του συγγραφέα.

Ο αναχρονισμός εμφανίστηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1970 στην Ιταλία και αργότερα εξαπλώθηκε στη Γαλλία. Η σημαντικότερη πνευματική του πηγή ήταν το έργο του Τζόρτζιο Ντε Κίρικο, ο οποίος στράφηκε στην κλασική τέχνη τη δεκαετία του 1920 μετά την «μεταφυσική» του περίοδο. Οι αναχρονιστές ή «πολιτιστικοί καλλιτέχνες», όπως αυτοαποκαλούνται, εμπνέονται από τα έργα των δασκάλων της Αναγέννησης, του Μανιερισμού και του Μπαρόκ, τους οποίους παραφράζουν, παρωδούν, επιδιώκοντας να εντάξουν την κλασική παράδοση στο μωσαϊκό πλαίσιο της μεταμοντέρνας κουλτούρας.

ΑΝΑΛΥΤΙΚΗ ΤΕΧΝΗ

Π. Φιλόνοφ. Οικογένεια Αγροτών 1914

Η αναλυτική τέχνη είναι μια καλλιτεχνική μέθοδος που ανέπτυξε και τεκμηρίωσε ο Πάβελ Φιλόνοφ στα θεωρητικά του έργα («Κανόνας και Νόμος», 1912· «Φτιαγμένες Εικόνες», 1914· «Διακήρυξη της «Παγκόσμιας Άνθισης», 1923) και στη δική του ζωγραφική. Θεωρώντας τον κυβισμό ως φορέα της ορθολογιστικής αρχής, ο Φιλόνοφ τον αντιπαρέβαλε με την αρχή της οργανικής ανάπτυξης (όπως μεγαλώνει ένα δέντρο) της καλλιτεχνικής μορφής και την «φτιαγμένη» ποιότητα των πινάκων ζωγραφικής.

Τριπλή αυτοπροσωπογραφία του Π. Σάλτσμαν. 1932

Η αρχή της κατασκευασιμότητας είναι η κύρια θέση της Αναλυτικής Τέχνης. Ο καλλιτέχνης «χτίζει» την εικόνα του, όπως η φύση «δημιουργεί» μεγαλύτερους σχηματισμούς από άτομα και μόρια. Κατανοώντας «ότι σε οποιοδήποτε αντικείμενο δεν υπάρχουν δύο κατηγορήματα, μορφή και χρώμα, αλλά ένας ολόκληρος κόσμος ορατών και αόρατων φαινομένων, οι εκπορεύσεις, οι αντιδράσεις, οι εγκλείσεις, η γένεση, η ύπαρξη, οι γνωστές ή μυστικές ιδιότητές τους, οι οποίες με τη σειρά τους μερικές φορές έχουν αμέτρητα κατηγορήματα», ο Φιλόνοφ ήταν πεπεισμένος ότι όλη αυτή η ποικιλομορφία ιδιοτήτων μπορεί να εκφραστεί πλαστικά στη ζωγραφική.

Κατά τη δημιουργία ενός έργου, ο καλλιτέχνης πρέπει να βασίζεται όχι μόνο στο προφανές, το ορατό («μάτι που βλέπει»), αλλά και στο αόρατο («αέριο που γνωρίζει», καταγράφοντας κρυφές διαδικασίες) - τα εσωτερικά μοτίβα της δομής και της λειτουργίας του απεικονιζόμενου αντικειμένου. Ο καλλιτέχνης μετατρέπει το εσωτερικό του «όραμα» του αντικειμένου ή του φαινομένου σε γραφικές και εικονογραφικές κατασκευές βασισμένες στον «νόμο της οργανικής ανάπτυξης της μορφής», δανεισμένες από τη φύση (για να μιμηθούν όχι τις μορφές που δημιουργεί, αλλά τις μεθόδους με τις οποίες «ενεργεί») και σε αντίθεση με τον «κανόνα» (τεχνητά κατασκευασμένες μορφές).

Τατιάνα Γκλέμποβα Έγχρωμη έξοδος

Έχοντας κατανοήσει αυτόν τον νόμο, ο καλλιτέχνης είναι σε θέση να «φτιάξει» μια συγκεκριμένη εικόνα, τόσο οργανική που να έχει τη δυνατότητα αυτο-ανάπτυξης σαν να μην συμμετέχει ο ίδιος ο συγγραφέας σε αυτή τη διαδικασία (αναπτύσσεται και εξελίσσεται όπως όλα τα ζωντανά όντα στη φύση). Ο Π. Φιλόνοφ πίστευε ότι η τέχνη που δημιουργείται με τη μέθοδό του είναι η τέχνη του μέλλοντος, η οποία θα οδηγήσει στην «Παγκόσμια ακμή», καθώς βασίζεται στην αρμονική αλληλεπίδραση ανθρώπου και φύσης, σε μια σειρά επιστημονικών αρχών που απευθύνονται στη διάνοια του θεατή και την αναπτύσσουν («να είναι παράγοντας στην εξέλιξη της νοημοσύνης»). Δάσκαλοι Αναλυτικής Τέχνης: Πάβελ Φιλόνοφ, Τατιάνα Γκλέμποβα, Αλίσα Πόρετ, Μιχαήλ Τσιμπάσοφ, Σοφία Ζακλινόφσκαγια, Πάβελ Ζάλτσμαν, Πάβελ Κοντράτιεφ, Μπόρις Γκούρβιτς, Νικολάι Εβγκράφοφ, Βσέβολοντ Σουλίμο-Σαμουίγιο, Γιούρι Χρζανόφσκι

ΥΠΟΓΕΙΟΣ

Oscar Rabin, "Baths (Smell the Moscow Eau de Cologne)", 1966.

