กระแสในงานศิลปะและจิตรกรรม

การแสดงออกเชิงนามธรรม

เจ. พอลล็อค โมบี้ ดิก 1943

กระแสศิลปะนามธรรมที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1940 และเป็นตัวแทนโดยผลงานของศิลปินจากกลุ่มนิวยอร์กเป็นหลัก ลัทธิสำแดงนามธรรมยังคง "ปลดปล่อย" ศิลปะจากการควบคุมของเหตุผลและกฎเกณฑ์ทางตรรกะ โดยตั้งเป้าหมายไว้ที่การแสดงออกอย่างเป็นธรรมชาติของโลกภายในของศิลปิน จิตใต้สำนึกของเขาในรูปแบบนามธรรมที่สับสนวุ่นวาย และยึดเอาการลงสีบนผืนผ้าใบอย่างเป็นธรรมชาติและอัตโนมัติ ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของสภาวะทางจิตใจและอารมณ์เท่านั้นเป็นหลักการสร้างสรรค์หลัก

F.Klein สีดำบนสีเขียว แดง และเหลือง ปี 1948

ศิลปินใช้จังหวะที่รวดเร็วในการลงสีบนผืนผ้าใบด้วยฝีแปรงขนาดใหญ่และทรงพลัง โดยมักใช้เทคนิคการหยดสี (การกระเซ็นสีหรือบีบสีออกจากหลอด) กระบวนการสร้างสรรค์ภาพวาดมักเกิดขึ้นในที่สาธารณะ โดยมีการแสดงทั้งหมดต่อหน้าผู้ชม โดยท่าทางและการเคลื่อนไหวของศิลปินมีบทบาทสำคัญเช่นเดียวกับกระแสสีที่ตกลงมาและกระจายไปบนผืนผ้าใบ

การแสดงออกเชิงนามธรรมครอบงำวัฒนธรรมอเมริกันจนถึงต้นทศวรรษ 1960 โดยกลายเป็นหนึ่งในกระแสหลักแรกๆ ในวงการจิตรกรรมอเมริกันและมีอิทธิพลต่อการพัฒนาศิลปะของโลก

ลัทธินามธรรม

วี. คันดินสกี้. ผลงาน 8 1913.

กระแสหลักอย่างหนึ่งของศิลปะในศตวรรษที่ 20 ซึ่งโครงสร้างของงานนั้นอิงจากองค์ประกอบเชิงรูปแบบเท่านั้น เช่น เส้น จุดสี โครงร่างนามธรรม ผลงานนามธรรมนั้นแยกออกจากรูปแบบของชีวิตเอง องค์ประกอบที่ไม่ใช่วัตถุนิยมนั้นรวบรวมความประทับใจและจินตนาการส่วนตัวของศิลปิน การไหลของจิตสำนึกของเขา พวกมันก่อให้เกิดการเชื่อมโยงที่เป็นอิสระ การเคลื่อนไหวของความคิด และความเห็นอกเห็นใจทางอารมณ์

ไม่สามารถระบุเวลาที่แน่นอนของการเกิดขึ้นของลัทธินามธรรมหรือผู้ก่อตั้งได้ ผู้สร้างแรงบันดาลใจที่ได้รับการยอมรับของลัทธินามธรรม ได้แก่ ศิลปิน Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Modrian, František Kupka และ Robert Delaunay ซึ่งได้สรุปหลักเกณฑ์หลักของการเคลื่อนไหวนี้ไว้ในผลงานเชิงทฤษฎีและคำชี้แจงเชิงโครงการของพวกเขา

เอฟ. เลเกอร์ เด็กหญิงกับดอกไม้ 1954

ลัทธินามธรรมมีต้นกำเนิดมาจากกระแสนิยมที่แคบๆ ในงานศิลปะชั้นสูง ในช่วงต้นทศวรรษปี 1930 กลุ่มศิลปินแนวนามธรรมเริ่มก่อตัวขึ้น ("ศิลปะรูปธรรม" - 1930, "วงกลมและสี่เหลี่ยม" - 1930 และอื่นๆ) ซึ่งรวมศิลปินจากชาติและกระแสนิยมต่างๆ ไว้ภายใต้ธงของตนเอง ในช่วงกลางทศวรรษปี 1930 ความสนใจในลัทธินามธรรมลดลงอย่างรวดเร็ว และกลุ่มศิลปินเหล่านี้ก็แตกสลาย ลัทธินามธรรมได้กลับมาเกิดใหม่อีกครั้งในสหรัฐอเมริกา ซึ่งลัทธิสำแดงนามธรรมถือกำเนิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษปี 1940 โดยใช้รูปแบบที่ไม่ใช่วัตถุนิยมเพื่อแสดงออกถึงโลกภายในของศิลปินอย่างเป็นธรรมชาติ

รูปแบบศิลปะนามธรรมที่ได้รับความนิยมครั้งสุดท้าย คือ ป๊อปอาร์ต ซึ่งปรากฏขึ้นในช่วงทศวรรษ 1960 หลังจากนั้น ศิลปะนามธรรมก็เริ่มไม่เป็นที่รู้จักอีกต่อไป

แนวหน้าของวงการ

พี. ปิกัสโซ สามนักดนตรี 1921

ชุดของแนวโน้มและแนวทางที่สร้างสรรค์และต่อต้านสังคมในวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 20 ในแต่ละช่วงของประวัติศาสตร์ บทบาทของกลุ่มศิลปินแนวหน้าจะดำเนินไปตามแนวโน้มต่างๆ ดังต่อไปนี้: ทศวรรษปี 1900–1910 เป็นช่วงเวลาของการเกิดขึ้นของลัทธิโฟวิสม์ คิวบิสม์ ฟิวเจอริสม์ เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ ดาดาอิสม์ และศิลปะนามธรรม; ทศวรรษปี 1920–1930 ลัทธิเหนือจริงได้รับความนิยม; ในช่วงหลังสงคราม แนวโน้มใหม่ๆ ของลัทธินามธรรมก็เกิดขึ้น เช่น ลัทธิเอ็กซ์เพรสชันนิสม์นามธรรม ทาคิสเม ศิลปะที่ไม่เป็นทางการ ฯลฯ; ทศวรรษปี 1960–1970 เป็นยุคเปลี่ยนผ่านจากกลุ่มศิลปินแนวหน้า "คลาสสิก" ไปสู่กลุ่มศิลปินแนวหน้าใหม่หรือหลังสมัยใหม่ โดยมีองค์ประกอบ ได้แก่ แอ็กชันนิสม์ ป็อปอาร์ต คอนเซ็ปชวลลิสม์ ศิลปะจลนศาสตร์ และแนวทางศิลปะอื่นๆ

วิชาการ

เอ. คาบาเนล ฟาเอดรา 1880

กระแสศิลปะชั้นสูงที่สถาบันศิลปะเป็นพื้นฐานในการพัฒนา ประวัติศาสตร์การพัฒนาของความเป็นวิชาการนั้นเกี่ยวข้องกับ "สถาบันแห่งผู้ที่เข้าสู่เส้นทางที่ถูกต้อง" ในโบโลญญา (ประมาณ ค.ศ. 1585) ราชบัณฑิตยสถานแห่งจิตรกรรมและประติมากรรมแห่งฝรั่งเศส (ค.ศ. 1648) และราชบัณฑิตยสถานแห่งศิลปะอันสูงส่งสามประการของรัสเซีย (ค.ศ. 1757) กิจกรรมของสถาบันทั้งหมดนั้นขึ้นอยู่กับระบบการศึกษาที่มีการควบคุมอย่างเข้มงวด โดยมุ่งเน้นไปที่ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของยุคก่อนๆ ได้แก่ ยุคโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี ซึ่งคุณภาพเฉพาะตัวของศิลปะคลาสสิกนั้นได้รับการคัดเลือกอย่างมีสติ ได้รับการยอมรับว่าเป็นอุดมคติและไม่มีใครเทียบได้

เส้นทางของความเป็นวิชาการในงานศิลปะไม่ได้ถูกทำเครื่องหมายด้วยการค้นพบหรือความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ใดๆ เนื่องจากความเป็นเทียม ("สร้างขึ้น") และความหลากหลาย จึงไม่ถือเป็นรูปแบบทางศิลปะ

A. Bouguereau พักระหว่างการเก็บเกี่ยว พ.ศ. 2408

ความเป็นวิชาการเฟื่องฟูในศตวรรษที่ 19 ในฝรั่งเศส แนวโน้มนี้มีความเกี่ยวข้องกับผลงานของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง เช่น Jean Auguste Dominique Ingres, Adolphe William Bouguereau, Alexandre Cabrnel, Paul Delaroche, Jean-Léon Gérôme, Paul Joseph Jamin ซึ่งผลงานของพวกเขาโดดเด่นด้วยฝีมือการแสดงที่ไม่มีใครเทียบได้

สถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กยังเป็นแหล่งบ่มเพาะศิลปินชื่อดังระดับโลกมากมาย อาทิ Karl Bryullov, Alexander Ivanov, Henryk Semiradsky และ Fyodor Bruni

A. Alma-Tadema การค้นพบของโมเสส 1904

ในยุคสมัยของเรา แนวคิดเรื่อง "ความเป็นวิชาการ" ได้ก้าวข้ามขอบเขตของการเคลื่อนไหวทางศิลปะไปแล้ว: มันได้รับความหมายเพิ่มเติมและนำมาใช้กับผลงานของศิลปินที่ได้รับการศึกษาด้านศิลปะอย่างเป็นระบบและมีทักษะแบบคลาสสิกในการสร้างสรรค์ผลงานที่ต้องใช้ทักษะทางเทคนิคขั้นสูง

แอ็คชั่นิสต์

คริสโตและฮัน-คล็อด ประตูหมายเลข 53 2006

ชื่อทั่วไปของรูปแบบต่างๆ ที่เกิดขึ้นในงานศิลปะแนวหน้าในช่วงทศวรรษ 1960

ความปรารถนาที่จะลบล้างเส้นแบ่งระหว่างศิลปะกับความเป็นจริงทำให้ศิลปินแนวหน้าต้องค้นหาวิธีการแสดงออกทางศิลปะใหม่ๆ ที่แตกต่างจากรูปแบบดั้งเดิม (กล่าวคือ แบบคงที่) โดยให้พลวัตกับผลงาน และเกี่ยวข้องกับการกระทำบางอย่าง (การกระทำ) การกระทำ (หรือศิลปะแห่งการกระทำ) กลายเป็นแนวคิดทั่วไปสำหรับแนวทางปฏิบัติทางศิลปะ โดยเน้นที่การเปลี่ยนจากผลงานไปที่กระบวนการสร้างสรรค์

เค. โอลเดนเบิร์ก สะพานช้อนถือเชอร์รี่ 1985

ควรค้นหาต้นกำเนิดของลัทธิแอ็คชั่นนิยมในผลงานของศิลปินแนวดาดาอิสต์และเซอร์เรียลลิสต์ ในกิจกรรมของศิลปินนามธรรม (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ดี. พอลล็อค) ผู้ยึดถือหลักการของการเขียนเชิงแสดงออก - “จิตรกรรมแอ็คชั่น”

ความไม่สอดคล้องตามยุคสมัย

K.M. Mariani มือที่นำทางด้วยจิตใจ 1983

กระแสหนึ่งในวงการจิตรกรรมหลังสมัยใหม่ที่เสนอการตีความศิลปะในอดีตของศิลปิน กระแสหลังสมัยใหม่เกิดขึ้นจากการปฏิเสธลัทธิโมเดิร์นนิสม์ (หรือกระแสศิลปะแนวอาวองการ์ด) และประกาศเป้าหมายที่จะกลับไปสู่รูปแบบเก่า ประเพณีทางประวัติศาสตร์ และสไตล์ของวัฒนธรรมเก่าแก่หลายร้อยปีก่อนหน้า ในการค้นหารูปแบบใหม่ ศิลปินหลังสมัยใหม่ผสมผสานสไตล์ศิลปะจากยุคและวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน เพื่อสร้างตำนานส่วนบุคคลที่เชื่อมโยงกับประสบการณ์ส่วนตัวของศิลปินบนพื้นฐานนี้

ลัทธิอนาโครนิสต์เกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษปี 1970 ในอิตาลีและต่อมาก็แพร่กระจายไปยังฝรั่งเศส แหล่งจิตวิญญาณที่สำคัญที่สุดคือผลงานของจอร์โจ เด คีรีโก ซึ่งหันมาสนใจศิลปะคลาสสิกในช่วงทศวรรษปี 1920 หลังจาก "ยุคอภิปรัชญา" ของเขา ลัทธิอนาโครนิสต์หรือ "ศิลปินด้านวัฒนธรรม" ตามที่พวกเขาเรียกตัวเอง ได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ลัทธิแมนเนอริสม์ และบาโรก ซึ่งพวกเขาได้ดัดแปลงและล้อเลียน โดยพยายามนำประเพณีคลาสสิกมาปรับใช้กับบริบทโมเสกของวัฒนธรรมหลังสมัยใหม่

ศิลปะเชิงวิเคราะห์

P. Filonov ครอบครัวชาวนา 1914

ศิลปะเชิงวิเคราะห์เป็นวิธีการทางศิลปะที่พัฒนาและพิสูจน์โดย Pavel Filonov ในผลงานเชิงทฤษฎีของเขา (“Canon and Law”, 1912; “Made Pictures”, 1914; “Declaration of “World Bloom”, 1923) และในภาพวาดของเขาเอง โดยนำลัทธิคิวบิสม์มาใช้เป็นหลักฐานของหลักการแห่งเหตุผล Filonov ได้เปรียบเทียบลัทธิคิวบิสม์กับหลักการของการเจริญเติบโตทางธรรมชาติ (เช่น ต้นไม้เติบโต) ของรูปแบบศิลปะและคุณภาพ “ที่สร้างขึ้น” ของภาพวาด