Υπόγειο (αγγλικά underground - underground, dungeon) - με στενή έννοια - οποιαδήποτε μη εμπορική, πειραματική τέχνη. με ευρεία έννοια - μια έννοια και φαινόμενο που προέκυψε στις Ηνωμένες Πολιτείες στα τέλη της δεκαετίας του 1950 και σημαίνει «υπόγεια» κουλτούρα ως αναπόσπαστο μέρος της λεγόμενης αντικουλτούρας, η οποία αντιτάχθηκε στους περιορισμούς και τις συμβάσεις που κυριαρχούσαν στην πολιτιστική κοινωνία. Υπόγεια τέχνη διαποτισμένη με το πνεύμα της διαφωνίας. Απορρίπτει και παραβιάζει τους πολιτικούς, ηθικούς και δεοντολογικούς προσανατολισμούς και τους τύπους συμπεριφοράς που είναι αποδεκτοί στην κοινωνία, εισάγοντας αντικοινωνική συμπεριφορά στην καθημερινή ζωή. Τυπικά θέματα του αμερικανικού και ευρωπαϊκού underground είναι η «σεξουαλική επανάσταση» και τα ναρκωτικά.

Λεβ Κροπίβνιτσκι

Κατά τη σοβιετική περίοδο, αυτή η έννοια απέκτησε ένα κάπως διαφορετικό νόημα και πιο πολιτικοποιημένες μορφές: εδώ, λόγω της αυστηρότητας του καθεστώτος, σχεδόν κάθε ανεπίσημη, δηλαδή μη αναγνωρισμένη από τις αρχές, τέχνη, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής και της λογοτεχνίας, αποδείχθηκε underground. Από τα μέσα της δεκαετίας του 1950 έως τα τέλη της δεκαετίας του 1980. Η «καλλιτεχνική αντιπολίτευση» εκπροσωπήθηκε από τις δραστηριότητες πολλών ενώσεων, μεταξύ των οποίων οι πιο διάσημες ήταν οι ομάδες «Lianozovskaya» (E. και L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin και άλλοι (από το 1956 έως τα μέσα της δεκαετίας του 1970)), «Sretensky Boulevard» (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster και άλλοι (από το 1960 έως τα μέσα της δεκαετίας του 1970)), «Collective Actions» (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko και άλλοι (από το 1975)), «Fly Agarics» (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko και άλλοι (από το 1978)). Το underground κίνημα ανέπτυξε τη δημιουργικότητα καλλιτεχνών που δεν συμμετείχαν σε καμία ένωση (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin), αλλά ήταν εκπρόσωποι της κοινωνικής τέχνης (E. Bulatov, V. Komar και A. Melamid) και άλλων πρωτοποριακών κινημάτων (Group of Avant-garde Artists, Champions of the World).

Πορτρέτο του Α. Ζβέρεφ 1969

Μετά την κατάρρευση του πολιτικού συστήματος της Σοβιετικής Ένωσης, και μαζί με αυτήν την άρση των περιορισμών και των απαγορεύσεων στην ελευθερία της καλλιτεχνικής δημιουργίας, το underground ως πολιτιστικό φαινόμενο κατέρρευσε. Δάσκαλοι του underground: Λεβ Κροπιβνίτσκι, Λιούμποφ Μαστέρκοβα, Όσκαρ Ράμπιν, Ιλία Καμπάκοφ, Ερνστ Νειζβέστι, Γιούρι Σομπολέφ, Γιούλο Σούστερ, Κίριλ Ζβεζντοτσέτοφ, Μιχαήλ Σεμιάκιν, Ανατόλι Ζβέρεφ, Βαντίμ Σιντούρ, Βιτάλι Κομάρ, Αλεξάντερ Μελαμίδ.

AR BRUT

Antoni Tapies Drawing - 4. Series Berlin Drawings.

Η Art brut (γαλλικά: Art brut – τραχιά, ακατέργαστη τέχνη) είναι ένα κίνημα στην ευρωπαϊκή τέχνη των μέσων του 20ού αιώνα, ιδρυτής και ηγέτης του οποίου ήταν ο Γάλλος καλλιτέχνης Jean Dubuffet, ο οποίος ανέπτυξε την έννοια της καθαρής τέχνης, της τέχνης που απορρίπτει την ομορφιά και την αρμονία. Κάθε άνθρωπος είναι καλλιτέχνης. Για έναν άνθρωπο, το σχέδιο είναι τόσο φυσικό όσο η ομιλία ή το περπάτημα. Χωρίς να επιβαρύνεται από τις παραδόσεις και τη γνώση ενός «ασφυκτικού πολιτισμού», δημιουργεί ενστικτωδώς και άμεσα.