P. Salzman ภาพเหมือนตนเองสามภาพ พ.ศ. 2475

หลักการของการสร้างสรรค์เป็นหลักการสำคัญของศิลปะเชิงวิเคราะห์ ศิลปิน “สร้าง” ภาพวาดของตนขึ้น เช่นเดียวกับที่ธรรมชาติ “สร้าง” โครงร่างขนาดใหญ่ขึ้นจากอะตอมและโมเลกุล ฟิโลนอฟเข้าใจว่า “ในวัตถุใดๆ ก็ตามนั้นไม่มีคำทำนายสองประการ คือ รูปร่างและสี แต่เป็นโลกทั้งใบของปรากฏการณ์ที่มองเห็นและมองไม่เห็น การแผ่รังสี ปฏิกิริยา การรวมเข้า การกำเนิด การดำรงอยู่ คุณสมบัติที่รู้จักหรือซ่อนเร้น ซึ่งบางครั้งก็มีคำทำนายมากมายนับไม่ถ้วน” ฟิโลนอฟเชื่อมั่นว่าคุณสมบัติที่หลากหลายทั้งหมดนี้สามารถแสดงออกมาในรูปวาดได้

ในการสร้างสรรค์ผลงาน ศิลปินต้องอาศัยไม่เพียงแต่สิ่งที่เห็นได้ชัด ("ตาที่มองเห็น") เท่านั้น แต่ยังต้องอาศัยสิ่งที่มองไม่เห็น ("ก๊าซที่รู้" การจับกระบวนการที่ซ่อนอยู่) ด้วย ซึ่งก็คือรูปแบบภายในของโครงสร้างและการทำงานของวัตถุที่ปรากฎ ศิลปินแปลง "วิสัยทัศน์" ภายในของตนที่มีต่อวัตถุหรือปรากฏการณ์ให้กลายเป็นโครงสร้างกราฟิกและภาพวาดตาม "กฎแห่งการพัฒนาทางอินทรีย์ของรูปแบบ" ซึ่งยืมมาจากธรรมชาติ (เพื่อเลียนแบบไม่ใช่รูปแบบที่สร้างขึ้น แต่เลียนแบบวิธีการที่ "กระทำ" ของมัน) และขัดต่อ "หลักเกณฑ์" (รูปแบบที่สร้างขึ้นโดยเทียม)

ทัตยานา เกลโบวา เอาท์พุตสี

เมื่อเข้าใจกฎนี้แล้ว ศิลปินจะสามารถ "สร้าง" ภาพบางภาพได้ ซึ่งเป็นภาพที่เป็นธรรมชาติมากจนมีศักยภาพในการพัฒนาตนเองราวกับว่าไม่มีผู้เขียนเองเข้ามามีส่วนร่วมในกระบวนการนี้ (มันเติบโตและพัฒนาเหมือนสิ่งมีชีวิตทั้งหมดในธรรมชาติ) P. Filonov เชื่อว่าศิลปะที่สร้างขึ้นด้วยวิธีการของเขานั้นเป็นศิลปะแห่งอนาคตซึ่งจะนำไปสู่ ​​"ยุครุ่งเรืองของโลก" เนื่องจากศิลปะนี้มีพื้นฐานมาจากปฏิสัมพันธ์ที่กลมกลืนระหว่างมนุษย์และธรรมชาติ โดยมีหลักการทางวิทยาศาสตร์หลายประการที่มุ่งเป้าไปที่สติปัญญาของผู้ชมและพัฒนามัน ("เป็นปัจจัยในการวิวัฒนาการของสติปัญญา") ปรมาจารย์ด้านศิลปะวิเคราะห์: Pavel Filonov, Tatyana Glebova, Alisa Poret, Mikhail Tsibasov, Sofia Zaklinovskaya, Pavel Zaltsman, Pavel Kondratyev, Boris Gurvich, Nikolai Evgrafov, Vsevolod Sulimo-Samuillo, Yuri Khrzhanovsky

ใต้ดิน

Oscar Rabin, "อาบน้ำ (กลิ่นมอสโก Eau de Cologne)", 1966

ใต้ดิน (ภาษาอังกฤษ underground - underground, dungeon) - ในความหมายแคบ - ศิลปะทดลองที่ไม่ใช่เชิงพาณิชย์ ในความหมายกว้าง - แนวคิดและปรากฏการณ์ที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และหมายถึงวัฒนธรรม "ใต้ดิน" ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของสิ่งที่เรียกว่าวัฒนธรรมต่อต้านซึ่งต่อต้านตัวเองต่อข้อจำกัดและขนบธรรมเนียมที่ครอบงำสังคมวัฒนธรรม ศิลปะใต้ดินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งการไม่เห็นด้วย ปฏิเสธและละเมิดแนวทางทางการเมือง ศีลธรรมและจริยธรรม รวมถึงประเภทของพฤติกรรมที่สังคมยอมรับ โดยนำพฤติกรรมต่อต้านสังคมเข้ามาในชีวิตประจำวัน ธีมทั่วไปของศิลปะใต้ดินของอเมริกาและยุโรปคือ "การปฏิวัติทางเพศ" และยาเสพติด

เลฟ โครปิฟนิตสกี้

ในช่วงยุคโซเวียต แนวคิดนี้มีความหมายที่แตกต่างออกไปบ้างและกลายเป็นการเมืองมากขึ้น ในกรณีนี้ เนื่องจากระบอบการปกครองมีความเข้มงวดมาก งานศิลปะที่ไม่เป็นทางการหรือที่ไม่ได้รับการยอมรับจากทางการเกือบทั้งหมด รวมถึงดนตรีและวรรณกรรม จะกลายเป็นงานศิลปะใต้ดิน ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1950 จนถึงปลายทศวรรษ 1980 "การต่อต้านทางศิลปะ" ถูกแสดงโดยกิจกรรมของสมาคมต่างๆ มากมาย ซึ่งกลุ่มที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ กลุ่ม "Lianozovskaya" (E. และ L. Kropivnitsky, L. Masterkova, O. Rabin และคนอื่นๆ (ตั้งแต่ปี 1956 ถึงกลางปี ​​1970)), "Sretensky Boulevard" (I. Kabakov, E. Neizvestny, Yu. Sobolev, Yu. Sooster และคนอื่นๆ (ตั้งแต่ปี 1960 ถึงกลางปี ​​1970)), "Collective Actions" (A. Monastyrsky, G. Kizelvater, I. Makarevich, S. Romashko และคนอื่นๆ (ตั้งแต่ปี 1975)), "Fly Agarics" (S. Gundlakh, K. Zvezdochetov, V. Mironenko และคนอื่นๆ (ตั้งแต่ปี 1978)) ขบวนการใต้ดินพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินที่ไม่ได้เข้าร่วมสมาคมใดๆ (V. Sidur, A. Zverev, M. Shemyakin) แต่เป็นตัวแทนของศิลปะสังคม (E. Bulatov, V. Komar และ A. Melamid) และขบวนการแนวหน้าอื่นๆ (กลุ่มศิลปินแนวหน้า แชมเปี้ยนของโลก)