Τζαζ μπάντα J. Dubuffet, 1955

Σύμφωνα με τον Dubuffet, το Art Brut είναι η δημιουργικότητα στην πιο αγνή της μορφή: μια αυθόρμητη νοητική έκρηξη από τα βάθη του νου και της συνείδησης, αποτυπωμένη σε χαρτί ή ενσωματωμένη σε υλικό. Στρέφεται στην τέχνη των ψυχικά ασθενών, ανθρώπων απομονωμένων από την κοινωνία, θεωρώντας μόνο αυτούς αληθινούς καλλιτέχνες, που διαθέτουν εκείνη την υποκειμενικότητα που δίνει σε ένα άτομο μια γνήσια ατομικότητα.

Αρχικά, ο Dubuffet αντέγραψε το στυλ τους στα έργα του, δημιουργώντας σκόπιμα πρωτόγονες, «βάρβαρες» μορφές και εικόνες, εικονιστικές και αφηρημένες, που εντυπωσιάζουν με απροσδόκητες χρωματικές λύσεις και έναν φαινομενικά αδέξιο τρόπο γραφής. Και το 1948, μαζί με τον σουρεαλιστή συγγραφέα André Breton και τον Ισπανό καλλιτέχνη Antoni Tapies, ίδρυσε την «Εταιρεία Brute Art» στο Παρίσι, με σκοπό τη διατήρηση και τη μελέτη της τέχνης των περιθωριοποιημένων. Η συλλογή που συλλέχθηκε, που αριθμούσε περίπου 5.000 σχέδια, πίνακες ζωγραφικής, αντικείμενα και γλυπτά, αποτέλεσε τη βάση του Μουσείου Τέχνης Brut, που ιδρύθηκε το 1976 στη Λωζάνη (Ελβετία).

J. Dubuffet Self-Portrait, 1958

Στη σύγχρονη τέχνη, η έννοια της «art brut» περιλαμβάνει το έργο ανθρώπων που υπάρχουν εκτός κοινωνίας - ψυχικά ασθενείς, άτομα με αναπηρία, κάθε είδους περιθωριοποιημένους ανθρώπους, καθώς και τα έργα του J. Dubuffet, εμπνευσμένα από αυτά τα παραδείγματα. Η art brut είναι μέρος ενός ευρύτερου κινήματος - της «Outsider art» (outsider art), το οποίο έχει γίνει ένα σοβαρό κίνημα στην παγκόσμια καλλιτεχνική διαδικασία την τελευταία δεκαετία. Από πολλές απόψεις, αυτό οφείλεται στον ριζοσπαστικό και μαχητικό διανοούμενο Jean Dubuffet, ο οποίος κοίταξε τον κόσμο με έναν νέο τρόπο. Δάσκαλοι της Art Brut: Jean Dubuffet, Antoni Tapies, Adolf Wölfli, Henry Danger, Morton Bartlett, Rosemarie Kochi, Paul Humphrey. Eugene von Brunchenhain.

ARTE POVERA

Μάριο Μερζ, έργο «Η καλύβα της Πέτρας», 1982

Η Arte Povera (ιταλικά: Arte povera – φτωχή τέχνη) είναι ένα πρωτοποριακό κίνημα που εμφανίστηκε στην ιταλική τέχνη στα τέλη της δεκαετίας του 1960 – αρχές της δεκαετίας του 1970 και διαδόθηκε σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Βασιζόταν στη δημιουργία εγκαταστάσεων από βιομηχανικά και φυσικά αντικείμενα, με προτίμηση στα απλούστερα, «φτωχότερα» υλικά (όπως χώμα, άμμος, άνθρακας, σκουπίδια, βασικά είδη οικιακής χρήσης, παλιά φθαρμένα ρούχα και παπούτσια κ.λπ.).

Μάριο Μερζ χωρίς τίτλο

Το κίνημα Arte Povera προέκυψε ως απάντηση στον αυξημένο διανοουμενισμό και ορθολογισμό του μινιμαλισμού και του εννοιολογισμού, με τα ακριβά υλικά και τις τεχνολογίες τους για την παραγωγή αντικειμένων τέχνης. Οι καλλιτέχνες της Arte Povera, δημιουργώντας τα έργα τους, στράφηκαν στον «κόσμο των απλών πραγμάτων» που περιβάλλουν στιγμιαία ένα άτομο και επιδίωξαν να αποκαλύψουν την ιδιαίτερη ποιητική του συνηθισμένου, παίζοντας με τις αντιθέσεις - αποσπώντας τα πράγματα από το συνηθισμένο τους πλαίσιο και τοποθετώντας τα σε μια διαφορετική πραγματικότητα, την πραγματικότητα των πολυτελών αιθουσών των παλατιών και των μουσειακών χώρων.

Τίτλος Λ. Φοντάνα

Ιδιαίτερη προσοχή δόθηκε στην ετερογένεια των αντικειμένων (γύψινα εκμαγεία κεφαλών από παλαιά αγάλματα και σακούλες με καυστήρες άνθρακα ή αερίου), βραχύβια υλικά που αλλάζουν υπό την επίδραση της ατμόσφαιρας ή λόγω των χημικών και φυσικών τους ιδιοτήτων (όπως κερί, σφουγγάρι, καουτσούκ κ.λπ.). Αυτό έδωσε στα έργα της Arte Povera έναν ορισμένο καλλιτεχνικό συμβολισμό που δεν προσφέρεται για μονοσήμαντη ερμηνεία. Η τέχνη, που μας περιβάλλει παντού, είναι φευγαλέα και άπιαστη, σαν μια στιγμή ζωής. Είναι εφήμερη. Και επομένως άχρηστη, αλλά αυτή είναι η ομορφιά της.

Masters of Arte Povera: Mario Merz, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Giovanni Anselmo, Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Pino Pascali, Alighiero Boetti, Mario Ceroli, Luciano Febri, Giuseppe Penoni, Michelangelo Pistoletto

ΜΠΑΡΟΚ

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. Γκαλερί Ουφίτσι. Φλωρεντία. Ιταλία

Το μπαρόκ είναι ένα από τα σπουδαία στυλ που κυριάρχησε στην αρχιτεκτονική και την τέχνη των ευρωπαϊκών χωρών από τα τέλη του 16ου έως τα μέσα του 18ου αιώνα.

Η γενέτειρα του Μπαρόκ (ιταλικά: barocco - αλλόκοτος, παράξενος) είναι η Ιταλία, όπου η καθιέρωση του νέου στυλ σήμαινε το τέλος της Αναγέννησης με την αρμονική κοσμοθεωρία της, την πίστη στις απεριόριστες δυνατότητες του ανθρώπινου νου και την τάξη της παγκόσμιας ύπαρξης.

Τα κύρια χαρακτηριστικά του μπαρόκ ήταν η κλίμακα, η αφθονία της διακόσμησης, η θυελλώδης δυναμική, η επιδίωξη ψευδαισθήσεων στην οργάνωση του εσωτερικού χώρου - η αύξηση του μεγέθους των δωματίων με τη βοήθεια καθρεφτών, το ύψος των αιθουσών χάρη στα γραφικά αμπαζούρ με μια σύνθετη λύση στην προοπτική.

Όλα αυτά αντιστοιχούσαν σε μια νέα εικόνα του σύμπαντος - ευμετάβλητη, συγκρουσιακή, όπου το ετοιμοθάνατο και το αναδυόμενο βρίσκονται σε συνεχή αντιπαράθεση, και ο άνθρωπος με τα πάθη του, τον συγκεχυμένο, πολύπλοκο εσωτερικό του κόσμο συχνά βρίσκεται στο έλεος παράλογων δυνάμεων.

Simon Vouet, Η Αγία Καικιλία με έναν Άγγελο. Πρώτο μισό του 17ου αιώνα. Ουγγρικό Μουσείο Καλών Τεχνών. Βουδαπέστη. Ουγγαρία

Δεν είναι τυχαίο ότι το Μπαρόκ απομακρύνεται από τη σαφήνεια και την απλότητα, προτιμώντας μια κομψή καμπύλη από τη γεωμετρική αυστηρότητα και την ευθεία γραμμή· μια δίνη από μια οργανωμένη κίνηση· λαμπερούς χρυσούς τόνους που αλλάζουν υπό την επίδραση του φωτός και της σκιάς, ή φωτεινούς, εορταστικούς, απροσδόκητα δυσαρμονικούς στον νικηφόρο ήχο τους σε τοπικό χρώμα.

Το μπαρόκ εντυπωσιάζει με τους εντυπωσιακούς εσωτερικούς χώρους του, που θυμίζουν θεατρικά σκηνικά, τον αντιθετικό συνδυασμό υλικών και υφών που χρησιμοποιούνται για τη διακόσμησή τους, και μερικές φορές την συγκλονιστική συμπερίληψη «πραγματικών» λεπτομερειών σε έργα τέχνης, όπως πραγματικά δόντια και μαλλιά σε γυναικεία αγάλματα.

Το μπαρόκ στυλ δημιούργησε ένα μοναδικό σύνολο, μια σύνθεση αρχιτεκτονικής, μνημειακών και διακοσμητικών τεχνών που ήταν μοναδική σε αυτό.

Σε κάθε ευρωπαϊκή χώρα, το μπαρόκ έχει τις δικές του ιδιαιτερότητες διατηρώντας παράλληλα τα κύρια χαρακτηριστικά του στυλ. Έτσι, στην πατρίδα του, την Ιταλία, αυτό το στυλ υλοποιήθηκε πιο έντονα και νωρίτερα χρονικά από ό,τι, για παράδειγμα, στη Γαλλία, όπου ο πρωταγωνιστικός ρόλος τον 17ο αιώνα ανήκε στον κλασικισμό.

Στη Ρωσία, η ανάπτυξη του μπαρόκ πέφτει στο πρώτο μισό και στα μέσα του 18ου αιώνα. Απαλλαγμένη από την μυστικιστική εξύψωση που χαρακτηρίζει αυτό το στυλ στις καθολικές χώρες, η μπαρόκ τέχνη στη Ρωσία δοξάζει την ενισχυόμενη αυταρχική εξουσία.