ภาพเหมือนของ A. Zverev ปี 1969

หลังจากการล่มสลายของระบบการเมืองของสหภาพโซเวียต และการยกเลิกข้อจำกัดและข้อห้ามเกี่ยวกับเสรีภาพในการสร้างสรรค์ผลงานทางศิลปะ ทำให้กลุ่มศิลปินใต้ดินกลายเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม ปรมาจารย์ของกลุ่มศิลปินใต้ดิน ได้แก่ Lev Kropivnitsky, Lyubov Masterkova, Oskar Rabin, Ilya Kabakov, Ernst Neizvestny, Yuri Sobolev, Yulo Sooster, Kirill Zvezdochetov, Mikhail Shemyakin, Anatoly Zverev, Vadim Sidur, Vitaly Komar, Alexander Melamid

อาร์ บรูท

Antoni Tapies Drawing - 4. ซีรี่ส์ภาพวาดเบอร์ลิน

Art brut (ฝรั่งเศส: Art brut – ศิลปะหยาบและดิบ) เป็นกระแสศิลปะยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ผู้ก่อตั้งและผู้นำคือ Jean Dubuffet ศิลปินชาวฝรั่งเศส ผู้พัฒนาแนวคิดศิลปะบริสุทธิ์ ศิลปะที่ปฏิเสธความงามและความกลมกลืน ทุกคนคือศิลปิน สำหรับมนุษย์ การวาดภาพเป็นเรื่องธรรมชาติเช่นเดียวกับการพูดหรือการเดิน เขาสร้างสรรค์ผลงานโดยปราศจากภาระจากประเพณีและความรู้เกี่ยวกับ "วัฒนธรรมที่อึดอัด"

วงดนตรีแจ๊ส เจ. ดูบัฟเฟต์ ปีพ.ศ. 2498

ตามที่ดูบัฟเฟต์กล่าวไว้ว่า อาร์ตบรุตคือความคิดสร้างสรรค์ในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุด ซึ่งก็คือการปลดปล่อยอารมณ์ออกมาจากส่วนลึกของจิตใจและจิตสำนึก ซึ่งถูกถ่ายทอดออกมาเป็นลายลักษณ์อักษรหรือสื่อออกมาในรูปแบบอื่น เขามุ่งไปที่ศิลปะของคนป่วยทางจิต ผู้ที่ถูกแยกออกจากสังคม โดยมองว่าพวกเขาเป็นศิลปินที่แท้จริงเท่านั้น พวกเขามีอัตวิสัยที่ทำให้คนๆ หนึ่งมีความเป็นปัจเจกบุคคลอย่างแท้จริง

ในช่วงแรก Dubuffet ได้ลอกเลียนรูปแบบของพวกเขาในผลงานของเขา โดยสร้างสรรค์รูปแบบและภาพที่มีความดั้งเดิมและ "ป่าเถื่อน" อย่างจงใจ ทั้งแบบรูปธรรมและนามธรรม โดดเด่นด้วยการใช้สีที่คาดไม่ถึงและลักษณะการเขียนที่ดูแปลกตา และในปี 1948 เขาได้ร่วมกับ André Breton นักเขียนแนวเหนือจริงและ Antoni Tapies ศิลปินชาวสเปน ก่อตั้ง "Company of Brute Art" ในปารีส ซึ่งออกแบบมาเพื่ออนุรักษ์และศึกษาศิลปะของผู้ด้อยโอกาส คอลเลกชันที่รวบรวมไว้ซึ่งมีภาพวาด ภาพเขียน วัตถุ และประติมากรรมประมาณ 5,000 ชิ้น เป็นรากฐานของพิพิธภัณฑ์ศิลปะ Brut ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1976 ในเมืองโลซานน์ ประเทศสวิตเซอร์แลนด์

เจ. ดูบัฟเฟต ภาพเหมือนตนเอง, 1958

ในงานศิลปะร่วมสมัย แนวคิดของ "อาร์ตบรุต" ครอบคลุมถึงผลงานของผู้คนที่อยู่ภายนอกสังคม เช่น ผู้ป่วยทางจิต คนพิการ ผู้ที่ถูกกีดกันทางสังคมทุกประเภท รวมถึงผลงานของ J. Dubuffet ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากตัวอย่างเหล่านี้ อาร์ตบรุตเป็นส่วนหนึ่งของกระแสหลักที่เรียกว่า "ศิลปะนอกกรอบ" ซึ่งได้กลายมาเป็นกระแสหลักในกระบวนการสร้างสรรค์งานศิลปะของโลกในช่วงทศวรรษที่ผ่านมา ในหลายๆ ด้าน นี่คือความดีความชอบของฌอง ดูบัฟเฟต์ ผู้มีแนวคิดหัวรุนแรงและแข็งกร้าว ซึ่งมองโลกในมุมมองใหม่ ปรมาจารย์แห่งอาร์ตบรุต: ฌอง ดูบัฟเฟต์, อันโตนี ตาปีส์, อดอล์ฟ วอลฟลี, เฮนรี แดนเจอร์, มอร์ตัน บาร์ตเล็ตต์, โรสแมรี่ โคชี, พอล ฮัมฟรีย์, เออแฌน ฟอน บรุนเชนไฮน์

อาร์เต้ โปเวร่า

มาริโอ เมิร์ซ โครงการ Petra's Hut ปี 1982

Arte Povera (อิตาลี: Arte povera – ศิลปะชั้นต่ำ) เป็นกระแสศิลปะแนวใหม่ที่เกิดขึ้นในวงการศิลปะอิตาลีในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ถึงต้นทศวรรษ 1970 และแพร่หลายไปในประเทศอื่นๆ ในยุโรป โดยเป็นผลงานที่สร้างขึ้นจากวัตถุอุตสาหกรรมและวัตถุจากธรรมชาติ โดยให้ความสำคัญกับวัสดุที่เรียบง่ายและ “คุณภาพต่ำ” ที่สุด (เช่น ดิน ทราย ถ่านหิน ขยะ ของใช้ในครัวเรือนพื้นฐาน เสื้อผ้าและรองเท้าเก่าๆ ที่ชำรุด เป็นต้น)

มาริโอ เมิร์ซ ไม่มีชื่อ

ขบวนการ Arte Povera เกิดขึ้นเพื่อตอบสนองต่อแนวคิดทางปัญญาและเหตุผลนิยมที่เพิ่มมากขึ้นของศิลปะแบบมินิมอลและแบบคอนเซ็ปชวล โดยมีวัสดุและเทคโนโลยีราคาแพงสำหรับการผลิตงานศิลปะ ศิลปิน Arte Povera สร้างสรรค์ผลงานโดยหันเข้าหา "โลกของสิ่งเรียบง่าย" ที่โอบล้อมบุคคลไว้ชั่วขณะ และพยายามเปิดเผยบทกวีพิเศษของสิ่งธรรมดาๆ โดยใช้ความแตกต่าง ฉีกสิ่งต่างๆ ออกจากบริบทปกติและวางไว้ในความเป็นจริงอีกแบบ เช่น ความเป็นจริงของห้องโถงพระราชวังที่หรูหราและพิพิธภัณฑ์

แอล. ฟอนทานา ชื่อเรื่อง

งานศิลป์ของ Arte Povera ได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากความหลากหลายของวัตถุ (รูปปั้นปูนปลาสเตอร์รูปศีรษะจากรูปปั้นโบราณและถุงถ่านหรือเตาแก๊ส) วัสดุอายุสั้นที่เปลี่ยนแปลงไปตามอิทธิพลของบรรยากาศหรือคุณสมบัติทางเคมีและกายภาพ (เช่น ขี้ผึ้ง ฟองน้ำ ยาง เป็นต้น) ซึ่งทำให้ผลงานของ Arte Povera มีสัญลักษณ์ทางศิลปะบางอย่างที่ไม่สามารถตีความได้อย่างคลุมเครือ ศิลปะซึ่งอยู่รอบตัวเราทุกหนทุกแห่งนั้นเป็นเพียงสิ่งชั่วคราวและเลื่อนลอย เหมือนกับช่วงเวลาหนึ่งของชีวิต ศิลปะเป็นสิ่งชั่วคราว ดังนั้นจึงไร้ประโยชน์ แต่ก็เป็นความงามของมัน

ปรมาจารย์แห่งอาร์เต้ โปเวรา: มาริโอ แมร์ซ, ยานนิส คูเนลลิส, ลูซิโอ ฟอนตาน่า, จิโอวานนี่ อันเซลโม่, จูลิโอ เปาลินี, กิลแบร์โต โซริโอ, ปิโน ปาสคาลี, อลิกีเอโร โบเอตติ, มาริโอ เซโรลี, ลูเซียโน เฟบรี, จูเซปเป้ เปโนนี, มิเกลันเจโล พิสโทเล็ตโต

บาร็อค

Michelangelo Merisi de Caravaggio, Bacchus.1593 - 1594. หอศิลป์ Uffizi ฟลอเรนซ์ อิตาลี

บาร็อคเป็นหนึ่งในรูปแบบอันยิ่งใหญ่ที่ครอบงำสถาปัตยกรรมและศิลปะของประเทศต่างๆ ในยุโรปตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 จนถึงกลางศตวรรษที่ 18

บ้านเกิดของยุคบาร็อค (ภาษาอิตาลี: barocco แปลว่า ประหลาด ประหลาด) คือประเทศอิตาลี ซึ่งการก่อตั้งรูปแบบใหม่นี้ถือเป็นการสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการซึ่งมีมุมมองโลกที่กลมกลืนกัน ความศรัทธาต่อความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัดของจิตใจมนุษย์ และความมีระเบียบวินัยของการดำรงอยู่ของจักรวาล

ลักษณะเด่นของสถาปัตยกรรมบาร็อค ได้แก่ ขนาด ความอุดมสมบูรณ์ของการตกแต่ง พลวัตที่วุ่นวาย การมุ่งมั่นให้เกิดผลลวงตาในการจัดพื้นที่ภายใน เช่น การเพิ่มขนาดห้องด้วยความช่วยเหลือของกระจก ความสูงของห้องโถงต้องขอบคุณโคมไฟที่งดงามซึ่งมีวิธีการแก้ไขที่ซับซ้อนสำหรับมุมมอง

ทั้งหมดนี้สอดคล้องกับภาพใหม่ของจักรวาลที่เปลี่ยนแปลงได้ ขัดแย้งกัน โดยที่สิ่งที่กำลังจะตายและสิ่งที่กำลังจะโผล่ขึ้นมาต้องเผชิญหน้ากันตลอดเวลา และมนุษย์พร้อมกับความรู้สึกสับสนวุ่นวายในโลกภายในที่ซับซ้อน มักพบว่าตัวเองตกอยู่ภายใต้การควบคุมของพลังที่ไม่สมเหตุสมผล

ซิมอน วูเอต์ นักบุญซีซีเลียกับนางฟ้า ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 พิพิธภัณฑ์ศิลปะฮังการี บูดาเปสต์ ฮังการี

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บาร็อคละทิ้งความชัดเจนและความเรียบง่าย โดยเลือกเส้นโค้งที่สง่างามแทนความเข้มงวดทางเรขาคณิตและเส้นตรง เลือกกระแสน้ำวนแทนการเคลื่อนไหวที่เป็นระเบียบ เลือกโทนสีทองระยิบระยับที่เปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของแสงและเงา หรือโทนสีสดใส เทศกาล และไม่ประสานกันอย่างไม่คาดคิดในเสียงที่ชนะเลิศเมื่อเทียบกับสีสันท้องถิ่น

บาร็อคสร้างความประทับใจด้วยการตกแต่งภายในที่สวยงามตระการตา ซึ่งชวนให้นึกถึงฉากละคร การผสมผสานวัสดุและพื้นผิวที่แตกต่างกันที่ใช้ในการตกแต่ง และบางครั้งยังมีการรวมรายละเอียด "จริง" ลงในงานศิลปะอย่างน่าตกตะลึง เช่น ฟันและผมจริงในรูปปั้นผู้หญิง

สไตล์บาร็อคสร้างสรรค์ผลงานที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างสถาปัตยกรรม อนุสรณ์สถาน และศิลปะการตกแต่งที่ไม่ซ้ำใคร

ในแต่ละประเทศในยุโรป บาโรกจะมีเอกลักษณ์เฉพาะของตัวเองโดยยังคงรักษาลักษณะเด่นของสไตล์นี้เอาไว้ ดังนั้น ในบ้านเกิดของบาโรกอย่างอิตาลี สไตล์นี้จึงได้รับการสร้างสรรค์ขึ้นอย่างชัดเจนและเกิดขึ้นเร็วกว่าในฝรั่งเศส ซึ่งในศตวรรษที่ 17 ลัทธิคลาสสิกมีบทบาทสำคัญ

ในรัสเซีย การพัฒนาของศิลปะบาร็อคเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกและกลางศตวรรษที่ 18 ศิลปะบาร็อคในรัสเซียซึ่งปราศจากการยกย่องเชิดชูแบบลึกลับซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของรูปแบบนี้ในประเทศคาทอลิก ได้รับการยกย่องจากอำนาจเผด็จการที่เข้มแข็งขึ้น

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 สไตล์บาโรกทั่วทุกแห่งได้พัฒนาไปสู่ความสง่างามแบบเบาสบายของสไตล์โรโกโก ดำรงอยู่และผสมผสานกัน และตั้งแต่ทศวรรษปี 1760 ก็ถูกแทนที่ด้วยสไตล์คลาสสิก

เบาเฮาส์

เสียงโบราณ ภาพนามธรรมบนสีดำ โดย Paul Klee 1925

Bauhaus (เยอรมัน: Bauhaus – “บ้านแห่งการก่อสร้าง”) โรงเรียนมัธยมศึกษาตอนปลายด้านการก่อสร้างและการออกแบบศิลปะ ก่อตั้งโดยสถาปนิกชาวเยอรมัน W. Gropius ในเมืองไวมาร์ในปี พ.ศ. 2462