Στο πρώτο μισό του 18ου αιώνα, το μπαρόκ παντού εξελίχθηκε προς τη χαριτωμένη ελαφρότητα του ροκοκό στυλ, συνυπήρχε και συνυφάνθηκε με αυτό, και από τη δεκαετία του 1760 αντικαταστάθηκε από τον κλασικισμό.

ΜΠΑΟΥΧΑΟΥΣ

Αρχαίος Ήχος, Αφηρημένο σε Μαύρο από τον Paul Klee 1925

Μπάουχαους (γερμανικά: Bauhaus – «οίκος των κατασκευών»), Ανώτερη Σχολή Κατασκευών και Καλλιτεχνικού Σχεδιασμού, που ιδρύθηκε από τον Γερμανό αρχιτέκτονα Β. Γκρόπιους στη Βαϊμάρη το 1919.

Σύμφωνα με την ιδέα του συγγραφέα, το Bauhaus κλήθηκε να ενώσει την «αποκλίνουσα» τέχνη, τη χειροτεχνία και την τεχνολογία σε μια «ενιαία καλλιτεχνική παραγωγή», να τις συνδέσει με τη μορφή μεσαιωνικών οικοδομικών συντεχνιών, αλλά σε μια νέα επιστημονική και τεχνική βάση. Αρχικά, όλοι οι μαθητές παρακολούθησαν ένα 6μηνο προκαταρκτικό εκπαιδευτικό πρόγραμμα, όπου μελέτησαν τις ιδιότητες των υλικών και τα βασικά των χειροτεχνιών, καθώς και τη θεωρία της φόρμας και του σχεδίου. Στη συνέχεια, τους επετράπη να εργαστούν σε εργαστήρια: δημιουργικά και παραγωγικά, όπου η έμφαση δινόταν στην πρακτική του μαθήματος. Ανάλογα με τις κλίσεις των μαθητών, εκπαιδεύτηκαν για να γίνουν αρχιτέκτονες, καλλιτέχνες-σχεδιαστές, φωτογράφοι, σχεδιαστές.

Paul Klee: Ανάλυση Klee για Διάφορες Διαστροφές, 1922, Συλλογή

Ο V. Gropius έδωσε ιδιαίτερη προσοχή στην επιλογή των δασκάλων που συμμερίζονταν τις πεποιθήσεις του: σε διαφορετικά χρόνια, οι καλλιτέχνες V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, οι σχεδιαστές L. Moholy-Nagy και J. Itten εργάστηκαν εδώ.

Η ακμή του Μπάουχαους συνδέεται με την περίοδο της Βαϊμάρης, η οποία χαρακτηρίζεται από την επιρροή του νεορομαντισμού. Το 1925, το Μπάουχαους μετακόμισε στο Ντεσάου και στεγάστηκε σε ένα κτίριο που σχεδίασε ο Β. Γκρόπιους, το οποίο θεωρείται ένα από τα αριστουργήματα της λειτουργιστικής αρχιτεκτονικής. Η περίοδος στο Ντεσάου χαρακτηρίζεται από την ενίσχυση των τεχνικο-ωφελιμιστικών τάσεων, τη διαμόρφωση του στυλ Μπάουχαους, που χαρακτηρίζεται από τη σαφήνεια των μορφών, τον μινιμαλισμό των μέσων, τον τυποποιημένο σχεδιασμό και τη βελτίωση των βιομηχανικών μεθόδων και υλικών.

Βασίλι Καντίνσκι, Ο Άγιος Γεώργιος και ο Δράκος (1914-15).

Το 1928, ο Ελβετός αρχιτέκτονας Χ. Μάγιερ ανέλαβε διευθυντής. Ωστόσο, οι καινοτομίες που εισήγαγε (η μελέτη των κοινωνικών επιστημών) προκάλεσαν δυσαρέσκεια μεταξύ των εκπαιδευτικών και των μαθητών και το 1930, επικεφαλής του Μπάουχαους ήταν ο Γερμανός αρχιτέκτονας Λ. Μις βαν ντερ Ρόε, ο οποίος παρέμεινε διευθυντής μέχρι το κλείσιμο αυτού του εκπαιδευτικού ιδρύματος από τους Ναζί το 1933.

Βασίλι Καντίνσκι. Πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα χωρίς τίτλο. 1910-1913

Ωστόσο, οι αρχές και οι μέθοδοι διδασκαλίας του Μπάουχαους υιοθετήθηκαν και σε άλλες χώρες, και οι ιδέες του είχαν βαθύ αντίκτυπο στην ανάπτυξη των εφαρμοσμένων και καλών τεχνών (από τα γραφικά βιβλίων και τη διαφήμιση έως τα έπιπλα και τα είδη οικιακής χρήσης).

Bauhaus Masters: Walter Gropius, Ludwig Miess van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Laszlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Gerhard Marcks, Marcel Breuer, Max Bill, Johannes Itten, Hersbert Bayer.

ΒΕΡΙΣΜΟΣ

Ντ. Φατόρι. Στην ακτή. 1893

Ο βερισμός (ιταλικό verismo από το vero - αληθινός, αληθινός) είναι ένα κίνημα στην ιταλική καλλιτεχνική κουλτούρα του τελευταίου τρίτου του 19ου αιώνα, το οποίο αρχικά προέκυψε στη λογοτεχνία και τη μουσική και στη συνέχεια εξαπλώθηκε στις καλές τέχνες.

Οι αρχές του βερισμού διαμορφώθηκαν κυρίως υπό την επίδραση του γαλλικού νατουραλισμού. Βασισμένοι στα έργα των E. Zola, G. Flaubert και G. de Maupassant, οι βεριστές έθεσαν ως κύρια καθήκοντα του έργου τους την αντικειμενικότητα και μια επιστημονική προσέγγιση στη μελέτη των γεγονότων (από την άποψη του θετικισμού) στην απεικόνιση των πραγματικοτήτων της ζωής στη σύγχρονη ιταλική κοινωνία, της ζωής και της ψυχολογίας των απλών ανθρώπων. Η εθνική πρωτοτυπία αυτού του κινήματος εκδηλώθηκε με βαθιά συμπάθεια για τους καταπιεσμένους εργαζόμενους, των οποίων η ζωή (κυρίως η αγροτιά και οι φτωχοί των επαρχιών) ήταν το κύριο περιεχόμενο των μυθιστορημάτων και των διηγημάτων των θεωρητικών του βερισμού - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, όπερες των P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini.

S. Lega Ιταλός Barsaglieri κορυφαίοι Αυστριακούς κρατούμενους, 1861

Στις εικαστικές τέχνες, οι άμεσοι προκάτοχοι των βεριστών ήταν οι καλλιτέχνες της φλωρεντινής σχολής "Macchiaioli", οι οποίοι στράφηκαν στο έργο τους στα θέματα του εθνικοαπελευθερωτικού αγώνα του ιταλικού λαού, της αστικής και αγροτικής ζωής. Στη ζωγραφική, ο βερισμός εκπροσωπήθηκε κυρίως από Ναπολιτάνους δασκάλους που ανέπτυξαν κοινωνικά κρίσιμες τάσεις στην τέχνη (ο αγώνας της εργατικής τάξης για τα δικαιώματά της, η δύσκολη αγροτική ζωή) και δημιούργησαν μια ολόκληρη γκαλερί εικόνων εξαιρετικών μορφών της ιταλικής ιστορίας και πολιτισμού.

Ωστόσο, οι βεριστές δεν έβλεπαν μια κοινωνική δυνατότητα εξάλειψης της κοινωνικής αδικίας. Το έργο τους κυριαρχούνταν από διαθέσεις απαισιοδοξίας και καταστροφής, μια παθητική-φυσιοκρατική αντίληψη της πραγματικότητας (στη λογοτεχνία και τη ζωγραφική) ή μελόδραμα, επιφανειακή εικονογράφηση, υπερβολική συναισθηματικότητα (στη μουσική). Αν και ο βερισμός δεν έγινε ευρέως διαδεδομένος στις καλές τέχνες της Ιταλίας, έπαιξε ωστόσο σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη ρεαλιστικών τάσεων στην παγκόσμια καλλιτεχνική διαδικασία.

Masters of Verismo: Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Vincenzo Vela, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestro Lega.

ΒΙΝΤΕΟΤΕΧΝΗ

Οικογένεια Ρομπότ Nam June Paik, 1976

Η βιντεοτέχνη είναι ένα κίνημα στις εικαστικές τέχνες του τελευταίου τρίτου του 20ού αιώνα που χρησιμοποιεί τις δυνατότητες της τεχνολογίας βίντεο. Σε αντίθεση με την ίδια την τηλεόραση, η οποία προορίζεται για μετάδοση σε ένα μαζικό κοινό, η βιντεοτέχνη χρησιμοποιεί τηλεοπτικούς δέκτες, βιντεοκάμερες και οθόνες σε μοναδικά δρώμενα, και παράγει επίσης πειραματικές ταινίες στο πνεύμα της εννοιολογικής τέχνης, οι οποίες προβάλλονται σε ειδικούς εκθεσιακούς χώρους. Με τη βοήθεια των σύγχρονων ηλεκτρονικών, δείχνει, ας πούμε, τον «εγκέφαλο σε δράση» - μια οπτική διαδρομή από μια καλλιτεχνική ιδέα στην ενσάρκωσή της. Ο κύριος ιδρυτής της βιντεοτέχνης είναι ο Αμερικανός κορεατικής καταγωγής Nam June Paik. Η τέχνη που χρησιμοποιεί την τηλεοπτική τεχνολογία - η βιντεοτέχνη - προέκυψε ακριβώς από μια διαμαρτυρία κατά της κυριαρχίας της μαζικής κουλτούρας, η υψηλότερη ενσάρκωση της οποίας θεωρείται η τηλεοπτική μετάδοση. Οι «πατέρες» της βιντεοτέχνης, Nam June Paik και Wolf Vostell, ο καθένας με τον δικό του τρόπο κορόιδευαν τους αξιοσέβαστους πολίτες που κάθονται κάθε βράδυ για να χαλαρώσουν μπροστά στην τηλεόραση.