ตามแนวคิดของผู้เขียน โรงเรียน Bauhaus ได้รับมอบหมายให้รวมศิลปะ งานฝีมือ และเทคโนโลยีที่ "แตกต่าง" เข้าเป็น "ผลงานศิลปะชิ้นเดียว" เพื่อเชื่อมโยงเข้าด้วยกันในรูปแบบของสมาคมก่อสร้างในยุคกลาง แต่บนพื้นฐานทางวิทยาศาสตร์และเทคนิคใหม่ ในตอนแรก นักเรียนทุกคนจะได้รับการฝึกอบรมเบื้องต้นเป็นเวลา 6 เดือน ซึ่งพวกเขาได้ศึกษาคุณสมบัติของวัสดุและพื้นฐานของงานฝีมือ รวมถึงทฤษฎีของรูปแบบและการวาดภาพ หลังจากนั้น พวกเขาได้รับอนุญาตให้ทำงานในเวิร์กช็อป: การสร้างสรรค์และการผลิต ซึ่งเน้นที่การฝึกฝนบทเรียน ขึ้นอยู่กับความชอบของนักเรียน พวกเขาได้รับการฝึกฝนให้เป็นสถาปนิก ศิลปิน-นักออกแบบ ช่างภาพ นักออกแบบ

Paul Klee: การวิเคราะห์ความวิปริตต่างๆ ของ Klee, 1922, คอลเล็กชัน

V. Gropius ให้ความสำคัญเป็นพิเศษในการคัดเลือกครูที่มีความเชื่อเดียวกันกับเขา โดยในแต่ละปี มีศิลปินอย่าง V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer, L. Feininger, นักออกแบบ L. Moholy-Nagy และ J. Itten มาทำงานที่นี่

ยุครุ่งเรืองของโรงเรียน Bauhaus เกี่ยวข้องกับยุคไวมาร์ ซึ่งได้รับอิทธิพลจากนีโอโรแมนติก ในปี 1925 โรงเรียน Bauhaus ย้ายไปที่เมืองเดสเซาและตั้งอยู่ในอาคารที่ออกแบบโดย V. Gropius ซึ่งถือเป็นผลงานชิ้นเอกของสถาปัตยกรรมแบบฟังก์ชันนัลลิสต์ ช่วงเวลาในเดสเซาโดดเด่นด้วยการเสริมสร้างแนวโน้มทางเทคนิค-ยูทิลิตี้ การก่อตัวของสไตล์ Bauhaus ซึ่งมีลักษณะเด่นคือรูปแบบที่ชัดเจน ความเรียบง่ายของวิธีการ การออกแบบมาตรฐาน และการปรับปรุงวิธีการและวัสดุอุตสาหกรรม

Vasily Kandinsky, นักบุญจอร์จและมังกร (1914-15)

ในปี 1928 สถาปนิกชาวสวิส H. Mayer เข้ามาดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการ อย่างไรก็ตาม นวัตกรรมที่เขาริเริ่ม (การศึกษาด้านสังคมศาสตร์) ทำให้ครูและนักเรียนไม่พอใจ และในปี 1930 สถาปนิกชาวเยอรมัน L. Mies van der Rohe เข้ามาบริหารโรงเรียน Bauhaus โดยดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการจนกระทั่งโรงเรียนแห่งนี้ถูกนาซีปิดตัวลงในปี 1933

วาสซิลี คันดินสกี้ ภาพสีน้ำนามธรรมชิ้นแรกที่ไม่มีชื่อ 1910 -1913

อย่างไรก็ตาม หลักการและวิธีการสอนของโรงเรียน Bauhaus ได้รับการคัดเลือกในประเทศอื่นๆ และแนวคิดของโรงเรียนก็มีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อการพัฒนาศิลปะประยุกต์และศิลปะประณีต (ตั้งแต่กราฟิกหนังสือและโฆษณาไปจนถึงเฟอร์นิเจอร์และของใช้ในบ้าน)

เบาเฮาส์ มาสเตอร์ส : วอลเตอร์ โกรปิอุส, ลุดวิก มีส ฟาน เดอร์ โรห์, วัสซิลี คันดินสกี้, พอล คลี, ออสการ์ ชเลมเมอร์, ลีโอเนล ไฟนิงเงอร์, ลาสซโล โมโฮลี่-นากี้, โจเซฟ อัลเบอร์ส, แกร์ฮาร์ด มาร์คส์, มาร์เซล บรอยเออร์, แม็กซ์ บิล, โยฮันเนส อิตเทน, เฮอร์เบิร์ต ไบเออร์, ฮานส์ เมเยอร์

เวริสม์

D. Fattori บนชายฝั่ง 1893

Verism (ภาษาอิตาลี verismo จาก vero ซึ่งแปลว่า สัจจะ ความจริง) เป็นกระแสความเคลื่อนไหวในวัฒนธรรมศิลปะของอิตาลีในช่วงสามทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 โดยเริ่มต้นจากวรรณกรรมและดนตรี จากนั้นจึงแพร่หลายไปสู่ศิลปะวิจิตรศิลป์

หลักการของ verismo ถูกสร้างขึ้นส่วนใหญ่ภายใต้อิทธิพลของลัทธิธรรมชาตินิยมของฝรั่งเศส โดยอิงจากผลงานของ E. Zola, G. Flaubert และ G. de Maupassant นัก verism กำหนดภารกิจหลักของงานของตนเป็นความเป็นกลางและแนวทางทางวิทยาศาสตร์ในการศึกษาข้อเท็จจริง (จากมุมมองของลัทธิบวกนิยม) ในการพรรณนาถึงความเป็นจริงของชีวิตในสังคมอิตาลีสมัยใหม่ ชีวิตและจิตวิทยาของคนธรรมดา ความคิดริเริ่มของชาติของการเคลื่อนไหวนี้แสดงออกมาในความเห็นอกเห็นใจอย่างลึกซึ้งต่อคนทำงานที่ถูกกดขี่ ซึ่งชีวิตของพวกเขา (ส่วนใหญ่เป็นชาวนาและคนจนในจังหวัด) เป็นเนื้อหาหลักของนวนิยายและเรื่องสั้นของนักทฤษฎีของ verismo - G. Verga, L. Capuana, D. Ciampoli, โอเปร่าโดย P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini

S. Lega ชาวอิตาลี Barsaglieri นำนักโทษชาวออสเตรีย พ.ศ. 2404

ในงานศิลปะภาพ ศิลปินรุ่นบุกเบิกโดยตรงของกลุ่มเวริสต์คือศิลปินจากสำนักศิลปะฟลอเรนซ์ "มัคคิอาโอลี" ซึ่งนำผลงานของตนไปใช้กับประเด็นการต่อสู้เพื่อปลดปล่อยชาติของชาวอิตาลี ชีวิตในเมืองและชนบท ในงานจิตรกรรม เวริสต์เป็นตัวแทนโดยปรมาจารย์ชาวเนเปิลส์เป็นหลัก ซึ่งพัฒนาแนวโน้มวิพากษ์วิจารณ์สังคมในงานศิลปะ (การต่อสู้เพื่อสิทธิของชนชั้นแรงงาน ชีวิตชาวนาที่ยากลำบาก) และสร้างแกลเลอรีภาพบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอิตาลีมากมาย

อย่างไรก็ตาม บรรดาศิลปินเวอริสต์ไม่เห็นความเป็นไปได้ทางสังคมในการขจัดความอยุติธรรมทางสังคม ผลงานของพวกเขาถูกครอบงำด้วยอารมณ์แห่งความสิ้นหวังและความหายนะ การรับรู้ความเป็นจริงแบบธรรมชาตินิยมอย่างเฉื่อยชา (ในวรรณกรรมและจิตรกรรม) หรือละครเพลง การอธิบายแบบผิวเผิน และอารมณ์ที่เกินจริง (ในดนตรี) แม้ว่าเวอริสต์จะไม่แพร่หลายในงานศิลปะชั้นสูงของอิตาลี แต่ก็มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวโน้มความสมจริงในกระบวนการทางศิลปะของโลก

ปรมาจารย์แห่งเวริสโม: ฟรานเชสโก เปาโล มิเชตติ, จูเซปเป้ เปลลิซซา ดา โวลเปโด, วินเชนโซ เวลา, ฟรานเชสโก ฮาเยซ, จิโอวานนี ฟัตโตรี, ซิลเวสโตร เลกา

วิดีโออาร์ต

ครอบครัวหุ่นยนต์ Nam June Paik ปี 1976

ศิลปะวิดีโอเป็นกระแสศิลปะทัศนศิลป์ในช่วงสามทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 ที่ใช้ศักยภาพของเทคโนโลยีวิดีโอ ซึ่งแตกต่างจากโทรทัศน์ที่มุ่งหมายให้มีการออกอากาศไปยังผู้ชมจำนวนมาก ศิลปะวิดีโอใช้เครื่องรับโทรทัศน์ กล้องวิดีโอ และจอภาพในการจัดแสดงเหตุการณ์พิเศษ และยังผลิตภาพยนตร์ทดลองในจิตวิญญาณของศิลปะแนวความคิด ซึ่งจัดแสดงในพื้นที่จัดนิทรรศการพิเศษ ด้วยความช่วยเหลือของอุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์สมัยใหม่ แสดงให้เห็นว่า "สมองในการดำเนินการ" - เส้นทางภาพจากแนวคิดทางศิลปะไปสู่การนำไปใช้ ผู้ก่อตั้งหลักของศิลปะวิดีโอคือ Nam June Paik ชาวอเมริกันเชื้อสายเกาหลี ศิลปะที่ใช้เทคโนโลยีโทรทัศน์ - ศิลปะวิดีโอ - เกิดขึ้นจากการประท้วงต่อต้านการครอบงำของวัฒนธรรมมวลชน ซึ่งการนำไปใช้สูงสุดคือการออกอากาศทางโทรทัศน์ "บิดา" ของศิลปะวิดีโอ Nam June Paik และ Wolf Vostell ต่างก็ล้อเลียนพลเมืองที่น่าเคารพซึ่งมานั่งพักผ่อนหน้าโทรทัศน์ทุกเย็นในแบบฉบับของตนเอง

ในช่วงทศวรรษที่ 60 วูล์ฟ วอสเทลล์ได้จัดงานต่างๆ ที่มีการปาเค้กครีมใส่โทรทัศน์ มัดด้วยลวดหนาม ฝังอย่างเป็นพิธีการ และแม้กระทั่งยิงด้วยปืนกล นัม จุน ไพค์ ซึ่งเป็นนักดนตรีตามการฝึกหัด ได้แสดงอย่างแยบยลมากขึ้น โดยเริ่มต้นด้วยการทดลอง "การสร้างภาพด้วยดนตรี" จากนั้นเขาก็ได้พัฒนาการสร้างภาพจำลองของสิ่งมีชีวิตที่มีหัว แขน และร่างกายจากจอภาพที่มีขนาดต่างๆ และภาพที่สอดคล้องกัน โดยเรียกสิ่งมีชีวิตเหล่านั้นว่า "แม่" "พ่อ" "ลูก" "ป้า" "ลุง" เป็นต้น

นัมจุน แพ็ก งานใหม่ ปี 1983

วิดีโออาร์ตถือได้ว่าเป็นงานศิลปะรูปแบบใหม่ที่เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 60 ซึ่งยังไม่มีกล้องวิดีโอ แต่ในช่วงท้ายของทศวรรษที่ 80 วิดีโออาร์ตถือเป็นงานศิลปะรูปแบบใหม่ เช่นเดียวกับทุกครั้ง ในตอนแรกวิดีโออาร์ตเป็นงานศิลปะของผู้ที่ชื่นชอบงานศิลปะเพียงกลุ่มเดียว แต่เมื่อถึงปลายทศวรรษที่ 80 วิดีโออาร์ตก็กลายเป็นช่องทางสำคัญในการเพิ่มคุณค่าให้กับศิลปะเชิงแสดงออก ผลงานของ Bill Viola ผู้สร้างโลกแห่งภาพที่น่าทึ่งและน่าหลงใหลซึ่งความจริงและจินตนาการเชื่อมโยงกันอย่างซับซ้อนจนเกิดเป็น "ความจริงรูปแบบใหม่" ขึ้นจากภาพเหล่านี้ มีบทบาทสำคัญในเรื่องนี้ ปัจจุบัน ทุกคนต่างรู้ดีว่าชื่อของศิลปินวิดีโออย่าง Viola และ Pike ในศตวรรษที่ 20 มีความสำคัญพอๆ กับชื่อของ Monet และ Van Gogh ในศตวรรษที่ 19 งานศิลปะที่ดีมักจะมีอิทธิพลต่อบุคคลเสมอ โดยกระตุ้นความรู้สึก ความคิด แนวคิด และการกระทำในตัวเขา วิดีโออาร์ตมีอิทธิพลทางเทคนิคที่แข็งแกร่งกว่าภาพวาด กราฟิก และประติมากรรม บางทีชีวิตเท่านั้นที่สามารถแข่งขันกับวิดีโออาร์ตได้ในแง่ของความเข้มข้นของผลกระทบ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปะที่น่าเชื่อถือที่สุดนี้ถูกเรียกว่า "การหลบหนีเข้าสู่ความจริง" โดยวูล์ฟ วอสเทลล์

การแยกทางเรขาคณิต

องค์ประกอบ Lyubov Popova, 2460

เรขาคณิตนามธรรม (ชื่ออื่นๆ คือ นามธรรมเย็น, ตรรกะ, นามธรรมทางปัญญา) เป็นการเคลื่อนไหวในศิลปะนามธรรมที่มีพื้นฐานบนการสร้างพื้นที่ศิลปะด้วยการผสมผสานรูปทรงเรขาคณิตต่างๆ ระนาบสี เส้นตรงและเส้นประ