Τη δεκαετία του '60, ο Wolf Vostell διοργάνωνε εκδηλώσεις όπου οι τηλεοράσεις πετιούνταν με κέικ κρέμας, δένονταν με συρματοπλέγματα, θάβονταν τελετουργικά, ακόμη και πυροβολούνταν με πολυβόλα. Ο Nam Jun Paik, μουσικός στην εκπαίδευση, έπαιζε πιο διακριτικά. Έχοντας ξεκινήσει με πειράματα στην «μουσική οπτικοποίηση», προχώρησε στη δημιουργία ομοιωμάτων ζωντανών όντων με κεφάλια, χέρια και σώματα από οθόνες διαφορετικών μεγεθών και αντίστοιχες εικόνες, αποκαλώντας τα «Μαμά», «Μπαμπά», «Παιδί», «Θεία», «Θείο» κ.λπ.

Νέο Έργο του Ναμ Τζουν Πάικ, 1983

Έχοντας εμφανιστεί τη δεκαετία του '60, όταν δεν υπήρχαν ακόμη βιντεοκάμερες, η βιντεοτέχνη θεωρείται μια νέα μορφή τέχνης. Όπως πάντα, στην αρχή ήταν το βασίλειο των μοναχικών ενθουσιωδών, αλλά μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του '80 έγινε σαφές ότι το βίντεο κρύβει αμέτρητες ευκαιρίες για τον εμπλουτισμό των εκφραστικών μέσων της τέχνης. Τα έργα του Bill Viola, ο οποίος δημιούργησε έναν ολόκληρο κόσμο από εκπληκτικές και συναρπαστικές εικόνες στις οποίες η πραγματικότητα και η φαντασία είναι τόσο περίπλοκα συνυφασμένες που μια συγκεκριμένη «νέα πραγματικότητα» γεννιέται από αυτές, έπαιξαν σημαντικό ρόλο σε αυτό. Τώρα είναι σαφές σε όλους ότι για τον εικοστό αιώνα τα ονόματα των βιντεοκαλλιτεχνών Viola και Pike είναι τόσο σημαντικά όσο τα ονόματα του Monet και του Van Gogh για τον δέκατο ένατο αιώνα. Η καλή τέχνη έχει πάντα ισχυρό αντίκτυπο σε ένα άτομο - ξυπνά συναισθήματα, σκέψεις, ιδέες και πράξεις σε αυτόν. Η βιντεοτέχνη έχει τεχνικά μέσα επιρροής που είναι ισχυρότερα από τη ζωγραφική, τα γραφικά και τη γλυπτική. Ίσως μόνο η ίδια η ζωή μπορεί να ανταγωνιστεί τη βιντεοτέχνη στην ένταση της επίδρασής της. Δεν είναι τυχαίο ότι αυτή η πιο πιστευτή από όλες τις τέχνες ονομάστηκε «απόδραση στην πραγματικότητα» από τον Wolf Vostell.

ΓΕΩΜΕΤΡΙΚΗ ΑΦΑΙΡΕΣΗ

Σύνθεση Lyubov Popova, 1917

Η γεωμετρική αφαίρεση (άλλα ονόματα είναι ψυχρή αφαίρεση, λογική, διανοητική αφαίρεση) είναι ένα κίνημα στην αφηρημένη τέχνη που βασίζεται στη δημιουργία καλλιτεχνικού χώρου συνδυάζοντας διάφορα γεωμετρικά σχήματα, χρωματιστά επίπεδα, ευθείες και διακεκομμένες γραμμές.

Η γεωμετρική αφαίρεση προέκυψε από τις αναζητήσεις του Paul Cezanne και των Κυβιστών, οι οποίοι ήταν οι πρώτοι που ακολούθησαν την πορεία της παραμόρφωσης της φύσης αναζητώντας μια «νέα πραγματικότητα». Είχε διάφορους κλάδους. Στη Ρωσία, ήταν ο Ραγιονισμός του M. Larionov, ο οποίος προέκυψε ως μια ιδιόμορφη αντίδραση στις τελευταίες ανακαλύψεις στη φυσική· η «μη αντικειμενικότητα» των O. Rozanova, L. Popova και V. Tatlin, η οποία αργότερα εξελίχθηκε σε κονστρουκτιβισμό· ο υπερματισμός του K. Malevich, στον οποίο η μη αντικειμενικότητα θεωρήθηκε «νέος εικονογραφικός ρεαλισμός»· στη Γαλλία, εν μέρει ο Ορφισμός του Robert Delaunay· αλλά ο κύριος εκπρόσωπός της ήταν η ολλανδική ομάδα «Στυλ» («De Stijl»), με επικεφαλής τους P. Mondrian και T. Van Doesburg, η οποία πρότεινε την έννοια του νεοπλαστικισμού - της τέχνης της καθαρής πλαστικότητας, το καθήκον της οποίας ήταν να καθαρίσει τη φύση από την απατηλή ποικιλομορφία και να αποκαλύψει το πρωταρχικό σχήμα που κρύβεται σε αυτήν.

Μιχαήλ Λαριόνοφ Λουόμενοι, 1909

Η γεωμετρική αφαίρεση, έχοντας ασκήσει σημαντική επιρροή στην ανάπτυξη της μοντέρνας αρχιτεκτονικής, του design, των βιομηχανικών, των διακοσμητικών και των εφαρμοσμένων τεχνών, παρέμεινε η κυρίαρχη τάση στην τέχνη μέχρι το τέλος.