แนวคิดนามธรรมเชิงเรขาคณิตเกิดขึ้นจากการค้นคว้าของ Paul Cezanne และกลุ่มคิวบิสม์ ซึ่งเป็นคนแรกที่เดินตามเส้นทางแห่งการบิดเบือนธรรมชาติเพื่อค้นหา "ความจริงใหม่" แนวคิดดังกล่าวมีสาขาย่อยหลายสาขา ในรัสเซีย แนวคิด Rayonism ของ M. Larionov เกิดขึ้นจากปฏิกิริยาที่แปลกประหลาดต่อการค้นพบล่าสุดในฟิสิกส์ แนวคิด "การไม่มีความเป็นกลาง" ของ O. Rozanova, L. Popova และ V. Tatlin ซึ่งต่อมากลายเป็นแนวคิดสร้างสรรค์ แนวคิด supermatism ของ K. Malevich ซึ่งการไม่มีความเป็นกลางถือเป็น "ความสมจริงแบบภาพใหม่" ในฝรั่งเศส แนวคิด Orphism ของ Robert Delaunay บางส่วน แต่ตัวแทนหลักของแนวคิดนี้คือกลุ่ม "Style" ("De Stijl") ของเนเธอร์แลนด์ นำโดย P. Mondrian และ T. Van Doesburg ซึ่งเสนอแนวคิดของ neoplasticism ซึ่งเป็นศิลปะของความยืดหยุ่นอย่างแท้จริง ซึ่งมีหน้าที่ในการชำระล้างธรรมชาติจากความหลากหลายที่เป็นภาพลวงตาและเปิดเผยโครงร่างหลักที่ซ่อนอยู่ในนั้น

มิคาอิล ลาริโอนอฟ นักอาบน้ำ ปี 1909

รูปทรงเรขาคณิตแบบนามธรรมซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ การออกแบบ อุตสาหกรรม ศิลปะตกแต่ง และศิลปะประยุกต์ ยังคงเป็นแนวโน้มที่โดดเด่นในงานศิลปะจนถึงจุดสิ้นสุด

สงครามโลกครั้งที่ 2 ในช่วงทศวรรษปี 1950 “กระแสของการแสดงออกเชิงนามธรรม” (tachisme หรือ abstract expressionism) กลายมาเป็นกระแสหลัก

Olga Rozanova ประพันธ์เพลงด้วยรถไฟ ปี 1911

อย่างไรก็ตามในช่วงทศวรรษ 1960 เมื่อศิลปะมินิมอลและออปอาร์ตเริ่มปรากฏขึ้นบนวงการศิลปะ ศิลปะนามธรรมเชิงเรขาคณิตจึงได้ถือกำเนิดขึ้นอีกครั้ง

ผู้เชี่ยวชาญด้านนามธรรมทางเรขาคณิต: Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Olga Rozanova, Lyubov Popova, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Josef Albers, Frank Stella, Jules Olitski, Victor Vasarely, Bridget Riley

ความเหนือจริง

ริชาร์ด เอสเตส สตรีท

ไฮเปอร์เรียลลิสม์ (ชื่ออื่นๆ: ซูเปอร์เรียลลิสม์, โฟโตเรียลลิสม์, เรียลลิสม์เย็น, เรียลลิสม์รุนแรง) เป็นกระแสทางศิลปะในงานจิตรกรรมและประติมากรรมที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในช่วงคริสต์ทศวรรษ 1960 และแพร่กระจายในยุโรปในช่วงคริสต์ทศวรรษ 1970

ไฮเปอร์เรียลลิสม์เป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะเชิงรูปธรรม โดยอิงจากความแม่นยำและรายละเอียดที่พิถีพิถันในการสร้างภาพจำลองที่เหมือนจริง ซึ่งเลียนแบบลักษณะเฉพาะของการถ่ายภาพ ผลงานของไฮเปอร์เรียลลิสม์เป็นภาพถ่ายที่คัดลอกมาอย่างพิถีพิถันและขยายให้ใหญ่เท่าผืนผ้าใบขนาดใหญ่

ดอน เอ็ดดี้ รถรุ่นเก่า

ศิลปินบางคนที่ทำงานในแนวทางนี้ใช้ภาพถ่ายและสไลด์สีเป็นพื้นฐานสำหรับผลงานของพวกเขา ขณะเดียวกัน คุณลักษณะทั้งหมดของภาพถ่ายก็ได้รับการเก็บรักษาไว้ โดยศิลปินใช้เทคนิคการคัดลอกเชิงกล เช่น การฉายสไลด์ การเคลือบ การใช้แอร์บรัชแทนแปรง การเคลือบอิมัลชัน เป็นต้น การใช้เทคโนโลยีดังกล่าวไม่ใช่เรื่องบังเอิญ แต่เน้นย้ำถึงธรรมชาติของกลไก ขจัดการมีอยู่ของมนุษย์ออกจากกระบวนการสร้างสรรค์ ราวกับว่าพยายามขัดขวางวิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินที่มีต่อโลก บางทีนี่อาจเป็นสาเหตุที่โลกแห่งความสมจริงเกินจริงดูไร้ชีวิตชีวา เย็นชา และแยกออกจากความเป็นจริงเหนือจริงของผู้ชม

ราล์ฟ โกอิงส์ วันฤดูร้อน

เป้าหมายของไฮเปอร์เรียลลิสม์คือการพรรณนาถึงความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน โดยมีธีมหลักคือชีวิตในเมืองสมัยใหม่ที่ไร้ตัวตนและไร้มนุษยธรรม ระบบการใช้ชีวิตที่ไร้ตัวตนในโลกที่โหดร้ายและหยาบกระด้าง เนื้อหาของภาพนั้นจงใจให้ดูธรรมดา และภาพต่างๆ นั้นก็ "เป็นกลาง" อย่างชัดเจน รถยนต์ อาคารที่อยู่อาศัย ร้านอาหาร ปั๊มน้ำมัน ตู้โทรศัพท์ ป้ายโฆษณา และในบางครั้งยังมีผู้คนที่มีชีวิต - "ตัวละครจากท้องถนน" ซึ่งภาพเหล่านั้นมีสีสันที่เสียดสีหรือเต็มไปด้วยความสิ้นหวัง ภาพวาดเหล่านี้สร้างภาพของความเป็นจริง แต่ไม่ใช่ของจริง แต่สะท้อนให้เห็นในความหลากหลายของมันในหน้าต่างกระจกของร้านค้า ในตัวถังรถที่ขัดเงา ในหินแกรนิตที่ขัดเงาจนเป็นมันเงา การเล่นของเงาสะท้อนเหล่านี้ ซึ่งสร้างขึ้นซ้ำแล้วซ้ำเล่าโดยศิลปิน ทำให้เกิดความรู้สึกถึงการแทรกซึมของพื้นที่เชิงพื้นที่ ความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนของแผนที่ทำให้ผู้ชมสับสน ทำให้เกิดความรู้สึกไม่จริง

ปรมาจารย์แห่งความสมจริงขั้นสุด: Don Eddy, Richard Estes, Chuck Close, Ralph Goings, Malcolm Morley, Mel Ramos, Audrey Flack, Robert Cottingham, Ben Schoentzeit, J.D. de Andrea, Duane Hanson, Graham Dean, Michael English, Michael Leonard