Β' Παγκόσμιος Πόλεμος. Τη δεκαετία του 1950, τα «λυρικά ρεύματα του αφηρημένου εξπρεσιονισμού» (ταχισμός, αφηρημένος εξπρεσιονισμός) ήρθαν στο προσκήνιο.

Όλγα Ροζάνοβα Σύνθεση με τρένο, 1911

Ωστόσο, τη δεκαετία του 1960, με την εμφάνιση του μινιμαλισμού και της op art στην καλλιτεχνική σκηνή, η γεωμετρική αφαίρεση έλαβε μια δεύτερη γέννηση.

Δάσκαλοι της γεωμετρικής αφαίρεσης: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

ΥΠΕΡΡΕΑΛΙΣΜΟΣ

Οδός Ρίτσαρντ Έστες

Ο υπερρεαλισμός (άλλες ονομασίες: υπερρεαλισμός, φωτορεαλισμός, ψυχρός ρεαλισμός, ριζοσπαστικός ρεαλισμός) είναι ένα καλλιτεχνικό κίνημα στη ζωγραφική και τη γλυπτική που εμφανίστηκε στις Ηνωμένες Πολιτείες τη δεκαετία του 1960 και εξαπλώθηκε στην Ευρώπη τη δεκαετία του 1970.

Ως μορφή παραστατικής τέχνης, ο υπερρεαλισμός βασίζεται στην σχολαστική ακρίβεια και λεπτομέρεια στην αναπαραγωγή της πραγματικότητας, μιμούμενος τις ιδιαιτερότητες της φωτογραφίας. Τα έργα των υπερρεαλιστών είναι σχολαστικά αντιγραμμένες φωτογραφίες, μεγεθυμένες στο μέγεθος ενός μεγάλου καμβά.

Ντον Έντι. Παλιά Μοντέλα Αυτοκινήτων

Μερικοί καλλιτέχνες που εργάζονταν προς αυτή την κατεύθυνση χρησιμοποίησαν φωτογραφίες και έγχρωμες διαφάνειες ως βάση για τα έργα τους. Ταυτόχρονα, διατηρήθηκαν όλα τα χαρακτηριστικά της φωτογραφικής εικόνας, για τα οποία οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν τεχνικές μηχανικής αντιγραφής: προβολή διαφανειών, υάλωση, αερογράφο αντί για πινέλο, επίστρωση με γαλάκτωμα κ.λπ. Η χρήση τέτοιων τεχνολογιών δεν ήταν τυχαία: τόνιζε τη μηχανική φύση, εξάλειφε την ανθρώπινη παρουσία από τη διαδικασία της δημιουργίας, σαν να προσπαθούσε να εμποδίσει το προσωπικό όραμα του καλλιτέχνη για τον κόσμο. Ίσως γι' αυτό ο κόσμος του υπερρεαλισμού φαίνεται άψυχος, ψυχρός και αποκομμένος από τον θεατή ως υπερπραγματικότητα.

Ραλφ Γκόινγκς. Καλοκαιρινή μέρα

Στόχος του υπερρεαλισμού είναι η απεικόνιση της καθημερινής πραγματικότητας, και τα κύρια θέματα είναι η απρόσωπη μηχανοποιημένη ζωή της σύγχρονης πόλης, το απρόσωπο σύστημα διαβίωσης σε έναν σκληρό και ακατέργαστο κόσμο. Τα θέματά του είναι σκόπιμα κοινότοπα, και οι εικόνες του είναι εμφατικά «αντικειμενικές». Αυτοκίνητα, κτίρια κατοικιών, εστιατόρια, βενζινάδικα, τηλεφωνικοί θάλαμοι, πινακίδες και, σπάνια, ζωντανοί άνθρωποι - «χαρακτήρες από τον δρόμο», οι εικόνες των οποίων έχουν μια ειρωνική απόχρωση ή είναι γεμάτες απελπισία. Οι πίνακες δημιουργούν μια εικόνα της πραγματικότητας, αλλά όχι την πραγματική, αλλά αντανακλάται στην πολλαπλότητά της στις γυάλινες βιτρίνες, στα γυαλισμένα αμαξώματα των αυτοκινήτων, στον γυαλισμένο γρανίτη. Το παιχνίδι αυτών των αντανακλάσεων, που αναπαράγεται με ακρίβεια από τον καλλιτέχνη, δημιουργεί την εντύπωση της αλληλοδιείσδυσης των χωρικών ζωνών, μιας περίπλοκης σχέσης σχεδίων, που αποπροσανατολίζει τον θεατή, δημιουργώντας ένα αίσθημα μη πραγματικότητας.

Δάσκαλοι του υπερρεαλισμού: Ντον Έντι, Ρίτσαρντ Έστες, Τσακ Κλόουζ, Ραλφ Γκόινγκς, Μάλκολμ Μόρλεϊ, Μελ Ράμος, Όντρεϊ Φλακ, Ρόμπερτ Κότινγχαμ, Μπεν Σέντζαϊτ, Τζ. Ντ. ντε Άντρεα, Ντουέιν Χάνσον, Γκράχαμ Ντιν, Μάικλ Ίνγκλις, Μάικλ Λέοναρντ.